艺术发展史读书笔记
【高俗读书笔记】世界电影艺术发展史教程
王宜文《世界电影艺术发展史教程》北京师范大学出版社2004年1月第2版目录第一章世界电影艺术发展概述第二章法国电影第三章意大利电影第四章德国电影第五章瑞典电影第六章英国电影第七章西班牙电影第八章前苏联及东欧电影第九章美国电影第十章其他地区的民族电影第一章世界电影艺术发展概述1.P2电影：通过摄影机或其他视听信息记录手段，将活动影像记录在胶片或其他载体上，然后通过放映机或其他放映设备，将这些活动影像映射于银幕或其他观赏载体上的过程。
2.P2心理基础：柏拉图影子、巴赞木乃伊情结、格式塔心理学似动现象3.P3科学基础：1829年6月比利时约瑟夫·普拉托“视觉滞留”0.1~0.4s，“诡盘”，“电影的祖父”4.P4发明过程：（1）照相术：1822法国雅克·达盖尔、尼塞富尔·涅普斯投入；1824涅普斯12小时曝光“餐桌”静物；1838达盖尔“银版照相法”；1839法国议会买下，摄影技术发明；1888美国乔治·伊斯曼胶卷。
（2）活动照相术：英国爱德华·穆里奇24架照相机马奔腾，1882法国马莱“软片式连续摄影机”（3）爱迪生“电影视镜”：1889伊斯曼工厂胶片、1894迪克逊协助“电影视镜”（4）卢米埃尔兄弟“活动电影放映机”：法国路易·卢米埃尔、奥古斯特·卢米埃尔，1895.12.28电影诞生日5.P6成为艺术：美爱迪生第一个摄影棚，戏剧场，展示“电影视镜”附属品；1895卢米埃尔兄弟记录；梅里爱“电影魔术”停机再拍、多次曝光；1903美国埃德温·鲍特《火车大劫案》完整叙事，时空交叉，十几个戏剧性场面；1915美格里菲斯《一个国家的诞生》电影艺术最终形成。
影像思维■格里菲斯贡献：改变电影构成单位，戏剧场景→镜头，“平行剪辑”“最后一分钟营救”6.P8发展：爱森斯坦、普多夫金“蒙太奇学派”无声电影成熟完美，理性内涵，表意抒情；1927美华纳《爵士歌王》有声电影开端，内在理性思维运动——言语、内在感情运动——音乐；1935美《浮华世家》彩色影片；五六十年代电视冲击，宽银幕、立体声，高成本、大投资视听奇观；70-80年代后高科技，1977卢卡斯《星球大战》；近二十余年数字技术，1995美三维动画《玩具总动员》第二章法国电影■特点：艺术上具有革新精神和蓬勃活力。
中国艺术史读书笔记(原创5篇)
中国艺术史读书笔记(原创5篇)中国艺术史读书笔记篇1中国艺术史读书笔记《中国艺术史》是一本全面而深入地介绍中国艺术史的书籍，作者是著名艺术史家巫鸿。
这本书从史前时期一直到二十世纪初，对中国艺术的发展历程进行了系统的梳理，让我们得以一窥中国艺术的全貌。
本书的主体部分按照时间顺序，分别探讨了中国古代艺术的各个门类，包括绘画、雕塑、陶瓷、建筑、工艺美术等。
作者通过对这些艺术门类的深入研究，揭示了中国艺术的发展脉络和独特魅力。
在书中，巫鸿以丰富的历史资料和艺术品为例，详细阐述了每个时期艺术风格的变化、艺术家的创作理念以及艺术品在社会中的地位和作用。
他的叙述清晰而生动，使读者能够深入了解每个历史阶段的艺术风貌。
在阅读过程中，我对书中对中国古代艺术的理解和阐述深感认同。
作者通过对历史背景的剖析，使我对中国古代艺术的本质有了更深的认识。
同时，书中所涉及的艺术品和历史人物，也让我对中国古代社会的文化、习俗有了更全面的了解。
然而，我也注意到了一些不足之处。
例如，书中对某些艺术门类的介绍可能过于简略，对于一些新兴艺术形式的出现和发展并未给予足够的关注。
此外，书中的一些观点可能过于强调传统审美观念，对于现代艺术的独特价值有所忽视。
总的来说，《中国艺术史》是一本值得一读的书籍。
