关于编曲范文
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本文部分内容来自网络整理，本司不为其真实性负责，如有异议或侵权请及时联系，本司将立即删除！== 本文为word格式，下载后可方便编辑和修改！ ==编曲范例篇一：中国风歌曲的编曲制作实例中国风歌曲的编曲制作实例示例曲目：章子怡–天女散花（选自中央电视台201X年春节联欢晚会）作曲：季忠平 / 作词：季忠平 / 编曲：史扬使用软件：Steinberg Cubase / NuendoSteinberg The GrandSpectrasonics Stylus RMXSpectrasonics TrilogyEast West ColossusEast West Symphonic Orchestra Gold EditionEdirol HQ OrchestralImage-Line PoiZoneNative Instruments Kontakt编曲分析：史扬：接到案子的时候时间实在是非常赶，只有不到一天的时间，所以就匆匆开始了，歌名叫“天女散花”，所以让我想到了华丽，飘渺，空灵，幸福，总之编曲一定要非常绚。
但是又考虑到毕竟是在央视春晚用，所以不可以太有个性，要做到中性的华丽。
和声进行：这首歌由于MELODY很“规矩”所以在和声走向上可选择的余地不多，毕竟是主流音乐没有必要在和声上“较劲”，和歌曲贴切最重要，所以我用了大家都最熟悉的一个和声走向—–1，7/5，6，5，4，3/1，2，5。
主歌和副歌的走向是一样的，只是在最后一遍副歌的BIRCK处作了一点点改动。
组织配器：既然决定了华丽的方向，所以我需要配合一些中国风的元素，让歌曲产生一种复古的感觉，因此我还用到了琵琶和古筝。
所以在前奏放了一连串的古筝，钢琴的琶音开始，很顺理成章的大气弦乐，鼓组进来，结束前奏。
A1部分只有钢琴，钢琴插唱的空隙时不时跳出几个音符可以产生对唱的效果。
A2在ARP带引下开始，OBOE，琵琶，古筝，开始相互晖映，和主VOC形成一个不间断的效果。
歌曲的编曲英语作文
歌曲的编曲英语作文The Art of Music Arrangement。
Music arrangement is a crucial aspect of the music production process. It involves the organization and reworking of a piece of music to enhance its overall sound and impact. A well-crafted arrangement can breathe new life into a song, making it more engaging and memorable for the listener. In this essay, we will explore the art of music arrangement and its importance in the music industry.The process of music arrangement begins with the selection of the instruments and sounds that will be used to bring the composition to life. This involves careful consideration of the tone, timbre, and texture of each instrument, as well as their interplay with one another. The arrangement must strike a delicate balance between these elements to create a cohesive and harmonious sonic landscape.Once the instruments have been chosen, the arranger must then determine their roles within the composition. This involves assigning different parts to each instrument, such as melody, harmony, rhythm, and counterpoint. The arrangement must also take into account the dynamics and phrasing of each instrument, ensuring that they complement one another and contribute to the overall emotional impact of the music.In addition to the instrumental elements, the arrangement also encompasses the vocal parts of the composition. This includes the harmonies, backing vocals, and any vocal effects that may be used to enhance the vocal performance. The arrangement must ensure that the vocals are seamlessly integrated with the instrumental elements, creating a unified and cohesive sound.The art