色彩在当代绘画艺术中的重要作用
当代重彩画色彩语言的探索
水墨丹青当代重彩画色彩语言的探索■ 王照斐 西安美术学院〔摘 要〕我们在观看绘画作品中，首先看到的是画面中的色彩，色彩作为最基本的表达方式，作为绘画本身的语言，它是构成艺术风格最基本的要素之一，同样也是能够直接刺激到我们的感官，并且造成传达给我们某种情绪的重要手段。
传统的或当代的，甚至是东西方的绘画，无论绘画自身是如何发展，但从画面所呈现的最终效果看，色彩始终是占据着我们眼帘中最中心的位置。
色彩于绘画而言，重要性是不言而喻的。
中国绘画对色彩的运用当然也在其中，尤其是在重彩画中色彩更能够直击眼中，达到最直接的视觉效果。
随着时代的变迁，对于中国绘画尤其以工笔重彩为主，在色彩语言上逐渐发生了改变，展现了新的生机。
〔关键词〕重彩画；色彩；语言一、 重彩画色彩语言的转变1.重彩画色彩观念的概述色彩从古至今在中国画里地位是举足轻重的。
尤其是中国传统的绘画色彩观念是深深地根植于传统文化之中，受政治、道德观、宗教文化和伦理思想等各个方面的制约与影响，具有本民族特定的艺术特色。
早期的中国传统绘画在色彩上，我们其实清楚地看到古人们的审美角度以及表达方法，在一定程度上能够展现当时的文化底蕴。
这里其实可以大致分为三个阶段：一是汉之前主张的“五色”观，以青色、赤色、白色、黑色、黄色五种颜色为主要颜色的使用；二是魏晋南北朝谢赫提出“六法”中的“随类赋彩”，随着推行实践成为那时候最重要的色彩观；三则是宋元时期开始文人们普遍开始重视水墨，从而忽略了色彩的发展。
纵使色彩的观念经历了如此多的变革，但是传统工笔重彩画依旧以自己本来的发展轨迹向前发展。
重彩画的出现是要早去比水墨画。
工笔重彩画古人称它为丹青，是中国传统绘画历史中最悠久的一个画种，它以丹、青绿等重彩颜料为主要材料，兼以线条笔墨辅助造型，是一种结构精细严谨、风格富丽华美、具装饰意趣的绘画样式。
丹青是色彩的另一种较为古老的称呼，中国绘画从以前看其实是先有色彩后有水墨的。
潘天寿说：“吾国古代绘画，多五彩兼施；然后以丹青为主色，故称丹青。
色彩在抽象绘画中的应用及表现形式
色彩在抽象绘画中的应用及表现形式作者：张姝雯来源：《收藏与投资》2021年第11期摘要：色彩语言是人们感知艺术的重要媒介之一，在抽象绘画中，色彩是重要的绘画语言。
如何通过色彩在抽象绘画中表达自我感受与情绪、创造出更好的作品，成为艺术家研究与思考的问题。
本文通过对抽象绘画与色彩语言的解读，详细分析色彩在抽象绘画中的应用及表现。
关键词：抽象绘画；色彩；表现形式一、抽象绘画抽象绘画在20世纪最为流行，“抽象”是与“具象”相对的概念，指从不同事物中抽取本质与共通之处，加以综合、变形，从而形成新概念。
自第二次世界大战以后，世界绘画衍生出许多艺术流派，抽象绘画也成为20世纪最受追捧的艺术流派之一。
抽象绘画与具象绘画相反，它打破了绘画必须模仿自然的传统观念，以直觉、本质、解构和想象力作为创作出发点，排除具体表现事物的方法论，没有光影、写实和透视关系，仅仅使用颜色、符号、造型创造画面，呈现出一种全新的、纯粹的艺术形态。
抽象绘画的发展趋势大致分为两类：几何抽象、抒情抽象。
几何抽象又被称为“冷抽象”，是以塞尚的理论为出发点，从立体主义、构成主义、新造型主义等发展而来，带有几何学的倾向，代表人物为蒙德里安。
蒙德里安基于对事物的观察，擅长解构与重构自然事物，把内在结构提炼出来，用最简单的三原色表现简化、提炼到极致的事物本质，使颜色的纯粹与简洁的形式相融合，表达精神层面的意义。
抒情抽象又被称为“热抽象”，它是以高更的艺术理论为出发点，经野兽派、表现主义发展而来，具有浪漫主义色彩。
抒情抽象以康定斯基为代表，康定斯基称自己是“联觉者”，他能从音乐中听到不同的颜色和符号，把这些听到的造型符号与色彩搭配组合在画面里，这也是他的代表性创作方式。
