《艺术概论》艺术作品的结构分析--论文
艺术概论论文范文
艺术概论论文范文艺术概论是一门研究艺术活动基本规律的课程，是阐述艺术的基本性质、艺术活动系统以及艺术种类特点为宗旨的科学体系。
下文是店铺为大家整理的关于艺术概论论文范文的内容，欢迎大家阅读参考! 艺术概论论文范文篇1谈多媒体技术与艺术概论教学的整合摘要：艺术概论这门课程是高等院校艺术专必业修课之一。
结合多媒体的应用，发挥多媒体的声、形、画等综合性的特点，能激发学生学习的兴趣，同时教师也能更好的把复杂问题简单化，使理论课不枯燥，有利于教师教学深入浅出、学生对知识掌握的灵活深入，提高教学效果。
但多媒体的运用也要恰到好处，避免画蛇添足影响学生学习效果。
关键词：多媒体;艺术概论;教学效果;教学过程艺术概论这门课是高等院校艺术专业学生必修的基础理论课程之一，这门课程的内容多并且跨越性大，开设这门课程对学生来说也十分重要，它让学生获得先进艺术观、审美观、提高综合素养的同时能够掌握艺术的本质、艺术的分类、艺术的创作、艺术的作品、艺术批评、艺术鉴赏等内容，以提高自主创新能力和审美的能力。
过去讲课时仅凭口述难以让学生深入理解，教学效果不理想，而且课前需要准备大量的挂图、幻灯片、视频等资料辅助讲解但学生有时还不容易理解，教师更是觉得每一节课都很难讲，课前备课量也大。
随着科学技术的发展，电脑的广泛应用以及现代化教育方法的不断更新，多媒体开始逐渐的进入课堂。
把抽象的说教变成形象的演示是多媒体教学最主要的特色，它改进了传统教学模式，充分发挥了教学开放性也培养了学生主动学习和思考的能力。
但多媒体教学手段在课上的运用也要恰到好处，多发挥多媒体教学在艺术概论课中的优势。
一、艺术概论课的特点艺术概论这门课程，教材的章节顺序是大致按照艺术的本质与特征、艺术的起源、艺术的功能与艺术教育、文化系统中的艺术、实用艺术、造型艺术、表情艺术、综合艺术、语言艺术、艺术创作、艺术作品、艺术鉴赏这样一种结构构成的。
在具体的讲课过程中，往往每一章节单独讲解时很少而是结合在具体的艺术形式(如建筑、书法、戏剧、绘画、舞蹈、音乐、影视等)中进行讲解。
艺术概论的论文范文
艺术概论的论文范文艺术概论是探讨艺术本质、功能、发展及其与社会关系的学科。
本文旨在从艺术的起源、特性、分类、功能和审美等方面，对艺术进行一个全面的概述。
艺术的起源艺术的起源是一个复杂的问题，至今没有定论。
一种观点认为艺术起源于人类的模仿本能，另一种观点则认为艺术是人类情感表达的需要。
无论是模仿还是表达，艺术的起源都与人类的社会生活密切相关。
艺术的特性艺术具有创造性、表现性和审美性。
创造性是艺术区别于其他活动的重要特征，艺术家通过独特的视角和手法，创造出新颖的艺术作品。
表现性则是艺术传达情感和思想的能力。
审美性是指艺术作品能够引起人们审美体验的特性。
艺术的分类艺术可以根据不同的标准进行分类。
按照艺术形式，可以分为视觉艺术、表演艺术和文学艺术等。
按照艺术内容，可以分为现实主义艺术、抽象艺术和超现实主义艺术等。
艺术的功能艺术的功能是多方面的，包括审美功能、教育功能、娱乐功能和社会功能。
审美功能是艺术最基本的功能，通过艺术作品，人们可以获得美的享受。
教育功能体现在艺术可以传递知识、价值观和文化。
娱乐功能则是艺术带给人们精神上的愉悦。
社会功能则是指艺术在社会变革和发展中的作用。
艺术与社会的关系艺术与社会的关系是互动的。
一方面，艺术反映社会现实，是社会的一面镜子。
