略谈声乐表演中声情形的拿捏
声乐教学中声音问题的把握
声乐教学中声音问题的把握声乐教学中，声音问题的把握是非常重要的一环，良好的声音是歌唱者必备的素质之一，也是影响歌唱表现的关键因素。
教师在声乐教学中需要对学生的声音问题有深入的了解和把握，针对不同学生的声音问题采取相应的教学方法和技巧，帮助他们提高歌唱水平，达到更好的演唱效果。
声音问题的把握可以从以下几个方面来理解和应对：1. 声音质量的把握声音的质量是指声音的清晰度、饱满度、音色和音量等特征。
在声乐教学中，教师需要帮助学生发现并改善自己声音的质量问题，比如有些学生声音干涩、沙哑，有些学生声音空洞、无力等。
对于不同的声音质量问题，教师需要针对具体情况采取相应的训练方法，比如通过练习发声、气息控制、发声技巧等来改善学生的声音质量。
2. 音准的把握音准是指声音的高低准确程度，包括音高的稳定性和音调的准确性。
在声乐教学中，教师需要通过耳训练、声部练习、音高辨别等方式来帮助学生提高音准感，以确保学生能够准确地演唱音乐作品，做到音高精准、音调准确。
3. 声音表现力的把握声音表现力是指声音的情感表达能力，包括音色的丰富度、情绪的传达以及歌曲意境的营造等。
在声乐教学中，教师需要在教学过程中引导学生感受音乐的情感，激发学生的情感表达能力，帮助他们在演唱中更好地表现歌曲的情感。
通过练习演唱技巧、情绪表达和舞台表现等方法，逐步提高学生的声音表现力。
4. 声音发声技巧的把握声音的发声技巧包括气息控制、共鸣调整、声带协调等方面。
在声乐教学中，教师需要帮助学生掌握正确的发声技巧，培养学生良好的发声习惯，以保证声带健康，声音稳定、清晰。
通过发声练习、共鸣练习、声带放松训练等方式，帮助学生改善发声技巧，提高声音的质量和稳定性。
5. 声音保护和调养的把握在声乐教学中，声音的保护和调养是非常重要的。
教师需要对学生的声带健康进行关注和把握，避免过度使用声带带来的损伤，同时教育学生要学会正确使用声带，保护声带，不要滥用和过度用力。
教师还可以教导学生一些声音调养的方法，比如喝水、保持适当的休息、开发自觉等，帮助学生保持声音的健康和稳定。
声乐教学中声音问题的把握
声乐教学中声音问题的把握声乐教学中，声音的问题一直是教学中最重要的问题之一。
因为声音是声乐的灵魂，而良好的声音不仅能够增强学生的风采，同时也有更好地演绎唱曲的作用。
要让学生在课程中更好地把握声音问题，需要从以下几个方面来进行：一、声音的发声方式在声乐教学中，学生的发声方式是非常重要的。
要想让学生发出好听的歌声，需要在基本的自然发声技巧上注重训练。
例如强调发音的清晰度和准确性，发声运用的力度和节奏感是否适当等。
在这个过程中，监督学生的发声方式和课后进行训练是十分必要的。
二、声音的节奏掌控在声乐表演中，节奏并不是一个简单的概念。
学生一方面要把握歌曲的节奏感，另一方面也要注重歌曲的情感表达。
在声乐教学中，教师需要结合实际情况，对每一个学生的节奏控制进行精细化的把握，以便正确地掌握歌曲的整体节奏。
三、声音的音调准确度在声乐培训中，学生的音调准确度是非常重要的。
要想让学生唱出准确的音调和正确的音高，需要从基本的声乐技巧入手，并通过多次训练来提高音调准确度。
特别是对于那些快节奏的歌曲，教师应该多加注意，帮助学生强化音调准确度的训练。