康定斯基作品的画面中常有些像钢琴、小提琴的不同符号，颜色从浅到深，就像是从高音到低音一样，仿佛画面在奏乐。
抽象语言是一种符号性语言，通过不同色彩的形状与造型组合，形成一种超前的绘画理念，不同于传统的作画，视觉不再是唯一的观察方法。
表现性色彩在绘画中的表达——以康斯坦特·佩尔梅克为例
2020-11文艺生活LITERATURE LIFE表现性色彩在绘画中的表达———以康斯坦特·佩尔梅克为例杨宪（武汉东湖学院传媒与艺术设计学院，湖北武汉430212）摘要:表现性色彩注重的是个人情感的表达，主要是在客观事物的基础上进行再创造，自由地改变客观色彩，突出个人化的色彩语言特色。
表现主义艺术家们将表现性色彩的应用推向顶峰，强调色彩应该对内在体验和心灵情感进行表现，反对对现实客观世界的单纯模仿与再现。
以比利时表现主义艺术家康斯坦特?佩尔梅克为例进行解读分析，探究表现性色彩的应用在绘画创作中所体现的作用。
关键词:表现性；色彩；情感；个性化；康斯坦特·佩尔梅克中图分类号：J205文献标识码：Ａ文章编号：1005-5312（2020）32-0041-02DOI：10.12228/j.issn.1005-5312.2020.32.020一、引言西方中世纪时期之后到古典主义时期，色彩还只属于素描的附属品，主要目的是为了再现客观事物的表面形态。
印象派时期，画家们通过色彩之间的冷暖关系以及环境色因素对同一描绘对象进行不同时段的描绘，主要为了表现不同时段的微妙的色彩变化，于是色彩获得了相对的独立性。
紧接着随着后印象派画家的出现，色彩本身的存在意义以及色彩相互之间形成的关系所产生的意义被充分发挥出来，更加注重内心的感受，不再满足于对大自然进行客观描绘，从而确立了表现性色彩在油画创作中的重要地位。
到了二十世纪，表现主义早已成为西方当代架上油画的主流，注重的是个人的主观思想情感和心理感受，更能发挥个人的主动性和创造性。
绘画中色彩从再现到表现的这一过程，推动了色彩艺术的全面独立。
在“85思潮”的影响下，中国当代艺术家们纷纷想摆脱传统的苏联式学院派风格，想要创造出自己的色彩语言，并不断地探究西方当代的油画创作。
表现性色彩语言的应用在中国当代绘画创作中变得普遍起来，艺术家们也更加注重内心的情感表达，探索与研究绘画创作中表现性色彩的应用是当今艺术家自身发展与作品创新的一大主题。
美术色彩理论知识点
美术色彩理论知识点美术色彩是绘画中至关重要的元素，对于艺术创作的表现力和视觉效果起着重要的作用。
掌握色彩理论知识对于提升美术作品的品质具有至关重要的意义。
本文将向您介绍一些与美术色彩相关的基本概念和理论知识。
一、色彩的分类1.原色：指无法通过混合其他颜色调配而得到的色彩，包括红色、黄色和蓝色。
原色是色彩世界的基础，也是其他颜色的来源。
2.次要色：由两个原色混合而成的色彩，包括橙色、紫色和绿色。
次要色位于原色的中间位置，具有中性色调，常被用于创作温和、柔和的画面效果。
3.补色：指对应原色的颜色，例如红色的补色是绿色，蓝色的补色是橙色。
补色之间呈现强烈的对比，相互衬托，可以增强画面的鲜艳度和对比度。
4.中性色：指不带有明显颜色色调的颜色，包括灰色、黑色和白色。
中性色常用来调和和平衡其他色彩的鲜艳度。
二、色彩搭配原则1.对比搭配：通过使用补色、冷暖色的对比等方式来增强色彩的鲜明度和对比度。
对比搭配常用于强调画面的重点或创造冲击力强烈的艺术效果。
2.类似搭配：通过使用相邻或相近的色彩来创造和谐、柔和的画面效果。
类似搭配常用于表现平和、安宁的场景或情感。
3.单色搭配：通过使用同一色彩的不同色调和明暗度来创造单一而富有层次感的画面效果。
单色搭配常用于表现特定的情感或主题。
