传统戏曲服装特征及艺术内涵论文
豫剧旦角服饰形象研究
豫剧旦角服饰形象研究豫剧是中国戏曲的重要剧种之一，而豫剧旦角是豫剧中最重要的角色之一，她们的角色形象和服饰在豫剧中起着至关重要的作用。
作为中国文化传统的一部分，豫剧旦角的服饰形象不仅反映了当时社会的审美观念和审美趣味，还体现了传统的创作美学和演出技巧。
本文将从豫剧旦角的服饰形象入手，对其进行一番深入的研究和探讨，以期更好地理解和传承中国豫剧的文化传统。
一、豫剧旦角的服饰特点1. 艳丽多彩豫剧旦角的服饰在色彩上非常艳丽多彩，通常采用红、粉、黄、绿等明亮的颜色。
这些色彩都是中国传统文化中代表喜庆和吉祥的色彩，与豫剧的主题和气氛相得益彰，能够更好地凸显角色形象的喜庆和祥和，也能够吸引观众的眼球，使其更加专注在舞台上的表演。
2. 造型独特豫剧旦角的服饰造型也非常独特，通常有着高耸的头饰、宽大的衣袖和长长的裙摆，整体上给人一种高贵典雅的感觉。
这种独特的造型不仅符合中国传统文化中对于仪态庄重的审美追求，还能够帮助演员更好地展现角色的气质和神态，增强角色形象的立体感和美感。
3. 细节考究豫剧旦角的服饰在细节上也非常考究，通常会使用金线、绣花、珠边等装饰物，使服饰更加精致华丽。
这些细节的加工不仅体现了制作者的用心良苦，也能够增加演员的仪态和风采，更好地展现角色的美感和魅力。
1. 古典美女在豫剧中，旦角通常扮演着各种不同类型的角色，包括贤妻良母、宫廷皇后、富家小姐等。
无论是哪一种角色，旦角的服饰都能够很好地展现其古典美女的形象。
经过精心设计的服饰使得旦角更加美丽动人，更符合传统观众对于美好女性形象的期待，也更能够打动观众的心弦。
2. 女扮男装在豫剧中，旦角还有一个非常重要的角色类型，那就是女扮男装。
女扮男装的旦角需要穿着男性的服饰扮演男性角色，因此她们的服饰通常更加庄重和宽松，以体现出男性的阳刚之气。
即使是扮演男性角色，豫剧旦角的服饰也仍然能够很好地表现出其独特的女性魅力，让观众对角色形象充满好奇和想象。
3. 神话仙女除了扮演现实中的人物，豫剧旦角还经常扮演神话传说中的仙女角色。
中国古代戏剧服饰研究
中国古代戏剧服饰研究中国古代戏剧服饰作为传统文化的重要组成部分，具有独特的艺术价值和历史意义。
本文将从历史发展、地区风格、材料和色彩等方面，对中国古代戏剧服饰进行深入探讨。
一、历史发展中国古代戏剧服饰的历史可以追溯到唐朝。
在唐代，戏剧表演开始兴起，戏剧服饰也逐渐形成。
随着戏剧艺术的发展，戏剧服饰的样式和色彩也逐渐丰富起来。
到了明清时期，戏剧服饰的基本样式已经形成，并为后世所沿用。
二、地区风格中国古代戏剧服饰的地区风格非常明显。
例如，北方的戏剧服饰以华丽、繁复著称，而南方的戏剧服饰则注重轻盈、秀美。
不同地区的戏剧服饰也在不断相互影响和融合，最终形成了具有各地特色的戏剧服饰。
三、材料和色彩古代戏剧服饰的材料以丝绸、棉麻为主，色彩则以红、黄、蓝、绿等鲜艳的颜色为主。
不同颜色和材料代表了不同的身份和性格。
例如，红色代表忠诚、黄色代表威严、蓝色或黑色代表粗犷等。
同时，戏剧服饰的纹样和图案也具有特定的象征意义。
四、结论中国古代戏剧服饰是中国传统文化的重要组成部分，它不仅具有独特的艺术价值，还反映了不同历史时期的社会文化面貌。
研究古代戏剧服饰有助于深入了解中国传统文化的内涵和精神实质。
戏剧服饰也是一种重要的文化传承，它对于传承和弘扬中华民族的文化传统和文化自信具有重要意义。
本文旨在探讨沈从文对中国古代服饰研究的贡献以及他对服饰考古的独到见解。
