文人画的形成及审美风格
唐代文人画的风格特点及其艺术价值
唐代文人画的风格特点及其艺术价值唐代是中国历史上一个非常重要的时期，这个时期的文化和艺术都非常繁荣。
在唐代，文人画的发展特别突出，有很多非常著名的文人画家。
文人画在唐朝最初起源于诗人和文人之间的交流，它的画风就是继承中国山水画的传统，但又在表现上更注重意境和诗情画意。
本文将针对唐代文人画的风格特点和艺术价值进行深入探讨。
唐代文人画的风格特点唐代文人画具有独特的风格，它主要表现在以下方面：1.强调笔墨技法唐代文人画家注重笔墨技法，他们善于用笔刻画山水和人物，特别是用“淡泊”、“清谈”、“墨竹”、“借景”等法，来表现自己对世界的认知和自然景观的感受。
这些技法，使唐代文人画显得更为雅致、含蓄、神秘、高远，突出了文人意涵的表现和审美情趣的追求。
2.以写意为主唐代文人画采用“写意”手法是非常典型的。
文人画家善于运用笔墨的韵律变化和色调配合等手法，来塑造出山水和人物的形象和情感，不刻意追求写实性，但情韵却能淋漓尽致地体现出来。
每一笔、每一点都是画家灵魂的流露，表现出了文人们的精神追求和人生哲学。
3.重视审美情趣唐代文人画，强调审美情趣。
画家们从自己的生活、阅历和人文素养中汲取灵感，依据自己的兴趣和爱好来表现自然风景和社会现象。
其作品往往以优美的诗句为配合，使画面既能传递思想与情感，又能展示出其作品的艺术美感和风韵。
唐代文人画的艺术价值唐代文人画在中国山水画史上，具有着非常重要的地位，它的艺术价值主要体现在以下几个方面：1.价值传承唐代文人画家在继承古代山水画的同时，赋予了它新的意义和文化内涵，成为中国传统艺术的重要组成部分。
它开拓了山水画新的局面，延伸了山水画的主题和表现方式，激发了后来文人画的创作灵感，具有非常重要的艺术和文化价值。
2.价值表现唐代文人画家把自身的思想、情感和审美情趣融入到画作中，使画作具有很强的文化价值和艺术表现力。
文人们常用诗句来补充自己的画作，把两种艺术形式融合在一起，又让文人画不局限于形式美，打破传统山水画形式表述的单调性，增加了画的趣味性，把画的表现方式推向了更多元、更精彩的领域。
元明清时期的文人画与文化审美
元明清时期的文人画与文化审美元明清时期是中国古代文化发展的重要时期，也是文人画兴盛的时期。
文人画是文化审美的一种重要表现形式，主要由文人所创作，以表达其独特的情感、思想和审美追求。
在这一时期，文人画在中国绘画史上占据了重要地位，对后世的艺术发展产生了深远影响。
元明清时期的文人画以山水画、花鸟画和人物画为代表，这些画作以自然景观、鸟兽花卉和人物情感为主要题材，强调意境的表达和情感的抒发。
文人画追求自然的真实和内心的表达，追求自然景物的写意和造型美。
画家们通过自己的心境与意境，表达自然景物所蕴含的气韵和情感。
他们的笔触饱满而有力，用线条勾勒出自然山水和花鸟的形态和神韵，展现了自然界的壮丽和美丽。
在元明清时期，文人画融合了中国传统文化的智慧和审美观念。
画家们深受儒家文化的影响，他们追求“心境”的表达，注重潜心体验，将自己的情感与景物相结合，以情动笔，以境致情。
他们独特的审美观念使得文人画的艺术表达更加凝练和精炼，突出了自然的神秘和美妙。
元明清时期的文人画还受到佛教文化的影响。
佛教崇尚自然和平静，追求内心的宁静和放松。
