设计师必须了解的美术基础
舞台美术设计知识点
舞台美术设计知识点舞台美术设计是戏剧制作中至关重要的一环，它通过创造性的布景、道具、灯光等手段，为观众呈现出独特的舞台效果。
在这篇文章中，我们将介绍一些与舞台美术设计相关的知识点。
一、布景设计布景设计是舞台美术设计中最基础的部分。
它通过舞台上的装置来搭建具有特定场景和氛围的舞台空间。
布景设计不仅需要考虑剧本的要求，还需要根据导演的意图和舞台表演的需要进行创意和艺术处理。
1.1 整体布景整体布景是指舞台上整个空间的布置。
设计师需要考虑舞台的大小、高度、倾斜度等因素，以及与演员行动和观众视野的协调。
布景可能包括背景、墙壁、门窗等。
1.2 道具布景道具布景是指舞台上的各种道具和小型装置。
设计师需要选择和布置适合剧情发展和角色表演的道具，使其与整体布景相协调。
道具的大小、材质、颜色等都应该仔细考虑，以营造出准确的舞台氛围。
1.3 机械布景机械布景是指一些可以移动或变化的装置。
例如旋转舞台、升降平台、布幕等。
设计师需要合理运用这些机械装置，以实现剧本中各种变换的场景需求。
二、灯光设计灯光设计是为舞台提供光线效果，以突出演员表演、烘托气氛和创造舞台效果的艺术处理。
通过调整灯光的明暗、色彩、方向、运动等，设计师可以创造出不同的舞台效果。
2.1 基本灯光效果基本灯光效果包括正面光、背光、侧光和顶光。
正面光用于照亮演员的面部和身体，使其清晰可见。
背光则位于演员后方，用于烘托演员的轮廓，产生立体感。
侧光和顶光则可以创造出不同的阴影效果和戏剧性的舞台氛围。
2.2 色彩运用通过改变灯光的色彩，设计师可以为舞台创造出不同的情绪和氛围。
例如使用暖色调可以表现出温暖和浪漫的感觉，而使用冷色调则可以创造出冷漠和紧张的气氛。
2.3 动态灯光动态灯光是指通过改变灯光的亮度、颜色和位置等来实现舞台效果的变化。
例如利用灯光的闪烁、跳变、渐变等方式，可以创造出戏剧冲击力强烈的效果。
三、视觉效果设计在舞台美术设计中，视觉效果设计起到了至关重要的作用。
《工艺美术设计师》职业标准
《工艺美术设计师》职业标准一、职业概况1.1 职业名称工艺美术设计师。
1.2 职业定义工艺美术设计师是运用现代设计观念、程序和方法从事工艺美术各专业领域创作设计的专业人员。
1.3 职业等级本职业共设四个等级，分别为工艺美术设计师（四级）（国家职业资格四级）、工艺美术设计师（三级）（国家职业资格三级）、工艺美术设计师（二级）（国家职业资格二级）、工艺美术设计师（一级）（国家职业资格一级）。
1.4 职业环境条件室内，常温。
1.5 职业能力特征具有设计表现能力，平面、空间想象能力，计算机应用设计能力，色觉正常，手指手臂灵活，良好的沟通能力。
1.6 基本文化程度高中毕业（或同等学历）。
1.7 鉴定要求1.7.1 适用对象从事或准备从事本职业的人员。
1.7.2 申报条件参照《上海市职业技能鉴定申报条件》1.7.3 鉴定方式1 / 12 工艺美术设计师（四级）、工艺美术设计师（三级）采用非一体化鉴定方式：分为理论知识考试和操作技能考核两部分。
理论知识考试采用闭卷笔试方式，技能操作考核采用现场实际操作和实践课题方式。
理论知识考试和技能操作考核均实行百分制，成绩皆达60分以上者为合格；工艺美术设计师（二级）、工艺美术设计师（一级）采用一体化鉴定方式，将理论知识考试融合在操作技能的考核中，分模块进行鉴定。
实行百分制，每个模块鉴定成绩皆达60分以上者为合格。
格。