在当今社会，重读《中国古代服饰研究》具有重要意义，它使我们重新审视古代服饰的历史背景、研究方法和现实价值。
一、古代服饰的历史背景要研究古代服饰，首先需要对古代社会的历史背景有充分的了解。
古代服饰不仅是人们生活的必需品，更是社会制度、宗教信仰、文化传统等多种因素的反映。
从商周的冕服、秦汉的深衣、魏晋的衫袄到唐宋的幞头、明清的霞帔，古代服饰经历了多个阶段的发展，形成了丰富多彩的样式和体系。
二、沈从文对古代服饰研究的贡献沈从文是中国现代文学大师，他对古代服饰也颇有研究。
他的著作《中国古代服饰研究》系统地阐述了中国古代服饰的发展演变及其社会文化内涵。
中国戏曲中的服装造型与文化流变
中国戏曲中的服装造型与文化流变中国戏曲是中国传统文化的瑰宝之一，其丰富多样的服装造型也是其独特之处。
随着时间的推移和社会的发展，中国戏曲中的服装造型经历了文化流变，展现出多种风貌和变化。
本文将探讨中国戏曲中的服装造型与文化流变，并分析其背后的文化内涵。
中国戏曲的服装造型可以追溯到远古时代的生活方式和传统习俗。
在古代，戏曲演员身上的服装通常采用明亮的颜色、华丽的刺绣和富有装饰性的细节。
这种服装造型代表了古代人们对生活的追求和对美的向往。
同时，戏曲演员的服装也与角色的身份和社会地位有关。
比如，官员和贵族的服装常常更加奢华，而平民百姓的服装则相对简朴。
这种差异化的服装造型反映了社会等级分化的现象，体现了古代社会的等级观念和阶层结构。
随着时间的推移和社会的变迁，中国戏曲中的服装造型也发生了变化。
在明清时期，戏曲演员的服装开始受到时尚和品味的影响，逐渐趋于精致和高雅。
此时，服装的材质使用也更加考究，常常选用上等的丝绸、细腻的绸缎等材料。
同时，服装的细节和配饰也更加注重精致和讲究。
比如，头饰、发饰、腰带等，都经过精心设计和制作，以凸显角色的特点和形象。
这种变化反映了当时社会的审美观念和时尚态度。
在近代中国，随着国家的开放和现代化的进程，中国戏曲的服装造型也发生了较大的变化。
在20世纪初的时候，部分中国戏曲开始引入西方元素和风格，服装的造型也开始与传统相对疏离。
这一时期的服装造型更加注重实用性和舒适性，采用了更多西式的剪裁和材质。
同时，一些戏曲作品中的服装造型也受到其他戏剧和电影的影响，出现了跨界融合的现象。
这种变化既是对传统的一种颠覆和突破，也是对西方文化和时尚的一种借鉴和追逐。
然而，尽管中国戏曲中的服装造型经历了多次变化，但其背后的文化内涵并未改变。
服装作为一种文化符号和表达方式，所传递的信息和价值观念仍然与中国传统文化紧密相连。
比如，中国戏曲中的服装造型通常代表着人物的身份和性格特点。
不同的服装风格和样式，能够通过细致的细节和装饰，展现出角色的内心世界和情感变化。
浅析京剧艺术中京剧服饰的表现作用的论文_0
浅析京剧艺术中京剧服饰的表现作用的论文浅析京剧艺术中京剧服饰的表现作用京剧蕴含了许多中华民族的印记，是中华民族重要的历史文化遗产，因此被称之为国粹。
京剧在我国已有200多年历史，是中华民族文化之精华，民族之瑰宝，是人们精神世界里一朵璀璨的奇葩。
京剧作为一门综合艺术形式，其不仅要有优秀的表演，同时还要与音乐、舞台、美术等共同配合才能塑造出京剧艺术精品。
其中，京剧服饰在京剧艺术中的表现作用至关重要，其对于塑造表演角色的外部造型和人物形象都具有重要作用。
一、京剧艺术中的京剧服饰在京剧艺术中，京剧服饰的艺术价值往往通过其精湛的工艺和华丽的外表表现出来。
京剧服饰又称之为“行头”，代表各种角色穿戴的总称，具体类别包括长袍、短衣、铠甲、盔帽、靴鞋以及相关饰品等。
