交响曲的发展历程

交响曲的发展历程
提起乐器和集体的演奏，我们首先就会想到古代东方的几个文明国家——埃及、亚述、巴比伦、中国以及西欧的古希腊。

大约在四千多年前，在古埃及所采用的许多原始乐器中，已经包括弦乐器、管乐器和打击乐器了；这些乐器当时不但用来独奏和作为歌唱的伴奏，而且也用在已经具有一定规模的合奏中。

其实交响曲，来源于希腊文，意思是“共同发声”或“数音同响”的意思。

交响曲简单地说就是由管弦乐队演奏的大型器乐套曲（有两个或两个以上的乐章构成）。

交响曲大都由四个对比的乐章组成，速度上一般按快、慢、稍快、快的顺序排列。

第一乐章通常是用奏鸣曲式写成，体现作品的主要乐思和风貌，这是一个比较典型且富于戏剧性的乐章，擅于概括社会生活和人类思想，内容丰富，有巨大的戏剧性和感人的魅力。

；第二乐章被称为行板或慢板乐章，具有如歌的抒情特点；第三乐章是小步舞曲、圆舞曲或带有舞曲性质的谐谑曲；第四乐章习惯用最快的速度，常采用回旋曲式或回旋奏鸣曲式，构成欢乐的终曲。

交响曲的发展经历了以下几个阶段：
一、巴罗克时期的序曲和交响曲
欧洲音乐史上（1600—1750）被称为巴罗克时期。

巴罗克以前欧洲的音乐，都是声乐占统治地位，器乐只是对声乐起到伴奏的作用。

到巴罗克时期，器乐第一次达到与声乐并驾齐驱的地步。

同时，由于乐器制作技术和演奏技术的进步，为器乐创作的发展创造了良好的条件。

当时，三重奏鸣曲、独奏奏鸣曲形式的产生，尤其乐队协奏曲、大协奏曲、独奏协奏曲等形式（每首协奏曲都由“快—慢—快”三个乐章）的产生，对早期序曲和交响曲的产生都有重要影响。

法国作曲家吕利是法国序曲的创始人，他与莫里哀合作的芭蕾喜剧《阿尔西迪亚纳》序曲，是最早的法国序曲，法国序曲分为两个部分。

17世纪末，意大利出现了意大利歌剧序曲，它们包含“快—慢—快”三个部分。

18世纪30年代起，
意大利序曲的三个部分发展成为三个独立的乐章，它在充分吸收了协奏曲、组曲、三声部奏鸣曲等形式的技法后，便逐步发展为交响曲，这就是最早的交响曲。

古典时期（1750—1820）的交响曲是在意大利序曲的基础上发展而来的。

意大利乐派的作曲家萨玛尔蒂尼，被视为古典交响曲的创造者，这种交响曲的结构为三个乐章，第一乐章“快板”，第二乐章“慢板”，第三乐章“小步舞曲”。

德国曼海姆乐派的音乐家，在管弦乐队编制、演奏以及交响音乐创作方面，对推动交响曲的发展作过很大的贡献：这个流派在音乐创作上的鲜明主调风格、主题对比与展开的结构、丰富而生动的管弦音响层次，以及将奏鸣曲式运用到交响曲第一乐章，四个乐章的结构等方面，都为交响曲的成熟定型开辟了新的坦途。

代表人物是德国作曲家斯塔米茨，他为创建古典交响曲作过重大贡献，被人称为“交响乐之父”。

他把三个乐章构成的交响曲形式扩大为四个乐章，以快板、慢板、小步舞曲以及快板终曲为结构原则的交响套曲形式，对交响曲创作的发展起到很大作用。

海顿是维也纳古典乐派的代表人物，他的“标题”交响曲虽不是现在意义上的标题，但它还是为19世纪的标题交响曲开了风气之先。

他的创作完善了奏鸣曲式及交响套曲的标准形式，将这一大型音乐体裁的结构确定与固定下来达到定型化、规范化，使四个乐章的规范形式有机地融合为一体。

对古典乐派交响曲的形成起到了非常重要的作用，被后人尊称为“交响曲之父”。

他的交响曲富于结构美，充满了普通民众的活力与诙谐。

莫扎特的交响曲，使奏鸣曲式在四个乐章的结构形式中，作了更确定、更稳固、更成熟的实践。

他将三个乐章扩充为加上“小步舞曲”乐章的四个乐章的套曲形式，在乐队的编制上，他第一次使用了单簧管，更缜密细微地运用了木管乐器，扩大了管弦音色上的表现力，构成早期双管乐队的编制原则，并相对固定下来。

