西方艺术史基本脉络.
简述西方音乐美学史的发展脉络
简述西方音乐美学史的发展脉络一、古希腊时期：决定音乐美学的基础在古希腊时期，音乐被广泛运用于宗教、娱乐和教育等领域，因此产生了对音乐的审美思考。
古希腊哲学家毕达哥拉斯认为音乐与数学之间存在一种奇妙的关联，并提出了“音乐数论”的理论。
他认为音乐既是可感知的声音，也是一种可计算的数学结构。
另一位哲学家柏拉图回应了毕达哥拉斯的理论，进一步强调了音乐对于灵魂的影响力。
他认为音乐是一种有力的教育工具，能够培养人们的品格和道德。
二、中世纪：宗教音乐的主导地位在中世纪，宗教音乐占据了主导地位。
教會希望通过音乐来引导人们进入宗教仪式的氛围。
这一时期的音乐被认为具有神圣性和崇高性，注重舍弃个体情感，追求音乐的普适性和纯粹性。
所以，音乐被视为一种被神所创造的纯粹的声音艺术。
三、文艺复兴时期：对人类的重视文艺复兴时期，人们开始对人类的自我意识和个体情感的重视。
作曲家开始将音乐与诗歌和戏剧相结合，创造出更具情感表达的音乐作品。
音乐美学逐渐从宗教转向人文。
该时期的音乐理论家们开始探讨音乐的表现力、情感表达和审美标准等问题。
著名的音乐理论家卡米洛·辛多（Giovanni Camillo Maffei）提出了“音乐化的形象”的概念。
他认为音乐不仅可以模仿自然界的声音，还可以表达人类的情感和思想。
四、巴洛克时期：音乐和理性的辩论巴洛克时期是音乐美学发展的一个重要时期，其中以德国音乐理论家约翰·马提亚斯·罗特（Johann Mattheson）和约翰·亨利克·布脱纳（Johann Heinrich Buttstett）最具代表性。
罗特强调音乐的理性和审美价值，认为音乐美是可以通过逻辑和数学方法来测定的。
而布脱纳则认为音乐是一种可以表达人类内心情感的语言，主张音乐应该具有情感表达和感染力。
五、古典时期：形式与风格的完美统一古典时期的音乐美学以奥古斯特·埃贡（August Wilhelm Ambros）和荷塞茨基（Adolf Bernhard Marx）为代表，他们关注音乐作品的结构、形式和风格。
西方美术史知识点总结
西方美术史知识点总结西方美术史是指西方文化中的绘画、雕塑、建筑等艺术形式的发展历史。
西方美术史主要涵盖了古希腊、古罗马、文艺复兴、巴洛克、印象派、现代主义等各个时期的艺术发展，展现了西方美术的丰富多彩和独特魅力。
1. 古希腊艺术古希腊艺术是西方艺术史上的一个重要时期，其代表作品包括帕特农神庙、美索不达米亚狂欢、维纳斯女神等。
古希腊艺术以人体雕塑和建筑为主要特点，追求人体的完美和对称，充分展现了希腊人的审美观念和生活态度。
2. 古罗马艺术古罗马艺术受到希腊艺术的影响，但又有自己的独特风格。
古罗马建筑以巨大的建筑结构和壮丽的装饰为特点，如巴西利卡、角斗场等。
古罗马雕塑以浮雕和铜像为主，主题多是与政治、宗教有关的题材，如凯旋门、共和国雕像等。
3. 文艺复兴文艺复兴是西方艺术史上的一个重要时期，也是艺术史上的转折点。
文艺复兴时期，人们开始对希腊、罗马艺术进行重新认识，复兴了古典艺术的精神。
代表作品有达芬奇的《蒙娜丽莎》、米开朗基罗的《大卫像》等。
文艺复兴艺术家追求艺术表现力和气势，注重人文主义精神和个性表达。
4. 巴洛克艺术巴洛克艺术起源于17世纪的意大利，后来传播到了欧洲各国。
巴洛克艺术风格追求豪华和壮丽，代表作品有伯劳罗、伯纳尼尼等。
巴洛克艺术家表现情感和内心世界，追求富丽堂皇的装饰和情感的深刻表达。