以戏衣为例，其名目就十分繁杂，主要包括蟒袍、官衣、箭衣、靠、披、褶子等20余种。
按照色彩可分为上五色和下五色两种。
按照质地可分为缎、绸、布等。
而戏衣纹饰又包括龙、凤、花、鸟、虫、鱼、水、云等。
根据不同的色彩和纹样，戏衣的穿戴搭配也有所不同，也因此戏衣看起来绚丽多彩且表现力丰富。
其中，武生所穿褶子大都绣有飞禽；小生所穿褶子大都绣有花卉；贫寒书生所穿褶子大都补有不规则的杂色绸子，名曰富贵衣；皇帝穿黄蟒；大臣穿红色或紫色蟒；地方官穿官衣；小姐穿衣裙；丫环则穿坎肩或裙子。
因此，京剧人物只要一出场，不必听其唱腔唱词，观众就能够对剧中人物的性格、年龄、身份、地位等有了大致了解，这就是京剧服饰的表现作用。
二、京剧艺术中京剧服饰的表现作用（一）表现不同的人物类型京剧表演为了更好地处理各类人物可以划分成各种行当，并且规定各种行当通过特有的动作、唱念、翻打等手段来完成人物的塑造。
京剧服饰与京剧表演相同，为了表现不同的人物类型，也可以进行分类，具体包括大衣、二衣、三衣、盔帽等各类专业行当，每个行当的工作范畴与任务使命又有所不同。
现以大衣为例进行简述。
作为京剧服饰内部分工的行当之一，大衣的存在主要是为演员创造角色提供服务。
中国戏曲之美——服饰篇
中国戏曲之美——服饰篇中国的戏曲与希腊悲剧和喜剧、印度梵剧并称为世界三大古老的戏剧文化，经过长期的发展演变，逐步形成了以“京剧、越剧、黄梅戏、评剧、豫剧”五大戏曲剧种为核心的中华戏曲百花苑。
中国戏曲是一门综合性舞台艺术，戏曲服饰在这门艺术中占有至关重要的地位。
从根本上说，戏曲服饰是从生活中来的，但戏曲服装与平常的生活服装有很大区别，是戏曲表演的艺术品。
作为装扮角色的重要工具，服饰在演员和角色之间起到了极其重要的作用。
在中国戏曲服饰中，服饰称“行头”，是从属于中国戏曲表演艺术中的戏曲服饰，是从生活中加工提炼而成的艺术化服饰，源于生活而又高于生活，在某种程度上类似于历史生活服饰又并非历史生活服饰。
中国戏曲服饰凭借服饰的艺术性，为戏中人物的塑造，剧情的发展，情感的表达提供了桥梁。
戏剧服饰的规定性是演员演戏时的穿戴要求，即演员或者角色在扮演舞台人物时所遵循的穿戴规则。
服饰穿戴规制严格，剧中各种人物角色其穿戴都有定例和规制，“宁穿破，不穿错”就是说戏曲服饰的规定性要求穿戴者与饰建立稳定的类型对应关系。
戏剧服饰的规定性也侧重于人穿着服饰的行为，要求穿着行为必须符合规则，因为服饰的穿着规则是经过历代观众和演员共同努力才形成的约定俗成的共同认知，从而这也对戏剧服饰的穿戴提出了相应的要求。
如舞台角色刘备，关羽，张飞，他们因人物性格不同所着袍装颜色各不相同，通常是刘备穿黄色袍，关羽穿红色袍，张飞穿皂色袍。
整体形象鲜明，色彩对比强烈。
不仅丰富了人物性格，也装饰角色的个性形象，美化舞台。
特殊饰物的佩带也有一定的规定性。
戏剧服饰款式的规定性一般是由部件服饰规定性引起而以整套服饰的整体规定性表现。
戏曲服饰除了讲究大方面之外，还注重戏曲服饰的细节，冠饰、佩物都有等级之分。
在戏曲中有30多种盔头，但是只有在社会上有地位的人才有盔，如上层社会中女子所戴的鸡盔、凤冠等，百姓象征的巾，如扎巾、小生巾等。
当然，戏曲服饰穿戴规范并没有条文规定，只能在实际演出中进行分析研究，服装的款式、质料、花纹、色彩等在在穿戴规范中是交织在一起的，要根据剧中人物的社会地位、性格品质、生活环境等多方面来进行判定。
传统戏剧服装的艺术美
传统戏剧服装的艺术美中国的传统戏剧服装起源于秦汉时期，定型于清代末期。
