西方绘画史（二）——中世纪美术
西方绘画史（二）——中世纪美术
西方绘画史（二）
——中世纪美术
中世纪（476—15世纪）的漫长时期，处于古典文明的结束与复兴之间。很多人认为中世纪艺术怪诞、迷惑，甚至贬为丑恶，也有人认为此间艺术丰富，反映出了东方文化，希腊罗马文化及蛮族文化的融合。中世纪基督教占主要地位，于是图画也为之服务。包括五个部分：一.早期基督教绘画（2-5世纪）；二.拜占庭绘画（5-15世纪）；
三.蛮族及加洛林文艺复兴；四.罗马式（10-12世纪）；五.哥特式（12-15世纪）。
基督教统治下的中世纪艺术
中世纪艺术是艺术,包括建筑,导致在欧洲在中世纪期间,即由西部罗马帝国的秋天在大约500里CE对早期的现代期间的开始在大约1500年里CE。
虽然多数现存中世纪艺术和建筑是宗教的,你必须当心在假设,教会是艺术的单一赞助人在中世纪期间。实际上许多期间的宗教艺术由世俗力量委任了,并且一些世俗艺术生存从在期间过程中。
中世纪艺术家取决于,在不同程度,罗马帝国的艺术性的遗产和早期的基督教会的遗产。这些来源与北欧有力的"野蛮"艺术性的文化被混合生产一份卓越的艺术性的遗产。中世纪艺术的历史能的确看作为互相作用的历史在古典,早期的基督徒艺术之间的元素,"野蛮"艺术。
基督教被开发在罗马帝国和早期的基督徒艺术被经典艺术强烈,相应地,影响了在形式、样式和内容。几乎没什么为人所知关于第一二个世纪的艺术在耶稣以后死亡。最早期的基督徒艺术是殡葬艺术特别是在壁画在罗马地下墓穴和在几被雕刻的sarcophagi。直到康斯坦丁和米兰法令转换,基督徒有少量公共建筑。服务举行了在'房子教会里"譬如那被发现在Dura-Europos。
在米兰基督徒法令是自由建立更大,公共建筑,和的确被接受的皇家
光顾为一个豪华大厦项目之后。基督徒采取了罗马大教堂对他们的需要。几间大大教堂被建立了在第4个和第5个世纪,包括老St. Peters 和其他人。
早期基督徒利用了艺术性的媒介和周围的异教的文化一样。这些媒介包括壁画、马赛克、雕塑,和原稿照明。他们并且适应了世俗罗马建筑形式,特别是大教堂,传教士目的。
早期的基督徒艺术不仅使用罗马形式,它并且利用了罗马样式。末期古典样式包括空间的人体和印象派介绍的比例写照。末期古典样式看在早期的基督徒壁画,譬如那些在罗马地下墓穴。
早期基督徒适应了罗马主题和基于新意思什么是异教的标志。在主题之中被采取是孔雀、葡萄树,和好牧羊人。早期基督徒并且开发了他们自己的iconography。某个标志譬如鱼(ikhthus)从异教的iconography未被借用。
《罗马地下墓穴墙画》约公元三世纪 40*27cm
《三天使》安德烈·鲁勃廖夫约1422-1427年 140*112cm
《大卫与歌利亚》西班牙约1123年 140*112cm
《符拉基米尔圣母》约公元1131年 113*68cm
《圣母子》乔托约1320-1335年 85*62cm
《天使与圣母领报》(局部) 约1333年 245*305cm
《女子肖像》罗希尔·凡·德尔·韦登 1460年 37*27.5cm
《阿尔诺芬尼的婚礼》杨·凡·艾克（尼德兰）1434年 82*60cm
《女子肖像》罗伯特·康平约1420-1430年 40*28cm 《逃亡埃及途中的休息》赫拉德·戴维约1510年 44*45cm
高中美术：从传统走向现代──印象派与后印象派.
从传统走向现代──印象派与后印象派 印象派是西方绘画史中的重要艺术流派,产生于19世纪60年代的法国。那为什么这两个画派被称为是从传统走向现代呢?我们首先要了解印象主义之前的绘画风格。 1、在十九世紀中期以前,西方绘画多以神话、宗教、历史或贵族生活为题材。 2、虽然画家在创作前可能会到戶外写生取景,但他们都喜欢回到画室才進行绘画创作。 3、当时的画家除了相信自然界的一切景物,各自有不同的固有色外,绘画时还会在物体受光较少的部分加上黑色或褐色,以营造黑暗的调子变化。 在红色上加上黑色或褐色营造红袍下的暗面效果 在手部加上黑色或褐色來营造阴影的效果 这就是传统绘画的写实风格。印象派就是改变了传统绘画的现状,走向了革新。 作品大多是在室外对景写生而成,突破了西方几百年来画家在画室作画的传统习惯。 在不同的光线下,物体会展现不同的颜色。印象主义画家以阳光和色彩为主角,借助光与色的变幻来表现作者从一个飞逝的瞬间所捕捉到的印象。 下面我们就了解一下印象派的代表人物和作品。 印象派代表人物:莫奈 1840年在巴黎出生,少年时代在面对英吉利海峡的港口城市拉·阿布尔度过。
1874年4月,莫奈等一批青年画家,在巴黎了借用一位摄影师的工作室举办了印象派的第一次展览。这幅画就是其中的一幅。 这幅画面描绘的是塞纳河的清晨,太阳刚刚升起的时候。由于画家要在很短的瞬间,将早晨的美景在光线还没有变化前完成作品,因此画面不可能描绘的很仔细,所以完全要靠印象了。当学院派的画家们看到这幅作品时,认为很粗糙,过于随便,就用讥讽的语言嘲笑他们,其他人也跟着附和,说这些画家统统都是“印象主义”,没想到,这些挖苦的话,反而成全了这批画家,“印象派”这个画派随之诞生。 莫奈《鲁昂大教堂》1892——1933 《鲁昂大教堂》不是一幅画,而是一个系列,都是差不多在教堂正面角度的地方画的,但是莫奈在不同的季节不同的时间去描绘不同光线下的鲁昂教堂,充分表现了印象派注重瞬间的感受,注重对光线的描绘,不同天气情况下,教堂呈现出这几种不同的色彩。 一天黄昏,莫奈在和女儿在屋后的山坡上散步,他突然注意到这片阳光照耀的干草堆,于是他开始描绘不同时间草堆光线的变化。1891年秋到1892年春,莫奈画了24幅《干草堆》。这些干草堆,有的是中午烈日下,有的是雪后初霁,有的是清晨薄雾中,有的是黄昏薄暮时。 这些形状相似、位置相似的草堆,由于千变万化的光线而变得多姿多彩。光是一切的推动者,也是一切的发起者。 印象派代表人物:马奈 《费里—贝舍尔酒吧间》,是马奈逝世前一年完成的一幅重要作品。不仅构图很有气魄,更重要的是他运用光色效果真实地表现了巴黎这一著名酒吧间的气氛。 这一作品中的主要人物形象,是站在柜台后面正在接待顾客的女招待。马奈用细腻的笔触描绘了这个青年妇女青春的肤色和圆润的手臂,以及她面前质地各不相同的各种瓶子,鲜