5. 印象派印象派是19世纪末的一个艺术运动，是现代主义艺术的先驱。
印象派艺术家拒绝传统绘画的逼真性和明暗对比，追求对光影和色彩的捕捉和表现。
代表作品有莫奈的《印象·日出》、德加的《舞蹈课》。
印象派的艺术风格对后来的艺术运动有着深远的影响，成为了现代艺术的基石。
6. 现代主义现代主义是20世纪初的一个艺术运动，是对传统艺术的一种挑战和革新。
现代主义艺术家对传统绘画技法和主题进行了颠覆和重新定义，尝试了新的艺术表现手法。
代表作品有毕加索的《盛宴》、杜布菲特的《石鹰》。
现代主义的艺术表现形式多种多样，包括立体艺术、抽象艺术、表现主义等，成为了当代艺术的主要风格之一。
如何掌握西方艺术史
如何掌握西方艺术史西方艺术史是一个广阔而复杂的领域。
掌握西方艺术史不仅需要对各个时期、流派和艺术家有深刻的了解，还需要理解西方文化和历史的背景。
本文将探讨如何有效地掌握西方艺术史。
一、建立基础知识了解西方艺术史需要一定的基础知识。
首先应该了解西方文化和历史的不同时期，包括古希腊、罗马、文艺复兴、巴洛克、洛可可、现代主义等。
同时还需要掌握不同艺术流派和风格，如古典主义、浪漫主义、印象派、表现主义等。
建立基础知识可以从阅读各种综合性的书籍和资料入手，但不要局限于课本和教材。
二、深入研究细节建立基础知识后，应该深入研究每个时期和流派的艺术，包括艺术家的生平和作品。
对于一些重要的艺术家，还应该了解他们对于当时艺术发展的贡献和影响。
可以从参观艺术博物馆和画廊入手，同时可以通过阅读艺术评论和专题杂志来了解当前艺术界的风向和趋势。
三、跨学科学习西方艺术史不是一门孤立的学科，它与哲学、文学、宗教、政治等领域有密切关系。
因此，若想掌握西方艺术史，还需要跨学科学习。
比如，学习与文艺复兴相关的文学作品，了解当时的哲学思潮和宗教信仰等。
这样可以更好地理解艺术作品的背景和内涵。
四、参与学术讨论参与学术讨论能够帮助增加知识储备，了解最新的研究成果和学术动态。
可以参与本地的艺术协会和学术团体，也可以通过在线论坛和社交网络参与讨论。
另外，应该定期参加展览和学术会议，以拓宽视野和与专家学者交流。
五、了解当代艺术西方艺术史是一个持续演化的领域。
因此，若想完整地掌握西方艺术史，还需要了解当代艺术。
与以往不同，当代艺术更加个性化和多元化，具有更高的表现自由度和独特的艺术观念。
了解当代艺术可以帮助我们理解和掌握当今西方艺术发展的脉络和趋势。
综上所述，想要掌握西方艺术史，需要建立基础知识，深入研究每个时期和流派的艺术，跨学科学习，参与学术讨论，了解当代艺术等方面。
这需要花费大量的时间和精力，同时需要保持持续的热情和兴趣。
希望本文可以对有志于掌握西方艺术史的读者提供一些启示和帮助。
艺术史发展脉络梳理
艺术史发展脉络梳理艺术，作为人类文明的重要组成部分，随着时间的推移，呈现出多样化和多元化的发展路线。
艺术史既是对这些发展轨迹的记录，也是对各种艺术形式背后的文化、社会和历史背景的研究和解析。
本文将在1500字的篇幅内，对艺术史的发展脉络进行梳理。
1. 史前艺术可以说，艺术的发展始于人类出现在地球上的那一刻。
史前艺术是指早期人类通过图案、刻痕、雕刻和壁画等方式表达自己的思想和情感。
以古埃及的金字塔壁画和法国的拉斯科水笔画为例，这些作品展现了早期人类对生活、信仰和自然的理解和追求。
2. 古代艺术古代艺术可以追溯到远古时期的文明，如古埃及、古希腊和古罗马。