但主要的服装款式都是以明代服饰为基础，并吸收了历代服饰之典型，加以综合和美化，具有鲜明的民族特色和艺术魅力。
中国戏曲服装逐渐形成现在的模式是经过长期际创造、不断地改进优选而形成的。
在人物造型上，它是以广场演出发展起来的。
在庙台戏社的演出拥有广大观众，所谓“高台教化”，这就使表演者和观众有着较远的距离，所以，在戏曲服装的表现形式上首先就确定了艺术的夸张的原则。
它大胆地运用色彩来表现人物性格的塑造。
以夸张的色彩线条给人以艺术感染。
所谓红忠白奸、黑为刚强粗犷；黄为智慧聪明；蓝为猛、绿为怪、金色表现神仙等。
这是以模式化脸谱化的表现形式对人物性格强有力的塑造。
在脸谱的构图上，大胆地运用了六书的原则，以象形、指示、会意、形声、转注、假借来构成对人物性格、形象的表现力。
服装的设计在美学的处理运用中也是如此。
先辈们在戏剧服装的设计上充分地运用了色彩学和工艺美术的绘画原则，使服装上的花卉动物图案抽象化、概括化，使自然美更适合服装的装饰性、图案性，以此来为人物的造型服务，从而充分表现人物个性、展示戏曲舞台人物美的特点。
传统戏曲服装在色彩上对比非常强烈，但在表现人物个性时却又非常统一。
如：张飞、包拯、项羽等以黑色的脸配以黑色的蟒，表现他们刚毅、豪放的性格。
现代人很怕用红色配绿色，担心俗气，但我们的先辈在这两种颜色的搭配和处理上让人拍案叫绝，如：关羽赵匡胤正红脸、大红髯口和绿色蟒袍搭配，再配以黑色髯口、平金彩绣互为相补，不仅在色彩上让人感到不俗，更使人感受到关羽和赵匡胤的忠正仁义、气血刚毅之气。
传统戏曲服装的装饰图案是非常讲究的。
总体上说是在传统审美习俗中进行了系统的加工。
可说是集传统图案之大成。
其中最突出的要数龙凤图案了。
这些图案凝聚和寄托了先辈们对美的理解和信仰。
不同的图案配置不同的服装款式，这在戏曲舞台的人物塑造上得以充分地体现。
行内人士长说“宁穿破、不穿错”。
初探我国戏曲服饰的艺术性
初探我国戏曲服饰的艺术性【摘要】我国戏曲服饰承载着丰富的文化内涵和历史渊源，在塑造人物形象、展现戏剧氛围方面发挥着重要作用。
其设计理念注重情感表达和舞台效果，色彩搭配突显角色特点，面料选择讲究舒适性和视觉效果。
在舞台表现中，戏曲服饰不仅是演员的外在装饰，更是人物性格和命运的象征。
与文化传承相结合，戏曲服饰体现着中国传统文化的魅力和精神内涵。
其艺术性体现在对角色情感的诠释和舞台效果的视觉冲击上，对戏曲表演具有重要的辅助作用。
展望未来，我国戏曲服饰有望在继承传统的基础上，融合现代元素，发展出更加多样化和具有创新性的形式。
戏曲服饰的美学价值和文化底蕴将继续为中国戏曲艺术的发展贡献力量。
【关键词】戏曲服饰，艺术性，重要性，历史渊源，人物形象，设计理念，色彩搭配，面料选择，舞台表现，文化传承，结论，戏曲表演，未来发展。
1. 引言1.1 探讨我国戏曲服饰的重要性戏曲服饰在戏曲表演中扮演着非常重要的角色，它不仅是演员扮相的重要组成部分，更是戏曲文化的重要载体和传播方式。
戏曲服饰通过服装的设计、色彩搭配和面料选择，能够很好地展现角色的身份、性格和状态，帮助观众更好地理解剧情和人物关系。
戏曲服饰的精美与独特性，也能够吸引观众的眼球，增添舞台表演的艺术感染力和观赏性。
戏曲服饰也是戏曲文化传承的一部分，承载着丰富的历史文化内涵和传统价值观念，通过服装的展示和演绎，传达着我国戏曲文化的深厚底蕴和多样性特色，对于弘扬优秀传统文化、培养青年演员的戏曲意识和文化自信心具有重要的意义。