外国美术史
外国美术简史一、史前美术与古代美术 史前美术 古代两河流域美术 古埃及美术 古希腊美术 古罗马美术 二、欧洲中世纪及拜占庭美术 早期基督教美术 拜占庭美术 罗马式美术 哥特式美术 三、欧洲文艺复兴时期美术 文艺复兴时期意大利美术 文艺复兴时期尼德兰美术 文艺复兴时期德国美术 文艺复兴时期法国美术 文艺复兴时期西班牙美术 四、十七、十八世纪欧洲美术 意大利和西班牙的巴洛克 佛兰德斯和荷兰的巴洛克 法国和英国的巴洛克 法国的洛可可 其他国家洛可可 法国古典主义美术 五、十九世纪欧洲美术 新古典主义美术 法国浪漫主义美术 西班牙和英国浪漫主义美术 法国现实主义美术 印象主义美术 新印象主义美术 后印象主义美术 19世纪美国美术 19世纪德国美术 六、十九世纪俄罗斯美术 19世纪上半期美术 19世纪下半期美术 七、现代美术 20世纪欧洲现代派美术 墨西哥壁画运动 20世纪最具影响力的西方雕塑家 西方现代主义建筑 后现代主义建筑 八、欧洲之外的美术 印度美术 东南亚与日本美术 非洲与美洲美术 伊斯兰教美术
史前美术与古代美术 一、史前美术 洞窟壁画： 西班牙-阿尔塔米拉洞窟、《受伤的野牛》、”史前西斯廷教堂” 法国-拉斯科洞窟壁画、《大牡牛图》、史前卢浮宫 旧石器时代洞窟壁画的特点： 1、表现对象以动物为主体，手法-写实 2、没有环境描写，彼此间没有必然联系 3、常出现重叠画面，人工痕迹明显 小型雕像 伦道夫的维纳斯像、人类雕塑的艺术开端 塞尔的维纳斯/持角的维纳斯 原始雕像的特征： 1、多为裸体；2形体夸张；3、突出女性特征；4、面部，四肢异常简化 岩画： 西班牙-拉文特岩画 拉文特岩画特点：1、由洞窟—露天岩壁2、人类生活运动成为主要绘画对象 3、表现人物动物特点 4、以剪影的效果表现 5、富有生活气息 6、多为单色涂绘，以红色为基调 巨石文化—英国斯通亨治巨石阵 二、古代两河流域美术 建筑 塔庙：被称为“吉库拉塔”苏美尔—乌鲁克神庙 雕刻 苏美尔—《萨尔贡青铜头像》、《纳拉姆辛浮雕石板》 古巴比伦—汉谟拉比法典 亚述—拉玛苏（人首翼牛神兽）、《垂死的母狮》 绘画—乌尔城出土的军旗 工艺美术—牛头竖琴 三、古埃及美术 建筑：古王国时期-胡夫金字塔 雕塑：《狮身人面像》《拉赫特普王子与其妻坐像》 狮身人面像狮埃及最大最古老的室外雕塑巨像 新王国时期：《埃赫纳顿肖像》《纳菲尔提提王后像》 壁画 古王国时期埃及浮雕做的特点： 1、正面律； 2、横带状排列结构； 3、根据人物地位安排构图； 4、填充法； 5、固定的色彩程式工艺美术： 古埃及美术的特点： 1、贵族奴隶主是美术的服务对象 2、美术为宗教服务 3、建筑体量大，有强烈崇高感 4、表现方法遵循正面律 5、绘画线条流畅
印象主义与后印象主义绘画
一．印象主义与传统的不同 一．印象主义之前的绘画（文艺复兴至十九世纪的绘画）文艺复兴绘画的精神与整个文艺复兴时期的精神是相一致的，即人文主义精神。具体表现为题材由神向人的转变，表现手法以写实为主，注重人体解剖的科学性，崇尚理性。人性被提高到了前所未有的地位。这既是对古希腊古罗马文化重视人性的复兴，又是对中世纪神权至上的反叛。这种对人的重视和对现实关注的以写实为主的绘画一直延续到19世纪末印象派产生之前。 1.古典主义绘画 古典主义美术主张理性至上，克服个人情感；强调描写“美”的绝对概念；虽主张“模仿自然”，但这种“模仿”不是指物质世界，而是指自然中存在的人性和理性。古典主义十分推崇古代希腊罗马，在形式上要求概括、简练、明确等等。其艺术特征是： 一、强调遵循古代和文艺复兴盛期的艺术传统； 二、题材大多是神话、圣经、历史故事，特别是王朝的一些史迹，现实生活的题材往往被排除在外； 三、作品的规模较大，强调庄严、宏大的气魄。宫廷内的古典主义美术家还十分注重作品的豪华性； 四、在技巧上注重精确的素描，多运用简练、明确、清晰的艺术语言。 2.浪漫主义绘画 浪漫主义美术产生于大革命失败以后的波旁王朝复辟时期，人们对启蒙运动宣扬的理性王国越来越感到失望，一些知识分子感到苦闷，他们反对权威、传统和古典模式，从而产生了浪漫主义美术。他们提倡注重艺术家的主观性和自我表现，以民族奋斗的历史事件和壮美的自然为素材，抒发对理想世界的追求，以瑰丽的想象，夸张的手法塑造形象，表现激烈奔放的感情。总之，他们重感情轻理性，重色彩轻素描，不满现实，追求幻想。 3.现实主义绘画 现实主义是艺术发展进程中一种独特的艺术现象，指19世纪产生的艺术思潮，又称之为“写实主义”，这个流派是使用现实主义艺术创作方法的，现实主义艺术家赞美自然，歌颂劳动，深刻而全面地展现了现实生活的广阔画面，尤其描绘了普通劳动者的生活和斗争，此时劳动者真正成为绘画中的主体形象，大自然也作为独立的题材受到现实主义画家青睐。现实主义范围有多大?有没有边界?20世纪50年代法国的新现实主义文学家、艺术家就提出过无边的现实主义。现实主义是无边的，即从观念上、
中西方绘画艺术作品对比赏析