画家们通过绘画来表达对佛教理念的追求，以湖光山色、寺庙和僧人为题材，点染出佛教的宗教意境和独特的精神境界。
这些佛教文化元素的融入，赋予了文人画深邃的意境和超脱尘世的精神。
除了儒家和佛教文化的影响，元明清时期的文人画还受到诗词和书法的熏陶。
绘画、诗词和书法在中国古代文化中被认为是三绝，艺术家们往往同时擅长这三者。
他们通过诗词和书法的韵律、意境和形式美，启迪绘画创作的灵感，将诗词和书法的艺术风格融入到自己的画作中。
这样的艺术交融赋予了文人画更高的艺术内涵和审美价值。
元明清时期的文人画还注重感觉的表达和色彩的运用。
画家们通过笔墨的处理和色彩的运用，突出画作的艺术效果和表现力。
他们善于利用写意的线条、墨色和水墨的浓淡，创造出真实感和想象力，以突出表现画作的意境和情感。
总之，元明清时期的文人画具有独特的审美风格和艺术表现形式。
文人画在中国美学史上的地位和意义
文人画在中国美学史上的地位和意义在中国美学史上，文人画无疑是一个极为重要的艺术形式。
文人画不仅仅是艺术，更是文化的精髓和精神的体现。
这篇文章将会从文人画的定义、历史、风格、影响等方面来论述文人画在中国美学史上的地位和意义。
一、文人画的定义文人画是一种汲取了中国古典文化精神的艺术形式。
它不是真正意义上的绘画艺术，而是画者的内心感受的一种表达。
文人画的画者大多是诗人、书法家、学者等文人，他们把自己的灵魂倾注到作品中，表现了深刻的主题思想和自然的美感。
二、文人画的历史文人画可以追溯至唐代，从唐代开始，文人画就成为了一种新的艺术形式。
唐朝时期有画家王维、张择端等人，他们的作品体现了一种深厚的文化内涵和审美情趣。
但是，真正兴盛的时期是宋代。
在宋代，文人画得到了广泛的流传和推广，成为了一种风行全国的艺术形式。
宋代的文人画家有米芾、苏轼、黄公望等，他们的作品展示了人与自然的和谐美，并构建了中国传统绘画的基石。
三、文人画的风格文人画的风格多变，它融合了诗、书、画的精华，形成了一种独特的艺术风格。
文人画的风格主要分为四种，分别是“脆金派”、“狂人派”、“写意派”和“田园风格”。
脆金派以精细描摹、轮廓强调、线条较细和色彩丰富为主要特点；狂人派则倡导放荡不羁、写意张扬的式样；写意派则更加强调意境和气韵，注重构图和线条的使用；田园风格则关注田园生活的美好和自然的美感。
四、文人画对中国美学史的影响文人画对中国美学史的影响是深远而巨大的。
首先，文人画反映了中国传统文化的内涵和价值观。
文人画家们通过自己的作品表达对自然、人生、哲学、情感等方面的感受，抒发着对中国传统文化的热爱和向往。
其次，文人画也是中国美学史上艺术思想和审美观的创新。
文人画家们倡导自然、意境和气韵，并融合了诗、书、画为一体，构建了中国传统绘画的风格和特色。
最后，文人画对后来的艺术形式产生了深远的影响。
文人画的艺术手法和创新思想，推动了中国艺术的不断发展和变革。
浅析中国文人画的发展脉络
浅析中国文人画的发展脉络中国文人画，源自中国古代士人文化，具有独特的审美特点和艺术风格。
其发展脉络可以分为以下几个阶段：第一阶段：唐宋时期文人画的萌芽期。
唐代的文人画主要表现在李白等诗人的诗作中，并在壁画和绘画中得到体现。
宋代以来，文人画逐渐形成，初步表现为诗意的笔墨，注重描摹自然，强调以心象形的主体感受，以意传墨，体现艺术家独特的审美情趣和风貌。
此时期的文人画几乎没有样式定型和创新。
第二阶段：明清时期文人画的黄金时期。