古代艺术在建筑、雕塑、绘画和陶瓷等领域取得了重大成就。
希腊的帕台农神庙和罗马的科洛塞恩柱等建筑都展现了当时人类对美学和工程学的高超理解。
3. 中世纪艺术中世纪艺术主要指的是欧洲在公元5世纪到公元15世纪期间的艺术形式。
这一时期的艺术主题大多与宗教和教堂有关，如哥特式建筑和拜占庭艺术。
这些艺术形式以壁画、彩色玻璃、雕塑和手抄本等方式表达，传递着宗教和信仰的信息。
4. 文艺复兴文艺复兴是西方艺术史上的一个重要时期，时间一般被确定为公元14世纪到17世纪。
在这个时期，人们重新发现了古希腊和古罗马的艺术遗产，并对之进行了广泛研究和模仿。
文艺复兴艺术以人体和自然的再现为特点，如达·芬奇的《蒙娜丽莎》和米开朗基罗的《大卫像》。
5. 工艺美术运动19世纪末和20世纪初，工艺美术运动崛起，旨在恢复手工艺制品的价值和重要性。
这一运动对建筑、家具、珠宝和纺织等领域产生了深远影响，强调个人技能和自然材料的纯洁性。
英国设计师威廉·莫里斯和奥地利建筑师奥托·瓦格纳是该运动的代表人物。
6. 现代艺术现代艺术包括印象派、立体主义、抽象表达、达达主义、超现实主义以及后现代主义等一系列艺术流派和风格。
这一时期的艺术家们挑战传统的审美观念和表达方式，尝试将艺术与社会和政治议题相结合，并通过新媒体和创新技术进行实验。
简述西方音乐美学史的发展脉络
简述西方音乐美学史的发展脉络本文从网络收集而来，上传到平台为了帮到更多的人，如果您需要使用本文档，请点击下载按钮下载本文档（有偿下载），另外祝您生活愉快，工作顺利，万事如意！研究西方音乐美学应站在西方哲学、美学思想体系上，与西方各个历史时期的宗教、政治及各种人文科学的思想体系结合起来研究。
同时，西方大量存留的艺术家、艺术流派作品更有助于我们对同时期音乐思想史的研究。
因为西方自古希腊以后，其音乐美学思想体系基本上是建立在音乐实践基础上的。
公元前6世纪的哲学家、数学家毕达哥拉斯用数来测量琴弦的长度，发现弦长的比例越简单，发出来的声音就越和谐。
通过音的和谐来自于数的比例这一主张，来探讨音乐美的本质。
和谐是来自于宇宙规律，音乐作为天体中的规律，对人的内心具有“净化”的所用。
古希腊客观唯心主义哲学代表柏拉图也将“和谐”理论推广发挥，在他的美学思想中，音乐的美都源于道德和心灵，这也进一步延续了毕达哥拉斯的“净化”观，提出“音乐美育”。
音乐对青少年性格形成起着积极作用。
亚里士多德也在音乐美学的研究领域肯定了音乐的社会功能和教育作用，认为音乐作用于情感，所以可以达到“音乐美育”的作用。
在社会意识形态方面，音乐具有重要的调节功用。
古希腊的哲学家与美学家认为，美是形式，倾向于把形式作为美与艺术的本质。
在毕达哥拉斯学派看来，艺术产生于数及其和谐，而这和谐就关涉形式的问题。
柏拉图把形式分为内形式与外形式，这里的内形式指艺术观念形态的形式，它规定艺术的本源和本质；而外形式则指摹仿自然万物的外形，它是艺术的存在状态的规定。
在古希腊，关于美与艺术的观念背后，诸神与理论理性成为思想的规定性。
到了古罗马时期，实用、功利之风盛行，总体而言，在美学思想上缺乏独到的成就，虽然在某些方面也有一些进步。
中世纪教会教父用音乐来宣扬教义，影响人的情感，同时又禁止世俗人民自由表现情感的音乐，因此，这时期对音乐美的认识是建立在神权基础之上的。
在音乐的实践方面，经常可以发现宗教神权与世俗音乐的对立。
浅谈西方现当代艺术的脉络及特点
浅谈西方现当代艺术的脉络及特点西方现当代艺术是指当前西方国家在当代艺术领域中所呈现出的一种新的艺术形态。