它不仅为我们提供了宝贵的历史资料，还为我们展示了一幅中国艺术的壮丽画卷。
通过阅读这本书，我不仅对中国艺术有了更深入的了解，也对人类文化的多样性和丰富性有了更深的认识。
中国艺术史读书笔记篇2中国艺术史读书笔记一、背景概述中国艺术史，是指对中国艺术起源、发展、演变过程和各个艺术门类的艺术特色、代表作品、著名艺术家以及相关的政治、经济、文化等方面的历史的研究和阐述。
中国艺术史源远流长，经历了数千年的演变和发展，是中国文化的重要组成部分。
二、深入分析1.古代艺术：从新石器时代到汉朝，是中国艺术的起源阶段。
陶器、雕塑、绘画等艺术形式逐渐形成。
其中，汉朝的画像石和画像砖是这一时期的代表作，表现了人们的生活场景和神话传说。
艺术发展史读后感（样例5）
艺术发展史读后感（样例5）第一篇：艺术发展史读后感艺术是一种生活态度本来对于《艺术发展史》一书的书名实在不感兴趣，但在我看了前言以及第一章以后，我对这本书有了不一样的感觉，吸引着我继续往下读。
这本书通过文字以及图片的结合，从古代美洲，到古埃及，到古希腊、古罗马，再到东方的伊斯兰教国家及中国，最后回顾到西方欧洲，向我们展示了艺术的发展历史。
而这一段段历史的介绍，始终围绕着作者贡布里希在导论中所提到的一句话“现实生活中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已”。
的确，看完了这本书，给我感受最深的不仅仅是每个时期每个地方的每种艺术史实，更是改造并创新这种史实的艺术家。
艺术家不仅仅是在创造艺术，他们更多的是在解决当时社会中所存在的问题，每种艺术，其实也是体现着当代艺术家的一种态度。
因此，我想简单谈谈，艺术，是一种生活态度。
古代美洲的原始民族，为艺术开拓了一个奇特的源头。
他们会用简陋的石器，在墙上画出自己所想要的，那是他们当时的一种信仰：“只要他们画个猎物图——大概再用他们的长矛或石斧痛打一番——真正的野兽也就俯首就擒了”。
他们还会有固定的节日，披上动物的皮毛来模仿动物的动作跳一些神奇的舞步，“他们相信这种方法会莫名其妙地赋予他们力量去制服猎物”。
在当时那么落后的环境下，他们没有任何强劲的工具来与野兽作斗争，为了解决这样一个众人都担忧的问题，他们便创造出了这样一种形式，也就是创造出了第一种艺术。
而他们，也顺理成章地成为了第一批艺术家。
其实，艺术不一定要是绘画、雕刻之类的，在我看来，古代美洲的原始部落为自己设定特殊的节日，并在那天装扮成猎物，那也是他们的艺术。
可贵的不是所创造出来的艺术，而是艺术家们勇于面对困难解决困难的一种态度。
在古埃及时期，人们创造艺术的方式则发展为以人的视觉为主导了。
他们并不在乎角度的种种限制，而是在乎是否能向人们展示最清楚的画面。
这个画面不要求完整或不完整，也不要求漂亮或不漂亮，它早已被赋予了一种新的性质，一种服务性质，也就是尽可能地把一切保留下来，以便于向人们展示。
艺术的故事读书笔记
艺术的故事读书笔记贡布里希的《艺术的故事》是一本关于艺术历史的经典著作，它以通俗易懂且引人入胜的方式，为我们展现了从史前原始民族的洞窟绘画到现代社会的实验艺术的漫长艺术发展历程。
在阅读这本书的过程中，我仿佛跟随作者进行了一场跨越时空的艺术之旅。
书中开篇就提出了一个重要的观点：“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。
”这一观点打破了我们对于艺术那种高高在上、遥不可及的固有认知，让我们意识到艺术是由一个个具体的、鲜活的艺术家所创造的，而他们的创作都离不开其所处的时代背景和个人经历。