四、声音的情感表达在艺术中，情感表达是最值得重视的问题。
唱歌的时候，唱出情感才是最重要的元素。
唱出来的歌曲不仅要求准确不差，还要传达出情感，并引起听众共鸣。
因此，在声乐教学中，教练需要加强对学生情感表达的培养，帮助他们更好地理解歌曲，并从中跳出自己的内心情感，真正地产生歌曲的共鸣。
综上所述，要把握好声音问题，需要从声音的发声方式、节奏掌控、音调准确度以及情感表达等几个方面进行多方面的培养和训练。
在声乐教学中，教师应该注重学生的个性化需求，为学生提供更好的训练指导。
音乐表演的演唱与嗓音控制训练
音乐表演的演唱与嗓音控制训练音乐表演是一门综合性较强的艺术形式，在表演的过程中，演唱是其中重要的一个环节。
而嗓音控制训练则是演唱过程中必不可少的一部分，它对歌唱者的嗓音技巧与表现力起着至关重要的作用。
本文将探讨音乐表演的演唱技巧以及嗓音控制的训练方法，助你在音乐演出中取得更好的表现。
一、演唱技巧1. 声音呼吸与发声在音乐表演中，声音的呼吸与发声技巧是基础中的基础。
合理的呼吸方式可以帮助歌唱者获得更多的气息，从而在演唱时保持持久的呼吸力。
演唱时应通过腹式呼吸的方式，即将空气吸入腹部而不是胸腔，使声音更加富有力量和稳定性。
2. 唱法与音色的选择不同的音乐风格和曲目需要采用不同的唱法和音色。
歌唱者应根据曲目的要求选择适合的唱法，如流行歌曲中的流行唱法，古典音乐中的古典唱法等。
唱法的正确运用可以更好地表达曲目的情感和内涵。
3. 张口与发音清晰的发音是演唱表演的基本要求之一。
歌唱者应保持良好的发音习惯，特别是在发音时要注意舌头的位置和嘴巴的张合程度。
发音清晰准确可以使歌曲的歌词更加易于理解，同时也能更好地传达歌曲的意境和情感。
二、嗓音控制训练1. 音阶练习音阶练习是嗓音训练的基础，可以帮助歌唱者拓展自己的音域，提高音准和音色。
歌唱者可以通过唱各种音阶和音程来增强嗓音的灵活性和稳定性，同时也可以增强嗓音的穿透力和表现力。
2. 嗓音放松与保护嗓音的放松与保护对于长时间的演唱非常重要。
歌唱者应该学会正确地使用声带，避免过度用力和不正确的发声方式。
此外，适当的嗓音保护措施也是必要的，如避免干燥环境、保持饮水量充足等。
3. 声音轻重与音量掌控在演唱过程中，声音的轻重和音量的掌控是嗓音控制的重要方面。
歌唱者应该学会根据曲目的需要灵活运用嗓音的强弱和音量的大小，在表现曲目的动态变化和情感表达方面做到恰如其分。
三、总结音乐表演中的演唱与嗓音控制训练是提高表演水准的关键。
通过掌握正确的演唱技巧，并进行科学的嗓音控制训练，歌唱者能够在演出中获得更好的表现，为观众们带来音乐艺术的享受。
声乐技巧知识：声乐技巧——如何在音乐演唱中处理好唱腔的把握与应用
声乐技巧知识：声乐技巧——如何在音乐演唱中处理好唱腔的把握与应用唱腔是声乐演唱中非常重要的一环，它能够让歌曲更具有情感表达力和艺术性，而在唱腔的把握与应用上，我们需要掌握一些技巧和方法，才能够真正发挥出唱腔的优势，让自己的演唱更加出色。
首先，唱腔的把握需要建立在对歌曲情感和音乐表达上的理解和把握之上，只有了解了歌曲的情感主题和表达方式，才能够更好地去理解唱腔的含义和意义。
例如，在演唱情歌时，要注意情感的柔和和细腻，唱腔需要有一定的延展性和升降性，以更好地表达出歌曲中的温柔和感性。