《中西方绘画艺术作品对比赏析》 ——泼墨仙人和吹笛少年 会计专科1105班万毅指导老师李雅娟 【内容摘要】美术即是以物质材料为媒介，塑造可观的静止的,占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术表现。表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。在漫长的历史发展过程中，中西方的绘画艺术也在逐步完善，各自都出现了很多优秀的代表作品。由于中西方的地域环境、文化、历史等等人文环境的不同，因此，中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。中国非常强调人与自然的调和，认为自然先于人类而存在，人是自然中后生的一部分；而西方则认为人是自然的主人，自然为人类而存在。这种观念的差异，表现在艺术中，就形成了不同的艺术主张，也使的艺术形式和表现的多样化。在艺术实践中，形成了不同的传统和风格。中西方世界观、艺术观等方面虽然有着差异，但毕竟是生活在同一片蓝天下的人类，必然存在着相似或共同点。本篇论文就是通过分别介绍一幅中西方的代表作品，来认识中西方绘画的差异。通过分析和对比中西方文化的差异，做到相互借鉴，取长补短。更好的去发展和弘扬中方文化艺术。 对比作品为梁楷的《泼墨仙人》和马奈的《吹笛少年》 【关键词】梁楷；泼墨仙人；马奈；印象派 【正文】 （1）梁楷——《泼墨仙人》 梁楷是南宋画坛上独树一帜的大画家，擅长画人物、鬼神和道教佛教中的神佛，同时亦画山水、花鸟，水平也很高，晚年曾被任命为南宋画院的待诏，并赐佩金带，由于厌恶画院中的种种清规戒律，毅然将金带挂在院中，悄然离职而去。他这种豪放不羁的性格也生动地体现在作品中。《泼墨仙人》是梁楷的代表作，也是中国古代人物画泼墨人物代表性作品。 《泼墨仙人》中的仙人形象，并不象古代壁画中的神佛，头上画着光环，神情庄重玄妙，不可一世，竭力表现出某种崇高感、神秘感。这个形象似乎来之于生活，正如后人题款上写道：“大似高阳一酒徒”，象喝醉的和尚，长襟宽袖上洒满了酒渍，醉意朦胧，漫步街头，自得其乐，有着人间的真实和亲切感。然而，他又绝对不是人间可以寻找到的形象，前额和秃头是那样出奇地高耸宽大；眉眼口鼻又是那样出奇地挤在一堆，似醒未醒，似笑非笑，一脸怪相，似乎有着无限的智慧，看透了宇宙的一切，他袒露胸腹，无拘无束，精神在自由自在的天地中飞翔。这种极度夸张了的形象，是人，也是神，或者说是人化的神。 在这幅画中，画家梁楷对画中人物以简化和夸张、变形等处理使之“传神”。相比于西方人物画，中国人物画除了在手法上不最求科学真实外，中国作品留下的印象却一时难以找到恰当的现代词汇来概括，这时还是觉得“气韵”二字比较符
西方美术史
西方美术史 史前 ?史前美术 前15世纪－5世 纪?古希腊美术 ?伊特鲁利亚 美术 ?古罗马美术 中世纪?爱尔兰-萨克 森和维京美术 ?加洛林美术?奥托美术?罗马式美术?哥特式美术?拜占庭美术 4－18世纪?国际哥德风格?风格主义?巴洛克艺术?新古典主义?浪漫主义 洛可可 19世纪?现实主义?巴比松派?前拉斐尔派?学院艺术 ?印象派?后印象派?新印象派 ? Chromoluminarism ?点描派风格?分隔主义?那比派风格?综合主义 ?象征主义?哈德逊河派 20世纪?现代艺术?立体主义?表现主义?抽象表现派?抽象艺术 ?新艺术家同 盟 ?蓝骑士?桥派 ?达达主义?野兽派?新野兽派?新艺术运动?包豪斯 ?荷兰风格派 运动 ?装饰艺术运 动 ?普普艺术?未来主义?至上主义?超现实主义?色面派 ?极简主义?装置艺术 ? Lyrical Abstraction ?后现代主义?概念艺术?地景艺术?行为艺术?录影艺术?新表现主义?域外艺术?低眉艺术?新媒体艺术?年轻英国艺 术家派 ?反概念主义 21世纪?关系艺术 巴洛克雕刻有时是建筑的一部份，艺术家表现真实人间的技法臻于成熟完美，例如根据主体的男女老幼来表现人的皮肤外观，卷发、衣饰、织物的质感都很逼真。
动势的展现是其最重要的特点，人物不再被雕成静止或休息的姿态，而总是处于运动之中。 最著名的是贝尼尼（Gian Lorenzo Bernini,1598～1680）的名作《圣泰雷莎（St.Theresa）之幻觉》（1645～52，罗马圣马利亚教堂），是宗教性和官能性的结合，欣赏这类雕像要搭配建筑、绘画一起观看，以产生视觉上的幻觉。这种风格也影响西欧各地。其它名作如《四河喷泉》（局部图，1648-51，罗马Navona 广场）、《大卫》（David，1623-24，大理石, 高170 cm，Galleria Borghese, Rome）。 法国巴洛克雕刻大师有: 普杰（P.Puget，1620-94）的《克罗托那的米罗》（1671～83，巴黎罗浮宫）。柯塞沃克（A.Coysevox,1640～1720）的《勒布兰半身像》（1676）、《路易十四半身像》（1680，凡尔赛宫） 宏伟壮观，充满动感，精湛的透视变奏（如前缩法），戏剧性的构图，起伏波动，体现无限的空间，加以理想光的对比，使画面产生统一协调如舞台布景的效果是巴洛克绘画的特色。 意大利卡拉瓦乔（Caravaggio，1573～1610），是巴洛克绘画的先驱，作品的特色是利用光线以获得画面戏剧性的效果，也利用明暗表现法以衬托真实的空间感，并舍弃细节的描写。他对自然的态度是直观的，以粗野或纯朴的市民为模特儿作肖像画。他更在静物画上另辟蹊径。代表作有《在以马杵斯吃晚餐》（1601，，伦敦国家画廊）、《埋葬基督》（1604，梵谛冈美术馆）、《水果篮》（静物，1596，46×64.5cm，米兰，谙布罗西阿纳美术馆）、《酒神》（1597，佛罗伦斯乌菲兹美术馆）。个性狂野、暴躁、易怒，命短，他要脱离陈规，重新思考艺术，风格上被称为「自然主义者」。 卡拉契（Carracci，1560～1609），勤练古典美，代表作祭坛画——《圣母哀悼基督之死》画中光线照耀在救主形体上，与整体引发观者情感的手法，都属巴洛克式的，构图简单和谐，有点感伤性，但避免提醒人们有关死亡的恐怖和受难的痛苦。 鲁本斯 法国新古典主义美术从维安、大卫到安格尔, 取得了最优秀的成就,并达到高峰。维安是法国最早的新古典主义画家,他试图反对情欲的、过分雅致的艺术，力求恢复古希腊艺术的朴素、庄严。由于他的才能和个性的局限，他没能实现艺术上的根本变革。 维安的学生大卫在大革命爆发前夕,从罗马留学归来，他非常成功地展出了他的绘画《乞食者贝里塞赫》。随后他的《荷拉斯兄弟之誓》在1785年的沙龙上展出,这幅画明显表现出庄严、雄伟的希腊和罗马艺术的影响，对公民道德加以颂扬，又同法国革命的步调一致，引起了资产阶级的强烈共鸣。1789年他创作了《布津蒂斯》，这幅画具有明显的向路易十六王朝挑战的意味。正是这些作品奠定了他作为一个艺术家在大革命时期的重要地位。19世纪初期,在达维德无可置疑的领导下，新古典主义在法国取得了胜利。在大卫的周围，他的追随者众