书中对古代埃及艺术的描述给我留下了深刻的印象。
埃及艺术在很长一段时间里都遵循着严格的程式和规范，比如人物形象的表现方式总是侧面的头部、正面的眼睛和身体。
这种看似刻板的表现形式并非是埃及艺术家缺乏创造力，而是因为在当时的宗教和社会观念中，艺术的主要目的是永恒地记录和象征，而非追求真实的视觉感受。
这种对永恒和秩序的追求，反映了古埃及社会高度稳定和宗教信仰的强大影响力。
希腊艺术则是另一个令人瞩目的篇章。
希腊艺术家们开始关注人体的自然美和比例，他们努力通过艺术来表现真实而完美的人体形态。
希腊雕塑中的人物形象优美、比例协调，展现出了高度的写实主义和理想主义的结合。
这种对人体美的崇尚和对艺术技巧的精益求精，为后来西方艺术的发展奠定了坚实的基础。
中世纪的艺术往往与宗教紧密相连。
教堂中的彩色玻璃窗、壁画和雕塑，都是为了向不识字的民众传达宗教教义和神圣的故事。
这些艺术作品充满了象征和寓意，色彩鲜艳而庄重，虽然在表现手法上可能不如后来的艺术那么写实，但它们所蕴含的精神力量和对信仰的虔诚表达却令人动容。
文艺复兴时期是艺术史上的一个辉煌阶段。
艺术家们重新发现了古希腊罗马的艺术成就，并在此基础上进行了创新和发展。
达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等大师的作品展现出了对人体解剖、透视和光影的精确把握，以及对人性和美的深刻理解。
这个时期的艺术作品不仅具有极高的艺术价值，也反映了当时社会思想的解放和人文精神的兴起。
艺术发展史 有感
贡布里希《艺术发展史》有感在基于《中国美术史》和《外国美术史》的基础上，贡布里希的《艺术发展史》是非常好的启发性著作。
这里是我概括的几点个人感言：- 艺术家会通过不断的尝试，需求一个最合适最平衡的状态使得整个艺术品达到极端的和谐和合适的关系。
- 艺术家会通过不断的尝试，努力去感受和追求和谐，他们对那种和谐感受越深，越能理解艺术品。
- 人们对艺术的感受是永无止境的，总是有新的东西有待发现，欣赏作品时，必须要有一颗赤子之心，敏于捕捉每一个暗示，感受每一个内在的和谐，特别是要摆脱冗长、浮华的辞令和现成套路的干扰。
起源（史前期和原始民族；古代美洲）1、对于这个时期的艺术创作，首先，原始人类对艺术的思考是模糊的，他们的思维和创作初衷是：实用。
这个是首要的标准，对于绘画和雕塑往往也是这种态度，它们不是被当做纯粹的艺术品，而是会给出非常明确的用途。
2、“原始人”不是因为他们比我们单纯（实际上他们的思考过程比我们还复杂），是因为他们比较接近人了当年起源的状态，他们吧那些超自然的力量看成是和大自然一样实有其物，换句话说：绘画和雕塑是用来施行武术的。
3、那时候的艺术家，创造出来的东西按照我们的标准看起来美不美，而是他们能不能发挥作用，也就是说，是为了满足他们施行巫术的需要。
（艺术家来自本部落，加上世代传承，他们清楚的知道每一个形状和每一个颜色代表什么意思，所以只是去完成工作，而不是去改变什么。
）4、那时候的艺术家与我们不一样的并不是他们艺术水平，而是他们的思想观念，整个艺术发展史并不是技术熟练程度的发展史，而是观念和要求的变史。
5、很多的艺术品在当时的艺术家看来，并不需要正真细致的去刻画出常规的图案，只需要在他们看来足以表示特征和用途就已经足够了，有可能是一个符号，有可能是一个色彩，但是只要足够的用来表示他们概念中的事物。
6、书画同源自有益处。
时代、生活、习惯等非常客观的因素以及原始人对社会生活得理解程度决定那个时代的艺术特点。
中国艺术史 迈克尔 读书笔记
中国艺术史迈克尔读书笔记我国艺术史读书笔记一、序言我国艺术史是一个博大精深的学科，涵盖着数千年的历史、文化和艺术传统。