而在演唱摇滚或流行歌曲时，则需要注重节奏感和力度的掌控，唱腔要有力度，以突出歌曲的动感和热情。
其次，在唱腔的应用上，可以适当的加入一些技巧和变化，来增加唱腔的表现力和艺术性。
例如，在某些歌曲中，可以使用“颤音”或“滑音”等技巧来增加音乐的变化和情感表达。
同时，唱腔的音高和音程的变化也能够让歌曲更加丰富多彩，例如在高潮处使用高音，在低沉的旋律中加入低沉的低音等。
除此之外，唱腔的应用还需要注重歌曲情感高潮的把握，掌握歌曲情感的变化和发展，尤其是在高潮处要加强唱腔的力度和节奏感，以更好地表现歌曲中的情感和主题。
最后，唱腔的把握和应用还需要注重平衡和协调，既要让唱腔与歌曲的节奏和曲调相符合，又不能过分强调唱腔而影响歌曲的整体效果。
因此，在唱腔的把握和应用中，需要不断进行练习和调整，才能够获得更好的表现效果和艺术表达。
总之，唱腔的把握和应用是声乐演唱中非常重要的一环，需要我们不断去掌握和实践。
唱腔要建立在对歌曲情感和表达上的理解和把握之上，可以加入一些技巧和变化来增加其表现力和艺术性，同时还需要注重平衡和协调，以更好地表现歌曲的整体效果。
通过不断地实践和调整，相信我们一定能够在声乐演唱中更好地处理唱腔的把握和应用，获得更好的表现效果和艺术表达。
谈声乐表演中的声情并茂
谈声乐表演中的声情并茂摘要：在社会不断发展中人们的生活水平有了大幅度提升，人们对艺术有了更高的追求，声乐表演是一种艺术表演形式，主要运用发生技巧传递歌曲内涵与情感，运用优美的歌声感染观众，激发观众对声乐表演的共鸣，在声乐表演中声情并茂是最理想的艺术境界。
基于此本文专门针对声乐表演中的声情并茂进行研究以供各界同仁参考。
关键词：声乐表演；声；情声乐表演属于舞台表演中的一种，能够带给人视觉与听觉双方的体验，令观众在观赏与听的过程中感受到歌曲所表达的意境与情感，在声乐表演中声所指的是演唱技巧，情所表示的是演唱情感。
在声乐表演中最高的艺术境界就是能够将声音与情感合二为一。
是演唱者在表演中将声音技巧、歌曲情感、肢体语言及个人形象完美呈现的一种艺术形式，因此演唱者的声音与情感拿捏十分关键。
1.声声代表的是演唱技巧，演唱技巧对演唱效果的呈现有直接影响，如果没有高超的演唱技巧，将难以将歌曲中的情感演唱出来，无法突出歌曲的艺术风格，在声乐演唱中声情并茂是关键，也是艺术表达的最高境界，因此应将研究歌唱技巧作为切入点，演唱技巧主要是由发声、共鸣、呼吸、咬字等部分所构成，要将四个环节有效配合才能呈现良好的演唱风格。
1.呼吸在演唱过程中呼吸是发声的基础，关乎演唱歌曲的流畅度与平稳度。
在演唱中良好的共鸣，能够提升情感表达效果，所有的声音技巧都与呼吸有关。
在声乐演唱中腹式呼吸方法是惯用的演唱呼吸方式，运用腹式呼吸方法主要应用胸腔、横膈膜、腹部肌肉共同控制气息，应用胸腔、横膈膜与腹肌的相互配合控制气息，在进行演唱过程中应保持呼吸平稳，在向外部发声时应具有向内吸气的感觉，形成呼中有吸、息中有呼的状态。
是呼吸能够对立并统一，掌握呼吸节奏形成统一协调的歌唱整体，使声音能够平稳顺畅。
1.发生发生主要依靠喉咙、肌肉、软组织及声带，声带是声音主要的发生体，在演唱过程中主要通过声带震动发出歌声。
气息通道是打开喉咙，打哈欠是打开喉咙的基础方法，人体在打哈欠过程中，会很自然的进行深吸，这时的喉咙状态处于打开状态，正是歌唱时期的喉咙状态。
