钢琴演奏中的艺术构思
莫扎特钢琴奏鸣曲K.333第一乐章之演奏分析
莫扎特钢琴奏鸣曲K.333第一乐章之演奏分析1. 引言1.1 音乐背景介绍莫扎特钢琴奏鸣曲K.333第一乐章是莫扎特于1778年创作的作品，属于莫扎特钢琴奏鸣曲中的代表作之一。
这首奏鸣曲具有典型的浪漫主义风格，融合了莫扎特独特的旋律构思和和谐技巧，展现了他卓越的音乐天赋和创作才华。
在18世纪末至19世纪初，欧洲音乐界受到古典主义音乐的影响，作曲家们开始探索新的音乐形式和表现方式。
莫扎特作为古典主义音乐的代表人物之一，在钢琴奏鸣曲创作中不断突破传统，借鉴巴洛克时期的对位法和轮廓分明的风格，同时注入了更多抒情和情感的元素，为后来浪漫主义音乐的发展奠定了基础。
莫扎特钢琴奏鸣曲K.333第一乐章的音乐语言清晰流畅，充满了变化多端的旋律和和声变化，展现出莫扎特对音乐结构的精湛掌握和丰富想象力。
这首乐曲不仅在音乐形式上具有很高的技术要求，同时也要求演奏者对乐曲情感的传达和表现力的运用。
通过深入分析这首乐曲，可以更好地理解莫扎特音乐的魅力和深层内涵。
1.2 演奏者介绍这首莫扎特钢琴奏鸣曲K.333第一乐章，被誉为莫扎特钢琴作品中的杰作之一，具有极高的艺术价值和演奏难度。
而在演奏这首乐曲时，演奏者的背景和水平也起着至关重要的作用。
演奏者介绍：在演奏这首曲目时，需要一个具有扎实的钢琴演奏技巧和丰富的音乐理解能力的演奏者。
只有具有深厚的音乐素养和对莫扎特音乐风格的独特把握的演奏者，才能展现出这首乐曲的精髓和内涵。
演奏者的音乐背景和学术造诣都必须达到一定的水平，才能真正演绎出这首曲目的完美之处。
除了音乐背景之外，演奏者的个人魅力和表现力也是至关重要的。
他们需要有独特的音乐感悟力和情感表达能力，才能真正打动听众，让听众感受到曲子的魅力和深度。
在选择演奏这首曲目的演奏者时，除了技术水平之外，还需要考虑其艺术表现力和个人风格，这样才能诠释出这首乐曲的真正意义和魅力。
2. 正文2.1 乐曲结构分析莫扎特钢琴奏鸣曲K.333第一乐章，是一首典型的古典时期钢琴奏鸣曲。
钢琴演奏中“琴”与“情”的结合分析
钢琴演奏中“琴”与“情”的结合分析[内容摘要]：在钢琴演奏中基本功是钢琴演奏的基础，技巧则是钢琴演奏的重点，而最重要的是要达到“琴”与“情”的结合，它能直接影响到曲子的体现和演奏效果。
[关键词]：基本功技巧“人”“琴”“情”“气”的结合音乐是为了表达情感而存在的，所以情感在音乐中是不可或缺的重要部分，在钢琴的演奏中也无一例外，那么如何才能做到“琴”与“情”的结合，从而把一首曲子很好的表现出来呢？它必须是“人琴合一”“人音合一”，也就是“人”“琴”“音乐”三者融为一体。
这就是钢琴演奏的最高境界，而要达到这种境界，笔者认为可以从以下几个方面去做。
一、首先练就扎实的基本功1.1 所谓基本功就是钢琴演奏所需要的最基础的技术，也就是我们在演奏时应该注意手指的活动能力和技巧，它包括：音的强弱控制、识谱能力、触键、音色的控制和手腕的放松……，这些都属于钢琴基本功的范畴。
千里之行始于足下，只有打好坚实音乐基础才能在以后的练习和弹奏中找到一定的技巧，才能把作品主题表达出来，给听者一种美的享受。
