艺术与错觉读书笔记
艺术与错觉读后感
艺术与错觉读后感
图式是一套分节的词汇——受语言学影响很深。
暗示-投射，制作-匹配，风格之变，批判纯真之眼作为被动接受,etc...你认为这样看更“自然”，只是艺术家这样教会了你。
似乎一整个艺术史都被划归于其中......贡布里希其实是不是史料很充足的一个美学家？我是说，他的博学反而像是阻滞，最后真的有人记住了那些充满暗示的、时常令人迷失的经验材料么~其“幽默”而繁冗的修辞有时也很讨厌。
翻译得不好。
每天跪着看几页，看这种书绝对是体力劳动。
每一个伟大的画家都有原始的图式，唯有最伟大者才会从混沌中不停的吸取独创的灵感以始终不停的修改持续稳固的图式。
困于一种源自初学者新奇感的愚昧的排他性：对于艺术史这种东西，一旦接受其中一种理论，包括作为其佐证的详细史料，之后，接受另外的说法变得困难。
尽力克服之。
异议
用整个西方艺术史来解释格式塔心理学。
不管是欣赏绘画、音乐、文学，不过就是投射的过程，也就是说这个东西符合我心中哪种图式／范式，换句话说，一切都是愉快的错觉。
因此艺术家不再相信可以做自然的搬运工，开始自己添油加醋，甚至变成让人产生自相矛盾的投射，如果说“看懂”的意思是能投射到某个事物，看不懂立体主义就对了。
(便于绘画的)图式、范式——(人们看画的方式)投射、错觉—
—立体主义对多义性的抵制(让人不停地投射，却遇到矛盾)。
印象主义是对形相的·最终发现，匹配战胜了制作(描写所见而非运用图式)。
细致又通俗的阐释了艺术为什么会有历史。
先制作后匹配的模式和艺术语汇的修正暗示，不仅是艺术史的脉络，感觉也揭示了设计行业的本质。
只有图片全黑白很呵呵。
读《艺术与错觉》有感
读《艺术与错觉》有感艺术与错觉》被肯尼迪XXXXX克拉克描述为“我所读过的最才华横溢的艺术批评著作之一”，它是一部有关制像的经典研究。
不同于《艺术的故事》语言通俗易懂，这本书还是有一定的学术性的。
这本书虽然出版于50多年前，但至今仍在人文学科中占有很大比重，也对自然学科造成了很大的影响。
贡布里希为理解艺术和处理复杂的观点与理论问题提供了缜密的科学发现。
他对人类大脑无穷无尽的能力，对人类看世界与制作和观看艺术时的微妙关系始终抱有探究之心。
当验证各种假说时，他以他深厚的学识和与生俱来的清晰的表达能力，提出了符合科学精神的论辩。
再现是艺术史的最基本的问题，而《艺术与错觉》这本书就很好的论断了这一点。
我们总是希望站在高处去清晰的一览无余的俯瞰一件东西，这符合我们的视觉认知经验，但是当我们试图寻找-一个高高在上的视角去俯瞰艺术历史的时候，我们会发现我们根本找不到一个这样的地方，于是我们开始建构各种理论，然后把这些理论堆积在我们脚下以便我们能够清楚的俯瞰我们想要清楚看到的东西。
但是物质世界的本质是，人的知觉无论多么完善，也不能在其领域内给出任何一个绝对的物，再从本质上说，无论多么广泛的经验都存留着给予物不存在的可能性，哪怕能够再机体上自身显现着一连串的连续意识。
当我们试图公正的客观的理性的去分析去思考去推理的时候，我们忘记了我们自身根本无法做到这一点，因为我们每个人都普遍具有一些特别的东西。
这是一种东西能让我们在世界中彼此区隔开的东西，但正是这种东西，使我们不能用纯粹客观理性的眼睛去看待世间万物。
我们都知道，要想看清楚一张桌子到底是什么样子，我们需要不断的变换角度去看它，以期望它的各种侧显能够呈现给我们一个可以把握的印象。