声乐教学中声音问题的把握
声乐教学中声音问题的把握声乐教学中，声音问题的把握是非常重要的一环。
一个好的声音不仅仅要求音准、音色等要素的完美表达，更需要考虑到声音的放松、呼吸、共鸣等方面的问题。
下面我将结合自己的经验，谈谈在声乐教学中如何把握好声音问题。
声音的放松是一个非常基本的要素。
一个紧张的声带很难发出优美的声音。
所以在教学中，首先要教给学生正确的放松方法。
可以通过各种呼吸、放松的练习来帮助学生放松身体和声带。
让学生闭上眼睛，深呼吸几次，放松全身肌肉，特别是颈部和脸部的肌肉。
还可以通过按摩头部、颈部等方式来帮助学生放松。
当声带得到充分的放松时，声音才会更加自然流畅。
要注意学生的呼吸问题。
一个好的声音需要有稳定、自然的呼吸支撑。
在声乐教学中，要教给学生正确的呼吸方法，并通过练习，让学生能够在演唱中自然而然地运用呼吸。
可以通过仰卧位呼吸、腹式呼吸等方式来帮助学生培养正确的呼吸习惯。
有了正确的呼吸支撑，声音才能更富有力量和延展性。
共鸣是一个非常重要的问题。
一个好的声音需要有充分的共鸣。
共鸣是指声音在声道中反射和放大的现象。
在声乐教学中，要教给学生如何利用合适的共鸣空间来发声，如何感受共鸣的位置和方式。
可以通过唱发、唱短调、唱长音等练习来帮助学生发现和利用共鸣。
有了充分的共鸣，声音才能更加饱满、富有魅力。
要注重细节问题的把握。
声乐教学中，有很多细节问题需要注意。
发声时要注意舌位的把握，避免过分舌卷或舌太平。
还要注意歌词的发音准确和清晰，在唱腔中注意节奏感和音感的掌握等等。
这些细节问题看似琐碎，但却非常重要。
只有把握好这些细节，才能塑造出优秀的声音。
在声乐教学中，要把握好声音问题，需要教师有丰富的教学经验和敏锐的观察力。
通过针对性的练习和指导，帮助学生阐发自己潜藏的声音潜力，培养出富有个性和魅力的声乐表达方式。
学生也要积极配合，认真练习，不断完善自己的声音技巧和表演能力。
只有这样，才能取得声乐教学中的好成绩。
声乐教学中声音问题的把握
声乐教学中声音问题的把握声乐教学是音乐教育中不可或缺的一部分，而声音问题的把握则是声乐教学中的重点和难点之一。
声音问题的把握涉及到声乐教学的方方面面，包括发声技巧、音准掌握、声音美感等方面。
在教学实践中，教师需要对学生的声音问题进行准确的把握，有针对性地进行指导和训练，帮助学生克服声音问题，提高声乐表现水平。
本文将从声音问题的把握入手，探讨声乐教学中如何正确处理和解决声音问题，以期为声乐教学实践提供一些参考和借鉴。
一、发声技巧的掌握是解决声音问题的关键在声乐教学中，学生的发声技巧是影响声音问题的关键因素。
良好的发声技巧可以帮助学生正确、轻松地发出美妙的声音，而不良的发声技巧则容易导致声音问题的出现。
教师需要重点关注学生的发声技巧，及时发现和纠正不正确的发声方法，帮助学生建立正确的发声观念和技能。
教师需要对学生的声带、呼吸等身体器官进行科学解剖，深入理解发声的生理原理。
然后，通过示范和指导，教会学生正确的呼吸方法和发声技巧，帮助学生建立正确的发声姿势和习惯。
教师还可以通过一些声乐练习和音乐活动，引导学生感受自己的发声感觉，培养他们对正确发声的认知和自我调节能力。
在教学实践中，教师还可以结合学生的实际情况，有针对性地对发声技巧进行指导和训练。