1.2 钢琴基本功的训练应该从小就开始，因为在童年时获得的印象往往是人一生中最持久的，大多数人都认为我们在十岁前学习和练习的乐曲要比我们在成年时学习和练习的乐曲记得更牢固，因此儿童时代的学习、练习和积累，对于一个人一生的钢琴演奏都将是极为重要的。
特别是那些对于以后要从事音乐事业的儿童，更应该在从童年时就在适应其自身的健康和接受能力的情况下，接受尽量多的音乐教育和键盘练习。
众所周知儿童要比成年人学得快得多——这不仅因为随着学生各方面的发展，训练越来越复杂，同时也因为儿童大脑的接受能力比成年人要大得多。
已有相关资料证明八岁至十二岁的儿童，音乐学习方面的吸收能力简直是无限的，十二岁到二十岁就相对减弱些，二十岁到三十岁更为减弱，到了三十岁至四十岁常常是弱得可怜了。
1.3 所有的老师都认识到在幼年时要给学生尽可能好的训练，而有的家长则认为“我的小孩刚开始学琴，随便哪个老师都行”其实这种想法是错误的，因为小孩的模仿能力是最强的，如果老师的方法不对或是错误的，那么直接会影响到孩子将来的发展，一旦这种习惯形成，在以后的弹奏中是很难更正的。
钢琴作品《五魁》艺术特征及演奏分析
131SONG OF YELLOW RIVER 2022/ 16钢琴作品《五魁》艺术特征及演奏分析李 轩摘 要：钢琴作品《五魁》是美国华人作曲家周龙在借鉴我国传统歌舞题材的基础上创作的。
作品的艺术特征与演奏技巧独特，要想提高演奏水平，需充分掌握钢琴作品《五魁》的艺术特性，包括时代背景与音乐结构等，明确把握作品的演奏要点，以达到理想的演奏效果，带动自身艺术造诣水平的提升。
本文主要对钢琴作品《五魁》艺术特征及演奏要点进行阐述，希望对钢琴作品艺术价值的充分挖掘起到积极参照作用。
关键词：钢琴作品；《五魁》；艺术特征；演奏中图分类号：J624.1 文献标识码：A作者简介：李轩（1978-），女，硕士研究生，天津音乐学院音乐教育系讲师。
钢琴作品的创作背景和借鉴题材及情感风格等，决定了其时代性和艺术性及审美性等特点，把握钢琴作品的艺术构成要素，是演奏的先决条件。
因此，需深入挖掘其艺术魅力和文化价值。
钢琴作品《五魁》蕴含丰富的传统民族音乐元素，兼具爵士等风格，无论是在音乐结构，还需在节奏与速度等方面，都渗透着诸多演奏的技巧。
作品演奏的标准及要求较高，值得深入研究。
一、钢琴作品《五魁》的时代背景钢琴作品《五魁》诞生于1983年，也是我国艺术领域发展势头正猛的年代。
周龙采取独特的作曲方式及素材，在西方个性与新潮创作理念的影响下，实现了其与中国民族优秀文化的有机整合，对上世纪80年代的中国乐坛发展起到了积极带动作用。
上世纪80年代的中国乐坛发展深受西方音乐文化的影响，音乐作品在继承传统的基础上，在创作手法与题材和立意等方面更加新颖大胆。
此时的音乐作品艺术魅力更加突出，在数控技法和太极作曲系统及十二音技法等现代作曲技术的推动下，作品的律动感更强且极具异域风情。
周龙的钢琴作品《五魁》构思，依据东北满族舞蹈性的文化素材，在钢琴教育家朱工一教授的指点下，进一步明确了钢琴独奏作品的艺术框架。
钢琴作品《五魁》实现了西方的作曲技法和现代和声与本土的民族传统文化的有机整合。
钢琴曲《皮黄》的音乐特征和演奏技巧分析
钢琴曲《皮黄》的音乐特征和演奏技巧分析1. 引言1.1 钢琴曲《皮黄》的背景介绍钢琴曲《皮黄》是一首由中国著名作曲家赵孟頫创作的钢琴曲。
这首曲子旨在展现中国传统文化元素与现代音乐的完美结合，融合了古典与现代的音乐风格，带有浓厚的中国风情。