1.7.4 鉴定场所设备鉴定场所设备理论知识考试：采光、照明良好的教室；理论知识考试：采光、照明良好的教室；技能操作考核：计算机、绘图软件、图形输出设备、实践场地。
技能操作考核：计算机、绘图软件、图形输出设备、实践场地。
二、工作要求2.1“职业功能”和“工作内容”一览表职业功能职业功能工作内容工作内容工艺美术设计师工艺美术设计师 （四级）（四级） 工艺美术设计师工艺美术设计师（三级）（三级）工艺美术设计师工艺美术设计师（二级）工艺美术设计师工艺美术设计师（一级）一、计算机辅助设计（一）通用计算机及辅助设备的使用（一）CAD 应用设计（二）CAD 基础与应用（二）图形设计软件应用设计（三）图形设计软件的基础与应用 （三）三维软件的操作和应用二、工艺美术设计基础表现（一）平面构成（二）色彩构成（三）立体构成（四）图案设计（一）图案设计三、工艺美术设计表现（一）制图（二维）（一）制图（三维）（二）装饰画设计 （二）装饰画设计 （一）装饰画设计 （三）设计速写（三）设计速写（二）设计速写四、工艺美术设计材料与加工工艺（一）设计材料的识别（一）设计材料的选择（二）材料的成型加工与表面处理（二）材料的成型加工与表面处理（一）材料的废弃处理与环境保护（二）设计材料的综合利用与开发五、工艺品造型设计（一）造型设计准备（一）组合形体工艺品造型设计（二）单体工艺品造型设计 （二）工艺品造型设计改进六、工艺美术设计管理（一）工艺美术设计策略管理（一）工艺美术设计企业与项目管理（二）工艺美术设计流程管理（二）工艺美术设计作品分析七、工艺美术设计实践（一）制定实践计划（二）设计实践计划的实施（三）设计实践的总结八、工艺美术设计指导和培训（一）工艺美术设计指导（二）工艺美术设计培训2.2各等级工作要求本标准对工艺美术设计师（四级）、工艺美术设计师（三级）、工艺美术设计师（二级）、工艺美术设计师（一级）的技能要求依次递进，高级别包括低级别的要求。
手办设计师入门知识点
手办设计师入门知识点手办设计师是指专门设计并制作手办（即模型摆件）的人员。
手办作为一种受欢迎的收藏品和艺术品，拥有广泛的市场需求。
对于想要成为手办设计师的人来说，了解一些入门知识点是非常重要的。
本文将介绍一些手办设计师入门所需的知识和技能。
1. 美术基础作为手办设计师，良好的美术基础是必不可少的。
这包括对绘画、素描、色彩和构图等方面的掌握。
手办的设计需要具备一定的形象表达能力和审美意识，通过细腻的手绘能够将角色的形象栩栩如生地展现出来。
2. 人物造型设计手办的设计常常以人物形象为主题，因此掌握人物造型设计技巧是非常重要的。
手办设计师需要学习人体结构、人物比例和姿态等方面的知识，以确保手办的形象符合人物原型的特点。
此外，熟悉衣物、服饰等各种细节设计也是必要的。
3. 三维造型技术手办的制作通常需要运用三维造型技术。
手办设计师需要学习使用专业的三维建模软件，例如3ds Max、Blender等，以及掌握相关的建模技巧和操作方法。
通过三维造型，手办设计师能够更加立体地呈现出角色的细节和特征。
4. 手工制作技巧手办设计师需要具备一定的手工制作技巧，包括模型的切割、打磨、上色和组装等。
这些工艺过程对于手办的最终品质有着至关重要的影响。
通过不断的练习和探索，手办设计师能够提升自己的手工制作技巧，并不断改进和完善作品。
5. 比例和尺寸掌握手办的比例和尺寸是设计过程中需要特别关注的要素。
手办设计师需要熟悉不同比例和尺寸的要求，以满足市场和客户的需求。