明代文人画家以文人雅士和官员学士为主体，形成了“四家”和“南宗”两种流派。
四家分别是吴门、扬州、浙派和江西，南宗则包括“文人画派”和徽州画派。
四家主张理性与审美，并注重传统和史料的学习，结合自己的个性和心灵表现，使画风独具特色；南宗则强调以情感和个性为主，侧重于笔墨和色彩的表达，使得画面更加细腻和柔和。
此时期文人画的艺术地位和影响力达到了前所未有的高峰，成为中国绘画史上最重要的阶段之一。
第三阶段：20世纪以来文人画的变革阶段。
随着现代化的进程，文人画逐渐失去了原本的社会地位和审美价值。
在20世纪初期，一些画家开始尝试融合西方绘画风格和技法，创造出一些独特的新式文人画。
例如，青年画家徐悲鸿倡导“画旋律”，在描绘传统题材的同时注重形式的表现和创新；张大千则将“三立”（气韵、意境、画面）与西方的透视和色彩结合起来，展现出流畅和简洁的线条。
此时期的文人画虽然受到了现代艺术的冲击和影响，但是在技法和创新方面仍然有着较高的水平和格局。
综上所述，中国文人画经历了一个漫长而累积的历程，从早期的模拟到明清时期黄金时期，再到现代化变革，文人画不断运用创造性思维和审美理念，呈现出多彩多样的面貌和形态，为东方艺术史作出了巨大的贡献。
简述文人画
简述文人画由于历史上人才辈出，因而产生了不同流派的画家。
他们为了表达自己独特的情感，创作出了具有鲜明个性的作品——文人画。
文人画虽有强烈的主观意识和浪漫主义精神，但与宫廷画、宗教画相比，它还是表现一种客观的真实，在技巧上体现了“用书入画”、“以书法用笔用墨，融合南北画派之长，形成了独特的表现形式。
”文人画追求“笔简意赅，超逸淡雅”的审美情趣，注重抒发文人士大夫寄情山水的闲适意绪，通过简淡的笔墨描写幽静的境界，寄托对人生的思考和对故国的怀念。
文人画是中国传统绘画中的一个重要的流派。
这种画法崇尚表现画家个人胸臆，极少描绘再现性题材，也就是专门创作诗意的绘画，它属于“士大夫文化圈”，具有特殊的意味。
宋代苏轼等文人开始提倡绘画的诗意，使文人画在题材内容、艺术表现及审美风格上都发生了很大的变化。
到了元代，画坛出现了高逸画派。
明末清初，中国画坛涌现出了大量“四王”画派，即王时敏、王鉴、王原祁、王翠等，将清新淡雅的文人画推向最高峰。
到了近现代，黄宾虹、潘天寿、李可染等大师继承了中国画优秀传统，融合西方绘画的理念，形成了独具魅力的民族风格。
在构图上，由于文人画所表现的大多是文人理想中的山水景物，所以它的构图特点非常明显，往往一幅画面只取其一点或一段景色加以描绘，然后用一支笔(或一块颜色)统领全局，勾出轮廓，其他便不再着墨，这样会造成一种单纯、疏朗、空灵、明净的效果，并有“无画处皆成妙境”之妙。
另外，文人画以诗书画印为一体，故特别讲究布局的气韵，每张画都需反复斟酌，反复推敲，不断补充细节，以使整个画面协调，并表达出作者的审美情趣。
由于文人画所具有的浓厚的抒情性和抒情方式，所以它在章法上常常以散点透视为主，把远景拉得很近，甚至采用俯瞰的角度来描绘场景。
这种散点透视，在绘画构图中具有非常重要的作用，它不仅有利于加强主题和场景的气氛渲染，更有利于塑造画中的环境和气势。
此外，文人画还具有淡雅疏简、含蓄蕴藉的特点。
这种特点反映了中国传统的审美心理，有助于提高作品的文学艺术性。
唐代文人画家的审美观及其画作特点