对于那些由于声带结构、生理特点等原因而难以掌握发声技巧的学生，教师可以通过个别辅导、多次示范等方式帮助他们解决发声问题，达到预期的教学效果。
除了发声技巧外，音准的把握也是解决声音问题的关键。
音准是声乐表演中的基本要求，是评判声乐表演水平的重要指标之一。
完美的音准能够使声乐作品更加动听、更有感染力，而音准问题则容易影响声乐表演的效果和感染力。
教师需要重点关注学生的音准问题，及时发现和纠正不准确的音准，帮助学生提高声乐表演水平。
在教学中，教师可以通过对学生进行严格的音准训练，帮助学生树立正确的音准观念和意识。
教师可以通过练习音阶、唱准音节、跟谱磨耳等方式，帮助学生掌握正确的音准，培养他们对音准的敏感度和准确性。
声乐与播音的用声技巧
声乐与播音的用声技巧声乐和播音是需要用声技巧来表达的艺术。
在演唱和播报的过程中，合理、巧妙地运用声音技巧，可以更好地表达情感、传递信息，使听众更加投入。
以下是声乐和播音中常用的几种声音技巧。
1. 声音强弱的控制我们可以用不同的力量和强度掌握声音。
这是一种通过控制声音的强弱来表达情感、创造动态的基本技巧。
我们可以通过演唱和播报时的声音力度不同，表现出生动的情感、强烈的冲击力，或是平静的沉思感。
2. 音调起伏的控制音调起伏是指声音的高低变化，也是表达情感和引导听众情绪的关键。
在演唱和播报中，我们可以通过调整嗓音的高低，来营造出激情澎湃或舒缓静谧的气氛。
音量的控制也是十分重要的一项声音技巧。
在高潮和转折点上，通过使用大声喊叫或低声轻唱等技巧，可以让听众更加深刻地感受到情感转折。
此外，如果要引起听众的注意，提高音量也是必要的。
声音响度是指声音的大小和强度。
在演唱和播报中通过调整声音响度，可以更好地表达情感，传递信息。
用较大的声音响应大场景或情感高潮，而用温柔细腻的声音传递内心感受。
5. 音色的变化音色是指声音的质感和特征。
在演唱和播报中，通过使用不同的音色，可以营造出各种不同的情感和气氛，比如清澈的音色传达认真严肃的信息，沙哑的音色充满磁性。
6. 声音的延长和缩短在演唱和播报中，声音的延长和缩短也是重要的声音技巧。
用较长的音符可使情感更加深厚，而缩短音符则可以使听众感到快节奏、紧张感等。
总的来说，声音技巧是声乐和播音中的重要组成部分，它们的精妙运用可以让我们的表演更加完美。
无论是演唱还是播报，都需要掌握这些技巧，才能更好地传递信息，表现情感，与听众产生情感共鸣，实现艺术的价值。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
略谈声乐表演中声情形的拿捏摘要：声乐表演的艺术表现目的，是利用熟练的发声技巧，生动地表达歌曲的思想内容，以优美而富有情感魅力的歌声去感染观众。
声乐表演的最高境界是：形神兼备，声情并茂。
也就是“声”、“情”、“形”的结合和统一，相得益彰，相辅相成，才可能实现真正艺术的感染力。
关键词：声乐表演；声；情；形；拿捏声乐表演作为舞台艺术，不仅是听觉艺术，也是视觉艺术。
声乐表演之“声”即为歌唱的技巧；而“乐”则是情感；“表演”是形体等。
声乐表演要恰当表达歌曲内容与形式艺术上的完美统一，是“声”、“情”、“形”结合的艺术。
是歌唱者在声乐表演中的演唱表象、演唱技巧、肢体语言、个人形象等的综合艺术体现。