《皮黄》是赵孟頫为纪念自己的一只叫皮黄的宠物狗而创作的，曲子中充满了对这只狗狗的深深怀念和感悟。
曲中旋律跌宕起伏，富有情感，表现出作曲家对生活、对自然的热爱和感慨。
钢琴曲《皮黄》的创作灵感来源于赵孟頫平日里与皮黄在一起的时光，是对这段珍贵时光的怀念和致敬。
整个曲子不仅在旋律上具有独特的特色，同时也运用了复杂的和弦、变化的节奏和丰富的音色，使得整个曲子更富有层次感和表现力。
通过这首曲子，赵孟頫希望能够让人们感受到对生活、对友谊、对爱的真挚情感，同时也展现了钢琴音乐的魅力和艺术性。
1.2 音乐特征的重要性音乐特征是音乐作品中的核心元素，它决定了作品的风格和氛围，也是演奏者表现作品的关键。
在钢琴曲《皮黄》中，音乐特征的重要性尤为突出。
这首曲子的音乐特征包括曲调、节奏、和声、旋律等元素，这些特征决定了曲子的整体效果和情感表达。
演奏者需要对这些特征进行深入分析，才能准确把握曲子的意境和情感。
音乐特征也直接影响着演奏者的技术要求。
在《皮黄》这首曲子中，节奏转换频繁，音符密集，需要演奏者具备较高的技术水平才能准确演奏出曲子的精髓。
音调的跳转和和弦的变化也对演奏者的手指灵活性和力度控制提出了较高的要求。
了解音乐特征并将其融入到演奏中，对于提高演奏的质量和表现力至关重要。
音乐特征在钢琴曲《皮黄》中具有至关重要的作用，它不仅决定了作品的风格和情感表达，还直接影响着演奏者的技术要求和表现效果。
在学习和演奏这首曲子时，深入分析音乐特征，准确把握作品的特点，是提高演奏水平和表现力的关键。
2. 正文2.1 曲谱分析曲谱分析是对钢琴曲《皮黄》的乐谱进行深入解析和探讨，通过对曲谱的结构和特点进行分析，可以更好地理解曲目的音乐内涵和表现方式。
钢琴欣赏感悟-概述说明以及解释
钢琴欣赏感悟-概述说明以及解释1.引言1.1 概述钢琴作为一种艺术形式和音乐表达的工具，拥有丰富而深远的历史和文化底蕴。
它的音色温暖动听，琴键的触感细腻灵活，使得钢琴成为了许多音乐家和听众的最爱。
钢琴欣赏作为一种审美体验，可以带给人们无尽的情感和思考。
本文旨在通过对钢琴欣赏的感悟，探讨其独特之处以及对人们心灵的触动。
首先，我们将介绍钢琴欣赏所涉及的核心要素，如音乐构成、演奏技巧等。
其次，我们将探讨钢琴音乐如何传达情感和表达思想的能力，以及不同曲目在情感表达上的差异。
最后，我们将从受众的角度出发，思考钢琴欣赏对个体情感和心理发展的影响。
通过对钢琴音乐的悉心欣赏，我们能够体验到音乐的美妙与魅力。
每一个音符都承载着音乐家的情感和用心，通过演奏者的指尖传递给听众的内心。
无论是激昂澎湃的音乐还是细腻柔情的旋律，钢琴音乐都具备让人心醉神迷的能力。
在繁忙的都市生活中，适当地欣赏钢琴音乐可以让人们释放压力，找到内心的宁静与平衡。
钢琴欣赏也是一种审美修养的体现。
通过对钢琴曲目的聆听和分析，我们可以提高对于音乐的理解和品味能力。
不同风格的钢琴曲目代表着不同的音乐流派与文化背景，因此，欣赏钢琴音乐也是一次对不同文化的了解和尊重。
同时，欣赏钢琴演奏的技巧与艺术风格也能够启发我们的创造力和表达能力。
总之，钢琴欣赏是一种独特而美妙的体验，它能够带给我们情感的共鸣和思想的启发。
通过对钢琴音乐的聆听，我们能够感受到音乐带给我们的温暖、快乐和深思。
因此，钢琴欣赏不仅仅是一种娱乐活动，更是一种心灵的沟通和启迪。