任何物体能给予我们的只是侧显式呈现，呈现者的核心是由一个随同所予物的边缘所围绕的，而且这个边缘是模糊的，正因为其模糊，各种可能即构成了一个知觉复合体。
他们彼此之间相互融合逐渐汇集成一个知觉的统一体，我们在这个知觉统一体的侧显系列中，得到的是某物显示着的并一.直在不断更新的侧面。
转载《艺术与错觉》
转载《艺术与错觉》原文地址: 《艺术与错觉》作者: 话酒蜜蜂《艺术与错觉》译后记范景中简单地讲，《艺术的故事》一书是以关于视觉本性的传统假说去研究再现风格史; 本书则寄望更高，打算反过来使用艺术史对那假说体系本身进行探讨和检验。
因此，我自然不得不假定读者已经知道《艺术的故事》中描述过的再现风格的各个主要阶段。
除此以外，无需更多的专门知识。
我所要求的心理学知识甚至更少，因为在心理学领域，连我自己也是门外汉，也是初学者。
然而我强调这一点，却无意显示过谦其词。
据我看，设立 A.W.梅隆讲座的主要意图是保持艺术讨论持续常新，促使研究课题发展演进。
我相信。
只有向艺术家学习，避熟趋生，大胆治学，才能达到预期的目的。
我对明智的华盛顿听众作出的全部保证就是不作安全第一的打算。
-- 贡布里希: 《艺术与错觉》前言《艺术与错觉》的主题旨在回答艺术为什么会有一部历史。
贡布里希教授从一个我们日常惯见熟闻，但不是出于无知便是由于自命不凡而不屑一顾的问题-- 艺术家们在描绘现实时为什么会用如此众多的风格-- 开始，重新检验了许多在我们看来已经理所当然的观念，改变了我们对一些关键性问题的理解。
作者在论证中广泛地涉猎了大量的古典文献和现代科学的许多分支，使其论题不仅具有渊博的知识基础，而且还获得了某种科学的精确性。
这部著作出版于1960 年，至今仍在艺术界、美学界、哲学界引起广泛的讨论，它已经成了20 世纪西方思想史上的重要文献，不仅在人文科学领域产生了重大影响，而且也影响到了自然科学领域。
然而，也许正是由于作者的广博、睿智和苏格拉底式的论辩才能，使我们这些不甚熟悉西方文化传统的读者就难免有在看局部时流连忘返，看整体时有雾中观花之感。
按照作者的构思，本书的结构是拱式布局: 每一章都有一个中心论题，这些中心论题的大方向具有严格的逻辑关系。
但是，由于本书不是一个严密的演绎体系，每一章都像是围绕一个专题组织起来的单篇论文（可能与此书保留了讲稿的形式有关），加之，具体的论点也不是一章一章地循序引人，所以读者就不易掌握作者的论证脉络。
读《艺术与错觉》有感
读《艺术与错觉》有感作者：彭娟来源：《文艺生活·中旬刊》2017年第08期摘要：贡布里希《艺术与错觉》的主旨在于回答了艺术为什么会有一部历史。
作者改变了我对一些关键性问题的理解，贡布里希在论证中广泛地涉猎了大量的古典文献和许多现代科学的分支，使其论题不仅具有渊博的基础知识，而且还获得了某种科学的精确性。
时至今日，《艺术与错觉》仍在艺术界、美术界、哲学界引起广泛的讨论，并且它现在已经成了二十世纪西方思想史上的重要文献，不仅在人文科学领域产生了重大的影响，而且影响到了自然科学领域。
关键词：艺术理论；错觉中图分类号：J110.9 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2017）23-0006-01一、理论观点《艺术与错觉》是一部引人深思，不断产生硕果的经典著作。
博闻强识且具有极强抽象思维能力的贡布里希，以渊博精深的见解，贯穿了美术史的许多研究领域（如古代埃及的艺术程式、古希腊艺术革新等）和社会科学（如心理学，哲学，文学，宗教等）的具体指示的介绍中，阐发了艺术为什么会有一部历史，丰富的内容，充满生机，使全书充满了热情。