另一方面，艺术也能影响社会，推动社会进步。
艺术作品常常是艺术家对社会现象的思考和批判，能够激发人们对社会问题的思考。
结论艺术是人类文化的重要组成部分，它不仅丰富了人们的精神生活，也对社会的发展产生了深远的影响。
通过对艺术的深入研究，我们可以更好地理解艺术的本质，欣赏艺术的美，同时也能够认识到艺术在社会发展中的重要作用。
艺术概论的研究是一个不断深化的过程，随着社会的发展和科技的进步，艺术的表现形式和功能也在不断地演变。
未来的艺术研究需要更多地关注艺术与科技的结合，以及艺术在全球化背景下的交流与融合。
艺术概论论文
人类在按照美学的规律创造世界和自身的实践活动时， 也是人类对痛苦的现 实的超越。 人的生命是灵与肉的统一， 也是自由意志与自然规定性的统一。 这种 二重结构说明了人类的肉体必须服从自然的规定性， 而人的灵魂则永远追求自由 的超越。所以，人生常常面临着现实和理想的矛盾， 这是人的生命运动和人生辩 证法。这种内在的矛盾性使人的生命系统永远的处在不平衡的状态， 因此每个具 有自我意识的人都会体验到巨大的痛苦， 这种痛苦是生命本体意义上的痛苦， 是 人生的体验。 而对生命自由的追求， 就成了生命系统非平衡的调节。 通过这种调 节，人们获得了一种愉悦感。 艺术审美就是人类在实践的基础上建立起来的自我 调节机制。
四、艺术和艺术家
艺术家，通常认为，就是艺术的制作者。 艺术首先是艺术家制作出来的物品， 自然地，是艺术家使艺术成为艺术， 没有艺术家， 艺术似乎是不可能的， 艺术家 以及他的艺术制作活动是艺术的主导因素。 逻辑地看，艺术活动首先是艺术家的 制作活动，艺术作品也是艺术家的制作活动的最后结果。
首先，艺术活动是以艺术家为主体的活动， 我们绝对不否认艺术家对艺术制 作活动的意义， 正因为艺术家的存在以及艺术家的制作活动的水准的高低， 就自 然决定了艺术作品的产生和水准的高低， 否则那些非凡、 伟大的艺术作品是不会 产生的。但是，我们把问题拓展开来看， 如果说， 艺术家的制作的结果是艺术作 品，推而广之，就是艺术。 那么，是什么使得艺术家的制作得以成立？也就是说 成为艺术作品，成为艺术，是他赋予的他的制作品的风格， 还是情感，还是其他？ 这些都无法说明这一问题，而且会使问题再一次陷入到循环论证中而无法自拔。 进一步的问题也就是， 在艺术家的制作活动开始之前或进行中， 他是否明确或已 意识到他正进行着艺术活动， 是否明确他的制作的结果将是一件艺术品而不是其 他，如果是这样，那他已经就是按照艺术的模式和规则来进行艺术产生，那么， 艺术的创造性又怎样灌注其中， 艺术家的主体性又如何体现出来呢？这些问题又 涉及到了艺术的意义问题，这就促使我们从其他方面而不是从艺术家出发去探 究。显然，从艺术家为逻辑起点来探讨艺术的意义， 认为艺术家就是艺术的立法 者，艺术家使艺术作品得以成立的观点，同样使得问题简单化了。②不难发现， 艺术创造并非艺术家为遵守规则而遵守规则， 实际上只是为了某种艺术创造才去 遵守这样或那样的规则， 艺术家不是遵循了某些规则而成就了艺术。 因此，需要 有另一种线索来研究艺术家是如何赋予艺术品的艺术性或者艺术质量以及艺术 规则的艺术质量。
艺术概论论文(精选3篇)
艺术概论论文（精选3篇）艺术概论论文篇一首先，从学生的学习态度入手。
在大部分音乐专业学生的意识中，专业课指的是各种术课（如钢琴小课、声乐小课），和乐理、视唱练耳、和声、作曲、音乐史等理论课程，而把艺术概论排除在外，所以，教师有必要在上课之初从-白话文§ 艺术与社会、艺术与音乐、艺术与自身发展等角度将《艺术概论》课程的重要性、实用性阐明清楚，让学生从思想上引起重视，主动学习。