探讨我国戏曲服饰的重要性，不仅可以深化对戏曲文化的理解和认识，更可以促进戏曲艺术的传承和发展，为我国戏曲事业的繁荣和兴旺做出积极贡献。
1.2 戏曲服饰的历史渊源戏曲服饰的历史渊源可以追溯到古代，其发展经历了漫长的历史积淀。
最早的戏曲服饰可以追溯到商周时期的祭祀仪式，随着时间的推移和社会的变迁，戏曲服饰逐渐形成了独特的风格和特色。
在古代，戏曲服饰主要受到宫廷官方的影响，随着戏曲艺术的发展，戏曲服饰逐渐向民间艺人传承并发展。
戏曲服装之衣
戏曲服装之衣戏曲是中国民间艺术的代表之一，在漫长的历史长河中经历了各种风雨和变迁，戏曲服装也是其独特魅力的体现。
戏曲服装之衣可以说是戏曲艺术的灵魂，是演员和观众沟通的重要桥梁，是展现戏曲文化内涵的必要手段。
本文将从戏曲服装之衣的历史、体现戏曲文化特征、剧种服装特点和现代演绎等方面进行论述，以探究戏曲服装之衣的绝妙魅力。
一、历史源流戏曲服装源远流长，可以回溯到古代文艺活动中的祭祀和舞蹈，也融入了民间文化和宫廷乐舞的元素。
在唐朝时期，已经有了很多与戏曲服装相关的演出，“唐人歌吹舞蹈图”中的人物着装与戏曲服装息息相关，明代《曲苑杂记》中对戏曲服装的记载最为详尽。
清朝时期，随着戏曲艺术的繁荣，戏曲服装逐渐形成其固定的风格，自此，“戏曲服装之衣”成为了戏曲艺术的重要组成部分。
在中国发展的漫长历史中，戏曲服装不仅是历代皇帝和文人雅士热爱的艺术形式，也是一道独具魅力的文化风景线。
二、体现戏曲文化特征戏曲服装之衣是中国戏曲艺术的重要组成部分，它不仅具有独特的时代特征，而且具有强大的文化内涵，是戏曲文化特征的体现。
首先，戏曲服装之衣的灵魂是“厚重浓郁、富有中国味”的中华文化风格，源自中国传统文化，充满了华夏文明与民族精神的内涵，也承载了历史的记载和意识形态的象征。
戏曲服装之衣像一幅精美的图画，揉合了历史、文化、艺术、道德、哲学及民族传统，具有浓郁的地域性文化特征，其服装的造型、颜色、配饰等，都富有着民族文化的象征意义。
其次，戏曲服装的神奇魅力体现在多方面，如其寓意深远，形状富于创意，配饰颇为细腻，服装通过色彩、图案、线条和器物等方式，将各种人物的形象、身份、性格、动作和情感表达集于一体，营造出浓郁的戏曲文化氛围。
三、剧种服装的特点不同戏曲剧种，其服装风格各异，但它们都有着独特的特点和风格。
1. 京剧服装京剧，是中国的国粹，具有高超的演技、细腻的表情和深厚的文化底蕴。
长袍宽袖，头巾帽绸，靴子高筒，这些成为了京剧服装的标志。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
传统戏曲服装特征及艺术内涵论文
传统戏曲服装是我国民族艺术宝库中的精华，它历史悠久、博大精深，民族性、传统性以及因继承传统任务而带来的创作上的艰巨性是戏曲服装设计的特征，这要求必须忠实地继承这一传统，以此作为设计基点，在继承传统的基础上进行创新。
【关键词】传统戏曲；服装；艺术
一、传统戏曲服装简述及发展演变
戏曲服装，旧称“行头”，泛指传统戏剧目演出中的服装。
包涵三个部分：戏衣、盔头、戏鞋。
公元12世纪，戏曲形成了完整的艺术形态。
它经由宋元南戏、元明杂剧、明清传奇以致近代的京剧等地方戏，直至今天的现代戏曲，经历了800多年的不断丰富、革新与发展。
二、传统戏曲服装的构成要素
中国戏曲服装具有五大构成要素，即款式、色彩、纹样、刺绣、面料。
（一）款式。
款式也称样式，包括戏衣、盔头和戏鞋三大类。
1.戏衣款式。