一经启卷，就仿佛品尝到一杯醇香的法国波尔多红酒——温馨而浓烈，不全是理论学习，好似一种品位和享受，却也不同于阅读传统小说时的那种品位，而是一种伴着愉快兴奋的思考体验。
二、内在逻辑在《艺术与错觉》序言中，贡布里希强调这步著作的理论观点是“图画在线的心理学研究”，一方面是“图画再现”，也就是说，他避开了非再现性（即非具象艺术）图画问题，另一方面他研究的是“再现心理学”，而这种研究性对象即在现性图画。
他是逾越艺术领域进入知觉和错觉的，从而产生多种多样的错觉和对知觉和错觉的广泛探索。
贡布里希的《艺术与错觉》这部著作的内在逻辑粗枝大叶可以这样分：1.绘画是转换，而不是摹本。
解释光线转为颜色的英国画家康斯太布尔是贡布里希在《艺术与错觉》中引证的一个重要范例。
康斯太布尔是被称作“印象派绘画之父”的风景画家，是英国伟大的浪漫主义风景画家。
波普尔和《艺术与错觉》
Arts circle美术界ARTS CIRCLE2011/2波普尔是当代最著名的科学哲学家和社会哲学家之一。
他的卓越成就遍及科学哲学，认识论，政治哲学，生物哲学等等。
伪证主义和三个世界理论等思想深刻地改写了20世纪的美术史和思想史。
贡布里希贡献最大的艺术史和艺术心理领域。
这两位学术大师看似各有门庭，实际极有关联。
一端是贡布里希的混合这心理学的艺术史理论，另一端是波普尔的科学哲学和认识论。
从社会学角度：贡布里希，波普尔都是20纪的学术大师，两人在年轻就互引为知己，终其一生均是莫逆之交，在学术道路上相互促进。
从理论角度：贡布里希的大多数理论著述，都反映出受波普而的深刻影响，在贡布里希贡献最大的艺术史和艺术心理领域中，处处体现出波普尔的批判理性主义，试错法和猜想——反驳图式，反历史主义或历史决定论和认识论的影响。
而在许多艺术价值相关的问题上，贡布里希也得益于波普尔的哲学理论。
贡布里希自己也直言不讳的承认，《艺术与错觉》受波普尔的影响。
在艺术的心理认知领域，贡布里希最主要的考虑对象是再现艺术，他在《艺术与错觉》中提出了一个任务“本书的目的是说明为什么艺术有一个历史……”他基于图式与矫正的艺术心理学；基于制像与匹配的艺术创制理论。
而笔者所讨论的是贡布里希在《艺术与错觉》中，就艺术心理学和图像认知方面中反映出来的波普尔的思想。
主要从三个方面来看他们之间的关系：1、情境逻辑“K.R.波普尔把这些假定称作“心灵水桶论”[bucket theory of the mind]，这种心灵画面所表现的是感觉资料在心灵中经过积淀加工这么一个过程。
他证明了这个基本假定在科学方法领域和认识论中是不真实的，在这些领域中他坚持他所称的“探照灯理论”[searchlight theory]，强调永不停息地探索和检验周围环境的生物体的活动。
在心理学的许多领域中，日益感到这种方法富有成效。
无论各种理论有多大的差异，它们的着重点都从刺激坚定地转移到生物反应方面。
艺术与错觉读后感
艺术与错觉读后感要内容摘：贡布里希教授从一个我们日常惯见熟闻，可不是出于无知便是由于自命不凡而不悄一顾的问题――艺术家们在描绘现实时为人什么会用如此众多的风格――开始，重新检验了许多在我们看来已经理所当然的观念，改变了我们对一些关键性问题的理解。
作者在论证中广泛地涉猎了大量的古典文献和现代科学的许多分支，使其论题不仅具有渊博的知识基础，而且还获得了某种科学的精确性。
