服装设计的历史

服装设计的历史

一、现代服装设计背景（服装美学）

1、服装与古代艺术

在传统的艺术体系中，人们谈到的“艺术”主要是至：建筑、雕刻、绘画、音乐、诗歌、舞蹈和戏剧。服装只被认为是艺术表现内容的一份方面。

黑格尔认为：艺术对服装的影响存在着一种情况——当服装适合于所表现的人物时，艺术当然可以直接地利用（主要指希腊服饰表现出的古典艺术美）；而近代艺术作品中的服装样式应该既具有时代的特色，又要有一种比较持久的典型。这里提出的“时代特色”非常重要，服装最根本的特点就是它的适时性，同一定时代的风尚、心灵状态相适应。

2、服装与现代艺术

现代艺术与古典艺术的区别犹如现代时装与传统服装的区别。传统服装是较为稳定的，象征着某种道德、宗教意义，古典艺术意味着具有和谐、对成、完整、鲜明等形式法则，并要表达高贵、伟大、永恒的意义。这种区别也相当于波德莱尔所说的现代性与古典性的区别。波德莱尔认为：现代性就是过度、短暂、偶然，就是艺术的一半，另一半是永恒和不变，成为古典性。据此理解，任何艺术都具有两重性：现代性和古典性的统一。

正是对于传统美概念的修正，服饰才进入美学考察的视野。服装史“时间打在我们感觉上的印记”，它集中表现了“现实美”的特性，换而言之，服装由于它的随时变化成为不仅包括在现代艺术中而且包括在古典艺术中的现代性最典型的表现。

时装被安妮霍兰德看做是一种现代艺术，因为它与其它现代艺术的形式一样，在央视上的变化过程充分显示了现代艺术的主体思想。现代服装具有的偶然性、无意识性以及由此而来的不可控制性使它与传统服饰区别开来。

二、现代服装设计的六个时代

1、现代时装的开端1900-1909

在现代时装设计出现之前，欧美上层社会的妇女穿着由讲究的裁缝精心制作的服装。形势基本一样，包括紧凑的上身部分，宽大的裙子，强调胸部，臀部突出，小腹平直，衣领高耸，加上帽子的夸张和帽上复杂而庞大的鸵鸟毛装饰，形成所谓的S形服装式样，由于上身极为紧凑，而下部裙子宽大，也称为A形服装。整个设计的核心内涵就在于紧贴的身体，必须有紧身衣或紧身马甲，这种当时社会崇尚的方式使得女性穿着模式化、标准化。

19世纪末叶，女性要求参与社会活动的呼声越来越高，而紧身胸衣为核心的服装却妨碍了她们的参与，因此对于服装设计改革的诉求越来越强烈。从改良女性服装的设计，到完全抛弃S形或A形服装，把服装设计的核心放到强调女性身体本身的优美上，导致服装设计的转折性革命，催生了现代的时装。

在19、20世纪之交，两个专门设计“高级服装”的设计师捷克·杜塞（Jacques Doucet）革的新一代妇女（自由派）希望摆脱传统，摆脱紧身胸衣和马甲。也正因她们的需求，才促成了保罗·波烈这样开拓新时代、新风尚的时装设计师的出现。