准确的比例和尺寸掌握能够使手办作品更具吸引力和真实感。
6. 原型文化了解手办设计往往涉及到各种原型角色，如动漫、游戏、电影等。
手办设计师需要对这些原型文化有一定的了解和研究，以便更好地理解和表达角色的特点。
深入了解原型文化还能够为手办设计师提供更多的创作灵感。
7. 团队合作能力在手办设计的制作过程中，通常需要与其他团队成员合作，如原型师、制模师、绘师等。
因此，良好的团队合作能力对于手办设计师是非常重要的。
美术构知识点
美术构知识点美术构是指在绘画或设计作品中，通过构图、布局和组合等手段，使画面或设计元素达到一种平衡、协调、美感和表现力的艺术效果。
良好的构图可以引导观众的目光、突出主题、表达情感，并增强视觉冲击力。
以下是一些常见的美术构知识点，帮助艺术家或设计师创建出出色的作品。
1. 平衡平衡是构图中的关键要素。
平衡可以分为对称平衡和不对称平衡。
对称平衡指画面元素在中心线或中心点两侧对称分布，形成一种稳定的感觉。
不对称平衡则是指画面元素在画面中根据其重量和视觉吸引力进行分布，不需要完全对称，但整体视觉效果仍然平衡。
2. 黄金比例黄金比例是一种用于划分画面的比例关系，也称为黄金分割。
它能够创造出令人愉悦的比例感，使画面更加协调和吸引人。
黄金比例的比值为1：1.618，艺术家可以将画面分割成黄金比例的多个部分，将重要元素放置在黄金分割线的交叉点上。
3. 对比对比是指画面中不同元素之间的明暗、色彩、形状或大小等差异。
对比可以增强画面的层次感和立体感，吸引观众的目光。
艺术家可以使用明暗对比、冷暖色对比、大小形状对比等来创造出更具效果的作品。
4. 重点和焦点在画面中设置一个或多个重点或焦点，可以吸引观众的目光，并突出主题或表达情感。
通过大小、形状、颜色对比等手法，艺术家可以使重点或焦点在作品中脱颖而出。
5. 透视和深度透视是指通过线性透视或空间透视等手法，在画面中表现出远近和深度感。
艺术家可以运用消失点、近大远小、交叠和层次等技巧来营造出真实的空间效果，使画面更具立体感。
6. 节奏感节奏感是指画面中元素的有序排列和节奏性的感觉。
通过重复、变化、旋转、大小等手法，艺术家可以营造出一种有序且动感的节奏感，使观众的目光在画面中流动。
7. 色彩运用色彩是构图中重要的视觉元素之一。
艺术家可以运用色彩对比、色彩饱和度、冷暖色调等来创造出不同的情绪和效果。
合理运用色彩可以增强画面的吸引力和表现力。
总结：美术构知识点是艺术创作中至关重要的部分。
谈素描与设计素描
Arts circle 美术界ARTS CIRCLE2010/9谈素描与设计素描TEXT /赵顺利素描作为学习美术培训基础的必修课程被世界美术教育中运作实施已经延继了近十个世纪。
美术教育培训素描练习的宗旨是要求对所表现对象的造型、特征、结构等能够准确地刻画并表现到位，并能够通过理性的做到完整及完美性的目的。
因此素描便无形的成为打开迈进学习美术入门的钥匙。
传统的美术教育模式证实了素描培训的重要性。
大批有成就的美术家都是在历经严格的素描培训而得到的历练，打下了坚实的基础。
素描的运用主要是在西方的绘画上，大量的西方古典主义美术作品展示出素描基础的魅力。
如14世纪意大利雕塑家米开朗基罗、18世纪德国画家门采尔的素描等。
众所周知中国古典绘画在世界绘画中独树一帜，绘画表现的手段是以水墨为主，对素描的要求不太重要。
自清代康熙年间意大利画家朗世宁进入清代宫廷以后逐步开始了对西方绘画的探索。