通过阅读迈克尔的著作，我对我国艺术史有了更深入的理解和认识。
在本文中，我将共享我对我国艺术史的个人观点和理解，希望能够为读者们带来启发和思考。
二、我国古代艺术迈克尔在书中详细介绍了我国古代艺术的发展历程，从源远流长的神话传说中的艺术图鉴，到商、周时期的青铜器、玉器等艺术品，再到春秋战国时期的陶瓷、丝绸和建筑艺术，以及隋唐时期的壁画、雕塑等。
我深深被这些古代艺术品所吸引，它们不仅展现了当时文化和审美观念，更反映了我国古代艺术家对生活、自然和宇宙的独特理解。
三、我国传统绘画我国绘画是我国传统艺术的瑰宝，其独特的绘画形式和意境深深吸引着我。
在书中，迈克尔对我国传统绘画进行了深入的剖析，介绍了我国绘画的发展历程、不同画派的特点以及著名画家们的艺术成就。
我对我国水墨画和工笔画有了更深入的了解，这些绘画作品中蕴含着我国人特有的审美情趣和哲学思想，不仅表现了画家对自然景物的观察和描绘，更透露了他们对人生、情感和境界的思考和追求。
四、现代及当代艺术除了古代艺术和传统绘画，书中还介绍了我国现代及当代艺术的发展现状和特点。
从近代中西合璧的油画、版画、国画，到当代的摄影、装置艺术和行为艺术，我国艺术正不断与世界接轨、融合和创新。
我对我国艺术家们的创作和表现形式有了更深入的了解，他们通过艺术作品传递着对社会现实、人性、价值观念等方面的思考和探索，展现了当代我国的多元文化和审美观。
五、总结与展望通过学习我国艺术史，我对我国古代艺术、传统绘画、现代及当代艺术有了更全面、深刻和灵活的理解。
我国艺术史不仅是一部厚重的历史文献，更是我国人审美趣味、文化品位和创造精神的集中体现。
在未来的学习和发展中，我将继续深入探索我国艺术史，不断丰富我的知识和见解，让自己成为我国艺术史的“行走的读书者”。
六、个人观点和理解我国艺术史作为一门学科，需要我们去认真学习和理解，通过阅读和研究，不断提升对我国艺术的鉴赏水平和审美情趣。
中国艺术发展史心得体会
中国艺术发展史心得体会中国艺术发展史是一段漫长而曲折的历史，其中蕴含着无数的智慧和精神。
通过学习中国艺术发展史，我深深地体会到了中国艺术与文化的深厚底蕴，以及其对于我们今天的影响与启示。
中国艺术发展史可以追溯到几千年前的古代，从古代的甲骨文、青铜器开始，中国人便开始了对艺术的创造和探索。
通过历朝历代的发展，中国艺术逐渐形成了独特的风格和传统。
其中，我最为欣赏的是中国传统绘画艺术。
中国绘画艺术以其独特的意境、独到的技法和极富表现力的笔墨魅力，为后世留下了大量珍贵的艺术作品。
从古代的壁画到近现代的国画，每一件作品都流露出中国人对自然、人文和情感世界的独特理解。
中国艺术发展史中最为著名和具有代表性的时期之一，就是唐宋两代。
这个时期，中国的诗、画和音乐达到了顶峰，使得中国艺术在世界上享有盛名。
在这个时期，许多杰出的艺术家和学者涌现出来，他们通过创作和研究推动了中国艺术的发展。
同时，这个时期也是中国艺术创新的黄金时期，许多新的创作方法和风格出现，丰富了中国艺术的内涵。
然而，中国艺术发展史中也有一些曲折和不幸的时期。
特别是在近代历史中，中国遭受了战争、内乱和压迫，艺术领域也受到了重大影响。
在这个时期，许多艺术家和学者被迫离开中国，他们的创作受到了限制和扭曲，中国艺术陷入了低谷。
然而，即便在这个困境中，中国艺术家仍然坚守着自己的信仰和创作理念，在逆境中保持着对艺术的热爱和执着。
正是这种坚韧不拔的精神，使得中国艺术在改革开放之后得以焕发新的生机与活力。
通过学习中国艺术发展史，我深深地感受到了中国艺术的多元性和包容性。
