现代服装设计中的波普艺术

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现代服装设计中的波普艺术

作者：孙琳

来源：《中国新技术新产品》2010年第13期

摘要:通过分析POP艺术产生的背景以及POP艺术对服装的影响,探讨了20世纪60年代的POP时装及当代POP时装的艺术思想。它不仅代表着一种青年文化,更体现了一种生活方式。

关键词:波普艺术;服装;文化

前言

波普 (POP)一词乃英文单词“Popular”(大众化)的缩写,在2O世纪6O年代它并非仅仅指大众享有的文化、艺术、设计、思想等,而更意味着反传统的意识波普,原本的意思主要是象声,开瓶盖,或开枪,突如其来的爆破声响。现在,我们经常所说的波普,主要是指20实际中叶依赖消费社会的文化现象和在这种背景下诞生的艺术创作所具有的特点。60年代成为风行于美国和英国

的主要艺术流派之一。

1 波普艺术的诞生背景

波普艺术最早诞生于20世纪50年代初期的英国。但早在40年代,一些年轻的艺术家对摄影等手段用于绘画表示出浓厚的兴趣,从1952年开始,以伦敦当代艺术学院为中心的“独立团体”开始讨论当代技术和通俗表现媒介的有关问题。这个团体包括画家理查德·汉密尔顿、雕塑家爱德华多·保罗齐、批评家劳伦斯·阿洛韦、艺术史家和批评家彼得·雷纳尔·班哈姆等人。这个团体迷恋新型的城市大众文化,共同致力于对大众文化的关注。

2波普艺术在服装中的运用

2.1波普艺术在服装设计中的运用

20世纪中期至21世纪,波普艺术作为流行艺术之一,必然与服装有着关联。

服装的美感乃是时代的产物,而艺术创作同样也受到时代的感召,不同历史时期的服装与艺术作品基本都会呈现出各自的时代特征和审美情趣。每个时期的艺术潮流、艺术风格都会影响到设计领域,很多艺术家也积极参与设计领域从事设计。波普艺术家采用拼贴或者批量复制等

手法,来增加产品的多样性和趣味性,这种方法用于现代服装设计特别是大批量规格化的成衣中尤为适用。波普艺术风格的服装本身就是波普艺术的重要组成部分。很多的服装设计师都有波普艺术风格的服装作品。

波普艺术对海报设计的影响论述

波普艺术对海报设计的影响论述摘要：建立在战后资本主义经济不断复苏基础上的波普艺术作为一种新语言的出现对相似语境下的现代海报设计发展起了推动性的作用。本文以此为背景研究了作为经济发展产物的波普艺术具有的特征和内涵，这些特征和内涵会在形式语言和内容上对现代海报设计产生的影响。从而为现代海报设计的维度转变提供了方向，也为多样性理念的海报提供了可能性，同时促进艺术的各个领域相互影响共同进步。关键词：波普艺术；通俗文化；形式语言一、波普艺术波普艺术的兴起是建立在欧洲和美国等一些老牌的工业国家在经历了第二世界大战后工业生产全面复苏和社会经济生活的不断提高的基础之上的。此外，经济生活和人们的文化水平呈正比增长，在解放了生产力后，人们对文化以及艺术品的需求量也在逐步增长。波普艺术也就自然而然的诞生在这个大众文艺发展时期了。波普艺术诞生于英国，成长于美国，并在美国成为了一种具有世界影响的新艺术风格。从汉密尔顿《究竟是什么使得今日的家庭如此不同》到安迪?沃霍尔对罐头瓶、纸箱、美元和玛丽莲梦露等形象的重复模仿作品的发展离不开美国政府的支持。波普艺术对现实生活的态度是通俗的，大众化的，在形式是新颖的，就绘画技巧而言波普艺术采用了更为丰富的材料和技术，包括印刷品、纤维和塑料，同时也因应用达达主义时期开始出现的拼贴翻拍和复印等技术方式。

二、海报设计的发展状况 1.海报发展的困境海报主要由图形、色彩、文字、空间等元素按照一定的视觉形式构成，具有可复制性和快速传播性的特点，但随着科技的发展，海报这种二维平面设计形态相比于三维的电视空间和多维的网络空间，吸引力正在不断被分割。20世纪60年代的美国已经进入到了一个由公共传媒网络构成的“图像时代”，正如安迪沃霍尔指出的“任何人都可以拍出照片，任何人也都可以拍出好的照片”那样图片和影像在不断复制传播下，开始潜移默化的改变我们的生活方式。在高科技、高效便捷、视觉逼真的图片和视频的影响下由文字、图形等元素组成的海报需要进一步的创新才能继续前进。 2.波普艺术与海报设计既然海报存在着困境，我们就应当着手去解决。海报设计面临的首要问题应该是如何具有强烈的冲击力去引起人们的共鸣。冲击力的强弱取决于海报的形式是否新颖，表达的内容是否震撼人心，排列的版式是否成功的衬托出主体，更重要的是否表达出所要表达的观念。汉密尔顿在给史密森斯的信中给波普艺术下过定义，简而言之就是波普艺术更商业化和通俗化。它的发展不仅仅是存于艺术界的问题，而是成为了社会发展息息相关的社会生活变化的直接反应。这种反应对海报设计的表达来说也不例外，海报设计不仅仅是通过平面视觉符号传递简单的信息，而是通过更高的科学技术带给我们更深层次的思考。三、在题材上对海报设计的影响