整体具有以下特点：款式多为宽袍阔袖，造型宽大平直，不显腰身，多呈庄重、质朴的H型；款式以历代的生活服饰为来源，以明、清为主，经过艺术加工后，已脱离了生活的自然形态；款式与表演艺术高度协调，既受表演动作制约，又有助于表演动作完美发挥。
2.盔头，戏曲服装中的首服，是戏曲人物所戴的各种冠帽的统称。
盔头主体与各种大、小附件，分作合用，有多种组装法。
3.戏鞋是戏曲人物脚上所穿的各种鞋子的总称。
戏鞋是在生活的基础上，通过夸张、美化而成的，其中厚底靴是艺术创造的典型。
（二）色彩。
“上五色”与“下五色”指在传统戏曲服装艺术中，推崇“上五色”与“下五色”两类，“上五色”即红、绿、黄、黑、白；“下五色”即紫、粉、蓝、湖、古铜。
红是大红；绿是老绿；黄是明黄；白和黑是中性色；紫是紫红；粉是粉红，属于红、白相加的颜色；蓝是深蓝；湖是湖蓝；古铜类似橄榄绿。
（三）纹样。
戏曲服装纹样含括了我国民族传统纹样的精华，包括：1.古代美术纹样，如草龙纹——结构简单，风格粗拙，线条劲挺，多作为戏衣的领、袖口及周边的镶缘。
2.历史服饰纹样，如麒麟纹——麒麟是古代图腾崇拜中的神兽，祥瑞象征。
明代用于公、侯、伯、驸马的朝服，表示等级高。
麒麟纹引入戏曲服装，专用于丞相一类人物，是“位高权重”的象征。
3.民间吉祥纹样，双龙戏珠纹、龙凤呈祥纹、如意纹、八吉祥纹、竹叶纹、水族纹等都各有寓意。
（四）
刺绣与面料。
刺绣是戏曲服装中纹样体现的主要工艺手段，同时也使得刺绣成为戏曲服装区别于其他戏剧服装的重要标志。
戏曲服装是以缎料为主面料的服装，它光泽明亮，体现了丝绸品的华丽富贵，还能染出鲜艳的色彩，质地挺括，能负载刺绣纹样而不变形，而且它刚柔相济有利于舞动。
三、传统戏曲服装的艺术内涵
（一）写意美学原则。
中国戏剧以意为主导，以象为基础，在塑造人物时以形传神，神形并重，戏曲艺术形态的节奏型、虚拟性、程式性，就是写意在表演艺术中的鲜明体现。
从属于戏曲表演艺术的服饰，属于“写意”，它不是简单地再现历史生活服饰的真实性，而是借物态化的服装去为人物传神、抒情。
例如富贵衣，穷人本来穿不起绸缎，只能破衣烂衫，衣服破了要补，补丁的颜色尽量与服装贴近，这就是真实生活。
而戏衣中的穷衣则是丝绸面料，用色彩鲜艳的几何形状面料做补丁，并且呈散点式布局，就完全不是生活的自然形态。
（二）表现性艺术手法。
1.夸张与变形：在一切造型艺术中，夸张是必然与变形的。
与戏曲表演配合最密切的服装，体现了彻底的夸张。
例如水袖，是戏衣的辅助物，长方形白色仿绸料制，男用长一尺许，女用长二尺许，特殊的可达三尺。
2.寓意与象征：寓意指具体形式之间的相似比喻，即借用具体可感知的形象暗示另一种具体可感知形象的存在。
例如绣牡丹凤凰的红女蟒，比喻容貌美艳，象征身份高贵；马鞭寓意马的存在；象征是由一种具体形式表现一种抽象形式，即借用一种具体可感知形象，传达一种概括的思想感情、意境或抽象概念。
例如包公黑脸、勾月牙，象征铁面无私，明察秋毫；姜维红脸谱，脑门画太极图，象征品格忠勇且智慧。
3.所包含的美学特征：可舞性，表演艺术要求服装可以让演员充分借助，以帮助演员表情达意。
喜、怒、哀、乐通过演员面部、语言、唱腔和形体动作表演人物，同时喜怒哀乐也表现在服装上，服装犹如一张放大了的脸。
对于戏曲服装可以提炼出延伸、宽松、分离、悬垂、颤动、增扩、放射等一系列特殊的形式美要素，使创造者们可以“舞出情感”。
四、总结
传统力量是无比强大的，起主导作用的是根深蒂固的传统观念。
戏曲服装的“写意”美学原则、意象创造方法以及夸张、变形、寓意、象征等四大艺术手法，可舞性等美学特征，必然会成为嬗变中的恒定因素。