4.色彩分割：通过在画面中使用不同色彩区块的分割和划分来营造节奏感和动态感。
色彩分割常用于抽象、装饰性的艺术作品中。
三、色彩运用技巧1.明暗变化：通过改变色彩的明暗度和亮度来表现画面的光影效果和空间感。
明暗变化对于创造画面的层次感和立体感非常重要。
2.色彩温度：通过使用冷色和暖色来表达不同的情感和氛围。
冷色常用于表现冷静、冷淡的情感，而暖色则常用于表现热情、温暖的情感。
3.色彩饱和度：通过调整色彩的饱和度来表现画面的明快度和浓淡度。
饱和度高的色彩会呈现明亮、鲜艳的效果，而饱和度低的色彩则会呈现柔和、柔美的效果。
4.色彩协调：通过运用色彩搭配原则和色彩运用技巧来达到画面整体的和谐、统一的效果。
探析色彩在中国画创作中的重要性
探析色彩在中国画创作中的重要性色彩在中国画的创作中占有举足轻重的作用。
纵观中国的绘画，我们发现中国画往往注重画面色彩的主观性和创造性。
色彩是构成任何画种的最为重要的因素，画家可以通过色彩表达出自己丰富的情感世界。
对于中国传统绘画过于重视线条和墨色的运用，而忽略了色彩，这必然使得画面在表达感情这一方面的欠缺。
对于西方的绘画，我们应该兼收并蓄。
色彩是任何绘画中流动的生命。
现代社会是以一个多元化的发展趋势在前进，所以我们对于色彩的认识也不能停留在原有的色彩理论阶段，要融合多元化的色彩理论，使我国的中国画色彩理论能够表达出鲜明的时代气息。
色彩在中国画的创作中占有举足轻重的作用。
纵观中国的绘画，我们发现中国画往往注重画面色彩的主观性和创造性。
在古代绘画中，例如原始彩陶上漂亮的纹饰和质朴的色彩，还有敦煌莫高窟上的壁画，都表现出色彩在绘画上的重要作用，直到唐宋时期，色彩的运用达到一定的高峰，到了明清时期，中国画都是以丹青两个字来命名，所谓丹青，就是色彩中非常重要的两种颜色。
南齐的谢赫叶在他的《古画品录》中提出“六法”，气韵生动，古法用笔，应物象形，经营位置，随类赋彩，传移模写，在这六法当中的“赋彩”就是上色的意思，所以可见中国古代绘画是以物象的真实性来上颜色的，不需要夸张处理，尽量使设色简单，不复杂化，同时在设色上主张加入画家的主观性颜色，甚至有时可以放弃物体本身的颜色，例如，竹子的颜色本身是绿色，那么画家也完全可以用墨色来画竹子，也别有一番风味，还有的画家用朱砂来画竹子的，例如苏东坡。
中国唐代是中国绘画发展的繁荣时期，尤其是当时的人物画，唐代的服饰也与以往有所不同，例如著名的人物画周昉的《簪花仕女图》，画面任务十分华贵，色彩华丽而典雅，色彩属于重彩画，赋色虽然复杂，但层次清晰，绸缎之间的相互重叠，表现的十分清楚。
整幅画卷设色浓郁而不庸俗。
色彩是构成任何画种的最为重要的因素，画家可以通过色彩表达出自己丰富的情感世界。
当代工笔花鸟画中的色彩研究
工笔花鸟是中国画中重要的艺术表现形式，从史料记载以及出土情况上看，花鸟画自唐代开始分科，五代、北宋花鸟画趋于成熟，尤其是宋代院体花鸟画是工笔花鸟画的巅峰。
宋代郭若虚评五代花鸟画家黄筌、徐熙为“黄徐体异”。
“黄家”花鸟为工笔花鸟，多写奇珍异兽，笔格精细，赋色柔丽，人称“黄家富贵”。
而徐熙多貌汀花野竹、花果禽鱼。
沈括有言，徐熙之画：“画以墨笔为之，殊草草，略施丹粉而已，神气迥出，殊有生动之意。
”后人称之为“徐熙野逸”。
黄、徐后，花鸟画遂分两派，而工笔花鸟画即是延续着“黄家”之传统，其精神内涵也并未与之背离。
传统工笔画色彩观蕴含着深厚的哲学内涵，与儒家、道家、佛家思想有着深厚的联系。
典型的就是五行与五色，古人“在‘目生其明’而‘首见黑白’这一阴阳互为的基础上，把色彩与天道自然运动的五行法则联系起来。
并根据春夏秋冬自然万象之变而据五行说选择服饰、食物、车马、住所的变化，从而形成五色学说”。