在中国传统艺术中，我们可以看到各种不同的风格和流派，无论是山水画、花鸟画还是人物画，每一个都有着独特的魅力。
这些不同的风格和流派反映了中国人对于美的追求和表达的多样性。
同时，中国艺术也吸收了来自其他地区和文化的影响，形成了与世界各国文化交流的纽带。
正是这种包容性和多元性，使得中国艺术在全球范围内具有相当的影响力和美誉度。
艺术发展感悟心得体会(3篇)
第1篇自古以来，艺术就是人类文明进步的镜子，是社会发展的催化剂。
在漫长的历史长河中，艺术不断发展，从原始的岩画到现代的数字艺术，每一阶段的艺术都承载着时代的印记，反映了人类的精神追求。
作为一名热爱艺术的人，我在艺术发展的道路上不断探索，感悟颇深。
一、艺术与时代紧密相连艺术的发展离不开时代背景的熏陶。
每个时代都有其独特的文化氛围、审美观念和价值取向，这些因素共同影响着艺术创作的方向和风格。
回顾历史，我们可以看到，在不同的历史时期，艺术都呈现出不同的特点。
1. 古代艺术：以实用性为主，如原始社会的岩画、陶器、雕塑等，反映了人们对自然、生活的崇拜和敬畏。
封建社会的艺术则强调等级制度，如宫廷艺术、宗教艺术等，展现了皇权至上、神权至高无上的思想。
2. 中世纪艺术：受到宗教的影响，艺术以宗教题材为主，如基督教艺术、伊斯兰教艺术等，具有浓厚的神秘色彩。
3. 文艺复兴时期：以人文主义为核心，艺术强调人的价值，如达芬奇、米开朗基罗等大师的作品，展现了人性的光辉。
4. 近现代艺术：随着社会变革，艺术表现形式更加多样化，如印象派、现代派、后现代派等，艺术家们追求个性解放，探索艺术的无限可能。
二、艺术与科技进步息息相关科技的进步为艺术的发展提供了强大的动力。
从摄影术的诞生到数字艺术的兴起，每一次科技革命都给艺术带来了新的表现形式和创作手段。
1. 摄影术：19世纪中叶，摄影术的发明使得艺术家们可以更真实地记录现实，同时也催生了摄影艺术这一新的艺术形式。
2. 数字艺术：20世纪末，随着计算机技术的飞速发展，数字艺术应运而生。
艺术家们可以利用计算机软件进行创作，打破了传统艺术的界限，使艺术创作更加自由、多元。
3. 人工智能：近年来，人工智能技术逐渐应用于艺术创作，如AI绘画、AI音乐等，为艺术发展注入了新的活力。
三、艺术与人性紧密相连艺术是人类情感、思想和智慧的结晶，与人性紧密相连。
艺术作品传递着艺术家对生活的感悟、对社会的关注、对未来的憧憬，引发观众的情感共鸣。
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读书笔记
贡布里希是英国艺术史家，美学家，艺术史、艺术心理学和艺术哲学领域的大师级人物，他是当代最会洞察的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。
在这本书的译者后记里边就讲到，贡布里希是当代西方艺术学领域的泰斗，是百科全书式的古典学者，被誉为二十世纪的苏格拉底，艺术中的艾拉斯莫斯。
在贡布里希的眼里，艺术的发展过程，乃是一个精彩的故事，是人类寻求“美”的真谛的伟大历险故事。
当然，他自己也就成了一个说故事的人。
与一般美术史不同，《艺术发展史》既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”。
他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。
在导论中，他就骇人听闻地说:“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。