of music arrangement also involves the use of technology to enhance the production process. This includes the use of digital audio workstations (DAWs), virtual instruments, and audio effects to manipulate and shape the sound of the music. These tools allow arrangers toexperiment with different sounds and textures, creating a rich and immersive listening experience for the audience.One of the key goals of music arrangement is to create a sense of progression and development within the composition. This involves building and releasing tension through the use of dynamics, instrumentation, and arrangement techniques. A well-crafted arrangement can take the listener on a journey, guiding them through different emotional states and musical landscapes.The importance of music arrangement cannot be overstated in the music industry. A well-arranged piece of music can elevate a song from good to great, capturing the attention and imagination of the listener. It can also make a composition more commercially viable, increasing its appeal to a wider audience.In conclusion, music arrangement is a complex and intricate art form that plays a crucial role in the music production process. It involves careful consideration of instrumentation, vocal elements, technology, and emotionalimpact to create a cohesive and engaging sonic experience. The art of music arrangement is a testament to the creativity and ingenuity of the human spirit, and its impact on the music industry is undeniable.。
编曲课程分享心得体会(2篇)
第1篇一、前言作为一名音乐爱好者，我始终对编曲充满浓厚的兴趣。
近年来，随着我国音乐产业的蓬勃发展，编曲在音乐制作中的地位愈发重要。
为了进一步提升自己的编曲水平，我报名参加了某音乐培训机构开设的编曲课程。
经过一段时间的系统学习，我对编曲有了更加深入的了解，以下是我对这次编曲课程的心得体会。
二、课程内容与收获1. 编曲基础知识课程伊始，老师向我们介绍了编曲的基本概念、编曲软件的使用方法以及音乐制作的基本流程。
通过学习，我掌握了音符、和弦、节奏等基本音乐元素，为后续的编曲创作奠定了基础。
2. 编曲技巧与实战在课程中，老师详细讲解了编曲技巧，包括旋律创作、和声处理、节奏编排、音色搭配等。
同时，结合实际案例，让我们在实践中不断摸索、提高。
以下是我的一些收获：（1）旋律创作：学会运用不同的旋律线条，使音乐更具表现力。
例如，在创作旋律时，要注意旋律的起伏、强弱对比，以及与和声的协调。
（2）和声处理：掌握和声进行规律，合理运用和弦，使音乐更加丰富。
在编曲过程中，要注意和声的稳定性、流畅性以及与旋律的配合。
（3）节奏编排：学会运用不同的节奏型，为音乐注入活力。
在编排节奏时，要考虑节奏的复杂程度与音乐的氛围。
（4）音色搭配：了解各种音色的特点，合理运用音色，使音乐更具层次感。
在编曲过程中，要根据音乐风格和情感需求选择合适的音色。
3. 编曲软件操作课程中，老师详细讲解了编曲软件（如Cubase、FL Studio等）的使用方法，使我们能够熟练运用软件进行编曲创作。
通过学习，我掌握了以下操作技巧：（1）音轨管理：学会创建、编辑、删除音轨，以及调整音轨顺序。
（2）音频编辑：掌握音频剪辑、复制、粘贴等基本操作，实现音频的精准处理。
（3）插件使用：了解各类插件的功能，学会运用插件进行音效处理。
（4）混音技巧：掌握混音的基本原则，学会调整音量、平衡、音色等参数，使音乐更具质感。
三、心得体会1. 编曲需要扎实的基本功编曲并非一蹴而就，而是需要长期积累和练习。
音乐编曲师年度个人工作总结
音乐编曲师年度个人工作总结引言：回顾过去的一年，我作为一名音乐编曲师，经历了许多挑战和机遇。
在这篇文章中，我将以一系列小节标题来详细描述并展开我在过去一年中的个人工作总结。
一、掌握新的音乐技术过去一年中，我投入大量时间和精力来学习和掌握新的音乐技术。
我认识到音乐行业不断发展变化，需要不断更新自己的技能和知识。