这部著作出版于1960年，至今仍在艺术界、美术界、哲学界引起广泛的讨论，它已成了20世纪西方思想史上的重要文献，不仅在人文科学领域产生了重大影响，而且也影响到了自然科学领域。
关键词：心理学艺术错觉这是一部不断令人思索，不断产生硕果的著作，因为它让我们重新看待了艺术批评、艺术鉴赏和艺术史所赖以立足的如此众多的假定，它所涉及的范围远远超越了它所叙述的界限。
这本书共分为以下几个部分导论导论：心理学和风格之谜(Psychology and the riddle of style)。
第一章：从光线转为颜色。
第二章：真实与定型。
第二部分。
第三章：皮格马利翁的能力。
第四章：论希腊艺术的革新。
第五章：公式和经验。
第六章：云中的物像。
第七章：错觉的条件。
第八章：第三维的多义性。
第九章：艺术中的视觉分析。
第十章：漫画实验。
第十一章：从再现到表现。
按照作者的构思，本书的结构是拱式布局：每一章都有一个中心论题，这些中心论题的大方向具有严格的逻辑关系。
但是，由于本书不是一个严密的演绎体系，每一章都像是围绕一个专题组织起来的单篇论文。
当我读完第一和二章后得知黑白照片跟被摄风景之间是一种转换关系，它要把风景的色调转换到一段黑白范围之中，因而有种种变化，谈不上是转录现实风景。
艺术家同样不能转录其所见，只能把风景翻译成他所用的手段的表现形式，因而随其手段的表现范围的不同，而有不同的描绘之作。
艺术家所描绘的风景是凭借其原型的内部成分的关系暗示出来的，需要使用一套标记系统标出原型的一系列区别性特征，例如“开”、“关”原理和镂花图案之类，“是”和“非”式的标记系统。
艺术与错觉读后感
艺术与错觉读后感《艺术与错觉》是一本由英国心理学家理查德·格雷戈里（Richard Gregory）所著的心理学专著，该书主要探讨了视觉错觉与艺术创作之间的关系。
通过对错觉现象的研究，作者试图揭示人类视觉系统的运作方式，并探讨了艺术作品中的错觉现象对人们感知的影响。
在阅读这本书的过程中，我深深地感受到了错觉对人类视觉感知的重要性，以及艺术作品如何利用错觉来创造出令人惊叹的视觉效果。
在书中，作者首先介绍了视错觉的基本原理，即人类视觉系统在处理视觉信息时会受到各种因素的影响，从而产生出错觉现象。
这些因素包括光线、颜色、形状、大小等，它们会影响人们对物体的感知和认知。
例如，书中提到了一些经典的错觉现象，比如走廊错觉、梯子错觉等，这些错觉都是由于视觉系统对线条、距离和角度的处理方式导致的。
通过对这些错觉现象的研究，作者揭示了人类视觉系统的局限性和易受干扰的特点，这为我们理解艺术作品中的错觉效果奠定了基础。
接着，作者将目光转向了艺术作品中的错觉效果。
他指出，许多艺术作品都利用了错觉现象来创造出令人惊叹的视觉效果，从而引起观者的兴趣和好奇心。
比如，一些立体画和光影装置就是利用错觉原理来产生出立体感和动态感，使得观者在欣赏作品时产生出错觉和惊奇的感觉。
此外，一些艺术家还善于利用色彩、形状和线条等元素来制造出视觉上的错觉效果，使得观者在感知上产生出错觉和混淆，从而达到艺术作品的独特效果。
通过对这些艺术作品的分析，作者展示了艺术与错觉之间的密切关系，以及错觉在艺术创作中的重要作用。
在阅读完《艺术与错觉》之后，我对错觉现象和艺术创作之间的关系有了更深入的理解。
我意识到，错觉并不是一种负面的现象，它可以被艺术家巧妙地利用来创造出令人惊叹的视觉效果，从而丰富了艺术作品的内涵和表现形式。