第二，教材的选择。
《艺术概论》的教材种类繁多，难度深浅不一，各有侧重。
如王宏建主编的《艺术概论》，这部普通高等教育“十一五”部级规划教材从艺术本质、艺术门类、艺术发展、艺术作品、艺术接受、艺术创作几部分系统、全面、专业地阐明了艺术学，内容较为深奥，是所有艺术类从业人员都适用的艺术学专著；而专门针对普通高等学校音乐学（教师教育）本科专业，由彭吉象、张瑞麟所著的《艺术概论》一书，虽然也是从艺术概说、艺术种类、艺术创作、艺术作品、艺术传播等方面进行编著，但它更侧重于从音乐的角度来阐明艺术的哲理性，较多地结合了音乐作品、音乐欣赏等内容，不失为一本适用于音乐学专业的好教材。
经过两年的教学实践，再结合学生的信息反馈，笔者发现学生对教学内容仍有不适之处，于是及时调整，选用了由郑锦扬主编的《艺术概论》，这本教材与前二者不同的地方在于它将艺术原理与艺术门类分开，大幅度地增加了艺术门类的内容，每门艺术门类都从起源、发展、特点等方面展开，更加侧重于艺术的实用性，对于文化知识基础相对薄弱的音乐专业学生来说，具体可感的内容比理论性、抽象性较强的内容更能激发他们的学习兴趣。
第三，教学内容的安排。
为了激发学生学习兴趣，笔者在教学内容的安排上结合书本内容，略做了调整。
先从具体的艺术门类，即学生最为熟知的音乐开始，让学生对课程产生一种亲切感，再继续美术、舞蹈、戏剧戏曲、电影、文学等内容，通过了解各艺术门类的发展、特点，对各艺术名作进行赏析后，最后结合艺术原理的部分达到实践与理论相结合。
艺术概论论文-艺术创作中想象的理性探讨
艺术概论论文:艺术创作中想象的理性探讨艺术概论论文:艺术创作中想象的理性探讨摘要：艺术创作中的想象来源于生活与生命的本源，想象是艺术家情感表达的途径。
艺术家在观察事物时把看到的事物运用形象思维进行创作，赋予作品精神性以反映客观世界。
艺术家将所看到的事物以创作的形式传达出来，从内心到实现的过程就是想象的过程。
想象通过主体对客体的认知、辨别和筛选，从而创作出令人产生无限遐想的艺术作品。
关键词：想象；距离；不自由艺术家运用各种艺术形式在开放的环境中追寻心理需求和观念表达，想象体现在哲学、历史、心理学中，也体现在艺术语言创作实践中。
20世纪初，弗洛伊德的精神分析理论对于释梦、潜意识的研究给现当代艺术家的创作输送了养料，艺术家汲取其理论作为基础，继承并进行绘画实践，创造出新的绘画语言。
想象从定义来说，是眼前的东西被拿走后的形象仍然保留在脑海中，只是比开始看见的时候更模糊，是渐渐衰减的感觉，这种正在衰减和慢慢消失的感觉成为过去，过去的事物保持在脑海里的印象①。
想象与过去时间有关，和将来时间相连，成为记忆、幻想或梦境。
视觉上形成的想象，通过意识观念传达给大脑。
艺术家通过视觉感知人和动物的生存环境，感知物体的大小、形状、颜色、动静，获得各种信息。
通过视觉我们能够看到事物，并产生想象和幻想，凭借语言、技法或语境等表达方式在心灵上唤起了对看到的这些事物的另一种空间体验。
艺术家在接受了新形象之后，对现实生活进行深入观察、体验、思考后，选取、保留、修改并组合成想象中的各种图像和幻想，塑造出期望的艺术形象。
一、想象的距离绘画是情感和精神寄托的形式，想象与现实的距离是真实体现绘画精神内涵和情感的途径。
当现实中的向往不能实现时，人们通过艺术手段表达或者寄托这种向往。