在这个小节中，我将讨论我学习的音乐技术和应用。
1.1 专业音乐软件我开始学习和使用一些专业音乐软件，如Ableton Live、Logic Pro和Cubase。
通过学习这些软件，我能够更加高效地进行音乐创作和编曲工作。
同时，这些软件还提供了许多新的音乐效果和特效，使我的音乐作品更加丰富多样。
1.2 数字音频工作站（DAW）技术在掌握专业音乐软件的同时，我也致力于了解和应用数字音频工作站（DAW）技术。
通过学习DAW技术，我能够更好地处理音频和音乐素材，提高编曲的质量和效率。
1.3 MIDI编曲技术MIDI编曲技术在现代音乐制作中起着重要的作用，能够模拟各种不同的乐器声音和效果。
我努力学习和运用MIDI编曲技术，以便在我的音乐作品中实现更多种类和风格的音乐元素。
二、参与多样化的音乐项目在过去的一年中，我积极寻找并参与了许多多样化的音乐项目。
这让我有机会在不同的音乐风格和领域中展示自己的编曲才能。
这个小节中，我将介绍我参与的一些音乐项目，并分享我的经验和学到的东西。
2.1 声乐合唱编曲我与一支声乐合唱团合作，为他们编排和编曲了多首歌曲。
在这个项目中，我学到了如何将不同声部的音乐元素融合在一起，创造出和声悦耳、和谐的音乐效果。
2.2 广告配乐我有幸参与了一些广告配乐项目，为各种产品和品牌制作音乐。
这个过程中，我意识到在短时间内创作简洁而有效的音乐是一项挑战。
通过这些项目，我提高了自己的音乐创作速度和创意。
2.3 电影配乐参与电影配乐项目是我在过去一年中最令我兴奋的经历之一。
我为几部短片和纪录片创作了配乐，这让我感到非常充实和满足。
关于编曲范文
关于编曲范文很多热爱音乐的朋友在网络上、电视上、生活中经常会看到或者听说“编曲”这个词，但是相信很多人都不太了解具体是什么意思。
编曲是现代音乐的概念。
20世纪以后，现代音乐(Contemporary Music)形成，它是各种不同风格当代音乐的集合。
现代作曲家如爵士音乐家、电子音乐家可以给相同的旋律使用不同的乐器伴奏，创作成不同风格的音乐。
此时这样的行为就是编曲，即在不影响原曲主要旋律和内容的情况对乐曲的表现形式做了更多的拓展。
在现代音乐中，特别是流行音乐中，作曲和编曲往往是两个人。
因为当今流行音乐界中很多作曲者的能力只限于创作灵感以及对旋律的把握，而编曲者除了具有旋律的创造能力，更需要有对音乐宏观的把握和创造，极其丰富的理论知识以及经验的积累。
因此我们可以知道，当今作曲者与编曲者之间的关系是：作曲者不一定会编曲，编曲者一定会作曲。
好的编曲者从某一个角度上来说，可以称之为流行音乐家。
在现代音乐中，特别是流行音乐中，作曲和编曲往往是两个人，因为很多作曲者只有对旋律的把握和灵感，而编曲者对于怎样体现这个旋律有着更多的技巧。
假设一个不会编曲的人，是一个不会说故事的人，他尝试着告诉我们他发生的事情，但他不懂讲话技话没有组织能力，就会让听者觉得厌烦。
如果是一个好的编曲者，我们就形容他是个会说故事的人，他就像是一个说演艺术家引导你进入他故事的主题，让你体会故事中的喜、怒、哀、乐，换成音乐的角度，他就是一个成功的编曲者，因为他有他的敏感度，及成功所俱备的要件。
大家应该知道一首曲子如果没有经过编曲的修饰，是很容易被埋没的，一首毫无特色的歌曲，也很有可能在一个编曲者手里浴火重生，在老歌新唱里，我们就会发现这样的例子。
编曲是真正的幕后英雄，为词曲量身定做超级绚丽的外衣。
人说人靠衣装，马靠鞍。
可见，一个好的编曲对于词曲来说，是多么的重要。
现在的流行歌曲的好坏，编曲的重要性绝对要占到七八成以上，完全可以主导一首歌曲的风格走向。
声乐编排总结报告范文(3篇)
第1篇一、前言声乐编排是音乐创作中不可或缺的一个环节，它涉及到歌词、旋律、节奏、和声等多个方面。
在本次声乐编排实践中，我们以一首原创歌曲为例，对声乐编排进行了深入的探讨和实践。
本文将从编排思路、创作过程、和声处理、演唱技巧等方面对本次声乐编排进行总结。
二、编排思路1.明确歌曲主题在编排声乐之前，首先要明确歌曲的主题。
本首歌曲以“青春梦想”为主题，通过讲述青春时期的梦想、追求和成长，表达出对未来的美好憧憬。
2.确定歌曲风格根据主题，确定歌曲的风格。
本首歌曲采用流行摇滚风格，节奏明快，充满活力，以展现青春的朝气。
3.设计歌曲结构歌曲结构包括引子、主歌、副歌、桥段等部分。
根据歌曲主题和风格，设计歌曲结构如下：引子：以吉他扫弦引入，营造青春气息。
主歌：采用四四拍节奏，讲述青春梦想的起点。
副歌：采用二四拍节奏，强调梦想的力量。
桥段：采用三拍子节奏，展现青春成长的历程。
4.安排歌词和旋律根据歌曲结构，安排歌词和旋律。
在编排过程中，注重歌词的意境和旋律的优美，使歌曲更具感染力。
三、创作过程1.歌词创作在创作歌词时，我们以青春梦想为主题，通过描绘青春时期的美好时光，表达出对未来的憧憬。
在歌词中，运用了比喻、拟人等修辞手法，使歌词更具表现力。
2.旋律创作在创作旋律时，我们以流行摇滚风格为基础，结合吉他、贝斯、鼓等乐器，打造出充满活力的旋律。
在旋律进行中，注重旋律的起伏和节奏的变化，使歌曲更具动感。
3.编曲在编曲过程中，我们注重乐器的搭配和和声的运用。
吉他、贝斯、鼓等乐器相互配合，营造出浓厚的青春氛围。
在和声处理上，采用简单的和弦进行，使歌曲更加优美。
四、和声处理1.和弦选择在和弦选择上，我们以流行摇滚风格为基础，运用大调和小调的和弦进行编配。
在副歌部分，采用主和弦、属和弦、副属和弦等和声进行，使歌曲更具层次感。
2.和声织体在和声织体上，我们采用简单的二声部或四声部进行编配。
在主歌部分，采用和声进行与主旋律相结合的方式，使歌曲更具表现力。
学习编曲英文作文