褶皱在服装设计中的应用

褶皱在服装设计中的应用南阳师范学院美术与艺术设计学院　孟少妮 [摘　要]褶皱的设计与应用在服装造型艺术中占有重要的位置,在现代服装设计中被广泛应用。通过对面料的加工和服装工艺的加工,使服装产生了褶皱的艺术效果,增加服装的层次感和空间感。同时也起到了重新塑造人体的作用,是对设计、面料、工艺、质感的综合掌握以及对设计技巧的一种感悟。 [关键词]服装设计　褶皱　造型　艺术效用在服装中采用褶皱的设计处理是近年来的流行趋势之一。褶皱作为服装造型的一种手段,从平面到立体,褶皱的不同表现贯穿于从面料的设计到服装的造型变化的整个过程,在服装造型中具有特殊性、多样性以及不可替代性。在实际创作过程中,应结合功能主义与唯美主义,更好地运用褶皱来表达服装造型。 1.褶皱的含义与种类服饰上的褶皱是服装造型中常用的面料塑形手法,是改变面料原有形态属性和面貌特征的重要手段之一,一般将面料进行有序或随意自然的揉捏、叠加或堆砌,既表达了服装和人体的美感,起到装饰作用,又体现了服装对人体的功能性。它有许多种类和表现方式。褶,是服装成衣工艺中的常见手段,是衣裙按照一定规律折叠所产生的纹痕。皱,是因服装面料表现紧缩和揉捏而形成的自然或随意纹路。皱褶,设计时,以各种方法在衣服的不同部位使用皱裙,例如:育克、袖子、裙、嵌条或饰条。皱褶常用于袖山、袖口、肩部、领口、胸部、门襟、腰节、侧缝、下摆、脚口等位置,打褶以后,原来的宽度通常减少一半或1/3,根据设计中所用的织物,其效果有所不同。针织平针织物、丝绸或很细的羊毛织物有很柔软的悬、垂折褶,而锦锻、棉织物和塔夫绸则产生很深的皱裥织物的经间纹理,有很好的皱裥的效果。褶裥,有三种基本褶,即刀褶、箱褶和阴褶,都由宽余的织物折叠而成。又可分定形褶裥和非定形褶裥。褶裥可产生动感,以各种方式用于裙、上衣、袖子、也可用于口袋、育克或女服嵌料上,以形成一定的风格,褶的两端固定或一端固定,也可整个长度都缝住。不经压平的褶,一端固定,但没被缝住或压住,其效果随所用织物的质地,从轻薄织物到厚重的毛呢织物有所不同。刀褶,这是一种在织物上简单折叠,向一边压褶,褶以下不同的方式安排,在裙上可以连续压褶或组、或单独打褶等。其中的手风琴褶是用高温高压烫压而形成的,具有较细间歇的似手风琴般的褶饰。箱褶,用于裙子、上衣和表示口袋细部特征的褶裥,是左右对称的褶缝。阴褶,两片刀褶对褶,常在中间缝在一起,位于腰部附近。褶裥的作用一方面起装饰作用,另一方面增加服装活动量,尤其是开衩部位及裙子摆处。加了褶裥的部位在穿着走动时会产生律动,具有动态的优雅美感。襞褶,常常用于女裙、袖子、领子和上衣,织物经过褶裥处理,其深度根据所用织物重量和所要求的效果而定。最细的襞褶宽度为3mm。皱裥缝,这种缝迹装饰性很强,在接缝处打褶裥可形成丰满的效果。根据织物和皱裥数的不同,其效果也有所不同。常常用于袖子、领口、育克和腰带。超皱缝,这种缝线用于裙子、袖子、上衣、肩部,可产生很强的装饰效果,抽动缝可获得纹皱的效果。褶皱的形状、大小、紧密度可根据设计需要随意调节。抽褶,抽褶几行松紧线,可以在整个宽度上控制丰满度,以产生装饰效果。身体活动时,抽褶产生弹力紧身或扩展。抽褶可用于整体衣服的上部或者只在袖口、肩部或臀部的一小部分,适用于轻薄织物。 2.各个历史时期褶皱的设计应用 2.1西方历史时期的服装褶皱褶皱作为造型元素在服装中有意、无意地普遍存在,但在古希腊、古罗马时期和16、17世纪,褶皱的表现却十分突出,表现形式也因政治、经济和文化背景不同而大相径庭。古希腊、古罗马时期的服装同雕塑一样,充满了对自然人体美的推崇。古希腊、古罗马时期最具代表性的服装款式是“基同”,面料主要是软羊皮和棉麻布料等,款式没有经过裁剪和缝纫,而是将长度大于着装者高度,宽为伸长手臂,指尖到指尖距离2倍以上的大幅块状布料,直接披挂或缠绕于人体,由别针固定或腰带随意系扎而成。面料自然形成的缕缕垂褶,随人体的活动,显示出生动的明暗和层次变化,富有韵律和节奏感。它的款式造型属于自然形,没有刻意的细节设计和装饰,面料的悬垂性设计就是它的主要特征,流动的褶皱就是服装美的体现。在17世纪,华丽、夸张、矫揉造作的巴洛克艺术成为欧洲艺术风格的主流、服饰风格唯美、慵懒、奢华、褶皱的设计也充满了刻意的装饰性。这时期,宫廷服饰主导潮流,多采用华丽的丝绒、塔夫绸、雪纺等面料,男子穿着肥大丰满的灯笼裤,女子时兴蓬松的裙子。服装的领子、袖口和裤角均用大量的花边和抽褶作为装饰。庞大的裙子由多层组成,采用在腰间打褶的方法形成膨大的造型,并以大量松垂的褶皱堆积来增添体积感和层次感。由于巴洛克风承袭矫饰主义,因此,这一时期服装的褶皱通常和花边、绣花同时组合运用,采用抽褶、堆褶、叠加褶等多种褶皱工艺、装饰性很强,装饰的部位多,达到繁华的颠峰,以至烦珠累赘。 2.2中国传统服装褶皱在中国历代服装中,褶皱的设计运用也很多,但褶皱都不是强调装饰性,而是借褶皱更突出地表现人体的动态美,传达出一份气势和神韵。就像在敦煌壁画中看到的飞天,衣褶飘曳,让人更多地体会到舞动的美。历代妇女穿着的褶皱裙中,最有名的是汉朝的“留仙裙”。“留仙裙”就是百褶裙,款式设计简单,长及脚跟的半身长裙,在腰部规律地打褶,同时加大了裙摆的幅宽。“留仙裙”的美主要体现在动态上,缕缕的褶皱,和着女性轻盈的脚步,极具律动美感。“留仙裙”引领了一朝的裙装风骚,留下许多的佳话,宋词《绿意/疏影?咏荷叶》写道“恐怨歌忽断花风,碎切翠云千叠。回首当年汉舞,怕飞去漫皱,留仙裙折。”也借留仙裙之美,描述荷叶的亭亭玉立和清姿妙绝。赵飞燕的传奇色彩,促使了留仙裙的流行与盛名,但留仙裙本身褶皱的律动美感,是在服装史上流光溢彩的真正所在。在封建社会经济,文化高度繁荣的唐代,崇尚宽衣博袖,裙子以宽肥为美,色彩浓艳,尤喜红色,称为石榴裙。裙子一般是用六幅布制成的,华贵的则用到七幅八幅。裙子多有褶,所谓“破”,几破就在于几褶,最华丽的裙子达到二十破,褶多了就比较浪费,唐高宗曾下诏禁止:“天后我之匹敌,常著七破间裙,岂不知更有靡丽服饰,务尊节俭也”。可见当时褶皱之盛。唐代服饰的褶皱设计,代表了一种华丽、大气磅礴的服装(下转第278页)