是演唱者把乐谱和文字用声音演变的过程，也是在作者原有的基础上通过演唱者想象和联想用真实的情感进行艺术再创作的过程。
是通过表情和表演的动作、声音力度、演唱速度、声音色彩、以及语言来完成的，它是人对客观世界的内部感受和心情的反应。
《乐记》云：“凡音之起，由人心生也。
人之心动，物使之然也。
感于物而动，故形于声。
”所以演唱者对歌唱技巧、歌唱情感和歌唱形体的拿捏是非常重关键。
以下是声乐表演中“声”、“情”“形”结合的一点体会：1声“声”是指歌唱的技巧。
苏轼在他的《书李伯时（山庄图）居》中说：“有道而无艺，则物虽形于心，不形于手。
”意思是说如果没有技能、技巧的基本功，便难以将作品的理解的丰富的思想和情感，转化为具体的艺术形象。
歌唱的技巧强调：“声情并茂”，而“声”的好坏，很大程度上在于歌唱方法应用与拿捏。
因此声乐表演首先要从歌唱技巧入手。
而歌唱技巧是由：呼吸、发声、共鸣、和咬字四个部分组成的。
只有四个部分巧妙结合应用，才是声乐表演“声”的含意。
如何拿捏歌唱技巧如下：（1）呼吸：歌唱中呼吸是发声动力和基础，是声音的源泉，是声音表现的重要手段之一。
良好的共鸣，以歌曲思想感情的表达都是和呼吸密切相连的，所有声音技巧的表达要呼吸为基础。
目前，胸腹式呼吸法是许多声乐家推崇的一种方法。
它是应用胸腔、横膈膜和腹部肌肉共同控制气息的呼吸法，它能全面地调动了胸腔、横膈膜和腹肌的整体能动性，并使之互相配合，协同完成控制气息任务。
歌唱应拿捏气息的保持、支持和控制，在歌唱发声时，在向外唱的同时要有向里吸的感觉，形成“呼中有吸，吸中有呼”的气息对抗，吸呼结合的对立统一，并以此形成一个协调统一的歌唱整体，使声音通畅而均匀。
在歌唱中不能一气唱完一首歌，需要有节奏、有强弱、有规律地进行呼吸，一般根据乐句长短和歌曲情绪要求来定。
（2）发声：是喉咙及肌肉、软骨和声带组成。
声带是歌唱的主要发声体，声音是由声带受气息振动发出来的。
而气息的通道是打开喉咙，打开喉咙最简单的方法是打哈欠，打哈欠的最初阶段，有一个很自然、松畅的深吸气。
这时喉结位置就是歌唱时的正确喉结位置，这时的喉咙打开状态，也是歌唱时喉咙的状态。
（3）共鸣：共鸣有头腔、口腔、胸腔等。
首先，头腔是鼻腔、额窦、蝶窦组成，简称“面罩共鸣”。
贝基先生说：“面罩共鸣是声音的灵魂。
”其次，口腔中声音振动的位置要靠前，因为声音在口腔前部振动，不干扰口腔内部的肌肉运动就便于歌词的演唱；由于声波振动远离声带，也就不损害声带的安全；同时也便于与上面的鼻腔和下方的你腔共鸣构成联系；而且声音的振动就在口腔前部，当然更便于把歌声向外放射。
再次，构成胸腔共鸣的要点，是做好胸腔的扩大。
要胸腔扩大了没有挤压与紧张的感觉，如胸腔扩大了觉得发闷别扭时，就没有可能做好胸腔共鸣。
在歌唱发声时，要掌握在声区的混合比例，使整个共鸣保持一定的平稳，使声音获得更好的效果。
唱高音时头腔共鸣应加强一些，口腔、胸腔也要有，唱低音时声音低沉、浑厚，以胸腔共鸣为主渗入口腔共鸣和胸腔共鸣，这样才能在换声区发声时，不发生明显的痕迹。
在歌唱中，声只有及时地调节各共鸣腔体才能歌唱声音统一、饱满、音乐优美、色彩丰富。
（4）咬字：是包括唇、舌、牙齿和上颚等，这些器官活动时，位置的不同着力部位形成辅音、元音。
发声歌唱时，咬字、吐字器官各组成部分的动作比平时说话要更加敏捷而夸张。