这种形式的艺术，一方面融合了传统艺术的元素，另一方面又呈现出了新的艺术风格和特点。
西方现当代艺术的脉络主要源自于二十世纪初期的现代主义艺术，而且在六十年代以来，艺术风格也从抽象表现主义逐渐转向后现代主义。
本文将从西方现当代艺术的脉络及特点两个方面进行探讨。
一、脉络1. 现代主义艺术在二十世纪初期，西方世界的艺术家们开始逐渐抛弃传统的艺术表现形式，而转向一种更加注重抽象和表现感情的艺术形式，这就是现代主义艺术。
现代主义艺术以其自由、抽象、个性化的表现方式，逐渐在西方艺术领域中占据主导地位。
毕加索、马蒂斯等艺术大师的作品，都表现出了其对现代主义艺术的深刻理解和探索。
六十年代以来，西方世界的艺术界开始出现了一种新的风格，即后现代主义艺术。
这种艺术形式不仅继承了现代主义艺术的创新和个性，更加注重对于文化、历史、社会等方面的批判性思考和表现。
后现代主义艺术的出现，使得西方艺术在当代领域中呈现出了更加多元化和开放的态势。
二、特点1. 多元性西方现当代艺术以其多元的表现形式和风格，呈现出了极大的多元性。
无论是绘画、雕塑、摄影还是装置艺术，西方现当代艺术都拥有丰富多彩的内容和表现形式，使得整个西方艺术领域更加丰富和多样化。
2. 文化批判性后现代主义艺术的一个显著特点就是其对于文化、历史以及社会等方面的批判性思考和表现。
艺术家们通过其作品，来呈现对于当代社会的不满和批判，从而使得西方现当代艺术呈现出了更加丰富和深刻的内涵。
3. 技术化西方现当代艺术在其表现形式上往往强调了对于技术的运用和创新。
随着科技的不断进步，艺术家们在艺术创作中引入了更多的科技元素，使得西方现当代艺术在技术上呈现出了更加先进和精密的一面。
4. 全球化随着全球化的加速发展，西方现当代艺术在其内容和形式上也逐渐呈现出了全球化的趋势。
艺术家们常常通过其作品来探讨和反映全球化对于文化及社会的影响，这样的艺术作品既具有当代的表现形式，同时也融入了全球化的元素。
《艺术史》中的西方艺术与文化趋势
艺术史中的西方艺术与文化趋势引言艺术史是研究人类创造力和审美表达的学科，涵盖了各种艺术形式，包括绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈等。
本文将重点探讨西方艺术与文化在历史上的发展趋势。
古希腊与古罗马艺术古希腊与古罗马艺术对西方文化影响深远。
在古希腊时期，雕塑强调肖像的真实性和人体比例的完美。
而在古罗马时期，建筑体现了宏伟与实用相结合的特点，如科洛塞姆、大剧院等。
文艺复兴时期文艺复兴时期是西方艺术与文化发展的重要阶段。
这一时期，意大利成为欧洲文化中心。
绘画家达芬奇和拉斐尔以及雕塑家米开朗基罗等人的作品代表着此时期艺术成就的高峰。
巴洛克与洛可可风格巴洛克艺术在17世纪期间兴盛起来，强调繁复、夸张与动感。
而洛可可则注重柔和、细腻的艺术表达，强调装饰与曲线之美。
印象派与现代主义19世纪末，印象派推翻了传统艺术的约束，追求自由的创作方式和对光线、色彩的独特观察。
在20世纪初，现代主义运动进一步颠覆了传统观念，提倡抽象艺术和实验性创作。
当代艺术与多元文化随着全球化的发展，当代艺术呈现出多元化和跨文化交流的特点。
不同地区和文化背景下的艺术家都能够相互借鉴，并打破传统界限进行创新性表达。
结论西方艺术与文化经历了漫长而丰富多样的历史进程。
从古希腊到当代，各个时期都有其独特的特点与趋势。