服装设计艺术浅谈

服装设计艺术浅谈发表时间：2009-06-26T14:10:38.420Z 来源：《戏剧之家》2009年3月第3期供稿作者：王雅华[导读] 舞台服装设计是戏剧舞台塑造典型环境中典型人物外部造型的重要手段之一，与化妆一起，统称为人物造型。舞台服装设计是戏剧舞台塑造典型环境中典型人物外部造型的重要手段之一，与化妆一起，统称为人物造型。在戏剧的演出中，服装设计揭示典型环境中典型人物的时代特征、生活地区特征、以及人物性格特征等，是人物造型设计的时代精神及性格特点在服饰装束上的反映，与布景设计创造的环境一起，共同揭示戏剧的主题思想。由于服饰直接揭示人物的思想面貌及性格特点，所以它对表现人物及帮助人物的行动更富有特殊的重要意义。除剧本赋予角色以行动、通过人物的行动有所揭示外，人物外部造型的服饰也起着对人物性格的揭示作用。人物性格必然在生活中有所反映，从而成为戏剧创造典型环境的依据之一。因此，舞美设计者在构思舞台布景设计的同时，还必须把人物造型的服装样式、色彩及线条考虑进去，使演出成为统一、完整的整体。布景的样式，是舞台美术各个部门创作的基础。服装设计的创作，也必须在布景样式的范围内进行思索，从而使服装样式与布景样式达到协调统一、严谨完整。正像不了解题材就无法寻找到恰当的体裁、不熟悉内容就无法寻求到恰当的形式一样，如果不了解服装造型设计的特点，也就无法确立与布景样式相一致的人物造型的表现手法。而这个环节的重要性，也正是一部戏剧演出成功与否的关键所在。服装设计的依据是剧本中的人物，一个成功的服装设计者，在创作时，必须熟悉剧本中的人物，把握人物的个性、情感、性格以及人物所处的时代和地域等特点，充分把握人物思想性格的变化，使服装设计富有强烈的表现力和造型美，使人物性格、个性鲜明，富于艺术感染力。舞台服装与舞台布景的作用都在于烘托人物，突出人物。服装设计的色彩，要根据布景和灯光的色彩而定。生活中各种颜色都不是孤立存在的，而是各种颜色相互衬托产生的冷暖变化。人物在背景中突出的方法之一，就是色彩上的突出。色彩上突出的方法，是利用对比效果。如：红花绿叶、白云蓝天、白纸黑字等，都是对比效果。而在舞台上，服装设计的原则，更应该突出这一点。只有这样，才能在布景色彩与灯光色彩的对比中突出景物，在舞台布景色彩与人物服装色彩的对比中突出人物。话剧《女大十八变》，是一部具有浓郁乡土气息和地方特色的现代农村生活轻喜剧。舞台美术以写实为主、略带写意的设计手法，根据舞台美术的设计总原则，服装设计采用了写实的样式。艺术源于生活，高于生活。在这个戏的服装设计工作中，设计者到农村体验生活，给服装设计工作奠定了坚实的创作基础。凭着一种艺术的感觉，设计者把现实生活中北方农民对于色彩的理解，作为一种艺术的原创力，融进服装设计之中。在体验生活的日子里，设计者发觉，在农村广袤的大地上，金黄色的麦田、绿油油的庄稼、大红大紫的山花、蔚蓝的天、洁白的云——色彩是那么的纯，那么的对比强烈，这就是农民最真、最原始的艺术美。依据剧中人物关系和类型，设计者把服装色彩搭配分成组。女主人公喜鹊的个性像一团火，燃烧自己，给别人带来了温暖和光明，她又像一只报春的喜鹊，带给人们美好的祝福。她热情、深沉、忍让、不善言辞而善于思索，敢于行动，在她整个的行为过程中充满着青春的活力和朝气，这个人物的色彩定位在以红色为基调的暖色系上。喜鹊的恋人得福毕业后参军，以蓝绿色调为主，戏结尾处以军人形象出现，表现出两个人物性格个性的清新、鲜活。剧中人物大埋汰和张淑兰，是佟、毛两家分别给喜鹊和得福找的对象。张淑兰个性追求华而不实的生活态度，服装设计色彩艳丽，自身服装色彩对比强烈、夸张、刺激，与大埋汰的生硬、不修边幅略显龌龊的形象形成鲜明对比，衬托出人物的不同个性特征。为使服装色彩既对比强烈又协调，就要使服装色彩具有一定的中间色调。根据人物的性格和年龄特征，对于佟支书和洋砬子与毛驴子、破锣，采用了中性色的设计基调，如深、中、浅灰色、蓝紫色、赭石色等。利用细碎的小花图案和灰色相间的条纹形图案等，表现色相的不确定件。这样处理，便于接受灯光的色彩，同时，又与中和状态下的布景颜色相糅和，突出了人物形象。服装设计作为视觉的艺术语言，除了色彩的形象性，还包括线条、形状和结构。任何服装设计，都是艺术创作的外部造型，它首先是一件艺术作品，它所呈现和表现的，不仅仅在于表象，更在于一个艺术创作者所赋予它的艺术性语言。把形象性的艺术语言，转化成可以直接感知的事物，是艺术创作的根本任务，更是服装设计者所不断追求的理念。责任编辑王庆斌