唐代文人画家的审美观及其画作特点唐代是中国古代文化发展的高峰时期，也是文人画兴盛的时期。
在这个时期，许多文人将绘画视为一种艺术表达和情感交流的方式，他们以自然山水、花鸟虫鱼等为题材，通过墨笔勾勒出独特而玄奥的意境。
本文将探讨唐代文人画家的审美观及其画作特点。
一、审美观1.追求雅致：唐代文人画家以追求雅致为目标，他们重视意境与氛围的表达，注重作品中情感和思想的渗透。
2.反对形式僵化：相较于严格规范的宫廷绘画，唐代文人画家更倾向于自由创作和个性表现，不拘泥于传统形式。
3.真实感与抒发内心：他们尝试通过作品表现日常生活中细致入微、真实深沉的情感体验，并寄托内心情感。
二、画作特点1.意境独特：唐代文人画家注重意境的表达，常运用象征性的符号、模糊的线条和淡雅的色彩来营造出超越物质世界的画境。
2.墨韵与笔墨技巧：他们善于运用墨水及其变化去创造层次感和光影效果，在画作中追求一种流畅而凝练的笔触。
3.自由构图：唐代文人画家对于构图更加自由灵活，常采用斜堤、侧月等非传统布局，突破了传统规范，展现了他们独特的艺术想象力。
4.精神寄托：他们通过描绘山水、花鸟虫鱼等意象来抒发内心情感，并在作品中融入自身思想、哲理和对生命之美的领悟。
三、著名画家1.文徵明（1470-1559）：以山水画见长，《水经注》为题材的《千里江山图》是其代表作之一。
他以勾勒出独特形象和富有情感的笔触闻名。
2.李唐（李阳冰）（937-978）：擅长花鸟画，《花鸟寄怀图》是其代表作之一。
他的作品注重细节描绘，尽显生动与鲜活。
3.张萱（713-755）：擅长山水画，《神仙寿乐园图》是其著名作品。
他善于运用轻盈的笔墨和贴近自然的意境，为后世留下了许多经典篇章。
总结：唐代文人画家以追求雅致、抒发内心情感为核心，其画作具有独特的意境和斑驳变化的笔墨技巧。
他们旨在通过艺术表达来传递自身对于自然和人生美好的领悟，为后世留下了宝贵的艺术遗产。
唐宋文人画的审美特征及影响
唐宋文人画的审美特征及影响唐宋时期是中国绘画艺术的高峰期，其中文人画更是被广泛认可和推崇，其审美特征和风格影响了后来的绘画发展，让人们对文人画的记忆和喜爱一直持续到现在。
一、审美特征文人画是历史上一种特殊的绘画形式，它延续了中国绘画艺术的传统，体现了文人墨客的审美情趣和文化素养。
它的审美特征有四个方面：1. 反映中国文人的审美趣味文人画追求自由的创作，强调自然、意境、气韵和诗意，故把描绘主题造型稍微放松，而加重了情趣、气韵和意蕴描绘。
2. 表现意境和诗意文人画追求把诗意转化成绘画艺术，强调意境和情感的表现，即表达作者的思想、情感和精神寄托，使绘画作品具有更高的文学性和诗意。
3. 强调墨色的运用文人画重视墨色的传神和意境，修改哪些不需要描绘的内容，删减多余的线条和色块，强调整体概括和笔墨的质感，强调笔墨用法，墨色、披墨、草书、封泥等各种墨技设置和用法4. 传达特殊文化素质文人画作为一种特殊的绘画形式，突出了绘画的意境和诗意，同时也传达了中国文化的精髓，体现了中国古代历代文化的特点和艺术精神，让人们领略到了中国古代文化的魅力。
二、影响唐宋文人画对后世的影响是深远而广泛的，尤其对于中国绘画艺术的发展起到了重要的作用，它对后来的文人和画家们产生了深刻的影响:1. 对文学和绘画的融合唐宋时期，文学和绘画的融合很明显，许多文人不仅擅长写作，还擅长绘画艺术，这种现象产生了文学和绘画之间的相互影响，促成了绘画发展和多元化的审美趣味。