通过深入理解西方艺术与文化趋势，我们可以更好地欣赏和理解西方艺术的发展脉络。
以上是关于《艺术史》中的西方艺术与文化趋势的简要概述。
这只是一个粗略的导引，涵盖了重要的历史时期和艺术风格，但并不详尽。
在更细致的研究中，我们可以深入探讨每个阶段独特的特征，以及背后所反映出来的社会、政治和哲学思潮对艺术发展的影响。
西方艺术史教学大纲
《西方艺术史》教学大纲英文名称：The History of foreign Fine Art课程所属模块：艺术创作与审美体验课程类别：学科基础课适用专业：美术学、绘画、艺术设计等考核方式：论文总学时：24学时（理论讲授学时：24学时）学分：2学分课程简介：西方艺术史是一门以艺术风格为主线介绍西方艺术流派发生、发展和延续的课程，其基本素材是时代背景、艺术家和艺术作品。
在内容和结构上，以时间序列为基准，分别是：艺术风格的奠基—古希腊罗马艺术和中世纪艺术、艺术风格的独立—文艺复兴时期的艺术、艺术风格的装饰—巴洛克艺术和罗可可艺术、艺术风格的满实—十九世纪的艺术、艺术风格的裂变—二十世纪的艺术。
作为艺术史的基本理解，全部内容是透过一个以艺术品为中心的三层同心圆结构展示出来的：艺术风格的转移切换、艺术运动的此起彼伏和思想文化的层浪递进。
通过该课程的习修，努力达到三点效果：对西方艺术的发展脉络形成常识性与框架性的了解；对艺术问题形成自己综合性和独到性的见解；对个人的审美风格和设计实践给予足够的启示。
与教学计划中前后课程的关系：本课程为艺术系一年级第二学期必修专业理论课程，为学生以后学习艺术史、艺术鉴赏、美学等课程打好基础。
对学生了解外国艺术思想、美术观念、美术思潮有所帮助。
对学生进行艺术创作提供准备。
一、课程的性质,目的与任务：西方美术史课程是高校美术生和绘画专业的基础课和必修课,它是提高学生美术理论水平和审美能力的重要手段,对促进学生全面发展有着重要作用.本课程坚持辩证唯物主义和历史唯物主义的基本原理和根本原则,坚持内容的科学性和体系的完整性.使学生认识到,西方美术史是研究外国绘画,雕塑,工艺美术,建筑等艺术的发生,发展的过程与其规律的科学.通过对西方美术史历程中若干问题的讨论,引发学生对西方美术史料的把握以与对美术发展规律的探讨的兴趣,掌握对西方美术史学习和研究的方法,为以后进一步研究美术史以与从事美术教学和美术创作奠定良好的基础.。
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西方艺术史脉络1、分期：埃及美术、希腊罗马美术、中世纪美术、文艺复兴、巴洛克、罗可可2、艺术中心随经济中心的演变而转移：希腊、亚平宁半岛、弗罗伦萨、罗马、威尼斯、巴黎、纽约埃及美术：一般指公元前332年以前的埃及美术。
它的形成和发展主要经过了史前期、早期王朝、古王国、中王国、新王国和后期王朝时期。
埃及美术的产生和发展与埃及人的宗教信仰、墓葬习惯和王权思想有很大关系。
他们认为，人的生命和宇宙万物是永恒的,死者是可复活的。
相应地，陵墓作为人的永久住宅，它的修建和装饰，也受到重视。
这些原因导致了金字塔、雕刻、墓室壁画等一系列艺术品的产生。
埃及美术的一般特点是：建筑宏伟壮观；雕刻朴素写实，整体性强，表现方法遵守正面律；绘画线条流畅优美，色彩丰富，人物表现采用正、侧面混合法。
希腊美术：希腊美术发源于地中海的克里特岛，早期希腊文明被称为“爱琴文明”，希腊文明一直延续到罗马帝国占领希腊各地，希腊艺术按照时间可以如下分期： 1.爱琴文化时期、2.荷马时期、 3.古风时期、4.古典时期、 5.希腊化时期。
