美术修养论文
初中美术论文六篇
初中美术教学新体验一、利用电教手段创设教学情境和气氛,加强学生的美术体验。
电教媒体将图、文、声像,按不同需要编辑,显示与重放的功能,在欣赏课中表现得非常明显。
美术欣赏教学具有认识、教育、审美三个主要功能。
是具有认识、教育、审美三个主要功能。
是提高学生艺术修养的重要途径。
按照传统的教学方法,教师只能通过幻灯片和口头讲解来完成引导学生欣赏作品的突出美点,体会作者的创作意图,进行多维的和有效的审美评价等一系列教学任务。
但是任何的作品和欣赏者之间都存在着时间,地区,民族,文化,习惯和个人经验的差别,特别是对于现代派发作品。
由于他们所使用的绘画语言超出常人的现实经验和欣赏习惯,使学生难以理解作品所表达的思想。
二、学生利用微机,设计创作更加简单容易。
好的设计构思需要高品质的制作来表现。
学生在设计制作中常常面临着实际制作的效果同预先设想不同的情况,这样就不得不重作。
随着电脑技术的发展,制图软件具有设施齐全的工具库和屏幕预视功能,学生利用微机来进行美术的设计是一种快捷高效的方法。
在九年级下册《动画作品的设计与制作》一课中,应用Flash 工具面板和色彩面板,制作简单的动画，为学生的设计提供了更大的选择余地和更广阔的想象空间。
三、利用网络师生共同点评修改作品,实现教与学的良性互动。
要想取得良好的教学效果,必须及时注意学生反馈的信息,并根据反馈的信息及时调整教学方法和内容,做到教师和学生的双向交流实现教和学的良性互动。
点评学生的作品,是学生进行交流、检验教学成果的重要手段。
校内计算机网络的建立,将使学生能够在计算机里更直接的观察、分析、修改别人的作品,发挥了学生参与教学的积极性。
但是,在这种兴趣背后隐藏着一种假象。
不知各位老师是否注意到,在艺术课堂上,很多学生感兴趣的不是艺术课的课堂内容,而是艺术课堂里一种相对宽松的氛围,这种现象我们称之为“假兴趣”。
那么怎样才能变假兴趣为真兴趣呢?我认为应该在以下几个方面去努力：一、正确认识美术科目的重要性,提高美术科目的课堂魅力(一)增大时间投入:美术是一种视觉艺术,需要观摩和展示大量的图片资料,需要老师在备课过程中搜集视频、音频、图片等资料。
高中美术论文15篇
高中美术论文15篇文章1：艺术中的色彩运用本文探讨了艺术中的色彩运用对作品表现力的影响，从颜色的选择、组合和运用技巧等方面进行分析。
文章2：线条在绘画中的表现形式通过对线条在绘画中不同用途和表现形式的研究，探讨了线条在艺术作品中的重要性和创造力。
文章3：素描艺术的技巧与方法本文介绍了素描艺术的基本技巧和方法，包括线条的运用、阴影的处理和透视的表现等方面。
文章4：油画艺术的发展与特点通过对油画艺术的历史发展和艺术家作品的研究，探讨了油画艺术的独特特点和表现方式。
文章5：雕塑艺术的审美价值本文分析了雕塑艺术在表现形式、材料选择以及观赏体验方面的审美价值，探讨了雕塑作品的独特魅力。
文章6：水彩画的表现力和技法通过对水彩画的材料、技法和表现力的研究，探讨了水彩画在艺术创作中的独特魅力和表现手法。
文章7：版画艺术的技术与流派本文介绍了版画艺术的常见技术和不同的流派，通过对版画作品的分析，展示了版画艺术的多样性和艺术性。
文章8：摄影艺术的表现手法与影响通过对摄影艺术的不同表现手法和影响的研究，探讨了摄影作品在视觉艺术中的独特地位和表达方式。
文章9：建筑设计中的艺术与创新本文分析了建筑设计中的艺术元素和创新理念，探讨了建筑作品如何通过艺术表达和创造新颖的空间形式。
文章10：现代艺术对社会的影响本文研究了现代艺术对社会的影响和观念变革，通过对不同现代艺术形式和作品的分析，呈现了现代艺术的多样性和辩证性。