【代表设计师与作品】

保罗·波烈（Paul Poiret）——第一个时装设计家

出生于法国巴黎。曾经受雇于捷克·杜塞的工作

室，在20世纪初建立了自己的工作室。他曾经说:“时

装需要一个独裁者”，他自认自己受天命，应该担任这

个位置。从19世纪末到20世纪初，波烈在服装设计

上发挥了他的天赋，并且逐渐成为其中的佼佼者。波

烈则将妇女从压抑、不舒服的紧身胸衣里解放出来，

以化腐朽为神奇的本领推翻了紧身胸衣的长期垄断，

启发了设计师，也启发了女性。并且于1910年推出了

喇叭裙，进而创作了新的时装，开创了时装的时代，

成为时装设计的第一人。

【希腊风格礼服】

1906年推出了具有希腊风格的礼服，其设计打破

了以S形曲线为主流的趋势。此后，他设计的时装将

腰围线提高至胸围下，裙长只及踝骨处。这种将腰围

线提高的时装被人们戏称为“帝政线条”。他的时装设

计的重点是：从夸张造作的不自然线条，转移到了展现女性自

然美的一面。

这个设计改变了以往将腰围线作为支点的紧身胸衣、裙撑

式风格，把服装整体的支点提高到了肩部。这这种轻松自由的

服饰风格在当时引起了轰动。这款时装去掉了紧身衣，表现了

女性丰满的胸部线条和纤细的腰部线条，外观造型接近于直

线，整体感觉令人联想到远古的希腊女神，以及一个世纪前的

服装所具有的悬垂褶裥美。这种革命性的设计，在20世纪初

对时装界造成了旋风般的影响。波烈为人们带来了新鲜的美感

享受，并且引导了这个世纪的时尚潮流。以其对时装界的贡献

来说，可以把保罗·波烈的设计媲美于毕加索对艺术的贡献。

他的设计不需要女性的腰身承受钢丝架的重量，服装款式趋向简洁、宽松。设计中多采用高腰直线形的线条来呈现女性的体态美，不不仅将服装结构的腰线进行提升，而且刻意提高了胸部结构的位置，衣领也越开越地，使服装与传统的造型

结构截然不同。与那些旧式的女装相比，波烈的服装使女性看

起来朴素、年轻和温柔。轻盈而简化的服装强调的是身体极度

的自由和人体自身的美。他不仅是第一位将女性从紧身胸衣中

解放出来的设计师，也是将女性从矫揉造作的S形曲线中彻底

解脱出来的开拓者。因此，西方服装史学家们称保罗·波烈为

简化造型的“20世纪第一人”。

【天鹅绒裘皮大衣】

波烈于1911年设计的这组天鹅裘皮大衣，明显地受到了法

国野兽派画家拉乌尔·杜婓（Raoul Dufy）的影响，带给人们

强烈的视觉冲击力。设计中，以象牙白的天鹅绒作为主面料，

将布朗高山山羊毛皮用来装点大衣的领围、袖口部位，在腰间配以黄金搭扣作为装饰。面料上大胆采用块面印刷图案，试图用图案和色彩来折射人们神奇的想象力，以对待物象形体的观念来刺激人们的眼球。波烈的服装以形体构成为主，所有的形象都被几何形化。

作品中裘皮的使用，向人们展示了20世纪初期新东方主义盛行的时代，皮革已占据了举足轻重的地位，并且作为一种身份与财富的象征被延续了下来，进而成为时装界的主流之一。无论是春夏秋冬，无论是出于何种目的，裘皮都是最炫目的一道风景线。在视觉上，给人以立体构成分析性的构图效果，这种丰富的图案配上简洁的服装款式，将东方情调发挥得淋漓尽致。

【“一千零一夜”礼服】

一战前，服装界的主流的追求异国情调。波烈受到俄罗斯芭蕾舞服装的启发，设计的这款服装一改过去沉闷、中规中矩的造型结构，向着轻松简洁的装饰风格迈进。直线形裙装和宽松裤相结合，造型上是人体摆脱了过多的束缚，从中可以看出，直线A形裙重新占据了统治地位，而增添整体细节的修饰是这款服装的主要特点。面料采用洛佩兹绿色的丝绸纱布，在上衣上缝缀蓝色、银色、珊瑚、粉红色以及绿松石等来进行装饰，使服装整体色彩趋于丰富，并且绚丽夺目。艳丽、豪华的东方色调，为作品增加了神秘感；而珠宝的镶嵌将作品衬托得美轮美奂；再配以穆斯林样式头巾，并插上羽毛作为装饰，使东方情调发挥到了极致。