西方绘画发展概况
西方绘画发展概况 西方绘画的发展可以追溯到古代希腊和罗马时期，而在中世纪时期， 基督教的影响使绘画的主题变得宗教化。然而，到了文艺复兴时期，西方 绘画取得了一系列重大的突破和创新。在本文中，我将详细介绍西方绘画 发展概况的第二部分，主要涵盖文艺复兴时期和巴洛克时期的绘画艺术。 文艺复兴时期（14世纪-17世纪）是西方绘画史上的一个重要时期， 这一时期的绘画风格呈现出一种对古代艺术的重新评估和模仿，艺术家们 试图通过表现人类的美和尊严来追求绘画的真实性。意大利是文艺复兴时 期绘画的中心地区，佛罗伦萨是艺术发展的中心。重要的绘画家如乔托·迪·邦多内、桑德罗·波提切利、拉斐尔、米开朗基罗和列奥纳多·达·芬奇等人都活跃在这个时期。 在文艺复兴时期的绘画中，人体成为重要的表现对象，艺术家们致力 于准确地描绘人体的比例、结构和肌肉的动态。这种人体的写实主义描绘 被称为“裸体艺术”，并成为了文艺复兴时期绘画的重要特点。同时，透 视学的发展也推动了绘画的技术创新，使平面画面能够更加准确地表现三 维空间。 另外一个重要的绘画风格是“风景画”，绘画家们开始将自然界作为 创作的主题，并尝试通过光线、色彩和透视来表现自然的真实性。著名的 文艺复兴绘画家达·芬奇就是一个出色的风景画家，他的画作《蒙娜丽莎》被誉为世界上最著名的绘画作品之一 在文艺复兴时期，绘画的材料和技法也得到了一定的改进。绘画家们 开始使用油画颜料代替传统的蛋彩和水彩颜料，这使得画作更加持久和鲜
艳。此外，艺术家们还发展了很多新的绘画技巧，如采用渐变色彩和绘制 光影效果等。 文艺复兴时期的绘画对后来的艺术发展产生了深远的影响。这一时期 的绘画艺术，除了对自然的准确描绘和对人体的写实主义描绘，还注重表 现人物的个性和情感。绘画家们通过绘画来表达他们对人类尊严和荣誉的 追求，从而为后来的艺术家开拓了新的道路。 文艺复兴时期之后是巴洛克时期（17世纪-18世纪），这一时期的绘 画风格更加注重情感和戏剧性的表达。巴洛克绘画强调对宗教和神话主题 的夸张和感性的描绘。绘画家们通过色彩的对比和明暗的运用，创造出宏 大而壮观的画面效果，以吸引观众的注意力并唤起他们的情感共鸣。 在巴洛克时期，荷兰绘画取得了巨大的成就。荷兰画家如伦勃朗、凡·代克和耶米亚斯·弗尔梅尔等人通过绘画来表现平民阶级的生活和风俗，他们采用写实主义和细致入微的技法，使画作更加真实和质朴。 此外，在巴洛克时期，绘画也开始出现了一些反对传统观念的艺术家。草图派艺术家如伊斯特万·康斯塔勒和贝尔纳多·贝罗托等人，通过粗略 的笔触和自由的表达方式，挑战传统的绘画规范，开创了新的绘画风格。 总结起来，文艺复兴时期和巴洛克时期是西方绘画发展的两个重要阶段。文艺复兴时期的绘画注重人体和自然的写实主义描绘，追求真实性和 美的表达。而巴洛克时期的绘画则强调情感和戏剧性的表达，采用夸张和 明暗的手法，创造宏大而感性的画面效果。这两个时期的绘画艺术，都对 西方绘画史产生了深远的影响，为后来的艺术家开拓了新的艺术道路。
西方绘画的色彩
西方绘画的色彩 教材分析： 色彩是西方绘画中最重要的美术语言之一。综观西方绘画史，各个时期的艺术家总在对“色彩间的关系，色彩的科学奥秘，色彩给人的心理影响”等问题上进行探索和思考，并努力把它和作品的内容与形式和谐地统一起来，从而恰当地诠释出作者的色彩感受。 在本课的内容安排上，我们选取了西方绘画中不同时期色彩表现上有影响或具代表性的作品，有距今两万年以上的西班牙阿尔塔米拉洞穴壁画《穴顶的野牛》；欧洲中世纪意大利的镶嵌画《皇后西奥多拉及其侍从》；文艺复兴时期拉斐尔的《西斯廷圣母》和提香的《花神》；19世纪莫奈的《日出·印象》和凡·高的《向日葵》；20世纪马蒂斯的《舞蹈》和蒙德里安的《红黄蓝的构成》。目的是让学生从这些作品中，体会色彩作为一种绘画语言时，因为不同时期的画家的文化背景及其对色彩的感觉差异，形成了不同的画面色彩效果和个人风格，给观者带来不同的视觉冲击和感受。 本课重点是让学生通过欣赏经典作品的色彩运用，了解西方绘画中色彩发展的主要脉络。通过对本课的学习，培养学生养成善于从传统文化中汲取营养来充实提高自己，又要有勇于挑战传统，打破传统束缚，勇于开拓创新的精神。体会到这一点才是本课学习带给学生的最大收益。 教学目标： 1. 欣赏西方绘画中色彩运用典型的作品，概括了解西方绘画发
展历史中色彩的变化。 2. 从色彩演变的角度入手，粗略了解西方绘画发展的基本脉络。 3. 尝试探索西方绘画中色彩应用变化的原因及文化背景。 教学建议： ●在课前，教师最好有充足的资料准备，如：西方美术简要的发展史，色彩变化的几个主要阶段，引起色彩变化的主要社会或文化背景等。要求学生在课前搜集和本课相关的美术作品的图片或文字资料，一方面丰富本课教学资源；另一方面促进互动教学，活跃课堂气氛。还可以建议学生在课后把资料展示在教室里，丰富学生的学习生活，营造美术文化氛围。 ●可以使用启发式教学，让学生总结答案。教师可以设置一些有递进关系的问题，让学生分组讨论，再由小组发言人总结本组的观点和结论，如：原始壁画《穴顶的野牛》和意大利镶嵌画《皇后西奥多拉及其侍从》的色彩分别给你什么样的感受？这些色彩在画面中所起的作用是什么？《花神》和《煎饼磨坊的舞会》中的色彩在塑造人物上所起的作用有什么不同？你从这两幅作品中感受到的光有什么不同？这些不同和色彩的使用有什么关系？比较《煎饼磨坊的舞会》和《舞蹈》在色彩运用上有什么不同等等。这样做既能活跃课堂气氛，又能使学生较快地进入学习状态。 ●对于学生发表的观点，教师要尽量以包容的态度鼓励和引导。教师不要对作品做出简单化的肯定和否定，要让学生充分地发表自己的看法，并允许学生保留各自不同的意见。