[1]东方属木，为青色，所以在工笔艺术中，就以青色表现叶子的颜色，这不仅是中国古人仰观宇宙之结果，而且表现出古人对艺术永恒存在状态的追求。
随着文人画的发展，工笔花鸟画虽然一度受到冷落，但在80年代，随着工笔画浪潮的来临，中国工笔花鸟画逐渐受到关注，并在传统的设色基础上吸收了西方科学色彩表现形式从而焕发了新的生命力。
就当前而言，工笔花鸟画还可以继续挖掘传统，吸收西方科学色彩观，以多维度进行创新。
中国传统工笔花鸟画有着严格的形似格法，但是随着西方现代派“先锋性”探索精神的传入，中国当代工笔画呈现出多元化审美倾向。
一方面，我国当代工笔花鸟画对色彩的选择足够大胆，并且敢于突破，这也给我国当代工笔花鸟画赋予了更多时代的气息；另一方面，我国当代工笔花鸟画在色彩搭配的时候，也不受传统的限制，敢于将两种看似互相冲突的颜色放在一起，让工笔花鸟画的色彩具有更加强烈的视觉冲击力，也表现了一种别样的艺术之美。
同时，当代工笔画将水墨写意手法融入到工笔花鸟的设色方法之中，将诗意的表现方式与严格的法度进行结合，创作出了清新逸远的审美新境界（图1）。
色彩艺术的发展历史
色彩艺术的发展历史色彩艺术的历史可以追溯到古代文明时期。
在那个时期，色彩被用于装饰和艺术创作，以表达人们对宗教、文化和生活方式的理解。
在古代文明中，埃及人、希腊人和罗马人是最早使用色彩的民族之一。
他们使用天然颜料来绘制壁画、雕塑和建筑。
这些颜料包括黑色、白色、红色、黄色和蓝色等基本颜色，以及由这些颜色混合而成的各种中间色。
中世纪时期，色彩艺术得到了进一步的发展。
在这个时期，艺术家们开始使用更加鲜艳的颜色，并尝试在画布上创作更加逼真的场景。
这种风格被称为“哥特式艺术”，其特点是使用了大量的红色、橙色和紫色等颜色。
文艺复兴时期是色彩艺术的另一个重要时期。
在这个时期，艺术家们开始更加注重对自然和人类生活的描绘。
他们使用了更加丰富的颜色和更细腻的色彩对比来创作更加逼真的作品。
例如，莱昂纳多·达·芬奇的作品就是这一时期的代表之一。
19世纪末至20世纪初，色彩艺术经历了现代主义的变革。
在这个时期，艺术家们开始尝试使用更加鲜艳和刺激的颜色来表达他们的情感和观念。
例如，梵高、高更和毕加索等艺术家都尝试使用更加独特的色彩组合和对比来创作他们的作品。
随着时间的推移，色彩艺术不断发展和演变。
如今，色彩艺术已经成为了当代艺术中不可或缺的一部分。
无论是在绘画、摄影、雕塑还是其他艺术形式中，艺术家们都在不断探索和创新，以创造出更加独特和引人注目的作品。
王维，唐代著名的诗人，以其独特的诗歌风格和深刻的意象描绘而著称。
他的诗歌中充满了色彩的描绘，从自然景观到人物形象，都富有浓厚的色彩感。
这种色彩艺术不仅增加了诗歌的艺术表现力，也为我们提供了深入理解和欣赏其诗歌的新视角。
王维的诗歌中，对自然景观的描绘尤其引人注目。
他运用丰富的颜色词汇，勾画出如画的美景。
如他的《山居秋暝》中，“空山新雨后，天气晚来秋。
明月松间照，清泉石上流。
”诗人以丰富的色彩描绘出一幅宁静优美的山居秋景图，充满了诗情画意。
王维诗歌中的色彩并不仅仅局限于对自然景观的描绘，他还善于运用色彩来塑造人物形象，表达情感。
美术色彩理论与运用
美术色彩理论与运用色彩在美术创作中起着至关重要的作用，它能够表达情感、传递信息，并带给观者美的享受。
美术色彩理论是指对色彩的运用、组合和表达方式进行探索和研究的学科。
本文将从色彩基本概念、色彩理论、色彩运用等方面展开论述，旨在全面讲解美术色彩理论与运用。
一、色彩基本概念1.1 色相色相是指颜色的种类，也可以说是色彩的名称。
常见的色相有红、橙、黄、绿、蓝、紫等。
色相是色彩的基础，它构成了整个色相环。
1.2 饱和度饱和度是指颜色的纯净程度和强度，也可以说是颜色的浓淡程度。