文章11：装饰艺术的风格与趋势通过对不同装饰艺术风格和趋势的研究，分析了装饰艺术在室内设计中的作用和发展，展示了装饰艺术的美学价值。
文章12：书法艺术的传统与创新本文介绍了书法艺术的传统和创新，通过对书法作品的分析，探讨了书法艺术在中国文化中的重要地位和创作手法。
文章13：艺术与环境保护的关系通过艺术作品对环境保护问题的表达和呼吁，探讨了艺术与环境保护的关系和艺术在提升环境保护意识方面的作用。
文章14：印象主义对艺术的影响本文研究了印象主义艺术对传统艺术观念和创作方式的颠覆和影响，探讨了印象主义作品的独特表现形式和艺术理念。
美术的论文(通用9篇)
美术的论文（通用9篇）一、论文怎么写1、确定主题在写论文之初，首先要确定好论文的主题，才能够查找相关的知识点。
建议在确定主题的时候，一定要根据自身的专业，并且要使自己擅长的，这样在选题的时候不仅更加容易一些，也更容易通过。
2、列好提纲选好主题之后，就需要搜集一些相关的写作资料了。
查找相关资料后要仔细的阅读，可以根据所选择的主题来列好写作的提纲，这样在正式写作的时候就会有清晰的目标，不会出现跟主题偏差的问题存在。
3、正式写作当列好相关的主题和提纲之后，就开始进入到了写作的阶段。
因为书写论文通常会有字数的要求，一般需要几天才能完成，所以在写作的时候先要做好计划，可以确定好每天完成的部分。
在制定计划的时候，可以根据自己的写作习惯来安排。
4、仔细修改写完论文的内容之后，并不代表论文的书写已经完成，因为其中可能会存在一些论点错误，以及一些不通顺或者是错别字的问题。
可以仔细的阅读一下，查找出不对的地方进行修改，确保论文是通顺并且有正确观点的。
5、完善要素完善要素是最后一步，也是非常重要的一步，需要查看文章中是否有缺少的事项，并且要根据实际情况来添加。
二、美术的论文（通用9篇）无论在学习或是工作中，大家都经常接触到论文吧，论文是探讨问题进行学术研究的一种手段。
那么一般论文是怎么写的呢？下面是小编为大家收集的美术的论文（通用9篇），供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。
美术的论文1 我国历史文化渊源流长、博大精深，在不断地探索与实践中涌现出了现代美术设计教育，是中华民族优秀历史文化不可或缺的一部分。
传统工艺美术在一定程度上为现代美术设计教育提供了一定的借鉴性意义，现代美术设计教育要想积极走向世界、走向全球，就必须要加强与传统工艺美术的融合，立足现实，不断推陈出新、革故鼎新，要适度进行保留与创新，进而构建全新的现代艺术设计教育体系。
1传统工艺美术与现代美术设计教育之间的关系分析1.1区别中国传统工艺美术内涵丰富，聚集了无数历史积淀，而现代美术设计注重强调现代审美意象的延伸。
培养学生美术能力论文
培养学生美术能力之我见美术课程是陶冶学生情操、提高学生审美能力、提高学生综合素质的一门重要课程。
培养学生的美术能力是美术课目标，也是美术教师的重要职责。
美术教师必须更新教学观念，改革教学方法，把培养学生的创造性、发展思维和能力放在重要位置。
笔者在教学中有以下几方面的尝试和收获。
美术教师深厚的功底是培养学生美术能力的基础教师首先要有较为全面和扎实美术理论素养，有丰富的专业知识，对中外美术史、设计史、国画、油画、版画、雕塑、平面设计、环境设计、计算机运用、教育学都要有所了解甚至认真研究。
教师还应该善于从理论中获取新知，补充能量，并且通过内部消化，运用到美术教育的实践环节中去。