2、身体的解放 1910-1919

在这10年之中，妇女在穿着上努力达到三个形象：天真纯洁的小女孩形象，勇于牺牲自我的生母形象，严厉的荡妇形象。这三个母的构成了当时时装和化妆的设计焦点。

3、“女男孩”时代 1920-1929

从1920年到世界经济大衰退开始的1929年的这10年，在时装设计发展上具有相当重要的意义。这个时期法国时装上出现男性化的设计趋向，多少世代以来，女性的服装的重点是突出女性的特征，而在这个时期，女性服装反而以突出男性化为设计的中心，可以说是相当的离经叛道，与传统有极大的差距，而作为时装业的成熟，也是在这个时期出现，那就是可可·夏奈尔作为最重要的时装设计大师在这个时期奠定了自己的事业的基础，并且把这个行业作为一个大型企业在世界推广，建立自己产品系列的品牌，具有明确的设计宗旨和原则。她首先提出男性对于女性的性的欣赏立场不应该作为女性服装设计的考虑中心，女性自己的舒适、感受才应该是中心，这样，第一次从女性自身，而不是从男性的角度来设计服装，使时装设计走上了一个更高的阶段，在时装发展史中具有重要影响和作用。当时流行的是夸张繁复的风格，比如，时髦的女性都喜欢在自己的帽子上插上花朵、羽毛或者水果，因此她们的脑袋上仿佛顶着一个个花篮、鸟窝和水果篮子。另外，长长的裙子完全可以充当扫帚。香奈儿很清楚，这种服饰会把自己瘦小的身形完全吃掉。为了彰显她修长的脖子与苗条的身材，她为自己制作简约的服装，比如，把拖地长裙改成了及膝短裙、小套装等等；并舍弃了又高又宽，缀满羽毛和花的笨重帽子，改为简约小巧的样式。她还毫不留情地指出大帽子的丑陋：“带那种帽子的脑袋怎么会有用？”用今天的话说，她认为只有脑残的人才会这么打扮。令人意想不到的是，新式帽子一经问世，就吸引了社交界的知名美女。她们对这种简约明快的风格大感意外和赞赏，纷纷向她订购新式帽子；其他设计师也开始效仿她的式样。1910 年，她的店铺在巴黎的康蓬街开张，明星与时尚女士们纷至沓来。香奈儿在把传统帽子赶出历史舞台的同时，也把那些繁复累赘的服装挤到墙角。当时绝大多数名牌时装都有凸起的胸线、

高腰；而且长度到脚踝，压根就是穿在身上的监狱。香奈儿无视社会舆论，开始挑战传统，

不仅用男装的布料与线条制作女装，还革命性地为女性服装款式设计的具体实施中有平面造型和动态变化造型的特点。服装的立体意识和款式由平面转化为立体的造型实践，是服装结构设计教学的基本原则。运用立体思维活跃的造型，揭示出服装细部的形状、各部位的吻合关系、研究整体与局部的组合形态，是课程教学的基本特征。服装造型结合人体形态，适应于人们的各种活动。对有软雕塑之称的高级时装、晚礼服时装、艺术表演时装而言，它们虽形态优美，裁剪却难以琢磨：仅仅采用平面展开的造型方法，往往很难达到理想效果，只用立体裁剪方法又缺乏想象力。设计制做这种服装时，运用立体裁剪与结构设计并行效果较好。服装被称为“流动的雕塑”，而雕塑又被比喻是凝固了的音乐。结构设计师应该同雕塑艺术家那样，运用立体思维进行创作，即在身形架或真人身上直进行立体造型和量裁制版，运用立裁与打版技巧相结合的手法创造出丰富多彩的服装造型。

现代服装结构设计，多运用立体思维对效果图进行审视和对款式造型外观进行分析，深刻理解款式的立体构形关系，认真研究款式造型所赋予服装的艺术风格，深入理解服装结构与人体曲面的关系。它一般分艺术造型与技术造型两部分。前者运用服装三维空间概念和形式美的法则及造型手段对款式设计进行添加、削减、重复、省略、夸张、变形，通过立体的想象做出其透视结构，最终在造型上符合款式设计的要求。后者是通过结构展开和特技工艺流程，根据服装款式设计的需要，类似一边操作、一边修改，使在平面效果中较难处理的服装凹凸、褶皱、曲线、浪势和复杂的线条在结构设计中得到充分的表现。