2. 倡导新绘画语言唐宋时期，文人画开创了一种独特的绘画语言，这种新的绘画语言推动了绘画艺术的多元和发展。
诸如山水画、花鸟画等艺术形式的兴起，都是基于这种新绘画语言的。
3. 流传至今虽然唐宋时期的文人画是中国绘画发展的一个高峰，但是它的影响却没有停留在历史上，它的审美特征和艺术风格在后世不断地流传和被继承，成为了中国传统绘画艺术的重要组成部分。
总之，唐宋文人画的审美特征和影响是值得人们认真研究和探讨的。
浅析中国文人画的发展脉络
浅析中国文人画的发展脉络中国文人画是中国绘画传统中的一个重要分支，它以中国古代文人士大夫的审美情趣、个性志趣为主要表现内容，以画家个性创作为主要特点。
文人画是中国绘画中的一种特殊风格和特定审美趣味的表现，其发展脉络源远流长，经历了漫长的发展历程。
本文将从文人画的起源、发展、风格特点以及对后世的影响等方面对中国文人画的发展脉络进行浅析。
一、文人画的起源与发展多彩纷呈的中国文人画在历史长河中孕育了千百年，其发展起源可追溯至古代先秦时期。
当时的文人和士大夫们都有自己的审美情趣和艺术追求，许多文人士大夫都喜爱书法、文学和绘画艺术，他们在政治和文化领域有着较高的地位和影响力，对于绘画有着独特的审美追求。
在秦汉时期，中国绘画融合了儒家、道家、墨家和法家的思想，形成了自己的绘画风格和艺术表现手法。
当时的文人画家以山水、花鸟、人物等为题材，表现了自己的审美情趣和个性志向。
在隋唐时期，中国文人画进入了一个较为繁荣的时期，出现了许多具有代表性的画家和艺术作品。
文人画家以绘画为媒介，表达了他们对自然、人生和艺术的理解和追求，形成了独特的审美观和艺术风格。
到了宋元时期，中国文人画进入了一个全盛时期，出现了许多著名的文人画家和艺术作品。
宋代文人画以山水画为主要表现形式，追求表意抑扬的审美效果，注重笔墨纸石的运用，形成了自己独特的风格和表现手法。
元代文人画则更加接近于宋代的文人画风格，但在题材和表现手法上更加丰富和多样化。
元代画家大多以山水画和人物画为主要创作内容，形成了绚烂多彩的艺术风貌和审美特色。
二、文人画的风格特点中国文人画有着独特的审美特色和艺术风格，其主要表现在如下几个方面：1. 追求意境：文人画最大的特点就是追求艺术的意境和境界，注重写意、表意与意趣，以抒发诗情画意为绘画主旨，追求观赏者的心灵共鸣。
文人画家往往在作品中表现出自己对自然、生活、道德和美学的理解和感悟，以达到情感的宣泄和思想的表达。
2. 崇尚笔墨：文人画追求墨香韵味，注重笔墨骨法、墨韵的运用和笔墨纸石的对比，以达到意境深远、形神兼备的审美效果。
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文人画的形成及审美风格刘兰芝，李成摘要：文人画是中国传统绘画的重要风格流派，具有独特的审美趋向，创作上强调个性表现和诗、书、画、印等的完美结合。
其重主观、重表现、重写意的美学思想，崇尚笔墨韵味，强调空灵简淡的审美境界，深受禅宗美学影响，具有很高的美学价值。
关键词：中国画；文人画；绘画史文人画指我国古代具有较深厚、较全面文化修养的文人士大夫的绘画。
它与民间绘画、宫廷绘画和专业画家的绘画都有明显的不同，所体现的审美追求，最为充分地表现出了我国绘画重主观意念、重表现、重写意的美学思想。