学习编曲英文作文Learning to compose music is a fascinating and rewarding journey that can open up a world of creative expression. As someone who has dedicated countless hours to the art of composition, I can attest to the profound impact it has had on my life. From the moment I first put pen to paper and began to craft my own musical ideas, I have been captivated by the sheer power of this art form to convey emotions, tell stories, and transport listeners to new realms of experience.At its core, the process of composition involves the careful selection and arrangement of musical elements such as melody, harmony, rhythm, and timbre. It requires a deep understanding of music theory, an ear for sound, and a keen sense of artistic vision. But beyond these technical aspects, composing music is also a deeply personal and introspective endeavor, one that allows the composer to delve into the depths of their own creative imagination and bring their unique musical voice to life.One of the most rewarding aspects of learning composition is theopportunity to explore the rich and diverse traditions of music from around the world. From the soaring melodies of classical symphonies to the infectious grooves of jazz and the mesmerizing textures of electronic music, the possibilities for musical expression are truly endless. As a composer, I have found immense joy in delving into these traditions, studying the works of the great masters, and then using that knowledge to inform and inspire my own creative process.Of course, the journey of learning composition is not without its challenges. Crafting a cohesive and compelling musical work requires a level of discipline, patience, and perseverance that can be daunting at times. There are countless decisions to be made, from the choice of instrumentation to the development of harmonic structures, and each one can have a profound impact on the overall character and emotional impact of the piece.But it is precisely these challenges that make the process of composition so rewarding. As I work through the various stages of the creative process, from the initial spark of inspiration to the final polishing and refinement of the piece, I am constantly pushed to think in new and innovative ways, to experiment with different techniques and approaches, and to push the boundaries of my own musical understanding.One of the most important lessons I have learned in my journey as acomposer is the importance of embracing failure and using it as a springboard for growth. Every piece I have written has been a learning experience, a chance to try new things, and to discover