希腊人创造了神，在希腊人的心目中最完美的人就是神，因此希腊人尊重人，神和人同形同性。
希腊美术最重要的方式是神殿等建筑、雕刻和少量壁画。
希腊美术的主要特点是无所不包的和谐与规律性，还有庄严与静穆。
罗马美术：罗马美术吸收了希腊美术成就，继承了埃特鲁斯坎美术传统，而将美术更加推向实用主义，在内容上侧重描绘享乐性的世俗生活，在形式上追求宏伟壮丽的风格，在人物表现上强调个性化。
其突出成就主要反映在建筑、肖像雕刻和壁画方面。
中世纪美术：自公元476年西罗马帝国灭亡到15世纪文艺复兴运动开始的一段时期，史称中世纪。
它包括拜占庭美术、爱尔兰-撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛林美术、罗马式美术和哥特式美术等。
在公元313年，罗马皇帝君士坦丁颁布米兰敕令，承认基督教会的合法地位。
由于基督教的影响占有统治地位，决定了艺术浓厚的宗教色彩。
位于东方的拜占庭美术，在一定程度上成为古希腊美术的保存者与传播者，并与当地民族美术相融和，而自成体系。
西欧其他诸国基督教美术，也都带有本民族原始艺术的明显烙印。
中世纪美术最重要的成就是建筑的发展。
无论是拜占庭式教堂高大的圆穹，还是哥特式教堂火焰般的尖券，既充分显示出封建宗教的权威，也体现出当时工匠们的创造才能。
同时与教堂建筑一起应运而生的装饰性雕塑、镶嵌壁画与彩色玻璃窗画，以及圣经、文学作品的插图画和各种小型艺术等，又赋予中世纪美术以丰富多彩的面貌。
文艺复兴美术：文艺复兴是指十四世纪到十六世纪西欧与中欧国家在文化思想发展中的一个时期。
“文艺复兴”的原意就是指“在古典规范下，文学和艺术的复兴。
”在经历了封建教会势力的千年统治之后，人们开始挣脱精神上的奴役，被禁锢多年的古典文化又引起人们的重视。
文艺复兴首先发端于意大利，然后逐渐传播到欧洲其他国家。
其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。
在人文主义思潮的影响下美术创作发生了相应的变革，显示出鲜明的时代特征。
按照时间可分为： 1.佛罗伦萨早期文艺复兴美术， 2.罗马盛期文艺复兴美术， 3.威尼斯后期文艺复兴美术。
巴洛克：巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。
巴洛克一词本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低。
巴洛文艺术最早产生于意大利。
概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩；三是它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位。
罗可可：罗可可是一种种偏好艳丽色彩与优雅装饰的艺术风格，17世纪以后取代了巴罗克时代雄健奔放的趣味,表现出一种轻松活泼的特点。
它由法国路易十五宫廷形成后流行开来，波及到德、奥和其他国家，最终形成了18世纪在欧洲占统治地位的艺术形式。
二、19世纪艺术氛围：新古典主义、浪漫主义和现实主义1、新古典主义：大革命背景、古典理想与现实境遇、大卫、安格尔等新古典主义，一方面起于对巴洛克和罗可可艺术的反动，另一方面则是希望以重振古希腊、古罗马的艺术为信念。