在服装款式设计中经常出现这样的情况，服装效果图阶段完成得很好，但做出的服装却与设想相差甚远。出现这种情况的主要原因，是设计者缺乏立体意识及从平面转化为立体的训练经验，在结构设计中没有把思维引向服装所表现出的空间审美特征上，束缚了设计想象。人与服装属多维空间实体而存在，良好的空间意识训练是必不可少的。应该说服装的空间美和运动美是结构设计的基础。服装的平面和立体造型都属于“空间造型”，但它们的构成要素、组合原则却有所不同，人们观察它们的构成方法和感受情感也不一样。平面形态的裁剪主要依靠服装的外形轮廓来进行。一个确定的轮廓就表现一个肯定的平面表态，而一个立体形态没有固定不变的轮廓。例如平面上的一个圆形，它的立体形可是球，可是圆柱，也可是半圆形，还可能是陀螺形，显然，立体形态的创造不仅依靠轮廓(即投影)，更要依靠实体的“量”。对于平面形态，无论从哪个角度观察都只能看到平面，其中的形态除了随着透视有些变化外没有根本的变化，立体形态则不然，根据观察者位置的变化，可以呈现出截然不同的形态，对于结构设计者来说这种立体感需要经常培养。

在服装结构设计教学中，不仅要使学生具有分析设计图所表现的服装造型结构组成的数量、形态细部的吻合关系以及结构制图分解的能设计了长裤套装。1915 年她利用当时【日装礼服】 1937，法国

夏帕莱利的第二系列

作品。其设计灵感取自

雕刻艺术，以及非洲大

陆的刺青图案。这款礼

服的设计重点放在了

服装的背部，整体图案

以刺绣的手法进行表

现，仿佛将一件铁艺花

盆架镶嵌在服装商，整

体图案以人的面部找

醒来突出后背与腰部

的设计，强调了女性纤

细的腰身。抽象图案修

饰了女性平坦、具有雕

塑骨感的背部线条，犹

如铁艺花盆的直接向

下延伸，在视觉上形成

自然的褶皱效果。作为

日状，此套日装设计的

结构也处理得相对简

单、随意，以自然的线

条来突出身材的比例，

延续着上衣的下摆自

然的悬垂而落，再配以

穆斯林头巾，体现女性温柔的气质。

【羊毛面料女西装】法国 1937

一战后，高级成衣的普

及从另一方面说明了

当时工业化生产的进

步，手工缝制已不能满

足日益大批量的生产

需求。从图中服装的结

构可以看出，工艺已非

纯手工制造，机械生产

与手工结合是这款作

品设计的主要特点。夏

帕莱利用羊毛纺织面

料进行制作，这种面料

与合成纤维的新工艺

相结合，体现了结实耐

用、好洗易干，不经熨烫就可以自然挺括的特性。为了体现女性的知性美，诚意的结构上介入了男服得设计元素，造型更趋向于简朴、使用。半圆小立领紧贴人体轮廓，点检的加入使肩部线条明显价款，公主线剪裁方式体贴而合身，胸围至腰线部位加入的贴片工艺加强了上衣结构的硬挺。在追逐优雅复古之风的年代，夏帕莱利以新的材质、新的造型、新的剪裁方式表达了富有创意的时代气息。

5、不灭的时装 1940-1949

【代表设计师与作品】

Cristobal Balenciaga（克里斯托瓦尔·巴伦夏加。法。1885-1972）

1947年开始，全世界都在谈迪奥和他的“新面貌”设计，女孩子都在追逐“新面貌”时装，但是行中人都知道真正具有创造性的，对于时装发展真正作出贡献的是克里斯托瓦尔·巴伦夏加。连迪奥自己也对他表现了由衷的尊敬和欣赏。