中西方绘画作品比较赏析精品名师资料
中西方绘画作品比较赏析 ——绘画的两大体系赏析 内容摘要：中西方艺术文化都有着悠久的历史，在不断演变的同时，既继承先辈留下来的风格，也加入每个时代赋予的新元素。 这篇文章中将中西方艺术中两大体系的主要代表绘画作品进行各个角度的分析和研究，从中找出共性和各自特色为今后的艺术学习研究创作夯实基础。 中西方绘画注重表现与写意，既强调感性；而西方绘画注重再现与写实，既强调理性。这就决定了中西方绘画的表现手法不同。中国画不固定在一个立脚点作画，也不受固定视野的局限，而是根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见的到的和见不到的景物统统摄入自己的画面，即运用了散点透视法。西方画家则是理智地进行构图，采用科学的透视学和色彩学来表示近大远小焦点透视和色彩的空间变化，形象的立体感很强，逼真肖似，具有典型性。 所以中西方传统绘画让人感觉是两个不同的体系，给人的感觉不同。 关键词：绘画的两大体系赏析；中国画；壁画；水彩、水粉画；版画；素描；新画种。
绘画的两大体系：欧洲油画和中国水墨画。 油画艺术可以说是世界绘画艺术中最有影响的画种。油画是以油为调和剂调和颜料在经过制作的不吸油的平面上描绘而成的绘画。其特点是颜料色彩丰富鲜艳，能够充分表现物体的质感、量感，能够传达物象所处空间的光线、色调和气氛，使描绘对象显得逼真可信，具有很强的艺术表现力。中国画是中国传统绘画的统称。从广 义上说，中国画包括中国传统绘画的 各种类别，但我们所说的中国画通常 是指以水为调和剂，以墨为主要颜料 的一类，又称“水墨画”、“彩墨 画”。中国画表现出变化无穷的线条 情趣，以墨代色则表现了中国画独具 特色的丰富的艺术表现力。
西方艺术史中维纳斯艺术形象的演变
西方艺术史中维纳斯艺术形象的演变 维纳斯女神即阿佛洛狄忒,是希腊中爱与美的女神,在罗马神话中称维纳斯。她掌管人类的爱情、婚姻、生育和一切动植物的繁殖、生长。她是爱情的象征,也是美的化身,在历史的长河中,她的形象不断地拿出来被采用,尤其是在西方绘画史中,维纳斯更是诸多油画、雕塑大师作品中的主要女性形象。在不同时代的大师的诠释和演绎中,维纳斯这一形象也在不断地变化着,同时,维纳斯的形象也在这不断地变化中愈加丰满充实起来。 一、维纳斯艺术形象的演变 (一)古希腊时期的维纳斯 古希腊文化精华主要体现在其神话传说、神庙建筑和人物雕像上。在古希腊的艺术作品中可以看到,神具有人类的外形、语言以及情感,神人是“同形同性”的。因此,这一时期,维纳斯雕像的美既有神话中女神的女性美,也有现实生活中的女性美,即,用生活中真实人的健康优美的体态和神情来刻画神,使高高在上的神的形象融入了人情味和人的生活情趣。 作为爱与美的化身,维纳斯在古希腊时期多以裸体女神像的形象展现在世人面前,其中最着名的是雕塑《米洛斯的维纳斯》。迄今为止这尊被誉为罗浮宫镇馆之宝的雕塑失去的双臂到底是什么姿态,仍是个谜。这座半裸雕像,表现手法概括简洁,强调神的崇高与尊严,符合希腊人崇尚健美与优雅的审美理想。雕像的表情“不悲伤、不欢喜、不紧张、不愤怒、平和如一潭在月光下地湖水,应了中国的‘大音希声,大象无形’,被誉为‘高贵的单纯,静穆的伟大’,而她的断臂也正是由于众人无法用合理的姿势让这位女神的感觉不被打破而终究被放弃修复”。 古希腊雕塑所形成的美的标准,即表现完美的人体,及技巧对后来整个西方雕塑艺术的发展产生了深远的影响。它不仅是文艺复兴时期艺术家们的创作来源也为后来的新古典主义雕塑的形态演绎打下了基础。 (二)中世纪的维纳斯 中世纪,基督教的禁欲主义观念笼罩着整个西方世界,社会气氛压抑、沉闷。根据《圣经·创世纪》中记载,夏娃受化身为蛇的撒旦的蛊惑,和亚当偷吃智慧树的禁果,被上帝逐出伊甸园。作为惩罚,亚当要为了生计而劳累,夏娃要忍受十月怀胎与生育的痛苦。因此,基督教认为人一出生就带有这种原罪,而导致这一原罪最终的原因是女人的无知和禁不止诱惑。而维纳斯这一美与爱的代表,也失
论写生油画静物的发展历程
论写生油画静物的发展历程作者：*** 来源：《美与时代·下》2021年第04期
摘要：在西方绘画史上油画静物很早就存在，只不过一般都把它当作绘画的背景，直到17世纪才发展成独立的画种。而它每个阶段又有不同的变化，从传统的表现手法上来说总体是以写实训练为主的。写生油画静物不仅可以锻炼我们的写实能力，还可以培养我们的构图、造型、色彩和对物体质感的把控能力，也可以加深我们对绘画的理解和认识。 关键词：油画静物;荷兰;维米尔;夏尔丹;塞尚;莫兰迪 一、油画静物的由来 西方绘画史经历了漫长的发展历史，而静物画在17世纪的荷兰发展成独立画种。静物画顾名思义就是要把静止的物体表现出生命力和艺术活力。但是在早期西方绘画史上一些静物画仅仅在宗教绘画题材的背景中存在，把它当成一种烘托氛围的画面，而不是一个独立的画种。在中世纪以后，如达芬奇《最后的午餐》、鲁本斯《和平赐福的寓意》的画中都出现了静物题材，但它们并不是以主题的形式呈现。静物画直到17世纪才独立出来，形成独立的画种。但是静物画的发展也经历过许多阶段，从无到有，从繁到简逐渐发展到高峰。