饱和度越高，颜色越纯净、鲜艳；饱和度越低，颜色则越暗淡、灰蒙。
1.3 亮度亮度是指颜色的明暗程度。
亮度越高，颜色越明亮、明快；亮度越低，颜色越昏暗、沉闷。
二、色彩理论2.1 三原色理论三原色理论是指将所有颜色都分解成三种原色-红、绿、蓝。
这三种原色可以通过不同的混合比例组合出各种其他的颜色。
三原色理论被广泛应用于数码显示、打印等领域。
2.2 色彩对比色彩对比是指不同颜色之间的对比关系。
常见的色彩对比有冷暖色对比、互补色对比、对比色对比等。
通过巧妙运用色彩对比，可以增强作品的层次感和视觉冲击力。
2.3 色彩情感不同的色彩对人们产生不同的情感和联想。
例如，红色常常给人们带来热情、活力的感觉，而蓝色则给人们带来安静、冷静的感觉。
艺术家可以通过选择适合的色彩来传递自己作品所希望表达的情感。
三、色彩运用3.1 表现形态色彩在美术作品中，可以通过色块的运用来强调画面的整体氛围和情感。
艺术家可以运用不同的色彩来凸显作品的主题和内容。
3.2 色彩搭配色彩搭配是指将多种颜色组合在一起，使它们相互补充从而产生视觉效果。
常见的色彩搭配方式有三角搭配、对比色搭配、单色搭配等。
艺术家可以根据作品的需要选择适合的色彩搭配方式。
3.3 色彩渐变色彩渐变是指将一种颜色逐渐过渡到另一种颜色的变化过程。
色彩渐变可以使画面更加细腻、立体，也可以制造出一种柔和、流动的感觉。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
色彩在当代绘画艺术中的重要作用
自绘画艺术产生以来，色彩便在其中扮演了重要角色。
画家们用色彩作为艺术表达平台，增添了艺术作品的生命力与表现力。
观赏者通过色彩了解艺术家们的内心世界。
一、当代绘画艺术发展趋势
艺术是时代的符号，是一门与社会发展息息相关的科学，当代绘画艺术是世界艺术的组成部分，伴随着时代的变化而具有新鲜的特点。
21世纪是不同领域发生急速创造融合的时代，是经济全球化潮流更近一步的时代，所以在当代绘画艺术领域中同样出现了不可避免的新情况：当代绘画艺术的综合化趋势。
这一趋势强调将各门类艺术手段融会贯通，突破色彩规律的局限，打破传统画种的界限，从而跨越艺术的国界限制，开创当代艺术发展的崭新局面。
“理性是知识的源泉”艺术的理性体现在作品主题的表达意义上。
狭义的说，绘画是线条与色彩的简单组合，画家借助与线条来表达事物的“形”，运用色彩表达事物的“意”。
形与意的结合正是画家对社会时代的理性思考。
贡布里希在他的著作《艺术与错觉》中明确提出“自十九世纪以来，绘画是用色彩和图形表达画家情感的”，这已经是毋庸置疑的。
艺术作品的生命力主要体现在“意”上，这就揭示我们在艺术创作中要更加注重色彩的运用。
美国视觉艺术理论家阿恩海姆这样说过：“作为一种通讯工具来说，形状要比色彩有效得多，但是运用色彩得到的表情却不能通过形状而得到。
”
身处于社会变革的大时代，我们常常会有这样的迷茫和困惑：为什么我们的世界联系的越来越紧密，而人跟人之间却越来越冷漠。
冷漠、庄严的视图效果成为当代绘画艺术的主流，“理性主义”的勃兴正是这种时代主流的体现。
艺术家们永远行走于时代的尖端，他们总是能够敏锐地捕捉到社会中的细微变化，将色彩和线条剖析表达运用在自己的艺术作品中。
应该说，当代绘画艺术的综合与理性趋势是当代社会发展的产物，是文明创新的新成果，是知识综合运用的必然体现。
这种趋势为艺术家开启了广阔的创作空间，使当代绘画的内容与形式也到了极大程度的扩充与发展，促使当代艺术家们更加注重色彩文化在绘画艺术中的运用，从而创作出多种多样的艺术表现形式。
二、色彩贯穿当代绘画艺术的发展
色彩作为绘画艺术表达的窗口，对绘画艺术发展具有重要作用。