新古典主义的艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术。
新古典主义兴起于17世纪的法国。
在法国大革命及其政治和社会改革之前,形成了一场纯粹的艺术革命,这就是新古典主义美术运动。
这一时期的法国美术既不是古希腊和罗马美术的再现，也非17世纪法国古典主义的重复。
它是适应资产阶级革命形势需要在美术上一场借古开今的潮流。
新古典主义美术的特征是：选择严峻的重大题材，在艺术形式上，强调理性而非感性的表现；在构图上强调完整性；在造型上重视素描和轮廓，注重雕塑般的人物形象。
2、浪漫主义：格列柯与戈雅等艺术家的传统、德国狂飙突进运动（哥德、席勒等）、藉里柯、德拉柯罗瓦等浪漫主义在反映客观现实上侧重从主观内心世界出发，抒发对理想世界的热烈追求，常用热情奔放的语言、瑰丽的想象和夸张的手法来塑造形象。
浪漫主义作为一种主要文艺思潮，从18世纪后半叶至19世纪上半叶盛行于欧洲并表现于文化和艺术的各个部门。
浪漫主义运动是法国大革命、欧洲民主运动和民族解放运动高涨时期的产物。
它反映了资产阶级上升时期对个性解放的要求，是政治上对封建领主和基督教会联合统治的反抗，也是文艺上对法国新古典主义的反抗。
浪漫主义画派摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造。
画面色彩热烈，笔触奔放，富有运动感。
浪漫主义内部可以分为积极浪漫主义和消极浪漫主义者两种取向。
3、批判现实主义：社背景、1848年革命、库尔贝及其现实主义宣言、巴比松画派、杜米埃现实主义就其本质来说，是如实地反映现实，不加任何美化。
在十九世纪，作为继古典主义、浪漫主义之后的现实主义，指的是一个特定的、狭隘得多的流派，在美术中，主要是指以库尔贝为首的艺术家，而现实主义的含义，除了指创作方法外，同时还包含用写实的、忠于自然的表现手法，因此人们也把它称为写实主义或自然主义。
他们的题材来自现实生活，他们写日常生活中的事，写生活中每天可以接触到的人，同时以揭露当代现实生活为主要任务。
三、从古代到现代: 印象派的崛起1、印象派兴起的背景：外光画派的影响、工业革命与科学精神、自然主义思潮（含文学，如左拉）2、印象派的概念（impressionism）3、印象派绘画的特点4、印象派的代表画家：莫奈、马奈、雷诺阿、毕沙罗、德加、5、新印象主义：修拉6、后印象派：塞尚、高更、梵高印象派：19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，印象派是西方绘画史上划时代的艺术流派，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地。
“印象派”因画家克劳德·莫奈的油画《日出·印象》得名。
在艺术观点上，印象主义画家反对当时占正统地位的古典学院派，反对日益落入俗套、矫揉造作的浪漫主义，它们吸收了北方绘画和东方绘画的营养，同时受现代科学，尤其是光学的启发，认为一切色彩皆产生于光，于是他们依据光谱赤橙黄绿青蓝紫七色来调配颜色，因此他们在绘画中注重对外光的研究和表现，主张到户外去，在阳光下依据眼睛的观察和现场的直感作画，表现色彩的微妙变化。
新印象派：新印象派是继印象主义之后在法国出现的美术流派。
画家们在画板上调出色调混合的高明亮度小点，彼此相邻近地排列于画布上，故又称点彩派。
其出现与科学的迅猛发展有密切联系，光学和色彩学的理论以及实验成果，有力地推动了它的发展。