一、文人画溯源文人画的形成和发展是中国封建社会多种因素促成的一种文化现象，它有一个相当长的演变过程。
早在西晋时代，一些画家就在创作中表现出某种文人画的创作思想和艺术追求。
东晋画家顾恺之被称为文人画家的始祖，他提出的“以形写神”，“迁想妙得”和“传神写照，正在阿堵中”的绘画理论，[1] 15-16深深地打上了文人画印记，成为中国画美学的核心。
《洛神赋》是他的传世作品，飘逸、空灵、神秘。
他的画论对后来中国画的创作和绘画美学思想的发展有很大影响。
其人物画强调传神，笔迹紧劲如春蚕吐丝，线条如行云流水。
他用画家睿智的眼光创造出造型简练、人物性格突出、意境优美的绘画作品，令人回味。
南朝齐梁北朝的谢赫在《画品》中提出了“六法论”：气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写，[2]奠定了文人画坚实的理论基础，同时也成为中国绘画理论的重要组成。
王维擅长绘画，据唐人薛用弱《集异记》记载，他还是技艺精深的琵琶演奏家，曾以一曲技惊四座的《郁轮袍》获得了太平公主的赏识。
王维晚年无心仕宦，隐居于蓝田辋川别墅，学佛理，以诗酒自娱，重点描写恬淡宁静的山水景物，清新明丽；绘画上，他开创了水墨山水画和雨点皴技法，赋予画面以节奏和水墨浓淡的对比，让世人第一次领略到了中国墨韵的无限魅力。
《宣和画谱》记载：“维善画，尤精于山水。
当时之画家者流，以谓天机所到，而后学者皆不及。
”王维的水墨画因其具有鲜明的文人画特色及审美情趣，而被后人尊为文人画的鼻祖。
[1] 211-212唐代“具以画齐名”的李思训、李昭道父子始创的青绿山水开掘了北派绘画艺术之源头，与王维南派山水交相辉映，标志着文人画进入全新的历史时期。
宋代是中国艺术由宗教天堂走向文人理想的关键时期，无论作品的数量还是质量，都出现了空前繁荣。
苏轼重视神似，反对程式束缚，提倡“诗画本一体，天工与清新”，高度称赞王维的画并明确提出士人画概念。
元代是文人画的鼎盛期，众多文人士大夫不满蒙古贵族统治和民族压迫，将绘画作为逃避现实自我调整的手段。
他们隐居深山，融入自然，其中以“元四家”的黄公望、吴镇、倪赞和王蒙为代表，把文人画推到了历史的高峰。
赵孟頫集诗、书、画、印为一炉，提倡复古，自成一格，形成了完美的文人画表现形式。
明代的董其昌，官至礼部尚书，他最早对“文人画”作了专业的论述，提出“南北宗论”以佛教禅宗喻画，还对其历史传承关系作了初步阐述。
董其昌要求画家要“读万卷书，行万里路”，并且有《画旨》《画眼》《画禅室随笔》等画论传世。
[3]明清时期，文人画多以仿古摹古为能事，文人画的生机被无情地扼杀了。
以郑板桥为首的扬州“八怪”，重振了文人画的雄风，其书法、绘画要求探索出新意，尤其在花鸟画方面的成就达到了历史高峰。
石涛提出了“搜尽奇峰打草稿”，[4]认为艺术要反映现实生活。
这一时期文人画的创作具有积极反映现实生活，大胆针砭时弊倾向，郑板桥等人的诗画具有强烈的时代感，并有积极进步的人文主义思想。
二、禅宗美学与文人画家的人格精神文人画深受中国传统美学思想影响，儒、道、佛的美学观念，构成了文人画的基本元素和基本内容。
优秀的文人画家均有精深的文化修养和对儒、禅、道思想的深刻理解，绘画以能表现“禅境”和“道”为最高宗旨。
因此，文人画一出现，便以禅、道思想中广阔而空灵的境界超越了儒家所要求的绘画“成教化、助人伦、明劝戒、著升沈”，而形成了独特的审美思想。