what works and what doesn't. And even when a piece doesn't turn out the way I had envisioned, I have found that the process of reflecting on what went wrong and figuring out how to improve has been invaluable in shaping my skills and expanding my creative horizons.Another key aspect of learning composition is the importance of collaboration and community. As a composer, I have had the privilege of working with talented musicians, producers, and other creative professionals who have challenged me to think in new ways and pushed me to explore the boundaries of my own artistic vision. Whether it's collaborating on a film score, working with a chamber ensemble, or participating in a songwriting workshop, these collaborative experiences have been instrumental in helping me to grow and develop as a composer.Moreover, being part of a larger community of composers has also been incredibly rewarding. By sharing our work, exchanging ideas, and supporting one another's creative endeavors, we have created a vibrant and dynamic ecosystem of musical expression that continues to inspire and challenge us to push the boundaries of what is possible.Looking to the future, I am excited to see where my journey as a composer will take me. As I continue to learn and grow, I know that there will be many more challenges and obstacles to overcome, but I am confident that with hard work, dedication, and a willingness to embrace the unknown, I will be able to create music that truly resonates with listeners and leaves a lasting impact on the world.In conclusion, learning the art of composition is a deeply rewarding and fulfilling journey that has the power to transform both the creator and the listener. Whether you are a seasoned musician or a complete beginner, I encourage you to embrace the challenge and embark on this incredible adventure. Who knows where it might lead you?。
管弦乐编曲技巧范文
管弦乐编曲技巧范文1.对旋律进行改编和扩展。
在编曲过程中，可以对原曲的旋律进行改编和扩展，以增加管弦乐队的表现力。
可以通过增加音符、改变音程、增加装饰音等方式来实现，但要保持对原旋律的尊重和承认，确保编曲后的旋律依然清晰而有韵律感。
2.利用合适的和弦进行编曲。
合适的和弦是管弦乐编曲中非常重要的因素，它们可以让乐曲的基调更加鲜明和丰富。
在选择和弦时，可以根据原曲的音高和情感来进行推导。
一般来说，可以选择在旋律下方不同的音符上叠加和弦，以增强旋律的表现力。
3.选取合适的乐器组合和演奏技巧。
在管弦乐编曲中，选择合适的乐器组合和演奏技巧对于乐曲的效果和演奏质量至关重要。
可以根据乐队成员手中的乐器来进行选择，同时也要考虑到每种乐器的音色特点和重要程度。
在选择演奏技巧时，可以结合原曲的情感和氛围来进行决定，以达到更好的效果。
4.控制音量和平衡。
在管弦乐编曲中，控制音量和平衡可以使乐曲更加和谐和完整。
需要注意的是，不同乐器的音量和音色在演奏中各有特点，必须进行合理的平衡。
同时，要根据乐曲中的不同部分和情感变化来控制整体音色和音量的变化，以增加音乐的表现力。
5.添加合适的间奏和过渡部分。
在编曲过程中，可以根据需要添加一些合适的间奏和过渡部分，以便更好地连接各个乐曲部分和增加整体编曲的连贯性。
可以在过渡部分中运用一些技巧，如仿音、模糊节奏、渐弱渐强等，以增加乐曲的变化和张力。
6.利用合适的变调和变速。