二、荷兰画家对油画静物的影响 油画静物画之所以可以发展成独立画种，与荷兰派的发展密不可分。17世纪荷兰艺术家追求真实的自然表达。就像贡布里希所说：“艺术反映的自然總反映着艺术家本人的内心、本人的嗜好、本人的乐趣，从而反映了他的心境。”[1]正是荷兰画家的这种追求才使静物画形成独立的门类。同时，静物画在选材上种类繁多，有五颜六色的水果，也有闪光的瓷器和不锈钢器皿，更有色彩鲜艳的花束。所以说，静物画在选材上比较自由，可以根据自己的喜好来挑选题材。但是，静物画不只是单纯地表现真实，它更多是追求一种生命的活力和灵魂的契合。所以，在西方美术史上产生了许多静物画大师，如维米尔、威廉·卡尔夫、夏尔丹、塞尚、莫兰迪等许多绘画大师。他们都用不同的表现手法和不同的题材，将静物画发挥到极致，确立了静物画在历史上的重要地位。 荷兰画派的发展对静物画的发展有很大影响，但很大程度上也受新教的影响。17世纪的荷兰人很像英国的清教徒一样诚恳、勤勉、节俭。全然不像“巴洛克”时期过分追求华丽的东西。这也影响了荷兰派画家追求真实、精巧的画幅。他们不需要用夸张或者描绘主题性的绘画来表达艺术。这个时期也出现了许多绘画的分支，静物画就是其中的分支。在这一时期，一个小画家想要有所成就，唯一的机会就是专精一个特殊的绘画分支、一种绘画门类。有专门描绘海景、战舰、动物、风车等事物的。因为他们只专攻一个画种，所以他们的画技和逼真程度在当时都是了不起的，但都是单纯朴实的画面[2]。静物画就是在这样的背景下逐渐发展起来的。 三、油画静物不同时期的发展及其画家 荷兰画派的静物画直到今天还影响我们，依然有许多人在孜孜不倦地研究荷兰静物画的写实技巧。例如，荷兰静物画家威廉·卡尔夫喜欢研究光线和彩色玻璃反射和折射的方式，试图在瓷器、色泽鲜艳的水果和金属器皿之间寻求一种和谐的元素。可能作者自己也不知道自己的画影响了一代又一代学习静物画的画家。在西方美术史上有许多静物画大师，如维米尔是荷兰静物画派的代表人物之一，而他与大多数画家有所不同，他一生并没有画过多少幅静物画，但每幅画都是经典，像我们熟知的《窗前读信的少女》《厨妇》等。研究过维米尔的画家都知道他是一个慢工出细活的人，每幅作品好像并不着急，虽然表现的都不是什么大场面，但每幅作品给我们的感觉都很舒服、简朴。他的画并不是单纯的静物画，而是有人物的静物画，例如一个正在倒牛奶的妇女等。大多数绘画题材都是人物独自站在房子里从事一些简单工作。从维米尔《厨妇》这幅作品，我们可以分析他的绘画特点。首先当我们看到这幅画时整个画面透露着安静和谐的氛围，整个画面给我们一种朴实的味道。从画面的构成上来分析，我们可以看到一个荷兰妇人正在厨房里倒牛奶，或许她正在为全家人准备早餐，桌子上有各种各样的面包和一些其他的瓶瓶罐罐。整幅作品维米尔并没有用宏大的场面和戏剧性的表达手法，画面充满了简单且平实的感觉。这也是他绘画的特点，他在表现物体的质感和色彩上有着无与伦比的真实感，带给欣赏者一种舒服、安静、和谐的美感，所以维米尔是荷兰最伟大的静物画家。
西方传统艺术向现代艺术的嬗变过程
西方传统艺术向现代艺术的嬗变过程 李奕霖1250620013 摘要：西方传统的古典艺术与20世纪以来现代艺术有着巨大的差别但也有着千丝万缕的联系，我们都能看出从达芬奇的《蒙娜丽莎》到毕加索的《红色扶手椅中的女人》两者巨大的差别，西方艺术是如何从传统走向现代的？19到20世纪是绘画史上的一个转折点，笔者在本文中以不同角度探究19到20世纪中传统向现代的嬗变过程，以期有更深入的发现。 关键词：新古典主义印象派现代艺术 一、社会变革下的新艺术流派 当社会发展到一定的阶段，人们对世界产生新的认识的时候，就必然会有新的艺术流派诞生。例如，古典时期，艺术的主要表现内容多是神化传说，中世纪时期，艺术作品大都与宗教有关。19世纪到20是欧洲艺术流派精彩纷呈的年代，从19世纪开始不同于以往单独个人作画成名，出现了很多新的艺术流派：先后出现了浪漫主义艺术、新古典主义艺术、印象主义艺术、后印象主义艺术、现代主义艺术等等（这些是影响深远，名家众多的大流派）。究其原因，我认为，其根本原因在于18世纪末开始，作为西方的欧洲进入了一个社会剧烈动荡的年代，以法国为代表的资产阶级革命轰轰烈烈的震荡了欧洲的封建君主制度。社会的动荡使人们不再服从神权与君权的压迫，追求心灵的自由和个性的解放，由此产生了很多新的文化思潮，这些思潮促使艺术家们思考自己身处的社会、环境乃至整个世界。欧洲工业革命导致了科学技术的发展，带来了新的学科理论，为人们推翻旧制度
的迷信思想，建立新的世界观，提供了有力的物证。这些新生的思想和事物，使得艺术家们的艺术观发生了巨大的改变。在艺术界，反对保守陈旧的学院派艺术的潮流也就顺理成章。新古典主义、浪漫主义正是在这种思潮中产生的艺术流派。他们理智的或主观的或客观的艺术追求，都有别于以往的古典主义学院派艺术思想。印象派对自然的科学观察和后印象派艺术对作品形式本身的主观判断更是“离经叛道”。现代主义艺术和后现代主义更是抛弃了以前艺术是对自然存在的描摹的观念，催生了抽象艺术和观念艺术。 总的来说新艺术流派的诞生都源于新的思想认识，而新的思想认识都与社会变革有关。19世纪到20世纪是人类社会和世界格局发生巨大改变的时代，所以会出现很多新的艺术流派。 二、艺术题材种类增多 在以往西方传统绘画中多以人物肖像画为主，为教会或者买主服务。风景画这一题材的产生更多的使画家内心世界得到抒发，使艺术家不受题材限制，写实而自由的绘画。早在17世纪，荷兰风景画已脱离文艺复兴时期理想风景画的风格，真实再现自然是荷兰风景画的最大特点。它们的场景没有圣经或神话故事，也没有乡间劳动景象，描绘的是平淡无奇的乡土风光。荷兰的风景画家尽管更忠实地表现自然的本来面目，但也是回到画室中从事创作的，以共享的理念、记忆和情感的一部分，“自然的选择性相似”。使自然重现在观者面前。而在19世纪以后，这类型绘画更多的出现在大众面前，在19世纪中叶，在巴黎近郊有一个极为普通、荒凉的小山村，它有着肥沃的土地，
法国美术史