再简单的绘画作品也离不开色彩，连色彩单一的水墨画也是对白、灰、黑三种色彩的综合运用，色彩的发展与绘画艺术的发展相辅相成，共同进步。
“当代绘画艺术”并没有明确的起始点，所谓的“当代绘画”就是发生在当下的、具有自己独特性与表现力的一门艺术。
随着时代的快速进步，当代与现代的概念愈加模糊。
中国的当代艺术起步于20世纪80年代初期，世界的当代艺术大概可以推及至第三次科技革命。
第三次科技革命后，科技与经济的巨大飞跃为色彩艺术的创新运用提供了可能。
科技使人的智能不断提升，绘画艺术领域得以扩展，绘画技艺不断提高，绘画材料不断变化，色彩颜料不断丰富，色彩艺术不
断发展。
当代绘画艺术色彩，最显著的标志就是新观念不断产生和新形式不断出现。
一些画家转向对色彩心理学方面的探索，抛弃了对外在表象的客观重复与再现，开始注重表答画家对自然的主观感受，强调画家主体意识、情感性和寓意性。
绘画色彩从对自然的再现转向对人观念的表达，这是当代绘画艺术发展的一个重大飞跃。
画家们凭借着对自然物像的直观感受和丰富的经验，表现物像的“固有色”，即表现视觉上所谓的真实色彩，在绘画作品的色彩运用上，基本是体现人类在自然物象里赞颂自然色彩之美的智能。
比如，俄国画家康定斯基强调绘画最重要的是精神而不是形式，主张把颜色、线条和形状相结合，表达深厚的感情与思想。
他将绘画与音乐联系起来，并以此为指导创造一个抽象的色彩音乐世界。
三、色彩的重要性
绘画艺术从古代到近代，再到现当代，色彩都伴随其中，并从客观走向主观。
色彩是绘画艺术的表达方式，是绘画创作的重要艺术语言，画家们将感情倾注其中，通过对色彩的运用使作品不止成为一个简单的绘画，而变成了一件具有永恒生命力的艺术作品。
色彩在艺术创作中具有独特性。
对色彩运用的成功与否直接关系到艺术作品的表现力与生命力。
夏加尔说过：“色彩溶于血液”，色彩与我们的生活息息相关。
“色彩的命定”是一个画家最原始的独特性，这种特征是融在血液中的、不可重复的，是画家体现自己绘画风格的根本。
来自于自然界的客观色彩能推动激发画家内在感受，这种
感受经过画家本身情感的提炼凝结、艺术加工，最终形成了独特的，丰富多样的，带有感情色彩的画面。
在绘画艺术的发展过程中，形成了许多色彩搭配规律，如冷暖规律、明暗规律、补色规律等等。
这些规律会不知不觉的演变成画家不自觉的经验，成为限制自己进行艺术创作、自由发挥情感的的桎梏。
因此适当的从色彩规律中挣脱出来，发挥撞色主义，流畅的表达情感于艺术创作之中，发挥色彩的独具创造特性。
色彩是画家表达情感的媒介，只有经过画家本身情感提炼和艺术加工的色彩才是具有生命力的色彩。
可以说，色彩艺术的表达是画家主观情感的流露。
画家通过接触客观存在的事物，触动内心，形成独特的情感，然后运用色彩组合来表现与自己情感相吻合画面。
绿色代表着希望，象征着健康，当我们看到绿色调的作品时，往往也会产生同样的感受。
艺术的创作不拘泥于任何一种形式，色彩的运用也不局限于表达一种感受，例如利用色彩的冷暖调和、明暗搭配可以表达粗犷的内容和豪迈的情调，同样也可以表现出无限深沉、溢于言表的情感。
情感是人类普遍存在的心里现象，也是人类对客观事物的态度和体验，色彩表达的情感是人类所赋予的。
色彩象征语意具社会性和主观性的特点。
此外色彩在表达情感上具有形状无法超越的优势，形状只能粗略的表现出事物的轮廓，而色彩才是沟通画家与观赏者之间的桥梁。
四、结语
当代绘画艺术发展经历上百年的发展，呈现出丰富多元的局面，
新的局面要求我们更加注重对色彩的重要性。
色彩遍布于我们的生活，装点了我们的世界，因为有色彩我们的生活更加的多姿多彩。
色彩的重要性是任何一种元素无法代替的，画家通过对自然物象的概括与提炼，使绘画色彩区别于自然物象。
艺术作品表现力的根本在于画家对色彩的运用，不同的色调，不同色彩创意总会给我们带来不同的感受。