在日常生活中，我们应该多给自己留出欣赏音乐的时间，让纯粹的音乐之声陪伴我们度过美好的时光。
1.2文章结构文章结构的设计是为了使读者更好地理解和欣赏钢琴音乐，同时也能够使文章逻辑清晰、层次分明。
下面是文章结构的具体内容：2. 正文：2.1 第一个要点：在这一部分中，我们将探讨钢琴音乐中的技巧和表演方式。
通过分析不同的演奏技巧，我们可以更好地理解钢琴音乐的变化和表现力，从而进一步提升对钢琴演奏的欣赏水平。
钢琴套曲《图画展览会》的艺术特征与演奏技巧分析
钢琴套曲《图画展览会》的艺术特征与演奏技巧分析【摘要】钢琴套曲《图画展览会》是俄国作曲家穆索尔斯基的代表作品之一，表现了他对莫迪安尼等画家的赞美之情。
本文将从作曲背景介绍、音乐风格分析、乐曲结构分析、演奏技巧探讨以及情感表达与演绎等方面，深入探讨这部套曲的艺术特征和演奏技巧。
穆索尔斯基在这部作品中巧妙地融合了不同的绘画形式和风格，通过音乐表现了不同画作所带来的视觉冲击和情感共鸣。
钢琴演奏家在演奏这部曲目时需要注意体现出不同画作的特点和情感内涵，以达到更好的表现效果。
通过本文的分析，读者能够更深入地了解《图画展览会》的魅力所在，并对其演奏技巧有更为清晰的认识。
【关键词】钢琴套曲, 图画展览会, 艺术特征, 演奏技巧, 作曲背景, 音乐风格, 乐曲结构, 情感表达, 演绎, 总结, 展望1. 引言1.1 钢琴套曲《图画展览会》的艺术特征与演奏技巧分析《图画展览会》是俄国作曲家穆索尔斯基为钢琴创作的一组套曲作品，其中每一首乐曲都以一个画展为题材，描绘了不同的画作和场景。
这部作品被认为是穆索尔斯基最具代表性的作品之一，展示了他丰富的想象力和独特的创作才华。
在这部套曲中，穆索尔斯基通过各种音乐手法和技巧，成功地将不同的画作的景象和情感进行了生动地描绘和表达。
从悲伤到欢快，从神秘到活泼，每一首乐曲都展现出了丰富的情感和细腻的表现力。
演奏者需要通过准确的音符表现、灵活的手指技巧和深刻的理解力，来完美地诠释每一首乐曲所表达的情感和意境。
对于钢琴演奏者而言，掌握好套曲中的节奏变化、音色转换和情感表达是至关重要的。
他们需要通过细致的练习和深入的理解，才能真正地将穆索尔斯基所创作的音乐语言和艺术魅力完美地展现出来。
钢琴套曲《图画展览会》不仅是一部音乐作品，更是一次对音乐艺术的深刻探索和领悟。
2. 正文2.1 作曲背景介绍《图画展览会》是俄国作曲家莫德斯托·穆索尔斯基为钢琴而作的12首套曲，每一首曲子都是基于一幅绘画而创作的。
李斯特超级练习曲《回忆》的艺术特征
李斯特超级练习曲《回忆》的艺术特征【摘要】李斯特超级练习曲《回忆》是一首技术含量极高的钢琴曲，其特征包括快速的音阶、跳跃的音程和复杂的手指技巧。
在情感表达方面，这首曲子带有浓厚的浪漫主义色彩，表现出对过去回忆的怀旧和感伤之情。
音乐结构上，曲子分为多个段落，包含了变化丰富的旋律和和声。
演奏要求极高，需要演奏者具备出色的手指灵活性和速度控制能力。
艺术表现上，这首曲子强调情感表达和演奏技巧的完美结合，展现出李斯特作为浪漫主义音乐大师的独特魅力。
李斯特超级练习曲《回忆》集技术性、情感表达、音乐结构、演奏要求和艺术表现于一体，成为钢琴演奏的经典之作。