敏捷是为了使咬字准确、清晰，夸张是为了使美化的元音或韵母通畅地引长发挥。
歌唱时闭口音尽量使大牙打开，开口音学会控制，口腔不能开太大，才能使气息应用自如，音色更美。
2情“情”根源于歌曲的内容，对作品的深刻理解，是情感表达的依据。
无论是歌词还是旋律，都来源于作曲家和作词家被生活实践激发的情感积累和升华的过程。
演唱者对词曲进行认真地分析和研究词曲的内容。
挖掘词曲的深刻的思想内涵，并结合自己的知识修养和生活体验赋予词曲新的感受。
塑造的音乐形象才能栩栩如生，富有感染力。
要想达到此目的建议拿捏以下几方面：（1）研究歌曲的思想内容，丰富情感内涵。
首先是词曲作者的主观感情，即词曲作者在一度创造中赋予作品的原始感情；认真地读歌词，理解歌词表达的内容。
拿捏歌唱所蕴涵的情感基调是悲是喜，是痛苦还是欢乐。
细细体味情感发展变化的脉络及深刻的内涵。
意大利声乐家培尔蒂说：“嗓音不等于一切，因为一个歌唱家必须表达出一个诗人和作曲家的灵感”。
其次是歌者对作品意蕴的直接反映，即歌者在二度的创作过程中，对原始情感的表现和发挥。
再次是演唱者有感而发，有感而唱的真实情感。
演唱者综合以上三个因素的“情”反过来作用于“声”“形”强化“声”是艺术感染力。
所谓“情之所至，音之所生”。
就是这个理。
例如：舒伯特的《小夜曲》写男青年恋人向心爱姑娘倾诉爱情的美妙意境。
演唱者只要把作者的意境栩栩如生地演唱，就能仿佛呈现在观众面前有景、有情、有声、有色的诗情画意。
（2）深入作品之中，深入“角色”获得切身感受。
演唱者深入理解作品，并将自己投身于作品所表现的环境之中，设身处地去体会“此时此地”的感情。
西班牙声乐大师冯.加尔西亚说：“如果一个演员向听众表达感情，但他无法表现出他本人深受感动的话，即使他力求打动听众的心，也是徒劳无益。
因为感情是通过同感来表达。
而要自己受感动，就必须努力使自己站在作者的角度，使自己成为情感表现的主体，找出情感把握的基点。
例如：歌剧《伤逝》中《不幸的人生》唱段，表达主人公对爱情的眷恋不舍，以及在失去爱情后的失望悲伤压抑的痛苦和绝望，无路可走的悲惨结局。
也就是说，演员必须深切体会到，主人公的心已被撕裂得阵阵剧痛。
她告别那已经逝去的幸福，面对的是父亲和众人的嘲讽，一瞬间，心里没有一丝光亮，耳边没有一点声音。
她的心灵似乎已漂浮在寂静的黑暗之中。
那“死一样的寂静，冰一样的寒冷”的心境油然而生。
演唱者将此心境中的一系列内心体验，灌注于全身心的每一根神经、每一个细胞，散发于舞台空间、弥漫于观众席，当这一切内心体验导入声速，运用高度控制的声音把角色内心的情感自如地倾泻而出，流过观众心田。
（3）发挥联想和想象，以丰富作品蕴涵的情感。
德国作曲家、音乐评论家舒曼指出：“音乐家的想象愈是丰富，对事物的感受力愈是灵敏，他的作品也就愈能鼓舞人，吸引人。
表演者要不断扩大好丰富自己生活积累，特别是身临其境的切身体验。
声乐表演者应该随时注意观察和体验各种生动的自然景色和生活场面，各种人物的形象特点和情感特征，特别是要善于捕捉那激动人心，最富于诗情画意的生活场景。
想象要有具体的艺术形象，与人们的现实生活相联系的。
如：歌唱家才旦卓玛演唱藏族歌曲，都能深深地打动每一位听众的心，产生了强烈共鸣。
也就是说，想象的对象不是无中生有的，是有一定的现实依据的。