” 当然，当我们大致读过他所讲述的历史，再看到他说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”时，大概就会真正明白他说这些话的意思了。
这本书一共二十八章。
其中在奇特的起源一章中讲到的是前期和原始民族和古代美洲。
有毛利人、非洲人、墨西哥人、秘鲁人、以及阿拉斯加等地远古时候的手工制品等等。
这些东西现在大都存放在英国、美国、奥地利等博物馆里。
这一章主要讲述以下几点：1、对于这个时期的艺术创作，首先，原始人类对艺术的思考是模糊的，他们的思维和创作初衷是：实用。
这个是首要的标准，对于绘画和雕塑往往也是这种态度，它们不是被当做纯粹的艺术品，而是会给出非常
明确的用途。
2、“原始人”不是因为他们比我们单纯（实际上他们的思考过程比我们还复杂），是因为他们比较接近人了当年起源的状态，他们吧那些超自然的力量看成是和大自然一样实有其物，换句话说：绘画和雕塑是用来施行武术的。
3、那时候的艺术家，创造出来的东西按照我们的标准看起来美不美，而是他们能不能发挥作用，也就是说，是为了满足他们施行巫术的需要。
（艺术家来自本部落，加上世代传承，他们清楚的知道每一个形状和每一个颜色代表什么意思，所以只是去完成工作，而不是去改变什么。
）4、那时候的艺术家与我们不一样的并不是他们艺术水平，而是他们的思想观念，整个艺术发展史并不是技术熟练程度的发展史，而是观念和要求的变史。
5、很多的艺术品在当时的艺术家看来，并不需要正真细致的去刻画出常规的图案，只需要在他们看来足以表示特征和用途就已经足够了，有可能是一个符号，有可能是一个色彩，但是只要足够的用来表示他们概念中的事物。
6、书画同源自有益处。
时代、生活、习惯等非常客观的因素以及原始人对社会生活得理解程度决定那个时代的艺术特点。
在永恒的艺术一章中讲述了埃及、美索不达米亚平原、克里特。
翻到这一章首先看到的就是埃及的金字塔——基萨大金字塔。
约公元前2700年建立。
在这一章中我知道了在埃及，雕刻家一词当初的本意---“使人生存的人”。
古埃及的那些金字塔及雕刻的肖像既朴素又庄重。
这一章主要讲诉一下几点：1、埃及艺术：金字塔 - 历史上有钱有势的国王，他们强迫奴隶为他们建造金字塔，在埃及臣民眼里，国王是掌握权力统治人民的神人，他们认为高耸的金字塔能帮助他们升天，同样，埃及人也非常相信，灵魂在冥界中永存，所以同时制作木乃伊，金字塔是安放木乃伊的处所，刚开始只是国王之后有一些有钱有势的人也开始效仿。
2、几何形式的规整和对自然的犀利观察二者结合，是埃及艺术的一大特点。
当时埃及的浮雕和壁画，不是说究竟好不好看，而是完不完整，并且根据对事物辨认的程度来作画，树木会描绘成侧面看到的那个样子，池塘会描绘成从上面看上的那个样
子等等。
3、指导艺术家的并不仅仅是他丰富的知识，还有对于图案鉴赏的眼光。
4、埃及艺术最伟大的特点之一是：所有的雕像、绘画作品和建筑形式仿佛都遵循着同一个法则，理脉贯通，他们称之为风格（style），支配埃及艺术作品的规则使得每一个作品的效果都是稳定的、质朴而和谐的。
5、在其3000余年的历史中，埃及艺术几乎没有变化，金字塔时代认为美好的东西，千年之后，照样认为是超群出众，期间，有新的样式、新的题材，但是本质上是没有变化的。
6、在其期间，有试图去动摇埃及风格的人：阿克·纳顿：他完全摈除了其前法老所表现的那种神圣、刻板和尊严，相反的，他要艺术家画出他们全部人身缺陷，用埃及人的眼光，简直就是懒洋洋。
7、埃及仅仅是持续了千年之久的近东伟大强国之一，巴勒斯坦（埃及和巴比伦、亚述帝国之间）两河流域（美索不达米亚平原）。