【关键词】李斯特，超级练习曲，回忆，艺术特征，技术性，情感表达，音乐结构，演奏要求，艺术表现，总结1. 引言1.1 介绍李斯特超级练习曲《回忆》李斯特超级练习曲《回忆》是匈牙利作曲家、钢琴演奏家李斯特创作的一首技术难度极高的钢琴练习曲。
这首曲子被认为是钢琴练习曲中的经典之作，以其复杂的技巧和深刻的情感而闻名于世。
《回忆》这个名称体现了作曲家对过往回忆的深情怀，同时也预示了演奏者需要将自己的记忆和情感融入到演奏中。
这首曲子的曲式为A-B-A，表现了李斯特对于音乐结构的精湛把握。
曲中穿插了大量的音阶、琶音、跳跃等技巧要求，对演奏者的手指灵活性和技术功底有着极高的要求。
曲子的情感表达也是其独特之处，通过变化多样的音乐元素展现了作曲家对于悲伤、怀念、痛苦等复杂情感的描绘。
李斯特超级练习曲《回忆》是一首融合了高超技巧、深刻情感和精致音乐结构的钢琴练习曲，堪称钢琴音乐中的经典之作。
演奏这首曲子需要演奏者有着高超的技术水平和深厚的情感表达能力，将自己的灵魂融入到每个音符中，才能真正展现出这首曲子的艺术魅力。
2. 正文2.1 李斯特超级练习曲《回忆》的技术性特征李斯特超级练习曲《回忆》在技术性特征方面展现了李斯特作为浪漫主义钢琴大师的高超技巧。
这首练习曲要求演奏者具备强大的手指灵活性和独立性。
柴可夫斯基钢琴曲《杜姆卡》的音乐意境和演奏分析
柴可夫斯基钢琴曲《杜姆卡》的音乐意境和演奏分析1. 引言1.1 介绍柴可夫斯基钢琴曲《杜姆卡》柴可夫斯基钢琴曲《杜姆卡》是一首具有浓厚俄罗斯民俗风格的钢琴曲，是柴可夫斯基晚年创作的代表作之一。
这首曲子以其独特的旋律和丰富的情感表达而备受听众喜爱。
《杜姆卡》这个词来自于俄罗斯的乐器名称，曲子的灵感也来源于乌克兰的民间舞曲。
通过柴可夫斯基独特的和声处理和精湛的旋律构思，这首曲子传达出了一种欢快、轻快但又略带伤感和惆怅的情感。
在柴可夫斯基的作品中，《杜姆卡》被认为是一种结合了古典音乐元素和俄罗斯民间音乐特色的杰作。
曲子中充满了俄罗斯舞曲的元素，旋律优美动人，节奏感强烈，给人一种欢快舞蹈的感觉。
同时，曲子还融入了柴可夫斯基独有的浪漫主义情感和复杂的和声变化，表现出了深沉的内心世界和情感表达。
通过对柴可夫斯基钢琴曲《杜姆卡》的介绍，我们可以更好地理解这首作品的音乐特点和情感内涵，为之后的分析和演奏提供更深入的认识和理解。
1.2 阐述本文目的本文旨在通过对柴可夫斯基钢琴曲《杜姆卡》的音乐意境和演奏分析，探讨其独特的情感表达和演奏要点。
通过对作品的分析，我们将深入挖掘曲中所蕴含的情感内核，解析其音乐特色和技术要求，以及演奏中可能面临的挑战，从而帮助演奏者更好地理解并演绎这部具有挑战性和表现力的钢琴曲目。
通过本文的分析与探讨，我们旨在为演奏《杜姆卡》的钢琴演奏者提供一些技术上的指导和演奏实例分析，帮助他们更好地准确把握乐曲的音乐特点和情感内涵，提高其演奏水平和表现力。
同时也希望能够引起更多音乐爱好者和专家学者对这部作品的关注和研究，进一步探讨柴可夫斯基这一杰出作曲家在音乐创作上的贡献和独特魅力。
2. 正文2.1 柴可夫斯基钢琴曲《杜姆卡》的音乐意境柴可夫斯基钢琴曲《杜姆卡》是一首充满激情和深情的作品。
整首曲子分为几个部分，每一部分都展现出不同的音乐意境和情感。
首先，开头的快板部分带有活泼轻快的音乐感，表现出一种欢快轻松的氛围，仿佛在欢庆和庆祝某种喜事。