从艺术发展历史看，儒家积极进取，“学而优则仕”是儒家给文人灌输的信念；进而为官为宦，则以“治国平天下为己任”；干预现实，观察思考，极易促进艺术中现实倾向的发展。
而佛家特别是禅宗，专注内心，崇尚淡静，超越世外，守静笃、倡冲淡、讲韵味，对文人画审美文化从前期重写实向后期重写意的转折在文化上起了关键的作用。
[4]在禅境的影响下，表现心灵、抒发心胸，成为文人画的主要艺术倾向。
石涛在《画语录》中指出：“我自用我法，一法自我立。
”文人画描绘的自然山水，是艺术家心灵化的自然山水。
元代的抒情写意山水画，还创造了意到笔不到，有意无意、若有若无的幽静恬淡的审美意境。
长期以来，文人画家一直把倪攒那句“不过草草数笔，以解胸中之逸气”奉为至宝。
道家既重自然又重气势，“出水芙蓉”的雕饰、“笔走龙蛇”的狂草，都证明禅宗超然世外，老庄之道恍惚、空灵、幽溟的特色，只可意会而不可言传，只可神领而难以描绘。
深受此影响，文人画家找到了表现“道”的最恰当的审美形式———水墨画。
老子说“五色令人目盲”，文人画崇尚大色无色的水墨；老子说“道之为物，惟恍为惚”，文人画追求“微茫惨淡”的意境；老庄对“道”的认识提倡“神遇”和“思悟”，文人画也重心灵的感知和想象；老庄思想中的退隐、淡泊思想也对文人画产生了巨大影响。
老庄认为做人要达到超然物外，淡泊无欲，不露锋芒，消解纷扰，含敛光耀，混同尘世，修养达到这种境界才是最高境界。
受这种思想的影响，梁楷虽身在画院且写意十足，具备了普通文人作者所没有的精妙功力。
他参禅悟道，其减笔画是文人画走向顶峰前的一段妙不可言的插曲。
如《李白行吟图》没有背景，四周空白与身体的空白连成一气，弥漫于全画；李白仿佛在这“无形无相”的“大块”中啸傲古今、物我两忘。
诗仙的形象在人们想象中千差万别，但在梁楷的画前任谁都会承认：这就是大家心目中的李白!文人画直达心性的妙意，尽显于此。
梁楷的“禅画”笔笔见形，笔路起倒，峰回路转，“心之溢荡、恍惚仿佛、出入无间”，既是一种笔墨的体验，又是一种心境的体验，更是一种禅意的体验。
文人画家在生活上追求淡泊飘逸，在艺术上追求淡然天真，从而使淡泊的精神成为中国文人画的一个主要特征。
梅、兰、竹、菊被人们称为“四君子”，它们在画家的笔下便超越了普通的植物而具有了人格特征。
客观物象通过艺术形象的心灵过滤，成为创作主体表达某种意向的符号，人生的价值在物化的形象中得到张扬，文体情感色彩借助物象生长特性而得到抒发。
文人画家多仕途坎坷，他们常常回避社会矛盾，借绘画抒发情感，写胸中郁闷之气，将花木草虫以人格化。
三、崇尚笔墨、空灵简淡的艺术追求自南齐谢赫的“骨法用笔”理论总结出中国画以线造型的特点以来，用笔一直处于绘画的中地位。
墨法运用上有墨分五彩、即白当黑的审美效果。
文人画理论认为，绘画美不仅在于描绘自然而且在于绘画本身的线条色彩和笔墨。
笔墨可以具有不依存于表现对象而相对独立的美，它能在这形式结构中传达出多种主观的精神境界。
线条本身的流动转折、墨色本身的浓淡干湿所塑造的形体和所传达出的情感、气势和时空感，构成了重要的审美境界。
明代的徐渭以淋漓的泼墨汇入大写意花卉。
他的画构图奇特、信笔挥洒，似不经意；藤条错落低垂，枝叶分披，以豪放泼辣的水墨技巧造成动人的气势。