8、美索不达米亚艺术：纳拉姆辛王纪念碑、后来这种纪念碑发展为国王战争的完整编年史。
中国的秦始皇兵马俑、伊斯兰教、基督教、希腊的多利安柱式神庙（帕提侬神殿，也有翻译为巴台农神庙或者巴特农神庙）等的一些标志性建筑物……在这本书里面大家都可以看到，这是一本有关艺术的书籍中最著名、最流行的著作之一。
它概括地叙述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，以阐明艺术史是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，每一件作品在这历史中都既回顾过去又导向未来”。
……
艺术问题的解决并不是一般的对某个问题的解答。
尽管贡布里希承认在艺术中的确存在着某种意义上的进步，但他绝不希望他的读者误以为进步就是价值。
在《艺术发展史》中他一方面肯定艺术家超越前人的努力，另一方面竭力阐明艺术的发展变化总是有得有失。
例如希腊化艺术为了追求戏剧性的夸张效果在实际上导致了对埃及以来整齐、庄重的画面秩序的背离。
但是他强调“任何一种风格都有可能达到艺术的完美境界”，“本书的某位读者可能喜欢拉斐尔，讨厌鲁本斯，或者正好相反。
但是，如果本书的读者不能认识到这两位画家都是卓越的大师，那么本书就没有达到他的目的。
”
如果从“问题情境” 的角度来看20世纪的中国艺术，不难发现那些在历史的沉淀中被保留下来的杰作正是由于“解决问题”的迫切需要而使得艺术家的智慧与创造力有了充分的用武之地。
贡布里希在谈到建筑以及“原生态”的绘画与雕刻时曾用两个词来形容它们的标准——既“实用”又“合适”。
尽管后来艺术日益成为奢侈
品，不再那么实用了，但这个标准仍未完全失去价值，并且还会在一定的情境中显出复苏的力量。
例如在三四十年代的中国，新兴木刻便是一种既“实用”又“适用”的艺术。
特殊的情景促使艺术家选择了黑白木刻作为解决问题的方式。
那些豪放朴实的黑白木刻作品，不仅显示了木刻艺术的刀法美，而且增强了作品的表现力度，适应了当时的情景对艺术作品的特定要求。
人们现在回忆那段时期的艺术时常会用到“时代气息”、“战斗精神”等字眼。
可见那时的艺术家在战斗的同时也切实地解决了具体的艺术问题，使作品尽可能地“实用”又“合适”。
我们不会想象延安的木刻艺术家是为着创新而工作的，但他们的确创造了全新的艺术。
他们的作品使得各阶层的人都可以感受到那种振奋人心的力量。
20世纪的中国有着错综复杂的艺术局面，有太多的问题等着艺术家去解决。
在西方文化艺术不断涌入中国的浪潮下，中国美术面临着现代性转型的问题。
中国的艺术家不得不重新思考如何对待中西不同艺术：是中西结合还是拉开距离？正如贡布里希所说，任何风格都能达到完美的境界。
从“解决问题”出发，我们便不会简单地以时代进退为褒贬艺术的依据，而要看到艺术创作背后所面临的“问题情景”。
其他的章节就不用多说了。
贡布里希的讲述完美而亲切，平易近人的作品，艺术理论被以通俗的方式叙述出来，作为例子的艺术品的选用真的很合适。
读者和作者也可以取得较好的互动。
他所要阐释的是人们不是为了响应某种潜在的“精神”的呼召去改变传统，而是情境的改变使其不得不然。
例如说到具有强烈世俗倾向的荷兰绘画，他认为是由于经过了宗教改革，从而使新教统治区内的艺术家已经没有什么自由再画祭坛画了。
无论哪种社会，贡布里希所关心的是艺术家所面临的“问题情境”。
不是一个统摄一切的“时代精神”，而是许许多多切实需要解决的问题吸引着艺术家奉献他们的才智与精力。
我们应当感激各个时代的艺术家，正是靠他们的辛勤劳作，解决了审美领域中那些潜在的问题而汇成了我们今天看到的艺术世界。