同时，我也更加清晰地认识到人类视觉系统的局限性和易受干扰的特点，这使得我们在欣赏艺术作品时需要更加理性地对待自己的感知和认知。
错觉与文学艺术
错觉与文学艺术错觉与文学艺术文学艺术离不开恐惧感。
丞峰在《红竹•黑竹•青竹》一文中谈到：&ldquo；世纪末法国画家席里十九世纪柯的《1821年艾普松赛马》很是著名，画面上骑手坐骑下的马前后撒开片段四蹄狂奔，给人则一种紧张的动感。
我国唐代章怀太子墓室中壁画《打马球图》上的奔马也同样是前后撒蹄，眼里对狂奔的马应有之态，举凡艺术家眼光相同。
然而，当近代第一张奔马的高速照片出现时，人们不禁吃了回去：原来马跑起来并不是前后蹄撒开，而是一足着地，其余三足并非前后撒开。
于是有人便按照片上奔马来画，结果那马怎么看也‘奔’不起来。
这是谈感官错觉，也称客观错觉。
对感官错觉，只有以这样的错觉来学业成绩，才有艺术真实。
试想，你画一条门庭不是近处宽远处树荫下窄吗?倘若我们画的一样错落，那倒给人则有不真实之感。
这样的错觉，在诗歌中所总是那么美，总是给人如临其境之感，总蕴含着人的心理感受，如孟浩然“野旷天低树，江清月近人”，萧绎《早发龙巢》中的“不疑行舫动，唯看远树来”等。
错觉总是在一定的条件下形成的，比如对某种事物的错觉，常常和它的邻近利空因素相关，如有人说：“在色彩体系中，灰色恐怕是最双肋的色彩了。
它是急于的中间色，依靠邻近的色彩获得生命。
灰色一旦靠近鲜艳的暖色，就会显出冷静的品格，若靠近冷色，则变为温和的暖灰色。
”你看人们对灰色的错觉，就和邻近色彩相关人员。
再比如对一个人的感觉，常常服色会使人产生错觉，比如服饰是冷色调和中色调，就会感觉到此人庄重、威武、雄壮、深沉；再比如暖色服饰，自然会感觉此人热情、自信、友爱、爽朗。
还有大家最熟知的一种现象，就是在审美中，由于时空距离这个客观因素空洞而使我们产生错觉。
比如小时候偷吃萝卜而受到的惩罚，玩水几乎丧生，爬树摔得鼻青眼肿，到现在当功利渐渐消失时，我们倒感到是那样有趣。
人还有一种心理错觉，也称主观错觉，如《诗经》中“一日不见，如三秋兮”，西晋张华《情诗》“居欢惜夜促，在戚怨宵长”，这是对时间的心理错觉；晋代傅玄《杂言诗》中“雷隐隐，感妾心，倾耳听，非车音”，以及《晋书•谢玄传》中“是其走者闻风声鹤唳，皆以为晋兵且至，昼夜不敢息，草行露宿，重以饥冻，死者十七八”，这是对音调的心理错觉；李白的“飞流直下三千尺，疑是银河落九天”，是对水源的心理错觉；唐末五代的延寿大师：“孤猿叫落中岩月，野客吟残半夜灯。
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艺术与错觉读书笔记【篇一：读书笔记】艺术发展史——“艺术的故事”读后感我觉得贡布里希的这本书是一本让人能静下心来欣赏的艺术作品。
我觉得它更重要的是在叫我们怎么去看待事物。
尽管我们很喜欢某些强烈内在感情的表现，然而我们必须要首先理解他的绘画手法，才能真正的理解他的感情。
正如有一些人比较喜欢言辞简短，手势不多，留有余意让人猜测的人一样，可是既然在“原始”的时期艺术家不像现在这样精于表现人们的面目和姿态，然而看到他们依然那样努力表现自己想传达的感情，往往更加动人心弦。
生活也是如此，不论别人看来怎样，自己要努力表达内心真实的感受，那就一定很生动，很感人。
在这里我无意花时间列举和讨论本书的某些重要观点，我更想表示感谢，这样的书对每一个有幸读到它的人来说都是一种恩赐，一份良缘。
它只提供有限的知识，却能引发你无限的思考，无论何时，随手翻阅至何处，进进出出，总会有新的体会与收获。