其理论是：①色彩的分割理论，及分割法。
②主张色彩、线的表现性与情感的特质相结合。
新印象主义是印象主义的某些技法和科学实践相结合的产物。
后印象派：后印象派是从印象派发展而来的一种西方油画流派。
在十九世纪末，许多曾受到印象主义鼓舞的艺术家开始反对印象派，他们不满足于刻板片面的追求光色，强调作品要抒发艺术家的自我感受和主观感情，于是开始尝试对色彩及形体表现性因素的自觉运用，后印象派从此诞生。
在艺术表现上，后印象派更加强调构成关系，认为艺术形象要异于生活的物象，用作者的主观感情去改造客观物象，要表现出“主观化了的客观”。
他们在尊重印象派光色成就的同时，不是片面追求外光，而是侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。
四、19世纪德国艺术1、文艺复兴大师丢勒2、社会背景：从农业国到工业国3、艺术行业的兴起：艺术协会、艺术博物馆、展览与艺术评论4、德国北方早期浪漫主义：风景画家弗雷德里希5、德国南方的浪漫主义：拿撒勒派6、德国现实主义：门采尔7、德国-罗马画派：安泽尔姆-费尔巴哈（19世纪60-70年代）8、德国象征主义：阿诺尔德-伯克林9、德国三大外光画家：马克斯-伯里曼、罗维斯-克林特、马克斯-斯勒福格特五、风景画的复兴1、风景画的西方传统：古代—尼德兰的老博鲁盖尔（风景的自觉）—普桑、洛兰（神圣的风景）2、英国风景画的贡献：特纳、康斯太勃六、19世纪其它地方的艺术流派：英国拉斐尔前派、伦敦印象派、美国哈得逊画派、美国印象派、俄国巡回展览画派英国拉斐尔前派：拉斐尔前派是1848年开始的一个艺术团体，由3名年轻的英国画家发起。
他们的目的是为了改变当时的艺术潮流，反对那些在米开朗基罗和拉斐尔的时代之后在他们看来偏向了机械论的风格主义画家。
他们认为拉斐尔时代以前古典的姿势和优美的绘画成分已经被学院艺术派的教学方法所腐化了，因此取名为拉斐尔前派。
他们尤其反对由雷诺兹爵士所创立的英国皇家艺术学院画风，认为他的作画技巧只是懒散而公式化的学院风格主义。
他们主张回归到15世纪意大利文艺复兴初期的，画出大量细节、并运用强烈色彩的画风。
他们以古典历史和神话作为绘画题材以及模仿的艺术态度，或者是以模拟自然的状态，来作为他们艺术的目的。
这个画派持续三四年的时间，1854年后解体。
俄国巡回展览画派：巡回展览画派1870年成立于莫斯科。
一方面受当时现实主义美学家车尔尼雪夫斯基的影响，另一方面，受彼得大帝改革以来欧洲艺术的影响，巡回展览派画家以批判现实主义为创作方法和原则，主张把绘画艺术从贵族沙龙里解放出来，真实地描绘俄罗斯人民的历史、社会、生活和自然。
画派的成员定期在全国各地巡回展览，前后活动了50年，共举行过48次展览。
巡回展览画派中不但真正产生了现实主义风景画派，而且列宾、苏里科夫、马克西莫夫、彼罗夫、列维坦等主要成员对中国现实主义美术的发展也产生了深远得影响。
七、西方现代美术1、由印象派延伸出来的三条道路：塞尚—立体派—抽象艺术—至上/构成主义—抽象表现主义—极简艺术—色域绘画梵高—表现主义—抽象表现主义—新表现主义高更—纳比派—象征主义2、现代美术的基本特点：对新时代背景的再现、追求内心和情感的表现、走出文学宗教的附属地位、追求形式自身的美3、野兽派：马蒂斯野兽派：野兽派是自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。