1932年抗战时期中国成立了第一所具有规模性教育的美术学院——延安鲁艺（即鲁迅美术学院的前身），从此中国美术教育走向了传统、正规的轨道，素描教学成为了美院教育基础的必备课程。
素描的概念主要解决问题有：一、造型；二、结构；三、体积；四、空间。
一、造型，是指对象的外轮廓线，绘画上讲为形体结构（类似于中国画中的白描）。
二、结构，是指对象骨骼肌肉的刻画。
三、体积，是指对象立体造型，主要表现为坚实、厚重的一面。
四、空间，是指对象自身形成的立体空间（三维空间）。
中国的素描教学基本是以欧洲古典主义教学体系为模式，前苏联素描教学成为了中国美院素描教学的理论基础。
索洛维叶夫、斯米尔诺夫在1958年编写的《素描教学》教材对中国素描教学产生了一定的影响。
至今前苏联素描教学模式还被中国高等院校艺术类所采用。
素描绘画的方法仍以前苏联的画法为教学模式。
素描的训练大都以石膏写生、头像写生、人体写生为主要表现内容，诸如此类。
高等学院由素描教学演变为设计素描。
20个室内设计师应该掌握的基本技能
室内设计师需要具备哪些技能?我以前是做其他设计工作的，现在想转行，做室内设计 问：我以前是做其他设计工作的，现在想转行，做室内设计，请问这这行我需要会哪些设计软件，还有作为室内设计师需要具备什么样的技能，或者说应该具备怎样的素质，我想用很短的时间学会，然后转行，请老师给予指导。谢谢！
5.要有准确把握材料信息和应用材料的能力：市场的发展，科技的进步使新材料新的产品不断的涌现，及时把握材料的特性，探索其实用途的可以拓宽设计思路，紧跟时代在市场中占踞先机。
一个真正优秀的室内设计师一般都具备了一下几点基本技能和设计师素养：
第一点，良好的软件操作能力，除了计算机的基本操作以外，还要十分熟练的掌握上文提到的那些室内设计的软件，这是一个室内设计师所必须掌握的最基本的基础。如果连这些都不会的话，根本就不能称之为室内设计师。
第二点，一定的美术功底，作为设计师，你还需要有着良好的美术功底，素描、速写、色彩等等美术基础都要掌握，这对你设计出一手好的手绘效果图以及提高你的模型制作能力都是很重要的，还要做到能很好的运用，设计师如果做出的设计没有美感的话是很可怕的。
作为一名优秀的室内设计师必须具备以下几点：
1.有全面的素质：室内设计师要有专业的知识和技能，要不断地提高自己的审美能力，要具有广博的知识和阅历，才可创造出能感动人的空间。
2.有敏锐的洞察力：对时尚的敏锐的观察能力和预备性是设计师自我的一种基本能力，站在一个高度上讲，设计师担负着引导时尚的责任。
10.有广博的文化知识与修养，这对提高室内设计水平有利。
11.会并善于做设计资料的搜集与积累工作，列如，通过画速写、测绘、拍照、复印和记录等手段，不断积累有用的各种设计资料。
12.掌握专业调查的技巧，不论是综合性的，还是专业性的调查，都能抓住要点，得到设计师应掌握的情况与信息，以利于室内设计工作。
美术造型的基本要素
美术造型的基本要素美术造型是一门深刻的艺术学科，其基本要素是贯穿整个创作过程中的核心要素。
这些要素包括：形式、线条、色彩、空间、比例、构图和纹理。
形式是艺术品的外形。
无论是绘画、雕塑还是建筑，形体都是最直接的表现方式，因此艺术家必须对形体有着深刻的认识和理解。
通过对形式的处理、运用和创造，艺术家可以表达出自己的意图和情感。
线条既可以是艺术品的基本框架，也可以是表现主题和情感的主要手段。
线条可以具有多种功能，从传达形式和运动感到表现心理和情感细微差别。