出生于西班牙的一个裁缝世家，受母亲影响学习服装制作，后担任设计师。于1919年开设了以自己名字命名的巴伦夏加点。后为皇室成员设计服装。在西班牙内战爆发后，在朋友帮助下于1937年在巴黎开设了高级时装公司，以其精良的剪裁、宽大优雅的造型成为时装界独树一帜的人物。

“巴黎世家“服装一向是精于剪裁和缝制。斜裁是拿手好戏，此起彼伏的流动线条强调人体的特定性感部位。结构上总是在服装宽度与合体之间保持协调，穿着舒适，身体也显得更漂亮。“巴黎世家”服装巧妙利用人的错觉，腰带策略性地放低，或提至肋骨以上，甚至

可以巧妙地隐藏在紧身衣之中，使服装看上去更加完美。非理想身材的人，一旦穿上“巴黎世家”的服装，顿时显得光彩照人。“巴黎世家”时装被誉为革命性的潮流指导，很多名流贵族都指定穿着他的时装，这些忠实的客户包括西班牙王后、比利时王后、温莎公爵夫人、摩洛哥王后等，他们都是多年曾被世界大时装杂志评选为最佳衣着的名人。

20世纪40—50年代是法国时装最华丽最耀眼的年代，然而到了50年代中期，随着女性解放运动的深入，英国、意大利和美国时装各自走在具有本土风格的路线，高级时装的定义开始变得宽泛。迪奥的各种新廓形被认为是陷入了一个持续不断地致力于创造更多改变和更多宣传的陷阱里了，尽管他宣称他一直考虑的是对堕落和平庸的时代对生活的影响所坚持的长期斗争，但是离新的发明还很远，迪奥这样做实际就导致了他的时装设计系列看起来更复杂、高压缩和更艺术化。这时是巴伦夏加继续走着发展将来时装轮廓的路线。

【黑色丝绸礼服】

巴伦夏加是简洁风格和优良剪裁的掌门人。他的设计是大胆的、纯粹戏剧化，外观上很容易辨认。巴伦夏加的作品保持着顶尖的时装艺术感，他因此被任何一个时装设计师所羡慕，无论是有无竞争力的。图中的黑色礼服（黑色的塔夫绸，披肩式布料包裹着肩部，腰带是连身的，皱褶悬垂式的裙子），很合体的剪裁，在这件晚装的结构上他创造了难以想象的剪裁技术。它反映了长款的经典优雅形状的倾向，近似于19世纪的巴斯特风格，但是没有用到任何僵硬的箍架支撑，是对传统的摒弃，对新的自然主义线条的成功造型。这件礼服裙创作于1948年，它用了大量的面料，不过裙子看起来确实惊人的轻巧，不规则的皱褶集中于臀围的一侧，这样前面呈现的是横褶的效果，而后面依然是自然垂直的，这便是巴伦夏加精湛技术的代表作。

【红色锦缎礼服】（1954）

这是巴伦夏加彩色系列设计的代表作，其灵感来源于西班牙浪漫的斗牛士装大红色。尽管他被人熟知的是他的深色服装，但是他对彩色服装的大胆处理天分深深植根于西班牙本土的民族特色，将来自西班牙的斗牛士服装色彩带给了巴黎时装界。这个时期的早期的多元化时装路线形成的重要时期，也是成衣时代日益成型、完善的时期，巴伦夏加以对高级时装的忠诚一直延续着昔日的高贵、精致、隆重和奢华，就像图中这件礼服，轮廓依稀是钟形的裙身，将女性的臀部以下修饰得神圣、抽象，上身高度的简练透露出女性的自然特征。但是整体上看，他是承认并欣赏女性的胴体美的，这相对于往日的紧身胸衣、鲸骨塑造出的女性身材是完全不同的。在制作手法上，它没有过多的装饰、点缀，重点放在了对着装者自身的气质的烘托，依旧是上下一身的礼服款式，但在腰身的分割时给上衣的贴身设计和下摆的堆积面料形成的膨胀空间提供了可能，这是典型的用新时代的手法再现往日的经典廓形。