法国美术史 L 法国文艺复兴时期美术 １５世纪时，政治、宗教动乱和英国入侵使法国分裂为三部分，法兰西君主们几乎无一例外地喜爱和庇护艺术，作为哥特艺术的故乡，法国早就在建筑上赋予过宗教艺术最崇高的表现力，此时，尽管对意大利文艺复兴的成就如醉如痴，艺术家们却能不忘传统，熔法国、佛兰德斯、意大利艺术的动人之处于一炉，产生出自己的杰作。15、16 世纪法国雕塑的普遍特点是极强的装饰性，它们是为建筑而创作的，并与建筑物的线条融为一体。卢浮宫的《女像柱》、《带鹿的狄安娜》和枫丹白露王宫的装饰浮雕，都是造型精美，线条典雅，样式主义的肉感带上了古希腊高贵的形。 ▲名词解释：枫丹白露派 是16世纪活跃在法国宫廷的美术流派。1530年前后，法国国王弗朗索瓦一世在巴黎近郊的枫丹白露扩建行宫，来自意大利的样式主义艺术家罗索和普里马蒂乔等人参加了枫丹自露王富的内部装饰布置工作。他们设计和参与制作的壁画、挂毯、浮雕以及各种各样的装饰品非常精美，以至于连意大利都为之黯然失色。他们在法国画家古尚、卡隆和雕塑家古戎等人的合作下，融汇当地的哥特式传统，在宫廷内外形成很强的艺术潮流。他们注重线条韵味，追求技艺的精巧完美，具有浓厚的贵族化气息。 LL 17、18世纪法国美术 ●1 法国民族美术形成和发展是在路易十四时代，以巴黎宫廷为中心，17世纪法国被称为“伟大的世纪”，先后产生了巴洛克艺术、古典主义美术和反映市民生活的绘画。17 世纪法国美术实力虽然不很雄厚，但是也产生了对后世有影响力的流派，为法国民族美术的形成奠定了基础。 18世纪的法国已经逐渐成为欧洲文化的主宰，由于财富的高度积累、皇家的富裕使得流行于宫廷的巴洛克艺术逐渐让位于洛可可艺术。与此同时，在启蒙运动感召下，第三等级由于繁荣而意识到自己的潜力，表现第三等级的画家和反映市民生活的绘画也大量涌现。西蒙·乌埃 ▲巴洛克是法国上流社会流行的风格，属于官方艺术的代表。主要代表人物是西蒙·乌埃，其艺术特征： 1善用典故为题，多采取幻想性、象征性形象。
外美史名词解释（3）
外美史名词解释（3） 外美史名词解释 6、金字塔建筑艺术特色： 1）金字塔是古王国法老的陵墓。2）金字塔具有庞大的体积和重量，给人以精神上的压力。 3）金字塔外观匀称、稳定。它象征了法老的威严和地位，说明了埃及人顽强的意志力。 7、古埃及雕刻程式有： 1）、姿势必须保持直立，双臂紧靠躯体，正面直对观众：2）、根据人物地位的尊卑军定比例的大小：3）、人物这种刻画头部，其部位非常简略；4）、面部轮廓写实，又有理想化修饰，表情庄严，感情表现很少； 5）、雕像着色，眼睛描黑，有的眼睛用水晶、石英等材料镶嵌，以达到逼真的效果。 6、固定的色彩程式，男子皮肤多为褐色，女子多为浅褐色和淡黄色，头发为蓝黑色，眼圈为黑色。 9、古希腊美术史通常分为荷马时期、古风时期、古典时期和希腊化时期。 1）荷马时期荷马时期最早的造型艺术作品是几何纹风格的陶瓶，造型俭朴，大小不一，用于敬神和陪葬。这一时期又被称为"几何风格时 2）古风时期瓶画：3种风格：东方风格、黑绘风格和红绘风格。"古风的微笑"古风时期的雕刻受埃及影响，人物处于正面直立的僵硬状态。无论男女像，在表情上都带有千篇一律的微笑，通称为"古风的微笑"。 建筑：希腊的建筑主要是神庙。古风时期，希腊神庙建筑形成了它的典型形式--围柱式，即建筑周围用柱廊环绕。这时两种基本的建筑柱式已经形成：多利亚式和伊奥尼亚式。古典时期雅典卫城建筑群。其主要建筑是献给雅典娜女神的巴底农神庙。古典盛期最伟大的雕刻
家是狄亚斯，他设计了雅典卫城建筑，菲狄亚斯巴底农神庙。他写了《法则》一书，系统地阐述了人体各部分的比例，提出头与人体之比为1：7。 10、万神殿的拱券建筑的杰出代表。纪念柱是罗马帝国纪念性建筑的另一种形式，图拉真纪念柱是其代表作。拱券建筑：把拱顶的重量集中到四角的墩子上，无需连续的承重墙，空间因此更为开敞。 11、绘画罗马时期的绘画主要包括镶嵌画和壁画。庞贝城有名的壁画《密祭》。 12、欧洲中世纪美术特点： 3 / 4 1）欧洲中世纪艺术称为基-督教艺术。2）基-督教起源于中东，当它作为一种文化形态在欧洲确立时，也带来东方的一些文化特征。3）公元10世纪前后，才形成了相对统一的基-督教艺术风格。 13、拜占庭建筑的特点 第一个方面是屋顶造型，使用"穹窿顶"。第二个特征是整体造型中心突出。第三个特点是穹顶支承，集中式建筑形制。第四个特点是色彩的使用上，既注意变化，又注意统一。 14、罗马式建筑 第一、十字形为罗马式的主要代表形式。第二、教堂墙壁加厚，窗户小，距地面较高。第三、教堂纵横两厅交叉处配有碉堡式的塔楼。第四、整个外形像城堡，坚固、沉重、显示当时封建宗教的权威。 12、欧洲中世纪美术特点： 1）欧洲中世纪艺术称为基-督教艺术。2）基-督教起源于中东，当它作为一种文化形态在欧洲确立时，也带来东方的一些文化特征。3）公元10世纪前后，才形成了相对统一的基-督教艺术风格。 13、拜占庭建筑的特点 第一个方面是屋顶造型，使用"穹窿顶"。第二个特征是整体造型中心突出。第三个特点是穹顶支承，集中式建筑形制。第四个特点是色彩的使用上，既注意变化，又注意统一。 14、罗马式建筑
中外美术史参考书目
中外美术史参考书目 一、《中国美术史纲要》 这本书是中国美术史的经典著作，由中央美术学院教授编著，以历史时期为线索，介绍了中国美术的发展历程，包括绘画、雕塑、建筑等多个方面。该书图文并茂，内容丰富，是学习中国美术史的必备参考书。 二、《西方美术史纲要》 这本书是介绍西方美术史的经典著作，由中央美术学院教授编著，以历史时期为线索，详细介绍了西方美术的发展历程，包括绘画、雕塑、建筑等多个方面。该书图文并茂，内容丰富，是学习西方美术史的必备参考书。 三、《中国美术史》 这本书是中国美术史的经典著作，由著名美术史家潘天寿编著，以历史时期为线索，详细介绍了中国美术的发展历程，包括绘画、雕塑、建筑等多个方面。该书内容丰富，观点独特，是学习中国美术史的重要参考书。