色彩是艺术创作中最重要的表现方式之一。
通过色彩的明暗变化和色彩的组合，艺术家可以表达出复杂的情感和主题，使作品更具生命力和视觉冲击力。
空间是指画面中物体之间的三维关系。
通过运用视觉效果，艺术家可以创造出空间的远近、大小和深度感，从而营造出不同的情感氛围。
比例是艺术创作中的重要基础。
艺术家必须了解不同物体和元素之间的比例关系，才能创造出平衡和和谐的效果，从而让人们愉悦地欣赏艺术品。
构图是指艺术品中各种元素的位置和分布，艺术家可以通过合理的构图来强化主题和情感上的表现，营造出不同的意境和氛围。
纹理是通过艺术家的线条、笔触或色彩处理来表现出真实物体的纹理。
艺术家可以通过纹理来表现出物体的质感、光泽和材质，进一步丰富艺术品的艺术感染力和质量。
综上所述，美术造型的基本要素都是深入到艺术品的核心之中，只有将这些基本要素运用娴熟，才能创造出高质量、有感染力的艺术品。
因此，了解和掌握这些基本要素对于那些渴望表现自己创意的艺术家和设计师来说，具有非常重要的指导意义。
高一美术设计知识点
高一美术设计知识点一、色彩搭配与运用在美术设计中，色彩是非常重要的一个因素。
不同的色彩搭配可以传递出不同的情感和意境。
在进行色彩搭配时，需要考虑色相、明度和纯度等要素，并根据设计的目的和主题进行合理运用。
1. 主色调的选择在设计中，主色调是整个作品的基础色，决定了作品的整体调性。
不同的主色调可以传递出不同的情感和氛围，如暖色调可以传递出温暖和活跃的感觉，而冷色调则更容易传达出冷静和沉稳的情绪。
2. 对比色的运用对比色指的是色相相对而言较为相反的两种颜色。
在色彩搭配和运用中，对比色可以产生强烈的视觉冲击，增加作品的动感和张力。
对比色的运用可以通过色环或色彩搭配工具找到最佳搭配组合。
3. 色彩的明度和纯度除了色相，明度和纯度也是影响色彩搭配和表达的重要因素。
明度高的色彩更加明亮和活跃，适合表达欢快和愉悦的情感；而明度低的色彩则更容易传递出沉郁和神秘的感觉。
纯度高的色彩鲜艳饱满，而纯度低的色彩则更柔和和朦胧。
二、线条和形状的构图线条和形状在美术设计中扮演着重要的角色，它们能够帮助设计师传达出特定的主题和意境，构建出稳定和谐的视觉效果。
1. 有机线条与几何线条有机线条是指像自然界中的曲线、波浪线等，它们具有流畅和柔和的特点，能够传达出柔和和自然的情感。
几何线条则是指像直线、圆形、三角形等规则形状，它们具有稳定和简洁的特点，能够传递出秩序和规律的感觉。
2. 强调和平衡在线条和形状的构图中，可以通过强调某些元素来突出主题和重点，给作品增添动感和层次感。
同时，也需要在设计中保持平衡，避免过于杂乱或失衡的构图造成视觉上的不适。
三、材料与技法的运用除了色彩和构图，材料和技法也是美术设计中不可或缺的部分。
合理运用各种材料和技法，可以提升作品的可视性和艺术性。
1. 材料的选择美术设计中常用的材料包括铅笔、水彩、油画颜料等。
不同的材料具有不同的特点和表现效果，设计师可以根据作品的需要选择合适的材料进行运用。
2. 技法的运用美术设计中常用的技法有素描、水彩渲染、擦拭法等。
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设计师必须了解的美术基础设计师必须掌握的美术基础美术的重要性任何分类的设计师都需要有一定的美术基础，甚至也要有一定的手绘能力。
我们在用电脑设计图形的时候其实也在潜移默化地在使用我们储存在大脑中的美术知识和审美，即使再先进的人工智能，也不能代替设计师的审美和美术知识。