我想，这种毫不做作的谦逊品质与学术态度才是最令我感动和难忘的。
它比了解艺术的故事本身更加让人受益终生。
一开始，我对于《艺术发展史》一书的书名实在不感兴趣，但在我看了前言以及第一章以后，我对这本书有了不一样的感觉，吸引着我继续往下读。
这本书通过文字以及图片的结合，从古代美洲，到古埃及，到古希腊、古罗马，再到东方的伊斯兰教国家及中国，最后回顾到西方欧洲，向我们展示了艺术的发展历史。
而这一段段历史的介绍，始终围绕着作者贡布里希在导论中所提到的一句话“现实生活中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已”。
的确，看完了这本书，给我感受最深的不仅仅是每个时期每个地方的每种艺术史实，更是改造并创新这种史实的艺术家。
艺术家不仅仅是在创造艺术，他们更多的是在解决当时社会中所存在的问题，每种艺术，其实也是体现着当代艺术家的一种态度。
因此，我想简单谈谈，艺术，是一种生活态度。
如果从“问题情境”的角度来看20世纪的中国艺术，不难发现那些在历史的沉淀中被保留下来的杰作正是由于“解决问题”的迫切需要而使得艺术家的智慧与创造力有了充分的用武之地。
贡布里希在谈到建筑以及“原生态”的绘画与雕刻时曾用两个词来形容它们的标准——既“实用”又“合适”。
尽管后来艺术日益成为奢侈品，不再那么实用了，但这个标准仍未完全失去价值，并且还会在一定的情境中显出复苏的力量。
例如在三四十年代的中国，新兴木刻便是一种既“实用”又“适用”的艺术。
特殊的情景促使艺术家选择了黑白木刻作为解决问题的方式。
那些豪放朴实的黑白木刻作品，不仅显示了木刻艺术的刀法美，而且增强了作品的表现力度，适应了当时的情景对艺术作品的特定要求。
人们现在回忆那段时期的艺术时常会用到“时代气息”、“战斗精神”等字眼。
可见那时的艺术家在战斗的同时也切实地解决了具体的艺术问题，使作品尽可能地“实用”又“合适”。
我们不会想象延安的木刻艺术家是为着创新而工作的，但他们的确创造了全新的艺术。
他们的作品使得各阶层的人都可以感受到那种振奋人心的力量。
贡布里希在编写这书时，无法印刷在插图里的作品就不选用。
这对作者有多挑战我是不知道，但对读者而言，所有拗口的名字，神秘的术语，瞬间几乎都变得平易近人起来。
于是当书中出现类似”雷诺兹的肖像画和委拉斯凯兹的直接布局相比就不那么自然，精心设计的味道要浓的多“这种话时，我们这类初学艺术的人就再不用向以往一样翻白眼了，而是只要按照指示翻两张书页，对比下两张插图，然后就可以心满意足的咂咂嘴，表示，恩，你说的很有道理，我们英雄所见略同。
而就实用方面，我觉得在评判艺术作品时，一方面固然要直面我们的内心，询问这件作品是否真实的打动了自己，（而不是某种附庸风雅的潜意识）。
另一方面，对历史上的大师们曾经做到过的，想要做到的，没有做到的，也得有一个粗浅的了解。
因为毕竟有一个很讽刺的现象就是，当年越是伟大的创举就越是容易被后世无限的模仿，也就越是容易被我们习惯和以至于认为平淡无奇以至于熟视无睹。
这真是对大师们最大的侮辱了。
我个人比较喜欢文中一些体现出贡布里希爵士高贵品格与儒雅风度的语句，例如：“一个人会有多少事实、总结和观点分明来自他人却不自知啊！”“我要直言不讳地指出这种一知半解和摆行家架子的危险，因为它很有诱惑力，我们都容易犯这个毛病，而像本书这样的著作又能使它的危害变本加厉。
我想帮助读者打开眼界，不想帮助读者解放唇舌。