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钢琴演奏中的艺术构思
音乐不同于诗歌、散文，可以通过语言文字直接表达感情，也不象绘画、雕塑给人的是一目了然的形象。
音乐是抽象的艺术，是运用音响效果换取听众思维上的共鸣而产生的心理感知过程，这种感知过程是一种情感勃发过程，它使人大脑产生各种音乐形象，使抽象的音乐具象化。
钢琴演奏也是如此，当我们演奏一首乐曲时，如果脑海中没有形成完整的音乐形象，没有对不同的音响效果、旋律层次以及和声色彩、力度的变换，以及与音乐要表达的内涵的融合与同构，那将很难使抽象的音乐具有生命的旋律感，更谈不上意境的表现。
但是没有对音乐的理解和分析，只凭知觉去表现音乐，又会因滥用感情，歪曲作者原意，贻误听众文化审美观念的正确形成，形成审美价值判断误区。
所以作为一个演奏者对乐曲的艺术构思是至关重要的，这是演奏者继作曲家创作之后的再度创作，这种再创作的音乐形象是通过充分发挥演奏者对音乐的想象与创造能力，而产生的整体的艺术构思。
一、钢琴演奏中音乐内容的艺术构思
K．C．斯坦尼斯拉夫斯基在他的《演员自我修养》一书中是这样描述演员创造角色的过程的：“我们是全部从作者和导演那里得来的材料都通过：我们在自己理复制这种材料，用自己的想象补充它，使它获得生命。
我们和它融为一体，在心理和形体上都生活于其中；我们通过所扮演人物的热情和情感，创作出活生生的、典型的形象。
”我们所以引用K．C．斯坦尼斯拉夫斯基的话是因为各类艺术的功能主要是取悦人的感官刺激，因此它的构架与手法应该是相通的，涉猎一下其他门类艺术，对提高自己的演奏有着不可或缺的意义，音乐演奏者和演员一样，其任务在于深入作品内容，然后尽可能真实的再现其内容。
我们通过理解乐曲和分析乐曲，把我们从乐曲中体会到的情感与自己亲身经历过的类似情感体验融合起来，在演奏中将音乐内容在大脑中具像化，就像为每一段音乐编配图象与情节一样，让乐曲的演
奏始终贯穿在栩栩如生的画面之中。
这样会非常有助于音乐的演奏与处理，有利于培养自己的乐感，进一步提高自己的演奏水平。
在钢琴演奏中，对乐曲的联想性情感和演奏者个人具有的阅历和素养的积累是分不开的，所以演奏者要特别注重琴外功夫的修养，如对大自然的热爱，对人类悲欢喜怒、自豪、旷达情感的体验；对电影、戏剧、歌舞、文学诗歌等姊妹艺术的修养是音乐内容艺术构思的重要源泉。
二、钢琴演奏中的音响构思
音乐是听觉艺术，听觉艺术是声音在音乐家头脑中能动的反映的产物。
从音响美学的角度来讲，音乐虽是非描述性、非语义性的，却以抒情见长，以刻画音乐性格为主。
因为“音响效果能表达相当多的内涵，有时甚至能产生巨大的情绪感染力”。
闻声而知情，古典美学指出：“钟鼓之声，怒而击则武，忧而击则背，喜而击则乐。
其志变，其声亦变”。
在艺术创作中借用一些具体可感的形象或音响，传达表现一种概括的思想感情，因此从音响美学的角度我们可以得出音响的构思对钢琴演奏立美、审美的至关重要的结论。
我们在演奏一首乐曲之前，就要想象好我们所需的音响效果，要让表现某种特定情感或内容的声音走在手前面，想好再弹，要知道每一个音都将会产生什么样的声音效果。
一首乐曲不可能自始至终都是一种音色，古人所云：“墨分五色，琴分七律”，就是强调艺术中需要层次的变换和韵染给人以美感。