教师还应不断摸索合乎校情、学情、教情的理论，只有这样才能应对不同学校、不同学生、不同教材带来的挑战。
美术教师还要赢得学生的尊重。
尊重是学生愿意学习的重要前提。
课堂上教师示范因直观性强易于学生更快更好掌握。
如果教师具备很厚的业务功底、独特的创作精神，不仅能博得学生的深深敬佩，还将对学生创新能力的培养产生积极影响。
教师应通过自己的外表仪态、教学语言、板书范画、演示辅导等一系列活动得到学生的信任与尊重。
美术教师应以自身的创新意识、思维及能力等因素去感染、带动学生的创新能力的形成和发展。
要敢于打破应试教育体制下课堂是死气沉沉、压抑个性、千篇一律的现状；在学习中，要克服学生只注重描摹对象，忽视自身创新能力的表现。
要培养学生的创新能力，美术教师还必须要具备创新精神和能力。
教师所具备的那种创新精神、创造能力本身就是对学生创新能力的唤醒。
为此，教师要大量创造自己的作品并不断学习，“读万卷书，行万里路”，不断充实自己，不断获取最新信息，更新固有观念与知识，保持艺术创新及教学中的青春活力。
在教学实践中，凡是要求学生完成的作业，教师都要尽可能先尝试一下，试图从多方面、多途径去考虑，对随时涌现的想法，只要有价值，就要付诸实践，这样既培养了自己的创新精神，又锻炼了自己的创新能力，还对可能出现的教学效果有所设计和预见。
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)论文一：对达芬奇《蒙娜丽莎》的艺术鉴赏达芬奇是文艺复兴时期最杰出的艺术家之一，而他的作品《蒙娜丽莎》则是他最具代表性的作品之一。
这幅画作是一幅肖像画，绘制于16世纪初期，目前收藏在法国卢浮宫。
通过对《蒙娜丽莎》的深入观赏，我们可以欣赏到达芬奇在绘画技巧和表现手法上的独特魅力。
首先，在绘画技巧方面，达芬奇运用了光与色彩的巧妙组合，使得画面显得十分生动。
画中女子的面部充满了光影效果，而眼神中的微笑更是达芬奇的创作精髓所在。
他通过运用细腻的笔触和渐变的色彩，使得画中的蒙娜丽莎仿佛具有生命力，能够和观者进行交流。
此外，达芬奇还巧妙地运用了透视法，使得画面具有深度感，使蒙娜丽莎的形象更加立体。
其次，在表现手法方面，达芬奇以其深厚的艺术造诣展示了他对人物心理的独特洞察力。
在画中，蒙娜丽莎的面容表情并非丰腴的微笑，而是一种微妙的、难以捉摸的神秘微笑。
这种表情使得观者难以揣摩她内心的情感，给了观者更多的想象空间。
这种不确定性与神秘感正是达芬奇追求的目标之一。
他通过巧妙挑战传统肖像画表现方式，创造出了一种独特的艺术语言，使得观者能够在作品中感受到蒙娜丽莎内心深处情感的种种可能性。
最后，我们还可以从《蒙娜丽莎》中感受到达芬奇对于自然界的赞美和对于人类美的追求。
画中的蒙娜丽莎身着一袭华丽的礼服，头戴一顶菊花装饰的帽子，这些细节展示了达芬奇对于细节的精心雕琢。
同时，画中的背景正是美丽的自然风景，这个细致描绘的背景象征着达芬奇对于自然世界的热爱与崇敬。
达芬奇通过这幅画作将人类的美与自然美相结合，传递出对于真实与理想的追求。
总之，达芬奇的《蒙娜丽莎》是一幅艺术品，它展示了达芬奇卓越的绘画技巧和对于艺术的深刻把握。
通过细腻的绘画技巧、神秘的表现手法以及对于自然与人类美的追求，达芬奇创造出了一幅极具魅力和内涵的杰作，给观者带来了无尽的欣赏乐趣。
论文二：对梵高《星夜》的艺术鉴赏梵高是19世纪后期最重要的艺术家之一，而他的作品《星夜》则是他在画作风格和表现手法方面的代表作。
美术教学审美修养论文
美术教学审美修养论文摘要：为了开拓学生们的眼界，教师或家长在休息天、假期里可以带学生去看画展，博物馆看文物展，这样与艺术品零距离接触可以实现受教者的参与性和主观能动性，学生主动提高了自己的审美修养。