妙趣横生地谈论艺术并不是什么难事，因为评论家使用的词语已经泛滥无归，毫无精确性了。
但是，用崭新的眼光去看一幅画，大胆地到画中去寻幽探胜却是远为困难而又远为有益的工作”。
“在欣赏伟大的艺术作品时，最大的障碍就是不肯摈弃陋习和偏见。
” “我真心地努力避开此类魔障，坚持用浅近易懂的语言，即使书中的讲法听起来像是随便一谈的外行也在所不惜。
尽管如此，我并没有回避难以理解的问题，因此我希望读者切勿误会”。
贡布里希是西方当代最著名的美术史家、美学家和古典学者，《艺术的故事》是他最重要的著作之一，泰晤士和哈得逊美术词典称其为“有高度影响的著作”自1950年问世以来已被译成二十种文字，仅英文版就印了三十三次。
这本书以传统的“所知”和“所见”的区别为纲，勾勒了艺术从依靠其“所知”的原始人和埃及人的概念化方法到成功地记录其“所见”的印象主义者的方案的发展历程。
但是，在最后一章，他提出了一个大胆的观点，印象主义方案的自相矛盾的本性破坏了二十世纪最有影响的艺术理论著作《艺术与错觉》的研究前提。
如果说本书是把关于视觉本性的传统假设运用到了艺术史，那么《艺术与错觉》则是运用艺术史来探索和检验这种假设框架的本身。
因此，它们是姊妹篇。
这本书在行文上有一个显著特点是，作者将深刻的理论，以简淡的语言出之，意味极其隽永，堪称是一部真正的深入浅出之作。
作者说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，作者既不是简单地罗列史实，而是描述了一系列的“问题情境”他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。
读完了这么厚厚的一本书，看了上万字的东西，露出的却只是冰山一角。
越学习就发现自己的无知,我看到了自己的严重不足，整个人不像以前那么浮躁了，也学会了从不同的【篇二：读书笔记】传奇的历史，伟大的博弈电影《华尔街》里有段精彩的对白：“各位女士先生，重点就在于?贪婪。
抱歉我找不到更好的字眼。
贪婪是好的，贪婪是对的，贪婪是有用的。
贪婪可以厘清一切，披荆斩棘直捣演化的精髓，贪婪就是一切形式之所在。
对于生活要贪婪，对于爱情、对于知识，贪婪激发了人类向上的动力。
贪婪，你们记住我的话”。
而《伟大的博弈》中讲述的是华尔街三百多年来的发展史,那是一个疯狂的年代,一群疯狂的人们,一些疯狂的事情。
从杰斐逊到汉密尔顿,从德鲁到摩根,那一幕幕高超的市场操纵、资本运作,总能让人大呼过瘾,五体投地。
这里不是天堂或地狱,没有天使或魔鬼，只有人,人类社会就是这样。
华尔街宛如一条靠吸食人类自私原恶而掘壮成长的两头龙,一个头是贪婪,另一个头是恐惧,盘旋在每个人头顶上的天空中。
正如约翰．s．戈登在书中写到的那样：“尽管有数不清的海滩，人类依然扬帆出海，同样的道理，尽管有无数次的股灾，人们依然会进入这个市场，辛勤的买低卖高，怀着对美好未来的憧憬，将手里的资金投入到股市，去参与这场伟大的博弈”。
传奇总是伴随着丑陋，因为真是丑陋使得那些光荣显得光彩夺目。
这本书的一大特点就是在描写华尔街的各个时期时，都会抽取这个时期代表性的人物来描述。
可以说，华尔街的历史正是这些人的历史，他们不是每个人都堪称伟大，他们更多的都是追逐利益的商人。
但是由于追逐手段的不同，使他们有的人像人间的魔鬼，有的人像地狱的魔鬼。
是的，似乎除了汉密尔顿之外，在华尔街没有天使可言，即使是享有盛誉的摩根也是如此。