说到底软件仅仅是工具而已。
要想提高你图形的审美和设计感，那么就需要补一下美术基础的课了。
互联网视觉设计中手绘在互联网设计中占的比重也在逐渐增多。
对于我们UI设计师来说手绘也成为一个绕不过去的技能，但是不要紧张：我们不需要成为手绘大神或者插画师，只需要掌握一定的美术知识再加练习即可。
那么如果我们掌握了美术知识并可以画出还可以的画，对我们会有什么好处呢？"Outlaws" Playing Cards by Mike 美术在草稿中的优势在作品创作的初期，草稿对我们构思起了很关键的作用。
比如在APP项目、运营图、图标绘制以及一些图形化的设计中，首先很多设计师会打开电脑直接开始作图，然后就陷入了对工具选择的困惑中：我是该用钢笔工具勾形状呢还是用画笔工具呢。
不要纠结这些，你只要拿出纸笔，手绘出脑海中思考的图形就好了。
等草图完成后，再打开电脑完善这个作品。
"Outlaws" Playing Cards by Mike 美术在提案中的优势在提案之前通过手绘将自己的想法画出来，和上司或者客户讲解自己的提案方向，这种方法会避免上司对电脑图形设计细节的不满意，毕竟我们还没时间完成细节。
如配图中的一个图标，从最初提案到最终定稿，中间经历20多版的手绘稿件，如果每次提案都是以PS输出效果提交，在电脑绘制中要考虑的色彩细节会更多，同时也会浪费大量的时间。
手绘完成的原型图作者：Anne美术在原型图中的优势开始视觉设计前，原型图的沟通可以节省双方很多时间。
用软件设计出的原型图有些抽象，会让大家不了解具体内容搭配下的情况。
而手绘的原型图可以帮助我们有更多的思考。
不仅可以用于沟通方案，还可以后期包装展示时放入，让自己的作品区别于他人。
手绘风格的运营图设计作者：valiant_kwok 美术在实际项目中的优势越来越多的视觉稿都将手绘插画运用在当中，增加视觉冲击感，给用户带来全新的体验。
比如H5、网页、APP等项目，“walk up”APP更是运用了大量的插画表现。
然而我们浏览某些设计的时候，总会看到并吐槽一些用到烂大街的素材，到了自己工作的时候依然会选择那些素材。
再精致的素材有时候不如一些手绘原创的图形，手绘的图形插画能减少素材感，给用户耳目一新的视觉展现。
尤其是现在闪屏、弹窗、运营图，手绘图表现形式已经是常态化，它们可能没有很精细，没有很美观，但是很独特、很有氛围感、很吸引眼球。
如果你总是运用素材，不如尝试一下自己手绘原创一个图形，这样它的分量与价值会更大。
在你尝试手绘之前，让我们先具体了解绘画的一些原理再开始动手吧。
手绘在实际项目中的使用作者：甘地xi 三大基本关系首先我们要了解的是在美术里最重要的三个主要关系，他们是：结构关系、素描关系、色彩关系。
这三个关系简单来说就是，结构关系是物体的透视关系（也就是近大远小的空间关系）、和物体的基本结构（可以把一个复杂的物体拆解成基本的圆形、三角形、正方形、长方形等简单容易描绘的结构）等，结构关系是我们如何理解形体的基础。
素描关系主要是研究光影的关系，一个物体在光源下肯定会产生如黑白灰等不同的明暗变化就是素描关系了。
素描关系中最重要的就是三大面和五大调，我们下面会详细讲。
色彩关系则是要研究不同的色彩互相融合产生的影响，比如邻近色、互补色、邻近色等，两个物体的颜色不一样也会产生环境色、固有色等。
所以我们为了用手绘或者电脑绘图来描绘物体时，可以从这三个关系中来审视对象，就会描绘地更加准确了。