小学美术以审美教育为核心，绘画、工艺、欣赏并重，着力培养小学生的审美情趣。
欣赏课是小学美术教学中的一个重要组成部分，是提高学生美术素养、奠定美术创造的重要途径。
如果说绘画课与手工课是培养学生审美情趣的基础，欣赏正是把平时所学的审美能力进行内化、升华的必须课程，在欣赏中，使学生在形象、感受、理解、发挥之中碰撞，从中升华出各种能力，让学生懂得更多的道理，培养和发展学生的创造性思维与想象能力，最终达到培养学生的审美情趣这一教学目标。
一、美术欣赏要注意的几个方面1、欣赏个体的差异性和多样性。
并不是每个艺术品都能被人们所接受，也并非所有的受教者都能获得相同的感受。
受教者的生活经历、家庭背景、文化程度不同，接受能力、审美情趣、受教层面就不同。
达芬奇的，《蒙娜丽莎的微笑》，它祥和、谐美的意境，神秘莫测的微笑，使人们静心自省，激发人们对真、善、美的热爱和追求。
然而，性格禀赋的不同也会导致艺术接受的差异性。
孔子曾言：“智者乐水，仁者乐山。
”在受教者的欣赏过程中，流连险山奇峰的是性格雄奇勇敢者；驻足高山流水的是清纯天真者；畅怀大河广漠的是苍凉雄浑者。
不同的艺术风格的作品使不同性格的受教者产生共鸣，受教者的接受出现不同的层次、差异性和多样性正是提升个性化的审美修养的内因，进而才会有不同的美术创新。
2、欣赏客体的不确定性和含糊性。
艺术品不是客观世界的精确对应物，它的形象体系和意义结构中具有不确定性以及空白点可以激发、召唤受教者根据自己的生活经验、审美趣味去补充、确定，进行想象性的再创造。
因此，导致艺术教育的施教者所创造的艺术作品会以不同的方式在艺术接受过程中被解读，形成对同一艺术作品的不同审美结果。
因为艺术作品所传达的不确定性和含糊性，即没有一个标准去欣赏某艺术品，完全可以根据自己内心的真实感受去解读艺术品，每个人找到自己的不同的共鸣点。
美术论文鉴赏优秀3篇
美术论文鉴赏优秀3篇美术鉴赏论文篇一从《瑞鹤图》谈美术鉴赏的意义经过这一段时间美术鉴赏课的学习，我想从一幅花鸟画，《瑞鹤图》简单谈一下美术鉴赏的意义。
那么要谈美术鉴赏的意义，首先我们要知道什么是美术鉴赏。
了解了什么是美术鉴赏，下面就要说说美术鉴赏的意义。
既然是鉴赏美术作品，那美术鉴赏的意义就首先是美术作品的意义。
而美术作品的意义又分为本身意义及延伸意义。
其本身意义就是说我们看到一件美术作品时所获得的美感和愉悦感。
拿《瑞鹤图》来说，此图绘彩云缭绕之汴梁宣德门，上空飞鹤盘旋，鸱尾之上，有两鹤驻立，互相呼应。
画面仅见宫门脊梁部分，突出群鹤翔集，庄严肃穆中透出神秘吉祥之气氛。
此幅一改常规花鸟画构图的传统方法，将飞鹤布满天空，一线屋檐既反衬出群鹤高翔，又赋予画面故事情节，此在中国绘画史上是一次大胆尝试。
绘画技法尤为精妙，图中群鹤如云似雾，姿态百变，无有同者。
更为精彩之处，天空石青满染，薄晕霞光，色泽鲜明，鹤身粉画墨写，睛以生漆点染，顿使整个画面生机盎然。
卷后为徽宗瘦金书题记及诗，款“御制御画并书”，签押“天下一人”，观其书风，健笔开张，挺劲爽利，侧峰如兰竹，媚丽之气溢出字里行间。
看到此图后，我们为之一震。
一片生机跃然纸上。
我们在看图的同时，也得到了美的享受。
这就是其本身意义。
北宋政和二年上元之次夕（即公元1112年正月十六日），都城汴京上空忽然云气飘浮，低映端门，群鹤飞鸣于宫殿上空，久久盘旋，不肯离去，两只仙鹤竟落在宫殿左右两个高大的鸱吻之上。
引皇城宫人仰头惊诧，行路百姓驻足观看。
空中仙禽竟似解人意，长鸣如诉，经时不散，后迤逦向西北方向飞去。