6、“新面貌”风格——旧观念 1950-1959

50年代是20世纪“高级服装”的最后一个十年，也是雅致的、精巧的服装设计得最后一个时期。提起雅致的服装设计，大概无人能与克里斯汀迪奥相比。他在1947年推出“新面貌”系列，全面推出极其雅致的时装系列，影响了整个世界服装的发展，把19世纪上层妇女的高贵、典雅的服装风格，用新的技术和新的设计手法，重新大张旗鼓地推广，其意义

和作用的巨大，在时装史上是非常罕见的。他的另外一个贡献是为了打破因循守旧、历久不变的时装样式，每隔6个月就推出一个新的系列，这在后来已逐步成为时装设计师的主要经营手法。自从迪奥之后，世界时装设计的发展完全不同了。

【代表设计师与作品】

残酷的战争已经过去了，时装也要有所革命，这正是适合迪奥推出新设计观念的好时机。经过大战的妇女们特别期盼表现自己温存娇柔的本性，梦想有奢华的面料，柔软的线条。迪奥的设计正迎合了这种需求。但是迪奥的部分服装竟高达4万法郎（相当于7000美元）一套，如此昂贵的服装显然违背了当时的社会道德标准，而且非但一般人无可企及。服装脱离了大众基础，也失去了时装设计得一个基本的社会立足点。迪奥刚推出“新面貌”系列的时候，正是战后困难的恢复时期，基本生活物资都严重缺乏，大部分欧洲妇女连买牛奶的钱都感到拮据，所以这种服装只是一个美好的梦而已。

虽然绝大部分女性无缘拥有它，但是这给他们的期盼和梦想带来了物质上满足。在停战5、6年后，欧洲经历了艰苦的重建和恢复阶段，经济开始重新起飞，“新面貌”的顾客也逐渐增加。“新面貌”其实是一种精神的代表，虽然大部分无法拥有它，但是它所象征的繁荣、财富、享受、优雅和对美好生活的憧憬是全社会的共同期望，这也是它能成功的主要原因。所以在战争时期把窗帘关得紧紧地来防止空袭的妇女，都渴望穿上宽大奢华的裙子，希望漂亮，希望能够走出来有炫目的效果，至于“新面貌”是否有价值观上的瑕疵，谁又会在乎呢？

【新面貌装】1947

“新面貌装”又称为“新风貌装”，它代表战后女性的新时尚。一改战时的沉闷和严肃，带有明显的女性主义气息和浪漫风格。挺括的肩线、饱满的胸型和紧致的腰围，夸张的臀围，撑开的裙摆，俨然一个可爱的俏女郎。高级时装意味着精良的剪裁、精湛的工艺和一流奢华的面料，这套“新面貌装”也不例外。迪奥在1947年前一直是个默默无闻的裁缝，对工艺和剪裁的纯熟是他设计的宗旨。此套西装上装前胸饱满、曲线分明、内圆外直，肩部明显有垫肩，胸部也有垫衬，袖型有19世纪初羊腿袖的影子——细长袖管有收拢的袖口，腰部以下打开的下摆对比出“蜂腰”的轮廓，撑开的裙摆是对上装的延伸。值得注意的是裙子的长度，阔摆结束于小腿中部，露出修长的小腿和腿腕，在当时来说十分性感和具有挑战性。迪奥的这一创举在当时是前卫的，引导了战后几十年的潮流。尽管他强调自己本身并不是追求流行的人，但实际上他是很懂得追求变化和敢于尝试的设计师。