波谱艺术

波普艺术百科名片波普艺术是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。主要目录[隐藏] 发展历史波普艺术的特点代表作家中国波普艺术代表作品：《波普艺术》发展历史波普艺术的特点代表作家中国波普艺术代表作品：《波普艺术》 [编辑本段] 发展历史 20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。波普为Popular的缩写,意即流行艺术、通俗艺术。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波

普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和R.劳申伯格，影响最大的艺术家是A.沃霍尔、J.戴恩、R.利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。集合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。 [编辑本段] 波普艺术的特点英国画家理查德·汉戴尔顿曾把波普艺术的特点归纳为：普及的（为大众设计的）、短暂的（短期方案）、易忘的、低廉的、大量生产的、年轻的（对象是青年），浮滑的、性感的、骗人的玩意儿，有魅力和大企业式的。波普艺术又称普普艺术，是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。波普艺术试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。波普艺术这个字目前已知的是1956年英国的艺术评论家罗伦斯·艾伟Laurence Alloway所提出的。波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的延伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。1960年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。波普艺术其创作特征是直接借用产生于商业社会的文化符号，进而从中升华出艺术的主题。它的出现不但破坏了艺术一向遵循的高雅与低俗之分，还使艺术创作的走向发生了质的变化。 [编辑本段] 代表作家安迪·沃霍尔（Andy Warhol）

服装设计艺术及影响设计要点

服装设计艺术及影响设计一、服装设计中语言文化艺术发展的现状由于世界各地社会文化的发展层次和层度不一，对物质生活和文化生活的品味不一，对服装设计语言文化艺术的主观理解和客观教育认知不一，出现了服装设计中语言文化艺术的发展程度也有不少的差距。在这里，我们或许可以用西方现代艺术的发展历程作为服装设计中语言文化艺术发展程度的判断和评价标准，以此来度量一下当前服装设计中语言文化艺术的发展差异。我们都知道西方现代艺术发展所经历的六个时期：第一是对表现手段现实化的探索时期；第二是表现手段即艺术符号的确认时期；第三是艺术符号的形式与表达的内涵完全同一化时期；第四是艺术符号被提炼到夸张和变形但未失去原有的象征意义的时期；第五是艺术符号经历过夸张和变形进入极端且富有新意的时期；第六是艺术符号的非定型时期，即艺术符号变得让人无法理解，出现一种阶段性的新潮现象.如果以这种西方现代艺术标准来衡量目前的服装设计中语言文化艺术发展的程度，可以说目前的服装设计中语言文化艺术所表现出的设计品味水平参差不齐。某些地方的设计品味以及其服装设计中语言文化艺术所表现出的象征意义正进入第四、五时期；更有甚者，有极少数地方的服装设计品味即将进入第六时期。这些高品位的语言文化艺术设计的服装所呈现出的那种姿态超乎一般人的想象，但是它又没有完全脱离具体的语言文化艺术符号设计，即该设计处于一种形神兼备时期，既处于一种可视阶段又处于一种可感阶段，有其独特的“只可意会不可言传”之妙。当然，不可否认的是也有不少的服装设计产品处于第三时期，甚至是一、二时期，像这种一直处于该阶段且停滞不前的产品毫无新意可言，是一种设计观念无个性、无情感的重复，更是一种对服装设计的理念及服装设计中的语言文化艺术缺乏细致研究、深入发现、独特理解，只是简单的对贫乏的语言文化艺术设计的服装的再创造，没有新意的语言文化艺术设计. 二、语言文化艺术给提高服装设计品味带来的启发实际上，不管是哪个国家服装的设计文化，很早之前就开始运用诸多的语言文化艺术符号来体现服装设计的独特品味，以一种比较现实、理性的展示方式来体现对服装设计中语言文化艺术符号的理解，以此来摆脱专门实用主义服装的普通和平凡。比如说我国各朝各代的朝服样式及其花纹图案的设计品味及设计要求。如用飞鸟作为文官朝服的图案，象征其文花；用走兽作为武将朝服的图案，象征其英勇。用飞鸟走兽来设计服装，不仅仅为其美观，更是为了体现封建帝制的政治文化，可以说从代表义走入引申义，从一般的服装设计图案提升到了国家政治文化的高度，可以说代表了政治符号的语言功能。因此可以这样理解：如果现在的服装设计仍不能快速的与语言文化艺术相结合，那么在未来的服装文化中无法找到其栖身之所，或者可以说将处于服装设计文化的最底层。我们可以预见：随着社会文化的发展以及时代的变迁，服装的设计将更依

美术鉴赏——著名画作赏析资料

美术鉴赏考试资料一、名词解释 1、哥特式建筑：“哥特式”意思是“野蛮的、乏味的”。起源于十一世纪的法国，在中世纪时被称为“法国式”，其流行于十三、十四世纪的欧洲，文艺复兴以后被称为哥特式。哥特式建筑以尖拱取代罗马式圆拱，改变了罗马建筑的承重墙模式，以垂直向上的动势为特点，更加衬托了空间的高耸峻峭。宽大的窗子上饰以彩色玻璃宗教画，广泛运用簇柱、浮雕等层次丰富的装饰，高耸、轻盈、神秘，是一种宗教建筑审美风格。肋拱的穹隆工程，成肋骨状的穹隆可以建在更复杂的平面上。独立飞券是哥特式建筑的一个关键要素，这种飞券在建筑物的两侧凌空越过侧廊上方，抵住中殿十字拱的四角起点，承受其侧推力。自公元12世纪到公元15世纪，城市已成为各个封建王国的政治、宗教、经济和文化中心，哥特式教堂是建在由城市保护的城市中，它已经不再具有罗马式建筑那样的城堡功能，而有了更宽阔、更高、更明亮的内部空间。标明在最黑暗的中世纪获得一点有限的自由，人们会发现一丝现实世界的阳光透进了黑暗的中世纪。其风格是教会的弃绝尘寰的宗教思想的体现，也是城市显示其强大向上蓬勃生机的精神反映。 2、印象派:印象派，也叫印象主义，19世纪60—90年代在法国兴起的画派。印象派画家发现了光与色的美妙，光与色成为画面唯一主题，轮廓线消失了，严谨的造型不见了，代之而起的是朦胧的光与色，微