当时徽宗亲睹此情此景兴奋不已，认为是祥云伴着仙禽前来帝都告瑞，国运兴盛之预兆，于是欣然命笔，将目睹情景绘于绢素之上，并题诗一首以纪其实。
但“祥瑞之兆”却难以挽回衰败的国运，此后第十五年，即公元1127年，金兵攻陷都城汴梁。
宋朝军民纷纷起来抗击金兵，金人自知无力吞下这个腐朽然而却十分庞大的仅仅通过一幅画，我们就了解到这么多的历史文化知识，我们的文化底蕴、艺术和文化素养得到极大提高。
关于美术鉴赏课程论文(8篇)
关于美术鉴赏课程论文（8篇）美术鉴赏课程论文篇11、形与神在艺术史上的源流。
形与神的关系在美术史上一直是一个连续讨论的问题。
关于传神论早在汉代就有了萌芽，其代表就是刘安《淮南子》中支出作画勿“谨毛而失貌”，而当时著名的画家王延寿则表示作画要“随色象类，曲得其情”.这些说法和观点影响到了后来的艺术工作者，并且为之后的“以形写神”的论点打下了的理论和实践基础。
而到了东晋时期，绘画艺术由“自发”转向“自觉”，而陶瓷雕塑也不例外，典型就是顾恺之的东晋画家顾恺之提出的“以形写神”“，以神造形”“，传神写照”等论点，这些论点无不显示出形神合一的理论特色，自此以后，形神合一作为中国美学的一项基本要求来确定。
经历南北朝的青白瓷、唐朝的唐三彩、宋朝的五大名窑等的发展，在中国文化整体大兴盛的前提下，艺术下的形神合一体系也到了又一个大总结的时期而代表就是唐代的张彦远所说的“以气韵求其画，则形似在其间”.这样理论的完整化更是让中国的美学“气韵”表现形式更为人们所重“，气韵”也成为一件优秀艺术品不可缺少的条件。
再加上当时儒家内敛化和佛道“虚无”思想的影响“，气韵”说更是得到了文人士子们的支持成为之后艺术品的必须要求，甚至于到了后来有“得意忘形”的说法。
这些传统的艺术要求对于陶瓷造型同样有效，甚至于其更多的保留在历代陶瓷艺术中，一直到现在“形神合一”都是陶瓷雕塑审美的基本原则。
2、陶瓷雕塑中“形神合一”表现。
陶瓷雕塑其本质是一种三位体系的雕塑艺术。
所以体、形是“实”，神是“虚”.对于陶瓷创作者来说，首先要考虑的就是体与形，在现有的技术利用，使外部空间与雕塑实体有一个和谐的环境，在进行艺术创作时，在观察周围环境的情况下，进行一种合理的嵌入式的艺术，所以在一定形式上说。
即精神之最高境界“始于形似，止于神似”.最后，在外部环境、雕塑实体与内在精神的三位一体的统一。
而这些在我国古代一些著名的陶瓷雕塑也可看看出来，如在临潼的兵马俑中就很好地做到了三位一体，一方面利用大规模陶俑数量和军阵的.整齐划一的气势进行了与周围环境进行了一个很好的契合，再这样契合的情况下，甚至于是它们创造了一个外部环境，用这个适宜的外部环境下雕塑实体的精致程度也是无与伦比的，二者以军阵为桥梁连接在一起的时候就是其单个的军人精神与整体的军阵是精神融为一体，这样的一体化程度结果就是内在精神的直接显现，在显现的过程中又坚持了单个的军人精神。
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美术修养—中国画三大科之山水画的生命过程
系部：国际经济与贸易系
班级：2010级3班
姓名：彭显丽
学号：312010*********
任课老师：王晓琴、唐果
1
中国画三大科之山水画
——山水画的生命过程
山水画是指以山川等自然景观为主要描写，是画家经历山水后，再去创造出来的心灵经验。
山水画和西方的风景画有一定的不同，中国的山水画舍弃了征服的欲望，只在于写意。
中国的山水画起源较西方的风景画要早1000多年，早在7000多年前就用图形记录了先古的觉醒。
不同时期的山水画有不同的特点和发展。