想象是来源于词曲作者的字里行间去体会作者要表达的情感，善于抓住灵感瞬间，从具体的想象中充分表现作品的内涵。
（4）在表现歌曲感情时，要适当控制自己的情绪。
在强调感情投入对歌曲的重要影响时，并不意味着要任感情无限地宣泄。
演唱者既要有“真情”能进入角色，又要有理智能拿捏自己，不致忘形失态。
比如有此类似的歌词：“……你怎么舍得我难过……”我就见过一个唱得痛苦已到极致的人，那样就没有什么感染，反而觉得好笑。
但有一次聚会，见过一个真正失恋的人唱这首歌，演唱者面无表情，唱得很平静，嗓音沧桑，唱腔演绎出那种无奈和孤独感染了现场每一个人。
所以，歌唱者平时要多观察生活中的人和事、多体会、多揣摩、多观看；做到收发自如，这样才能收到良好的艺术效果。
也只有在这基础上，才谈得上“进入角色”的关键。
3形“形”是指形体。
它包含手势、眼睛、面部、肢体。
形体艺术在声乐表演中是用来传达出声乐作品的“神”和“韵”。
声乐表演中形体艺术表演的总体要求就是要做到“声”“情”和“形”的协调统一。
具体来说就是一方面要求形体表演要能表达出歌唱者的真实情感。
一方面就是要求形体表演中所做的形体动作必须要有目的性和连贯性，要对演唱起到画龙点睛的作用。
另外，声乐表演中的形体动作艺术要遵循一定的原则，首先就是形体动作表情必须符合歌曲演唱的风格的原则，其次就是形体动作必须符合演员身份和性格的原则，再次就是形体动作要遵循精练性原则，最后就是要遵循形体动作的戏剧写意性和生活真实性相互融合的原则。
以下是拿捏形体表演的一点体会：（1）手势。
声乐表演中的手势是感情的“无声的语言”，声乐演员站在舞台上演唱，自然离不开手势的表演。
因为手势它不仅能帮助情感表达渲染气势，而且能够为形体造型。
声乐演员站在舞台上必须有一种控制力，并且要按歌唱的正确姿势来进行歌唱艺术的表演。
在歌唱艺术的表演中，应该以歌唱为主，手势动作为辅，不可喧宾夺主，分散观众的注意力。
手势动作应该是千姿百态的，根据歌曲的内容需要，灵活自如地做一些手势表演。
声乐演员在演唱时手势不能太多，双手动作要求自然、协调，做到随情而动，把手势动作放在有意无意之间。
如果为了做动作去故意摆弄手势，动作就显得生硬、做作，就失去了手势辅助表演的意义。
要把手势动作作为表现感情的一部分，形成辅助歌唱的“无声的语言”，使歌声、手势与感情完全融会在一起。
（2）眼睛。
眼睛动作在声乐表演中极其丰富和重要，通过眼睛可以表现出演唱者的复杂心理变化及细微感情。
俗话说：“眼睛是心灵的窗户”。
不同的眼光、眼神，反映着不同的心态与感情。
首先眼睛要有神，用眼神与观众交流，用眼光示意景物的高、低、远、近，用眼睛表达情感。
总之，在演唱时我们的眼前应浮现作品所描写的场面。
通过眼睛各种“眼法”表演，把歌唱活了，唱出“精、气、神”来，这样才能抓住观众，才能感人。
例如《大森林的早晨》，当演唱这首歌曲时，眼前就要立刻出现晨雾、青山、流水、树木、鲜花、飞鸟等一幅有动有静色彩明丽、像诗一样清新优美的画面。
各种表象同样都会清楚地呈现在眼前。
（3）面部。
我国古代著名的音乐家，思想家嵇康在他的著作《声无哀乐论》中说：“喜、怒、哀、乐、爱、憎、惭、惧凡此八者，生民所以接物传情，区别有属，而不可溢者也。
”人的种种感情在产生时都会在面部有所表现，这就是表情。
感情同表情是密密相关的，真实的感情和表情的表现是统一的。