妙的色彩变化。其舍弃了在平面上以透视、阴影造成虚构的立体感，只以明确的轮廓线条和强烈的色彩来表现立体感。印象主义的以粗放的笔法做画，作品缺乏修饰，是一种对笔法较草率的画法。印象主义采取在户外阳光下直接描绘景物，追求以思维来揣摩光与色的变化，并将瞬间的光感依据自己脑海中的处理附之于画布之上，这种对光线和色彩的揣摩也是达到了色彩和光感美的极致。印象主义画家反对当时占正统地位的古典学院派，反对日益落入俗套、矫揉造作的浪漫主义绘画。作为一种美术思潮，印象主义绘画在世界美术史上具有重要地位，它推动了以后美术技法的革新与观念的转变，对欧美、日本乃至中国的画家产生过或大或小的影响。 3、现实主义：有时又称“写实主义”。是从文艺复兴到十九世纪这一特定历史时期形成的一种文艺思潮和创作方法。继法国浪漫主义之后，出现了以赞美大自然，描写现实普通人们生活的现实主义美术运动。现实主义是指表现生活真实的艺术，用忠实于对象的手法描写自己眼界所及的事物，是透过现象反映事物的本质。现实主义在题材上抛弃了新古典主义的神话传说与古代英雄人物、浪漫主义的中世纪传奇、异国情调和不切实际的幻想，把眼光指向现实生活，拓展了艺术创作的题材范围。在艺术表现上，它重视自然美和真实美，以追求写实手法为特点，如实地描绘大自然和反映现实生活，倡导对社会生活的评价，对普通人生活的关切，对大自然的亲切描绘。写实是现实主义油画的艺术手法，但现实主义油画比写实有更深刻的内涵。现实主义油画从写实主义的“历史深处”走来，但现实主义油画不能等同于

谈波普艺术对流行服饰设计的影响(doc 9页)

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三、拼贴与风格泛化||| 拼贴是波普艺术作品的重要手段，汉密尔顿用图片拼贴手法完成的《今天的生活为什么如此不同，如此富有魅力？被认为是第一件真正意义上的波普艺术作品。而波普艺术明星沃霍尔则将这新的艺术手段与观念嫁接到服装设计中，他将纸、塑胶和人造皮等不同质材的面料进行拼凑，使用艳丽大胆的色彩，并在衣服上用丝网印制受波普艺术影响的俗艳的花纹。他的试验对整个20世纪60年代的服装设计产生巨大的冲击，并深刻影响了此后的服装设计。波普影响下的服装设计大量使用拼贴手法，在各个现成元素的拼贴中，服装设计回避了个性与风格，在艺术创造上获得了更大可能性。朋克一族曾提倡自己动手做服装，到20世纪90年代后期，DIY(意为自己动手做服装)主义流行，提倡自己进行服饰搭配，谁都可以用拼贴与中和的方法完成服装设计。在服装设计师的作品中，拼贴和综合的手段更是随处可见。亚历山大·麦奎因正是这样一位善于在拼凑嫁接的游戏中创造出新奇的设计师。他超常的想象力以及对各种视觉元素的任意拼凑及协调的超常能力成就了他的名声。麦奎因在1999年春夏发布的一款时装，腰部以上是蕾丝的内衣基本造型，而腰部却用粗犷的皮革，并在皮革上用皮线缝制，腰部以下似乎是只有一半的裤子，裤子的造型很像某一裙角。这三个互不相干的部分以及不同材质和不同服装类型的拼贴，放在一起，有强烈的随意拼凑意味。在1997年的春夏时装发布会上，麦奎因推出了带有印地安图腾意味的系列设计，强调面部的造型，由皮带和竹签构成的几何结构笼罩在头部，展现出令人惊异的超现实的梦幻色彩，而用绸缎以及皮革制作的贴身衣裤则巧妙地分割出流畅的人体曲线。皮带和竹签的饰物带有野蛮和原始的风格，而上衣的绸缎材质却透露着传统的高贵与典雅，两者巧妙地结合起来，仿佛在梦幻色彩中添加进现实的元素。在1998年春夏的发布会上，麦奎因发布了一组镂刻风格的服装，不拘一格的设计使人更加叹服麦奎因丰富的想象力。人造皮革被雕刻成透空的片断，显得野性与粗放，但整件服装的裁剪却是秉承了精致合体的传统，很好地体现了的形体美，这样矛盾的服装元素被统一并协调起来，是在传统和前卫之间取得了平衡的经典之作。可以看到，在服装设计上，波普艺术的拼贴方式不仅是不同材质的拼贴，更是各种风格、各种流派、各个地区和民族的样式的拼贴。在拼贴与组合中，新的奇妙意味被制造出来。四、黑色幽默与反讽||| 游戏、无目的、无意义是波普艺术影响下的创作观。为了与传统价值拉开距离，黑色幽默和嘲讽是艺术家们常用的手段。黑色幽默本身不需要严谨的结构和缜密的逻辑，只需要一点点趣味、一点点游戏，偶发与即兴等手法被大量运用。而波普把日常生活等同于艺术的口号，更是带来了服装设计师的随意性，生活中的一切事物都可以被用在服装设计上。马其诺在1989/1990秋冬的米兰时装发布会上，展示了一件缀满勺子和叉子的时装，而服装的样式又是正统套装，加上这些刀叉显得十分怪诞和斗趣。让·保罗·戈尔捷在2000年春夏发布的米色套装正是对传统西装的戏谑与嘲讽。服装保留了传统西装精致的裁剪和的线型，袖子却仿佛是忘记装上，像一双手套戴在手上。而他的另一款女装采用了男士燕尾服的式样，裁掉袖子，里面搭配了一件随意的白裙，是一件非常有趣的作品。幽默与毫不在乎的戏谑意味在戈尔捷的作品中随处可见。他的穿着女式夹克和半透明蕾丝衬衫的男性以及拿着烟杆的女性更是对传统服饰的极端挑战。戈尔捷在1989/1990年秋冬在巴黎发布了以拉链装饰为主题的服装系列。这些服装的各个部分之间是断裂的，这些不相关的部分由拉链组成，拉链成了服装的主角，在这些服装上可以看到嘻皮服装风格的影子。而哈姆内特在1997年春夏发布的一款套装也是游戏传统的经典之作，上身是合体的剪裁样式，下身却搭配了一条内裤，嘻哈与风趣的风格离经叛道。在波普艺术将生活等同于艺术的口号的影响下，服装设计的灵感源泉添加进随意的戏谑。波普影响下的服装设计抛弃了传统的美的标准，抛弃了现代主义的理性至上，将高雅设计与消费、大众、庸俗联系，有着反文化、反传统的特征。同时，它渴望在对各种文化碎片的断简残篇的连接中创造出杰作与奇迹，在破除旧的规范的过程中寻找新的艺术创造的支点，并试图通过感性的设计满足大众消费对感官刺激的需要以及对新奇有趣、轻松好玩事物的需要，可谓是后现代文化精神的另一种表征。