《牡丹蕉石图》中牡丹、芭蕉、山石皆以水墨一气呵成，通过墨的干湿浓淡和相机击破，笔的去来纵横和适当交叠，着力写出了它们卓立世间而生趣盎然的意象，同时也透射出作者的人格气质。
《春雨鸣禽图》是唐伯虎花鸟画的传世精品，画中塑造了一只栖息枝头、昂首鸣春的八哥的优美形象，作者用没骨涂染，略分浓淡，使主体形体准确、神态活灵活现，呼之欲出。
由此可见“飞白”法在画中应用之一斑。
自元代开始，文人画家将书法的笔墨技巧引如绘画。
赵孟頫曾在《秀石疏林图》上题诗：“石如飞白木如籀，写竹还应八法通。
若也有人能会此，方知书画本来同。
”从此可以看出文人画家的笔墨认识是建立于抽象的线条美基础上的。
中国文字的本身就具有抽象意味，到元代，书法的笔墨趣味与技巧，已不仅有辅助绘画造型的手段，还具有了独立的美学价值和现实意义。
明代的唐岳在《画事发微》里说：“气韵由笔墨而生，或取园浑而雄壮者，或取痛快而流畅者，用笔不痴不弱，是得笔之气也；用墨要浓淡相宜，干湿相当，不滞不梏，使石上苍润之气欲吐，是得墨之气也。
”这是他长期笔墨实践的总结。
[5]由宋到元是文人画发展成熟的阶段，也是绘画的书法特性不断深化的过程。
没有我国特有的书法艺术，就不会形成文人画的写意性质和表现形式。
明代董其昌在《容台集》中说：“赵文敏问绘道于钱舜举，何以称士气?钱曰：“隶体尔。
”元代钱舜举这句话的理论贡献不仅仅在于他把隶书作画看作是“文人画”的一个明显特征，而是一种深刻的开拓和发展。
[6]当代中国画坛巨擘范曾认为，“书”可以宽泛的理解为“笔墨”，中国画状物言情必依托于笔墨，笔墨之优劣视画家书法功力之深浅。
古往今来，有笔虽遒健而未成大气象者，此失魂落魄者也，如笔疲腕弱而成大气象者，则未之见，此魂魄无以附者也。
中国笔墨为最具有形式构成之特质，最具独立审美价值之艺术语言，中国画坛凡称为大家作手，无一不以笔墨彪炳于世。
魂附骨存，骨以魂立。
诗书画于中国画之深刻影响于此可见。
[7]四、注重诗书画印的完美结合中国文人画的兴起，使中国文学、哲学、宗教浸透到绘画领域。
文人的介入是中国艺术各门类如月照中天、花开满树的根本原因。
如王维即是诗人又是画家，苏轼是北宋中期的文坛领袖、文学巨匠，等等。
他们文学修养深厚，早年都有济苍生的壮志，但仕途险恶或难以忍受仕途浑浊，有辞官退隐或被贬的切身经历，于是在绘画和艺术创作中寻找精神寄托。
中国传统美学崇尚自然，倡导天人合一的哲理，老庄哲学和印度佛教的东渐使禅宗成了主流，这是文人画艺术奔逸绝尘的思想动力之一。
崇尚自然返朴归真等理念使文人的胸襟豁然开朗。
诗、书、画、印的完美结合，诗跋、书法、印章同绘画相互补充，异迹同趣，组成了有机统一的艺术整体，这是文人画一个明显的审美倾向。
由于文学、诗歌、图章等其他艺术形式的介入，文人画就有了更为强烈的文化气息。
文人画追求“诗中有画，画中有诗”的境界，任何艺术作品，都反映出一定的社会意识形态和艺术家的思想感情和政治观点。
艺术作品以情动人的根本原因，在于作品中饱含着、渗透着、凝聚着、燃烧着作者的思想感情。
作者在创作中的情感因素越是真挚、强烈，作品就越能打动人心。
如王维的《山居秋暝》：“空山新雨后，天气晚来秋。
明月松间照，清泉石上流。
竹喧归浣女，莲动下渔舟。
随意春芳歇，王孙自可留。
”其诗情画意，宛然可掬。
“随意春芳歇，王孙自可留”二句中的“歇”、“留”二字，既写眼前之实，又寓针仕宦人生之意，暗示了王维向往自然，追求归隐的人生理想。