每首乐曲都会有不同的声音层次，乐曲的层次首先要靠理性的分析，使自己对音乐有明确的层次设计，包括旋律本身的层次，和声效果浓淡的层次，声部之间主次交替的层次，特别是力度强弱对比的层次及音色的变化。
只有这样，乐曲的演奏才会显得生动而鲜明，才能打动听众。
我们还要培养自己内在听觉和外在听觉的能力。
内在听觉是建立在创造性思维上的，是通过在心中默唱和想象对乐曲音响进行感受。
用内在听觉想象并感受旋律所表达的情感。
外在听觉是在双手进行弹奏的同时能清楚的听到音响的效果如何。
有些演奏者在演奏时由于情感的过分投入，致使内耳听觉失灵，无法驾驭声音达到音乐艺术构思
的目标，致使演奏的音响也差强人意。
为了达到音响构思的效果，我们的耳朵要象一个指挥家一样，时时刻刻注意自己手指间流出的每个音符是否达到要求。
笔者认为培养内外听觉的一个好的办法就是“多听”、“多唱”、“多感受”。
多听，就是在平时大量的听各种体裁风格的音乐作品，如交响乐、室内乐、歌剧、舞剧音乐、戏曲以及各类器乐作品，在大脑里尽可能的储存大量丰富多采的音响，为音乐构思积累素材。
多唱，就是我们无论在读谱还是在弹琴的过程中要不停的唱旋律。
这样有助于培养自己的乐感和音乐线条感。
多感受，我们无论是用心听还是用嘴唱，都只有一个目的：感受和理解音乐。
所以在听和弹的时候要知道为什么要用这样的音响和音色?应该表达什么内容?将我们对音乐的感悟化为动人的音响艺术，这样我们才能真正达到“琴人合一”的境界。
三、钢琴演奏中触键技巧的艺术构思
巴洛克时期的键盘音乐和浪漫主义钢琴音乐作品都因乐器构造的差异，有不同的音乐风格和表演手法，而古典主义钢琴音乐与印象主义钢琴音乐因文化审美的不同，同样存在不同的表现手法，在钢琴演奏中演奏者是通过触键的不同方式产生的音响效果来表达作品的思想内涵和情感的。
针对不同风格的钢琴音乐，我们在演奏中必须进行触键技巧的艺术构思，使其达到不同风格作品的音响效果。
在弹奏中手指触键的方法有很多，有轻触键与深触键、面触键与点触键等等，我们要根据不同的声音要求设计不同的触键方法。
当表现轻柔的、缓慢的声音时我们就要选择轻触键的方法，手臂要微微抬起，手掌要有韧性，手指的触键面要多，下键要有柔韧性。
当构思表现沉重悲伤的情感时我们就要选择重量触键，通过肩臂重量让手指力量完全沉到键底，以浓郁、深厚的音色表现此情此景。
当构思表现热情强烈快速的音响时，手臂要放松、主动，手掌要尽量的打开，手指触键的速度要快，触键点要集中，使声音宏亮、结实、清晰。
我们在构思触键方法时，必须把触键技术与情感协调统一起来，不要只顾及了动作而忽略了情感的表现。
总之，钢琴演奏的艺术构思是建立在音乐美学、音乐分析学、音乐心理学等交叉学科理论基础上的，它要求演奏者对钢琴艺术发展各历史阶段总体文化潮流和作曲家生平及作曲家的文化观念、创作理念都有准确理解。
针对钢琴音域宽广、音乐丰富、音响幅度大、多声交织等性能和优势，在尊重原作意蕴、内涵的基础上，应给演奏发挥独立想象与创造的空间，将乐谱上的符号变为有血有肉的、流动的音响艺术的思维与操作过程。
艺术构思的宗旨是使演奏者练习和演奏时音乐目的明确，并能从宏观上驾驭作品。
值得提出的是钢琴演奏艺术构思的模式，永远不应该限制演奏者不断探索乐曲新的表现方式的创造力。
对音乐美的无限追求，用钢琴表现人类文化各个历史时期，各个民族音乐文化精神，是我们每个钢琴演奏者和教育者追求和探索的精要。