服装毕业设计论文--褶皱在服装设计中的应用-精品

毕业设计报告 ——褶皱在服装设计中的应用内容摘要：随着人们审美能力的提高，服装的造型设计尤为重要，而褶皱设计是服装造型设计的重要手段。本论文所涉及的毕业设计则是利用褶皱设计来表现服装的空间感和美感，使用不同的褶皱设计改变服装的整体和装饰效果，使其更加符合人体学，具有舒适性，更能表现服装的层次感和装饰性，使服装更富有视觉冲击力。关键词：褶皱装饰性造型空间感层次感一绪论 1 课题简介褶一般指折皱重复的部分或者服装面料折叠形成的纹理。在专业术语中，褶皱指服装面料折叠而形成的波纹。褶皱作为服装设计中一项重要的装饰形式，广泛的应用于服装中的各个部位。褶皱因为其形成的方式多种多样，所以它的种类很多，风格也各不相同。在古代和现代的服装中，服装褶皱的设计风格使服装的造型更加的丰富，使服装更能表现人体优美的体型且人体运动得到了更大的调节度，为服装设计的创新内容增添了丰富多彩的手段。从古代服装到现代服装，风格各异的设计，褶与皱都能于其相互协调互应，且在服装设计中起着举足轻重的作用。 2 选题背景随着人们生活方式的提高，人们更加注重服装的高品质、舒适化和多元化。人们的审美能力、创新能力都有着很快的发展提高，对于服饰的审美性和舒适性以及运动性的要求也越来越高。对于服装的造型美而言，服装的面料设计显得尤为重要，面料设计是服装设计的先决条件，甚至超越款式设计，设计师对于面料的选择与变化制作的好坏直接决定着设计的成败。设计师对于面料的改变不只是面料之间的搭配组合，更重要的是面料的二次加工，而褶皱设计则是面料制作的重要手段。它能使服装更加具有空间感和美感，使服装的适体性得到更大的提高，有着其它服装装饰形式不可替代的作用。在许多时装设计中，人们经常采用不同的褶裥改变服装的整体或者装饰效果，使其更加符合人体学，更能表现服装的动感和装饰性，更加富有视觉冲击力。使

现代服装设计中的波普艺术

龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/5d16779863.html, 现代服装设计中的波普艺术作者：孙琳来源：《中国新技术新产品》2010年第13期摘要:通过分析POP艺术产生的背景以及POP艺术对服装的影响,探讨了20世纪60年代的POP时装及当代POP时装的艺术思想。它不仅代表着一种青年文化,更体现了一种生活方式。关键词:波普艺术;服装;文化前言波普 (POP)一词乃英文单词“Popular”(大众化)的缩写,在2O世纪6O年代它并非仅仅指大众享有的文化、艺术、设计、思想等,而更意味着反传统的意识波普,原本的意思主要是象声,开瓶盖,或开枪,突如其来的爆破声响。现在,我们经常所说的波普,主要是指20实际中叶依赖消费社会的文化现象和在这种背景下诞生的艺术创作所具有的特点。60年代成为风行于美国和英国的主要艺术流派之一。 1 波普艺术的诞生背景波普艺术最早诞生于20世纪50年代初期的英国。但早在40年代,一些年轻的艺术家对摄影等手段用于绘画表示出浓厚的兴趣,从1952年开始,以伦敦当代艺术学院为中心的“独立团体”开始讨论当代技术和通俗表现媒介的有关问题。这个团体包括画家理查德·汉密尔顿、雕塑家爱德华多·保罗齐、批评家劳伦斯·阿洛韦、艺术史家和批评家彼得·雷纳尔·班哈姆等人。这个团体迷恋新型的城市大众文化,共同致力于对大众文化的关注。 2波普艺术在服装中的运用 2.1波普艺术在服装设计中的运用 20世纪中期至21世纪,波普艺术作为流行艺术之一,必然与服装有着关联。服装的美感乃是时代的产物,而艺术创作同样也受到时代的感召,不同历史时期的服装与艺术作品基本都会呈现出各自的时代特征和审美情趣。每个时期的艺术潮流、艺术风格都会影响到设计领域,很多艺术家也积极参与设计领域从事设计。波普艺术家采用拼贴或者批量复制等手法,来增加产品的多样性和趣味性,这种方法用于现代服装设计特别是大批量规格化的成衣中尤为适用。波普艺术风格的服装本身就是波普艺术的重要组成部分。很多的服装设计师都有波普艺术风格的服装作品。