对于金融家，人们一向不吝惜的以贪婪，冷酷这些充满了“邪性”的词语来形容，但是同时人们也对他们在这个过程中展现出来的手腕与智慧而惊叹。
这是怎样的一群人，他们能在几个月内暴富，同时也能在几周内一贫如洗，他们的荣辱兴衰甚至可以影响无数普通人的命运，可以决定一个国家，甚至世界范围的格局。
当然，组成华尔街历史的更多是那些游戏的普通参与者，他们往往无力抉择自己财富的命运，只能选择跟随或是离弃哪个金融家，他们的命运是被主宰的。
他们经常成为大玩家手上的筹码和棋子，可能在一夜之间获得梦想中的财富，但是那些纸上富贵也可能在一夜之间付诸东流。
但是这些普通人的合力却又成了主宰那些大玩家们的力量，只有他们的跟随才能让那些所谓的巨头们可以放手在一场大游戏中尽情创造真实或是虚妄的金钱，而他们的离弃也能使巨头们转眼间成为无助的可怜虫，在这个胜者为王的功利市场上无人问津。
这也是华尔街的博弈，一种充满了血泪和梦想的博弈。
华尔街的成长史也是一部从混乱走向秩序的历史。
在书中可以了解到华尔街本来就产生于混乱之中，那是十七世纪疯狂无比的“郁金香泡沫”。
无疑，充满西部色彩的环境是孕育传奇的好地方，但是传奇往往只是看上去很美的故事，这个过程中的代价往往是巨大的。
正如作者在为中译本补写的章节末尾所说的那样，“在漫长的发展过程中，华尔街的历史是一部经历无数灾难的历史，也是一部不断从灾难中吸取教训以防灾难再次发生的历史。
从它的童年开始，华尔街就经历了恐慌、战争、火灾、骚乱、恐怖主义和无数其他磨难，每一次，华尔街都度过了危机。
”正是在一场场灾难中，华尔街逐渐建立起了高效、公正的规则（先有游戏，后有规则，而且规则是游戏者自己用三百年时间发现的），为大小玩家提供了相对公平的游戏环境。
没错，只能说是一个“相对”公正的环境，因为永远没有绝对的公正，没有绝对完美的游戏规则，但是一个成熟的市场之所以成熟就在于它能从不断的挫折中吸取教训，可以进而建立更成熟的市场环境。
作为一名中国读者，提起华尔街，不能不想到中国的股市。
和华尔街比起来，我国的金融市场的历史短的可怜，我们似乎也正处于一个混乱的草莽时代。
中国正处于历史的十字街口（有一点像100多年前起飞前的美国），面临着实现国家和民族的复兴的艰巨任务，美国走过的道路恰恰给我们提供了一条可以借鉴的道路。
看完这本书后可以发现，美国的经济起飞，美国超越欧洲列强，这并不是偶然的。
相反地，它的背后有一个几乎是必然的东西，那就是因为美国建立了一个发达的资本市场，使得美国的经济和社会可以高速高效的发展。
资本市场和实体经济的发展也是相辅相成的，资本市场的发展既不是一蹴而就的，也不是可以离开实体经济而独立发展的。
最后，对于中国的金融市场，我只想说――相信未来。
世界本就不公平东南亚的经济是政治权贵和经济权贵之间关系的产物，这种关系由殖民时代发展而来，并在后殖民时代继续存在，只是特点有所不同。
”，教父们非常擅长从政客造成的经济的无效率中套利.当读到这些富豪们如何官商勾结、愚弄大众疯狂敛财时，一开始你可能会觉得愤怒，但接下来你会觉得困惑：在这些看上去是“民主”、“开放”的社会里，他们为什么能一次次地得片惩？最后你会思考：到底是怎样的经济、政治环境养育了这些富豪（毕竟他们本质上和全世界的商人一样，都是在适应环境以获得利益最大化）？虽然早就知道马、泰、印、菲的腐败和混乱，但我原来对这些国家的政治经济情况并不很了解，而该书让我在这方面增加了很多知识，使我对这些国家中一系列眼花缭乱的政变、政权交替有了比较清晰的理解（比如他信的起落）。