战国时期，“楚有先王之庙及公卿祠堂，图天地山川”。
今天所能见到的汉代画像砖《采莲图》，则是一幅具有独特审美价值的有着山水画基本内涵的山水画作品。
处于发育期的山水画至魏晋时期，史料记载有顾恺之的《庐山图》、戴逵的《吴中溪山邑居图》、戴勃的《九洲名山图》。
从南北朝时期的画中都可以看出那个时期完成了山水画的孕育成型的过程。
现存的隋代展子虔的《游春图》，使后人得到了中国山水画发展过程的一个直观的感觉。
他被称为“唐画之祖”，他结束了山水画“人大于山，水不容泛”的历史状况。
山水画在魏晋南北朝时期都还是作为人物画的陪寸，在唐代山水画独立，那是的山水画是青绿山水，它的装饰性非常强，主要是唐代宫廷和贵族的一种绘画方式，后来发展成水墨山水。
唐代在隋朝的基础上对画有很深的发展，李思训师从展子虔“青绿重彩，工细巧整”的风格，将这一风格演变为具有代表性的画派。
他所画的山水不仅为时人所重，而且到了宋代，苏东坡在看了他的《长江绝岛图》后亦作诗称赞。
后来其子李昭道“变父之势，妙又过之”，进一步确定了“李派山水”在中国山水画史上的地位。
被后人称为“大小李将军”的“李派山水”。
唐代的另一位山水画大师王维，是第一个水墨画画的诗人，以《辋川图》“意出尘外”的表现，创造了中国山水画的一个神话。
他以诗人和画家的身份，给山水画创设了“画中有诗”的规范和传统。
是画史所重视的“集大成者”。
同时他还启示了五代董源的水墨风格，成为令后人敬仰的“南宗”之祖。
宋代山水画达到巅峰，这个时期把山水画和哲学结合，理学把儒、老、佛加的思想糅合，静观时间空间变化，得到心灵的沉静。
在文人笔下有意境，工匠运用技巧把它现实化。
宋徽宗在位成立了翰林书画院，以画作为科举升官的一种方式，推动了诗书画的结合，宋代的山水画多留有空白。
明代的山水画在中国画中有超常的发展，派别多，画作者多。
董其昌论元代四大家，“浙人居其三”。
作为“浙派山水首席画师”的戴进，初为画院画家，继承南宋李唐、马远画法，以行笔顿挫和斧劈皴，写山水“铺叙远近，宏深雅淡”，表现了略有院体遗风的浙派山水的面貌。
明代中期，随着吴门经济的发展，这个自古的人文荟萃之地，孕育了“吴门画派”。
“华亭派”又名“松江派”，以顾正谊为创始，以董其昌为代表。
董其昌深谙古法，所画用笔洗练，墨色清淡，风格古雅秀润，代表了“华亭派”的风格，与“吴门画派”精工具体形体对照。
董其昌以自己的绘画实践作理论的基础，“开堂说法”，提出了引起后世争论的“南北宗”学说。
董其昌提倡文人画的书卷气，强调南宗绘画的正统地位，从而表明崇南贬北的个人爱好。
明代的山水画也是一大亮点，是一个昌盛时期。
清代的山水画都有前面各个朝代的一些特点，对山水画是继承和发展，一直山水画还是有“勾”、“皴”、“染”、“点”四个技巧，从明代后期到清朝时，山水画陷入了形式主义的格式套路，画家不再观察自然，从临摹古画技巧入手随意摆布画中构图。
直到近代，山水画又重新发展，新一代大师如黄宾虹、李可染、张大千、傅抱石、关山月等人吸收西方绘画理论，深入观察自然，创造自己的风格，使山水画重新注入生气，将山水画发展到一个新阶段。
尤其
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是傅抱石和关山月为人民大会堂合作的《江山如此多娇》开创了国画巨幅山水的先河。
现代又出现许多表现新的题材的年轻山水画家，用国画技法描绘黄土高原、西北大漠、西藏雪山、热带雨林，甚至境外各国的风景。
山水画出现一个全新的局面。
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