服装设计艺术与技术的灵动

135 2012 · 02 设计学 ART EDUCATION ■ 梁军王超论服装设计艺术与技术的灵动服装是一种社会文化，服装设计是人类社会物质文明和精神文明发展的产物，服装设计产品本身是由艺术设计与技术设计两个方面构成的。文章通过对服装设计艺术与技术灵动特征、服装设计艺术与技术灵动关系、服装设计艺术与技术灵动表现等方面的论述及实例分析，深刻揭示了服装设计艺术与技术灵动性的内在规律。服装设计艺术技术灵动内容摘要：关键词：服装设计是在一定社会形态中存在的一种文化，是人们先由想象而变形的一种意识，进而将这种意识用图形表现出来，最终将其转化为实物。这一过程既参与了人们感性意识的创作，又参与了将这种意识创作实现的理性技术。也就是说，一件服装产品的形成需要艺术设计和技术设计的结合才能实现。艺术设计是随着社会的发展和进步而产生的，是人类为了完成某种特定目的而进行的创造性活动，是以工程技术和艺术美相结合为基础的设计体系。在解决物与物关系的同时，更加侧重于解决物与人的关系，考虑对人的心理和生理上所产生的作用，以此来提高产品的市场竞争力。在服装设计中，艺术设计主要体现在服装的造型、款式、色彩、面料、肌理等形式美感表现上。技术设计解决产品内部功能、结构原理以及组合条件等物与物之间的关系，更多地考虑产品自身合理性和对人生理功能需要上的作用。在服装设计中，技术设计体现在服装的结构、工艺等内在本质要素运用方面。一、服装艺术设计与技术设计的灵动性特征服装设计中无论是艺术性还是技术性，都是为了实现服装产品所采取的设计手段，都具有商品属性，而商品是用来调节社会关系的中介，具有一定的社会性，所以，服装的艺术设计和技术设计也都具有一定的社会性，并各自具有一些特征。艺术设计是一种显性的表达，注重美感形式和情感性，是以形象思维为主，其最显著的特征就是审美的文化性，即赋予产品以文化意义。不同时代、不同民族的人们具有不同的生活背景和物质生活条件，这使得每个国家和民族对服装艺术设计美的理解和标准不同，也就使服装的审美具有了多种文化意义。例如，中国唐装、旗袍和盘扣元素的运用使服装具有鲜明的民族文化意义；西方20世纪六七十年代受后现代主义文化思潮影响，强调以人为本，推崇人性经验的主导作用，以历史的互渗性及个性化、自由化的思想方法和多元性、模糊化的设计语言，产生了波普、欧普、嬉皮、朋克等反传统的服饰文化现象。人们可以在传统与现代、民族与时尚之间的服饰文化中游走，这使得服装具有明显的时代文化意义。技术设计是一种隐性的表达，注重数理性和逻辑性，是以抽象的思维为主，其最显著的特征是物质性，即服装从图形化的构思到人们可以穿用的物质化过程，从选取面料、确定款式到打板、裁剪、缝制和熨烫都有技术设计的参与。对面料的新颖性和环保性、生产能力和工艺水准、结构及尺码的要求等方面，都是技术设计物质性的体现。并且，这一物质性特征还包含了效用性和舒适性。服装是人们的第二层皮肤，强调的是服装的可穿性，其功能是起到保护人体、满足人体的生理需要，而又不影响人体正常活动的作用，这就需要服装结构的合理与工艺的完善来实现。人体各部位功能作用、形体起伏是结构设计的根本，而选择合理的面料及相应的工艺制作技术，是实现服装设计功效性的必然手段。技术设计的另一特征是功利性，即设计出的产品的最终目的是设计者和生产者能够从中获取利润。因为真正获取利润才是一个服装企业存在和发展的关键，如果设计出的产品实现不了功利性，也就没有技术设计的意义了。艺术设计与技术设计这一显性和隐性的两个特征共同构成了服装产品的特征。在服装设计中，在发挥艺术设计的特征时，要加入技术设计的数理性、功能性特征；在发挥技术设计的特征时，应融入艺术设计的情感性特征，使两种特征灵动地结合在一起。二、服装设计艺术与技术的灵动性关系服装设计从某种角度也可以看作是一门艺术，是设计者运用一定的文化载体、艺术表现手段进行创造，更确切地说是美化人类生活着装和生活环境的一门实用艺术。而实用艺术从其实用意义上来说，它又是艺术领域之外的，还有其实用价值的立足点，也就是工艺技术品质。为此，服装艺术设计是以技术设计为内容，技术设计则以艺术设计为形式，两者互不可分。布劳恩?劳森在《设计师怎样思考》中说：“为了达到设计目的，设计师必须理解和应用相应的技术手段，设计师不但要明白他们期望得到怎样的结果，还要清楚怎样得到这些结果。”这就是说，只是进行设计而没有考虑技术设计实践的设计是没有思考的设计，对预期的视觉效果是无法达到的，对自己的创意构思也无法实现。因此，如果一个服装设计师在设计时完全不考虑技术设计的实践要求，只注重形式和材料的美感，而没有考虑服装作为产品的功能性和商品性，其设计只能是形式优美的艺术作品或概念性作品。同样，如果设计师在设计时只注重技术性，而没有融入艺术的灵性，这个设计虽然具有了功能性，但由于缺少了服装的文化和艺术美的感染性，也会黯然失色。服装艺术设计和技术设计的不可分，并不是把两者牵强地拉扯在一起，而是找到一个美的结合点，使二者自然地融为一体、相互整合，从而创造出具有功能美和艺术美的服装产品。在服装设计创作中，服装的艺术设计往往是第二性的，技术设计是第一性的。服装设计并不只是简单地先进行艺术设计图1图3图2图4图5