在编曲过程中，根据需要可以利用变调和变速来增加乐曲的多样性和表现力。
变调可以使乐曲的音域更广阔，同时也可以改变旋律的情感色彩。
变速则可以增加乐曲的快慢和节奏变化，以增加乐曲的动感和张力。
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关于编曲范文
很多热爱音乐的朋友在网络上、电视上、生活中经常会看到或者听说“编曲”这个词，但是相信很多人都不太了解具体是什么意思。
编曲是现代音乐的概念。
20世纪以后，现代音乐(Contemporary Music)形成，它是各种不同风格当代音乐的集合。
现代作曲家如爵士音乐家、电子音乐家可以给相同的旋律使用不同的乐器伴奏，创作成不同风格的音乐。
此时这样的行为就是编曲，即在不影响原曲主要旋律和内容的情况对乐曲的表现形式做了更多的拓展。
在现代音乐中，特别是流行音乐中，作曲和编曲往往是两个人。
因为当今流行音乐界中很多作曲者的能力只限于创作灵感以及对旋律的把握，而编曲者除了具有旋律的创造能力，更需要有对音乐宏观的把握和创造，极其丰富的理论知识以及经验的积累。
因此我们可以知道，当今作曲者与编曲者之间的关系是：作曲者不一定会编曲，编曲者一定会作曲。
好的编曲者从某一个角度上来说，可以称之为流行音乐家。
在现代音乐中，特别是流行音乐中，作曲和编曲往往是两个人，因为很多作曲者只有对旋律的把握和灵感，而编曲者对于怎样体现这个旋律有着更多的技巧。
假设一个不会编曲的人，是一个不会说故事的人，他尝试着告诉我们他发生的事情，但他不懂讲话技话没有组织能力，就会让听者觉得厌烦。
如果是一个好的编曲者，我们就形容他是个会说故事的人，他就像是一个说演艺术家引导你进入他故事的主题，让你体会故事中的喜、怒、哀、乐，换成音乐的角度，他就是一个成功的编曲者，因
为他有他的敏感度，及成功所俱备的要件。
大家应该知道一首曲子如果没有经过编曲的修饰，是很容易被埋没的，一首毫无特色的歌曲，也很有可能在一个编曲者手里浴火重生，在老歌新唱里，我们就会发现这样的例子。
编曲是真正的幕后英雄，为词曲量身定做超级绚丽的外衣。
人说人靠衣装，马靠鞍。
可见，一个好的编曲对于词曲来说，是多么的重要。
现在的流行歌曲的好坏，编曲的重要性绝对要占到七八成以上，完全可以主导一首歌曲的风格走向。
一个好的编曲，甚至能化腐朽为神奇!这个事实绝对让不了解的人目瞪口呆!在华语乐坛中，好的作词作曲很少。
编曲嘛，一百万、一千万个人里可能找不到一个好的编曲。
这决不是危言耸听。
每个人都可以学会乐器编配的方法，而那个只能算是配器。
1.分解和弦
如果善用分解和弦，相当于开发了一个和弦的更多可能性。
是否决定键盘部分总是弹些三和弦、七和弦的很僵硬呢?通过开发分解和弦，上行、下行、删去一些音、加上一些音——任何好听的组合方式，这样开发出的琶音们虽不在节奏上有明显作用，但往往是一段好旋律的开始。
并且，由于这是从和弦演变来的旋律，它也会妥妥地位处和声进行中，不必担心“跑调”。
图中例子的前4小节和后4小节就是僵硬的和弦与灵巧的分解和弦的效果对比。
2.和弦转位
以根音为最低音的和弦叫原位和弦，如果以三音、五音或者七音为最低音的时候叫做和弦转位。
转位时通常“被转位”的音会产生八度变化，听上去更灵气的同时，八度的调整也能丰富编曲的频谱，使整体听上去更加悦耳。
图中例子用的是C, D, Eb, F和声进行，同样是前4小节与后4小节做了对比。
感兴趣的你可以打开DAW或在键盘上试一试，感受其中的不同。
3.低音的变化
最常见的贝司编曲方式就是走和弦的根音，由于其乐器的音域特性，通常也是扮演最低音的角色。
那么贝司老走低音这种寻常的，或者说不动脑子的路线，肯定是难以出彩的，何不试试多尝试一些变化呢?
4.模式≠音阶
“模式(mode)”可能对于你来说是一个比较新鲜的概念，但它能让你对音乐有一个全新的视角。
音阶的概念大家都很熟悉，从简单的小调音阶、大调音阶到各种不同地域、人文、演奏乐器所相关联的音阶。
但模式究竟是个什么东西呢?其实很简单：C调大调音阶(C D E F G A B)，太常见不过，有什么好研究的呢?如果你试试将演奏开启的音换一换位置，不从C开始呢?
打开工作站，先弹奏C调大调音阶(C D E F G A B)，然后从D 开始弹奏，或者F开始。
这种音阶用作极简音乐的loop会非常适用。
5.单音也可以很有魅力
写旋律是比较苦的差事，但如果节奏足够牛掰，你所需要做的就是弹一个音就足矣。
试着在主歌部分就弹一个音，在桥段加一些音引入副歌。
这种方法能让你集中能量于节奏律动和音色音效上，而不是总把筹码压在旋律创作上。
6.借用和弦/调式互换
借用和弦(borrowed chords)意为“同一主音，但不同调式”的使用。
怎么理解呢?举个例子，C大调包括C D E F G A B这几个音，它组成的所有三和弦为C, Dm, Em, F, G, Am, 和Bdim，但如果我们将其中一个C大调的和声进行中将某个和弦置换成C小调和弦呢?例如一个C大调的1-6-4-5级四个和弦(C、Am、F、G)组成的乐段中，将Am换做Ab和弦，听上去就更有意思了。
7.复合和弦
将普通的小三和弦或大三和弦组合在一起，能得到更丰富的复合和弦。
最经典的复合和弦组合：我们将C大调的一级和弦 (C-E-G)用作第一个和弦，再找一个与其根音构成纯五度关系的大调和弦，即G major (G-B-D)。
两个和弦一起演奏，我们得到了Cmaj9和弦
(C-E-G-B-D)。
8.音程跨度
在写旋律的时候想要营造一种戏剧化效果或吸引听众的注意，我们可以试试拉长两个相邻音符间的音程跨度。
最经典的就是1音和
6音的使用了。
这能将你带入一个全新的音域，带来更多的变化和创造力。
9.五声音阶
明明有12个音放着不用只用5个，貌似限制了你的发挥?其实五声音阶好用地超出你的想象!写出好听的旋律全靠它你造吗?在此就不做举例了，在你的键盘上弹一弹，编曲的时候用一用，你就知道它的功效了。