结构关系透视在结构关系中最重要的知识点就是透视了。
透视是绘画理论术语，“透视”（perspective）来源于拉丁文“perspclre”（看透），是一种在平面绘画物体的空间关系的方法。
物体由于近大远小的空间关系所以在我们观察者视角就出现了变化，这种变化和空间位置正相关。
能够准确描绘出近大远小就能暗示出空间关系了。
所以透视是画准结构的必要前提。
灭点灭点指的是立体图形各条边的延伸所产生的相交点。
透视点的消失点。
灭点透视中，两条或多条代表平行线线条向远处地平线伸展直至相交的一点。
平行的线能在灭点上推进而聚合的原则同样是以肉眼观察到的现象为依据的。
灭点第一种透视：平视一个物体如果是正面或者没有近大远小的关系，那么该物体横竖对齐即可。
我自己的理解就是，看一个物体，正面去看就是没有透视。
和你的的视线是平行的，没有任何的偏离。
此图中的物体就是平视，没有近大远小第二种透视：一点透视一点透视：透视来源于一个点，形状的变化与该点的距离相关。
一点透视可以理解为在一个空间内多个物体产生的近大远小的关系。
一点透视第三种透视：两点透视两点透视：通过两个灭点建立透视。
就像我们站在一个比较庞大物体的面前，这个物体的两侧都会产生近大远小的关系。
把近大远小的线延伸，它们会相较于视平线上的两个灭点。
这就叫两点透视了。
两点透视第四种透视：三点透视三点透视：通过两个灭点和延长线进行辅助。
一个高于观察者的物体除了产生两点透视之外也会在其顶部产生另一个灭点，三个灭点都存在，我们称之为三点透视。
三点透视练习方法：结构素描结构素描，又称“形体素描”。
这种素描的特点是以线条为主要表现手段，不施明暗，没有光影变化，而强调突出物象的结构特征。
以理解和表达物体自身的结构本质为目的，结构素描的观察常和测量与推理结合起来，透视原理的运用自始至终贯穿在观察的过程中，而不仅仅注重于直观的方式。
这种表现方法相对比较理性，可以忽视对象的光影、质感、体量和明暗等外在因素。
大家可以尝试在纸上绘制主要表现结构的结构素描作为练习。
结构素描对于美术基础不好的同学也可以适用。
只要用尺子和圆规等工具搭配合适的自动铅即可上手。
达芬奇的结构素描练习达芬奇的结构素描练习素描关系三大面：黑白灰有的时候设计师经常会说黑白灰关系，黑白灰关系就是我们要介绍的“三大面”。
三大面就是受光程度不同产生的：光打得多就是受光面，光打得少就是侧光面，光由折射或者完全遮住就是背光面了。
这么说比较容易理解：就好比是我们的地球，热带地区就是受光面，温带地区就是侧光面，北极南极就是背光面。
这与光源的距离和位置有关，越朝向和接近光源越亮。
立体形状在光源的照射下都有黑白灰三个面，您可以观察分析一下身边的事物。
三大面五大调：亮面、灰面、明暗交界线、反光、投影五大调：1.亮面2.灰面3.明暗交界线4.反光5.投影五大调同样是分析光影问题的，通过描绘光影我们可以塑造立体感。
五大调是三大面的细分，三大面五大调是我们每位设计师都需要记牢印在心里的，在绘制一些拟物造型或者专题的时候，为了塑造更逼真的感觉，我们必须检查自己的造型有没有三大面五大调。
图中图标中的三大面五大调您能分析出来吗？亮面：受光物体最亮的部分，表现的是物体直接反射光源的部分。
灰面：高光与明暗交界线之间的区域。
明暗交界线：区分亮部与暗部的区域，是物体的结构转折处。
明暗交界线不是一条真实的线，但是这个区域一般会决定亮面灰面的势力范围，也跟随者形体来走。
所以非常重要。