浅析波普艺术图案在服饰设计中的运用

浅析波普艺术图案在服饰设计中的运用 1 前言在艺术的领域，波普已经造就了一个传奇，经常与众多标签、各种场景下的服饰和各个行业紧密相连，它的影响力覆盖了全球的各个角落。人们在对其市场价值赞叹不已的同时，也对半个世纪前波普的传奇诞生津津乐道。然而，当我们将目光转向传奇的起始点，即大约在上个世纪的五六十年代，却发现面前的景象既熟悉又看似陌生。那个时期的波普艺术被赋予太多的名称，而艺术家还不喜欢加诸己身的标签。当时，生活在不同风俗习惯、不同国度的英美波普艺术家分享着由艺术伴随的相似文化背景，却又拥有别样的精彩纷呈。鉴于波普艺术的神话般的发展速度，为将波普艺术思想融入到服饰设计中，本文从下述三方面进行展开。首先，通过对波普概念的诠释，对这门艺术有一个初步的了解，在此基础上通过介绍波普艺术的起源和发展史及漂洋过海的波普风潮在中国的发展历程，在脑海中对波普有了深层次的认知。其次，分析波普艺术从诞生到逐步发展再到广泛流行的过程，看出其对服饰设计中的图案产生了一定指导意义的影响。因而第二部分从不同时期的波普服饰图案在不同层次的服装、配饰等设计中的体现，来表达不同的社会背景下波普服饰图案的艺术思想，不仅传递了一种青年文化，更体现了一种时代生活方式。在本文的最后，通过波普艺术图案中的几何图案具体分析，来更好的理解波普在服装设计中的运用，进而体会波普艺术所塑造的时代形象。 2 波普艺术概述波普艺术来源于英文缩写"POP"，属于流行艺术的范畴。它于20世纪50年代最初兴起于相对保守的英国艺术界，并逐步融入中美国的商业进程中，在60年代具有浓烈商业气息的得到鼎盛。在工业化时代，波普艺术的诞生促使某些行业得到了进一步的发展，设计者借助于波普艺术的表层形式，利用商业艺术的创作方法和艺术语言，将聚集于富有现代化、商业发达的都市，大中城市的卡通漫画、报纸、杂志，广告、媒体、电视扩大了宣传，发展称为具有明显商业艺术特征和大众文化特点的艺术风格。在此期间形成了“艺术来源于日常生活，日常生活充分体现在艺术之中”的反传统的艺术观念，波普设计在这种影响中得到了发展。

波普艺术

大众文化艺术的先驱者 ——波普艺术 09美术理论徐倩 B090103044 摘要：波普艺术属于后现代主义艺术，它消解精英文化与大众文化的界限，让艺术接近人民大众，从而将艺术还原到大众生活。关键词：波普艺术大众文化革新商业化在后现代主义艺术潮流的发展中，波普艺术有着举足轻重的地位。它产生于20世纪50年代中期的英国，但波普风潮却在20世纪60年代，在更加有大众文化氛围、更加有商业气息的美国迅速发展起来。波普艺术是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。波普艺术是与抽象表现主义相对立流派，波普艺术反对抽象的绘画语言，反对抽象主义的脱离生活、自以为是。他们把艺术重归于生活，将大众的生活变为艺术。波普艺术又称普普艺术，是一个探讨通俗文化与艺术之间关联的艺术运动。波普艺术试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的延伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。六十年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。波普艺术其创作特征是直接借用产生于商业社会的文化符号，进而从中升华出艺术的主题。它的出现不但破坏了艺术一向遵循的高雅与低俗之分，还使艺术创作的走向发生了质的变

服装设计艺术在社会中存在的价值和意义

服装艺术在社会中存在的价值和意义艺术源于生活，高于生活。艺术是生活的提炼。加工和再创造。艺术家从生活中提取有价值的，有意义的内容，运用到艺术中去反过来又充实人们的生活，给人们带来新的感受。艺术无处不在，每一个职业，每一个动作，每一种语言，每一种形态都可拥有艺术的成分。自然界更是最大手笔的艺术家。人类生存已有很长时间，随着社会的出现，人类的文明开始发展，人类的自我意识，审美意识开启了艺术的大门。随着社会的不断进步，人类对美的认识，对艺术的要求也不断提高，在生活中艺术无处不在。艺术是生活的重要组成部分，对社会。历史。人生，具有审美认识功能。艺术具有三种功能：认知功能：艺术作品是人类文明和知识的载体。尤其是具象写实的艺术作品中往往会记录一些现实生活的事件和场景，通过欣赏艺术作品，人们可以认识作品创作的年代的一些社会风貌，通过艺术作品了解和学习历史。教育功能：科学是以理服人的，而艺术则以情感人，艺术通过对观众情感的影响而陶冶人们的情操，提高人们的境界。艺术教育有着科学文化教育不可替代的功能。审美功能：艺术作品的本质属性是审美属性，人们通过欣赏艺术作品满足审美的精神需求。可以说，审美功能是艺术最重要的社会功能艺术与生活息息相关，体现在人们日常生活的各个方面。人的衣、食、住、行中看，衣在首位，可见服装是生活中必不可少的，从远古时代，人们有了自我意识开始，就有了它的存在。服装文化也随之而变化，服装的发展随着社会的不断变迁，服装文化也随而变化。同时服装也也体现一个时代的政治、文化、经济、思想的发展。也是每个地区、民族的代表特征。例如我们中国的代表就是旗袍。而且服装也已经不仅仅是为了蔽体、御寒，更是一种美的享受。服装存在于艺术之中，也激发每个平凡人对艺术的追求。俗话说‘人靠衣装，佛靠金装’，人们在衣服的要求上也大有不同，他同样与人的地位，形象，性别。。。大有联系，每个人都有自己的品味，就像每个人的名片一样，穿上不同的衣服，彰显的气势也不同，每个人对衣服美的需求不同，就造就了现今社会的服装多样化，对于服装设计师也是很大的考验。服装设计师（Fashion Designer）直接设计的是产品，间接设计的是人品和社会。随着科学与文明的进步，人类的艺术设计手段也在不断发展。信息时代，人类的文化传播方式与以前相比有了很大变化，严格的行业之间的界限正在淡化。服装设计师的想象力迅速冲破意识形态的禁锢，以千姿百态的形式释放出来。新奇的、诡谲的、抽象的视觉形象，极端的色彩出现在令人诧异的对比中，于是不得不开始调整我们的眼睛以适应新的风景。服装艺术显示出来的形式越来越多，有时还比较玄奥。怎样看待服装艺术、领略并感受服装本身的语言，成为今天网络时代“注意力”经济中的“眼球之战”。服装设计既要有很强的审美观，和价值观，既然设计出来的衣服是要在生活中穿的，既要美观时尚，又要低调优雅，是服装永远不会落后，所以一个设计师在设计服装的过程中要忘掉自己是自己，而是在设计你所想表达的意向。社会在不断地进步和发展，越来越高品质的物质给人们带来也越高的品质精神生活的渴望。这给设计艺术家们提出了更高的要求，使艺术设计跟时代前进的脚步不断的发展、提高。从而促进了时装的发展，时装，款式新颖而富有时代感