从这套时装中，除了以上提到的鲜明、俏丽、丰富的视觉效果外，我们还能感受到深厚的艺术氛围。时装不仅指的是包裹躯干的服装，也包括帽子、手套、披肩甚至雨伞等附件，就像迪奥给这套“新面貌装”搭配的帽子和长手套。战时流行无檐或者窄檐的羊毛呢帽，而他却选择了具有日本风格的斗笠式帽子，衬托出女性瘦削的肩型，也使整套时装更有节奏感。熟悉西洋服装史的人可能会发现，其实此套服装略带有早期维多利亚时期大蓬裙服装的效果，只是裙长缩短了，色彩更鲜活了。日式风格的锥形帽，其风格却完全是新式的现代主义风格。斗笠形状的帽子赋予了整套时装以东方神秘而含蓄的韵味，从中能感受到设计师对战后新女性对性感、奢华、新奇的时装深切渴望的领会。另外从设计手法上，也能看出设计师对当时的未来主义思潮的理解以及对建筑、绘画等艺术的借鉴。这种设计手法也是真实意义上的现代主义设计得理想应用。尽管这套服装也有紧身胸衣、衬垫的支撑，有陈旧矫饰风格的存在，但整个外观呈现还是令人眼前一亮的，所以它能获得当时法国乃至美国大批的追随者。至此以后，迪奥游刃有余地创造了几个时代的时尚，整个强大的迪奥家族也自此壮大起来。

【日装】1952

同样是X形设计，采用了较为挺括而轻薄的绸缎面料，上衣是针织弹力纺织面料，所以整体效果更显轻快和洒脱。上身是褶皱的V形开口领拼接在紧身的短上衣上，腹部有抓摺、联排小包扣，以古典的方式展现时代的形体感；蓬松的裙摆与紧束的上衣形成戏剧化的对比，长及小腿中部的下摆体现摇曳的动感。挺括的海军式小礼帽上点缀着自然形态的布料褶花，使整套服装更有纵深感，从而增添了优雅气质。这是20世纪40年代女性的装扮。

“New Look”的肩线窄而柔美，为了突出胸部的丰满，细腰成为剪裁的重点，二战时期的直裙化作蓬起的长裙，离地面距离以20厘米为标准，并且以圆形帽子、长手套、肤色丝袜与细跟高跟鞋等营造出极纤美的女性气质。一套衣裙竟要用掉22.8米甚至73米布料！这对于在二战期间已习惯了“限量配给”的人们，简直就是出奇的奢华。

没有哪一个设计仅仅因为完美就可以成为经典，一个经典从来都是因为它提供了一个全新的生活态度和崭新的生存态势而被载入史册的。

三、现代主义与后现代主义的联系与区别

西方学者杰姆逊指出，西方资本主义经历了三个阶段，与此相应出现了三种文化范式：第一阶段以现实主义为典型特征、第二阶段文化上以现代主义的典型特征、第三阶段以后现代为典型特征。后现代是后工业社会的产物，也是后期资本主义或者媒介资本主义的文化特征。是高度商品化和高度媒介化的产物。

现代与后现代的比较：

①哲学基础：现代主义思想根源主要是康德的批判理论、叔本华的唯意志论、弗洛伊德的

精神分析学，后现代主义思想根源主要来自存在主义、非理性主义、德里达的结构主义等。如果说现代主义倾向于尼采的“日神精神”，后现代则是“酒神精神”。

②主体性：现代主义文艺具有突出自我为中心的特色，强调个性与表现自我；与此相反，

后现代主义却特出自我怀疑，强调主体丧失、反对一切。

③现代主义致力于建构，冲上结构主义，后现代致力于解构，力图打破整体性的观念，以

解构主义为基础，以零散化、边缘化、多元化、不确定性来取代整体性。力图消解精英文化与大众文化、高雅文化与通俗文化的界限；

④现代主义文艺作品大多晦涩难懂或富有哲理，需要欣赏着具有相当高的文化水平和艺术

修养，才能读懂作品的深层内涵和哲理意蕴，那么后现代主义追求的是一种平面感，反对文艺向深度开掘，主张无深度的感官刺激和文化游戏，是的文化进一步向世俗文化、娱乐文化、消费文化和商品文化发展。

转自：班服图案https://www.360docs.net/doc/429003795.html,

贡献者：康康