贝多芬创作的九部交响曲，把最严肃的人生课题引入交响曲之中。

他的交响音乐处处表现着形象、色彩、情感上强烈对比，特别体现在奏鸣曲式各主题呈示时鲜明的对比性，更富有戏剧性地处理和发展音乐素材。

在节奏的动力性、交替重音和力度处理方面都有创新，从而加强了戏剧性的交响效果。

为了更深刻表达内容，他扩大引子、尾声和发展部的规模，并将再现部作为第二展开部来对待。

他是古典乐派与浪漫乐派之间的一座桥梁，他的作品达到古典时期音乐的顶峰，并将音乐引入伟大的浪漫时期。

浪漫时期（1820—1900）音乐感情自由奔放，形式上无拘无束，喜用抒情的手法，强烈地表现个性及民族性。

浪漫主义交响曲有奥地利德国为主流的德奥乐派、法国乐派、和民族乐派。

浪漫主义在和声结构上有很大的突破，不协和性更扩大、更自由。

七和弦、九和弦经常出现，半音的使用转调的手法在作曲中占有很重要地位。

交响乐队在色彩上及音量上也有所扩展。

木管组常使用两支以上的长笛、单簧管、双簧管和大管，此外有时还加入短笛、英国管和低音管。

铜管组常用四支法国号、三支小号、三支长号及大号。

打击乐有四个定音鼓、小鼓、大鼓、竖琴、三角铁、响板、锣、钟琴、木琴、管钟、钢片琴等，还可以加进一些民族打击乐器。

弦乐组加大数量，与铜管木管的音量成比例。

在创作上遵循交响曲的大概结构，但乐章的数量可少到两个乐章，多则五六个乐章。

浪漫主义的交响曲，对前途充满了憧憬，在重视内容表现的同时，逐渐出现创作中忽视理论上的结构、作品细节，而从整体出发表现自我；配器的规模与色彩进一步加强，结构与和声比以前更加复杂；音乐的文学性、标题性也日益深化。

浪漫主义的交响曲吸收了贝多芬的技巧，在多方面取得了进步。

如舒柏特的最后两部交响曲《b小调第八交响曲》、《C大调第九交响曲》决定了他在交响曲发展史上的地位。

他主要以“歌唱性”风格构成了早期浪漫派交响音乐的抒情特征，成为交响曲艺术史浪漫乐派交响曲的序奏；舒曼的《第一“春天”交响曲》体现了浪漫主义的情感美学的主旨，具有强烈的主观感情色彩；马勒的交响曲形象鲜明，并具有浪漫主义盛期的标题特点，他的《大地之歌》是一部交响声乐套曲，可以说是对贝多芬《第九交响曲》的继承；布鲁克纳的交响曲规模巨大而复杂，和声极为丰富，经常用齐奏、模进、固定低音和错综复杂的复调手法，阶梯式的力度布局造成了特殊的感觉，巨大强烈的高潮与柔和抒情的段落互相穿插，庄严而深沉的情绪，使扩展的慢乐章充满特色；柏辽兹的《幻想交响曲》有着鲜明的文学倾向，形成独树一帜的文学化的交响音乐风格，他将自己生活经历中的情感，真实强烈地表现在他创作的交响曲中，使其交响曲极富于浪漫主义的艺术色彩；柴可夫斯基创作的六部交响曲，主题常为歌唱性及舞曲性，富有生活气息，充满内心感情及戏剧力量来刻划各种心理和感情的起伏发展，他继承西欧交响曲及俄罗斯交响音乐的传统，恢复了贝多芬时期的现实主义内容和戏剧结构、辉煌的音响及浪漫主义的情调，及新颖的民族色彩，在发展交响乐形式及表现力上作出卓越贡献。

四、二十世纪的交响曲
20世纪由于科学技术在音乐中的运用，使这一时期的音乐作品，出现了更多表现自然科学或抽象概念、表现形式和表现手法丰富多采的作品。

在交响曲的创作方面，主要是对后期浪漫乐派的继续。

后期浪漫乐派，继续沿袭浪漫乐派重主观、重感情的做法，继承了古典时期、浪漫时期及自己民族的音乐传统，但在和声复调配器、音响节奏调性等方面也吸收了一些20世纪创新流派的技法，加进了新的因素。

如前苏联的斯克里亚宾创作的《第四交响曲（狂喜之诗）》、拉赫玛尼诺夫的《e小调第二交响曲》、米亚斯科夫斯基的《第二十七交响曲》、普罗可菲耶夫的《＃C小调第七交响曲》、肖斯塔科维奇的《第五交响曲》）等作品；美国辟斯顿的《第二交响曲》、哈里斯的《第三交响曲》、科普兰的《舞蹈交响曲》；法国丹第的《山歌交响曲》、奥湟格的《礼拜仪式交响曲》；英国布里顿的《春天交响曲》等。

除此还有印象主义乐派、新民族乐派、新古典乐派等到。

他们或是为了追求某些独立的和声效果、某种色彩、某种音响效果；或是为了民族文化的复兴，而选用本民族的历史或现实事件为题材，进行创作；或是为了复兴古典主义或古典主义以前的音乐风格和特征。

如巴托克的《乐队协奏曲》、柯达依的《交响曲》、梅西安的《图朗加利拉》交响曲等。

但大多数作品都有别于20世纪以前的乐派，如乐曲结构偏小、乐队的编制不固定、音响的尖锐对比、无调性、曲式不规则、节奏自由等。

因此，这些乐派创作的交响曲，大多数实际上可按室内乐对待。

综上所述，交响曲起源于巴罗克时期，是由意大利歌剧序曲、法国序曲发展而来，经过古典乐派、浪漫乐派许多著名作曲家的不断丰富创新，到了19世纪末，20世纪初，交响曲无论在表达内容情感的深度、广度，以及规模样式都获得极大的发展，可以说达到交响曲的全盛时期。

使交响曲这一体裁形式在音乐世界里，成为最重要的音乐表现形式。

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