反光：物体的背光部分受其他物体或物体所处环境的反射光影响的部分。
投影：物体本身遮挡光线后在空间中产生的暗影。
练习方法：黑白素描练习黑白素描的练习就是我们用铅笔来描绘对象物体的明暗变化。
这种素描相较结构素描来说比较难，需要练习上“调子”。
调子就是用铅笔排线而产生的明暗，需要一定地技巧。
丢勒的素描作品色彩关系三原色三原色是指色彩中不能再分解的三种基本颜色。
相互混合可以产生出所有的颜色。
黑白灰属于无彩色。
色彩三原色是红、黄、蓝。
红+黄=橙，黄+蓝=绿，红+蓝=紫。
屏幕三原色为红（Red）、绿（Green）、蓝（Blue）。
也叫色光三原色是加色模式，相加混合为白色。
但是RGB依赖于电脑屏幕，不同的电脑由于对色彩值的检测的重现都不一样，所以存在色差。
我们家里的彩色电视屏幕就是由这红、绿、蓝三种颜色的小点组成，将这三种颜色按不同比例混合，就可以有千变万化的色彩。
屏幕三原色RGB 印刷三原色为青（Cyan)、品红（Magenta)、黄（Yellow)。
是减色模式，混合为深灰色，并不能产生黑，所以在印刷时加上黑色油墨，才能产生纯正的黑，就是CMYK颜色模式。
印刷三原色色彩三属性色相：色相就是颜色的样子。
就像人的脸一样，都是独一无二的。
也就是色彩的相貌，冷色暖色中性色，是色彩最突出的特点，简单来说，他决定“是什么颜色”。
光谱上的红、绿、蓝等就是不同色彩的色相、黑色为没有色相的中性色。
色相在人眼中的不同是光的波长的长短不同所造成的。
红色的波长最长，紫色的波长最短。
把红、橙、黄、绿、蓝、紫六种颜色和处在它们各自之间的红橙、黄橙、黄绿、蓝绿、蓝紫、红紫这六种中间色作为12色相环。
能够使人清楚明了的使人看出色彩平衡和冷暖色、对比色等。
由12色相环也可以衍生出更多的色相环。
亮度：亮度，我的理解是，亮的反义词就是暗，那说明是与颜色的明暗程度有关。
色彩的明亮程度，简单来说，就是颜色的从黑到白的变化。
亮度最低时是黑色，亮度最高时是白色。
颜色的深浅的不同程度，与光波的幅度有关，也取决于环境中反射光有多强。
亮度高的色彩给人清新、明快的感觉，让人联想到蓝天白云和青春。
明度低的色彩给人沉重、稳定、坚硬的感觉，让人联想到石头和钢铁。
饱和度：饱和度，饱和度从字面上的意思来理解，是比较饱和，太饱和可能就会很刺眼。
就是与明度有关了。
色彩纯粹度，是色彩的纯净程度鲜艳程度，饱和度越低，颜色的色相就越不明显，也与光波的幅度有关，饱和度低的颜色给人一种很灰，不明亮的感觉，饱和度为0的颜色为无彩色，就是黑白灰。
在一张图中，饱和度高的地方给人的感觉很靠近，饱和度低的地方给人的感觉很远。
高饱和度和低饱和度的色彩都给人坚硬的感觉。
色彩关系互补色：红+绿+蓝=白色，在色环上相隔180度，是对比最强的色组，在三原色中，这两种相隔180度的色光等量相加会得到白色。
经典互补色有黄色和紫色（例如科比的球衣）、黄色和蓝色、红色和绿色。
互补色在视觉上给人非常大的冲击力，所以在使用上常给人潮流、刺激、兴奋的感觉。
对比色：指在色环上相距120度到180 度之间的两种颜色。
也是两种可以明显区分的色彩，包括颜色三要素的对比、冷暖对比、彩色和消色的对比等等。
对比色能使色彩效果表现明显，形式多样，极赋表现力。
互补色一定是对比色，但是对比色就不一定是互补色。
因为对比色的范围更大，包括的要素更多，例如冷暖对比，明度对比，纯度对比等。
邻近色：相互接近的颜色在色环上的距离相距90度，或者相隔五六个数位的两色。