四、《西方美术史》 这本书是介绍西方美术史的经典著作，由著名美术史家邵大箴编著，以历史时期为线索，详细介绍了西方美术的发展历程，包括绘画、雕塑、建筑等多个方面。该书内容丰富，观点权威，是学习西方美术史的重要参考书。 五、《美术鉴赏学》 这本书是介绍美术鉴赏理论的经典著作，由著名美术评论家刘晓丹编著，详细介绍了美术鉴赏的基本理论和方法，包括艺术鉴赏的目的、意义、方法等多个方面。该书观点独特，内容丰富，是学习美术鉴赏的重要参考书。 六、《美术概论》 这本书是介绍美术理论的经典著作，由著名美术家袁宝林编著，详细介绍了美术的基本概念和理论体系，包括艺术的本质、意义、价值等多个方面。该书观点权威，内容全面，是学习美术理论的重要参考书。
七、《美术批评学》 这本书是介绍美术批评理论的经典著作，由著名美术评论家林木编著，详细介绍了美术批评的基本理论和方法，包括艺术批评的目的、意义、方法等多个方面。该书观点独特，内容丰富，是学习美术批评的重要参考书。 八、《中国绘画史》 这本书是中国绘画史的经典著作，由著名美术史家洪再新编著，以历史时期为线索，详细介绍了中国绘画的发展历程，包括古代绘画、近代绘画等多个方面。该书内容丰富，观点权威，是学习中国绘画史的重要参考书。 九、《西方绘画史》 这本书是介绍西方绘画史的经典著作，由著名美术史家迟柯编著，以历史时期为线索，详细介绍了西方绘画的发展历程，包括古代绘画、近代绘画等多个方面。该书内容丰富，观点权威，是学习西方绘画史的重要参考书。 十、《艺术史论》
西方绘画史中的“印象派”美学探究
西方绘画史中的“印象派”美学探究 摘要：在西方绘画艺术史上的诸多流派中，印象派具有重要的里程碑意义， 是世界著名的艺术流派，流传至今。在当时，欧洲19世纪末期的画家们孜孜不 倦地探索着绘画艺术创作的可能性，怀着超脱的浪漫精神，用写实的表现技法来 描绘生活中随处可见的风景，对当时的保守派发起最为激烈的挑战。如今看来， 这显然是一次具有革命性的艺术运动，印象派强调人对具体事物的光影感觉和印象，既没有墨守成规的保守风气也没有夸张到脱离大众认知的抽象表现。本文主 要以西方艺术中的印象派为线索，探讨绘画美学发展的重要阶段。 关键词：印象派；艺术运动；绘画艺术史 一．印象派的诞生 1789年7月14日爆发法国大革命，也正是启蒙运动席卷整个欧洲之际。欧 洲人民的思想脱胎换骨，人民的自主意识开始觉醒，传统的权贵阶层跌落神坛。 此后不久，新兴技术的推陈出新也令年轻的艺术创作者开始产生丰富多变的想法。颜料工艺的进步与便携性则让画家们开始走出封闭的画室，进行开放的户外创作 与思考。然而，在当时具有举足轻重地位的法兰西艺术学院却依然秉承着欧洲文 艺复兴以来达芬奇、拉斐尔等前辈的观点。诚然，我们都知道文艺复兴是一场使 得欧洲摆脱中世纪蒙昧的思想文化运动。但是今时不同于往日，法兰西艺术学院 作为一个权威的学术机构在保护国家思想文化遗产方面绝对是称职的。但是随着 时代的发展，这些权威的老派艺术家们在面对更加年轻的艺术思想时，却又产生 了消极的影响。老派学究们固步自封，觉得绘画艺术创作者就应该待在封闭的工 作室里，通过文献典籍、神话故事和宗教题材，用精湛的绘画技艺来创作以达到 精英阶层审美趣味的作品。而与学院派大相径庭的是，年轻的画家带着速写板和 便携式颜料，离开封闭的工作室，来到大自然更加广阔的环境，观察太阳的东升 西落，用画笔着重表现光影的变化。用看似潦草的速写技法代替传统的精细刻画，一派注重当下的实际感受，而另一派更加注重传统的形式主义。德拉克洛瓦，浪 漫主义画派的典型代表，他的代表作品《自由引导人民》，这副收录于高中历史
西方艺术史基本脉络
西方艺术史基本脉络
西方艺术史脉络 1、分期：埃及美术、希腊罗马美术、中世纪美术、文艺复兴、巴洛克、罗可可 2、艺术中心随经济中心的演变而转移：希腊、亚平宁半岛、弗罗伦萨、罗马、威尼斯、巴黎、纽约 埃及美术：一般指公元前332年以前的埃及美术。它的形成和发展主要经过了史前期、早期王朝、古王国、中王国、新王国和后期王朝时期。埃及美术的产生和发展与埃及人的宗教信仰、墓葬习惯和王权思想有很大关系。他们认为，人的生命和宇宙万物是永恒的,死者是可复活的。相应地，陵墓作为人的永久住宅，它的修建和装饰，也受到重视。这些原因导致了金字塔、雕刻、墓室壁画等一系列艺术品的产生。埃及美术的一般特点是：建筑宏伟壮观；雕刻朴素写实，整体性强，表现方法遵守正面律；绘画线条流畅优美，色彩丰富，人物表现采用正、侧面混合法。希腊美术：希腊美术发源于地中海的克里特岛，早期希腊文明被称为“爱琴文明”，希腊文明一直延续到罗马帝国占领希腊各地，希腊艺术按照时间可以如下分期：1.爱琴文化时期、2.荷马时
期、3.古风时期、4.古典时期、5.希腊化时期。希腊人创造了神，在希腊人的心目中最完美的人就是神，因此希腊人尊重人，神和人同形同性。希腊美术最重要的方式是神殿等建筑、雕刻和少量壁画。希腊美术的主要特点是无所不包的和谐与规律性，还有庄严与静穆。 罗马美术：罗马美术吸收了希腊美术成就，继承了埃特鲁斯坎美术传统，而将美术更加推向实用主义，在内容上侧重描绘享乐性的世俗生活，在形式上追求宏伟壮丽的风格，在人物表现上强调个性化。其突出成就主要反映在建筑、肖像雕刻和壁画方面。 中世纪美术：自公元476年西罗马帝国灭亡到15世纪文艺复兴运动开始的一段时期，史称中世纪。它包括拜占庭美术、爱尔兰-撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛林美术、罗马式美术和哥特式美术等。在公元313年，罗马皇帝君士坦丁颁布米兰敕令，承认基督教会的合法地位。由于基督教的影响占有统治地位，决定了艺术浓厚的宗教色彩。位于东方的拜占庭美术，在一定程度上成为古希腊美术的保存者与传播者，并与当地民族美术相融和，而自成体系。西欧其他诸国