视觉艺术的创作通过形与色、光与影、点与面等类似元素的心理暗示，通过联想某种情境使人的精神安居其中。
想象与现实的距离更类似于精神与现实的距离。
绘画中画面的距离感是现实中欣赏者、创作者与画面体现出的心理距离，所谓“心理距离”②，是指审美过程中审美主体与作品精神情感之间所具有的心理上的差异。
陈晶、洪玲《艺术概论》带来的新认知艺术需要不断探索
LiteratureAndHistoryAllusions 文史典故Cutting Edge Education 教育前沿 3陈晶、洪玲《艺术概论》带来的新认知：艺术需要不断探索文/杨晨摘要：陈晶、洪玲编著的《艺术概论》作为艺术原理这门课的教课书，对于美术生来说是本非常优秀的教材，内容丰富，层次清晰。
作者们从各个维度去分析艺术原理和理论，通俗易懂，填补了笔者艺术理论知识上的不足，对艺术有了更清晰的理解和认识，这本书更像是一个风向标引领我们去探索更多艺术原理的知识。
关键词：艺术原理；理论陈晶，任教于湖北美术学院美术学系，出版著作《湖北新潮美术》，编著教材《艺术概论》、《美术欣赏》。
陈晶对女性艺术家的看法非常有深度，她认为“女性艺术家创作时带着独特的女性方式和女性气质”，2018年，陈晶作为策展人之一策划了《无关“主义”的女性艺术—湖北女性艺术家创作的多维景观》的画展，使许多女性画家逐渐被人关注。
陈晶说：“她们的创作基于性别，也超越性别，是女性的艺术，也是所有人的艺术，只是无关主义。
”陈晶在书籍《湖北新潮美术现象》对湖北新潮美术的现象进行讨论，是我们学习和了解20世纪80年代美术的背景和发展提供了资料。
洪玲，现于湖北美术学院美术学系任教，编著教材《感性工学设计》，发表专业论文十余篇，论文《试论中国早期美术发展的内在逻辑》2013年选入《美与时代》下，文章探讨了古人的观念、生活中的技术，以及意识形态对于艺术形成的内在逻辑和重要性，读完会对中国美术史的发展有了更清晰的认知。
在2012年发表的论文《线条传情达意的艺术价值》中，洪玲对线条的艺术性做了透彻的分析。
两位作者对于艺术理论和艺术发展都有着深入的见解和认识，就像书中所说艺术创作离不开深厚的文化修养，优秀的艺术作品更是如此。
这本书正体现了两位作者艺术知识的浓缩，我将从这本书的结构脉络、内容的优点去谈我对书中一些章节的认识。
1 书中结构脉络清晰、章节主题明确，便于读者轻松入门《艺术概论》这本书分为上篇和下篇，上篇囊括了基本的艺术理论知识，第一章讲了艺术的本质及特征、现代美学中的艺术概念和艺术的非定义性。
《艺术概论》期末论文格式
四川大学锦城学院《艺术概论》期末论文[谈喜洋洋和灰太狼在中国的发展]学生姓名：罗萧雅学生学号： 110640407院（系）：四川大学锦城学院艺术系年级专业： 2011级动画3班任课教师：李羿卫二〇一一年十二月(空1行)一、中国动画的状况及成因(空1行) 现状 国产动画片产量不足,总体质量不高。
据《中国广播影视报产业周刊》报道,目前国产动画片平均年产仅1万分钟左右,符合播出要求和市场需求的又仅几千分钟,这个数量与一个拥有3.7亿少儿、数千电视频道的文化市场很不匹配。
而且,国产动画片的总体质量不高。
目前国产动画片与国际先进动画片相比,在创意·造型、结构、谋篇·启发、审美,流程、制作、运用电脑高科技,乃至整体动画观念和认知诸方面都还显陈旧、粗糙,缺乏艺术吸引力和市场竞争力。
成因 1.动画机构布局分散、机制尚待理顺·制作力量不集中,生产与营销脱节,投入与产出极不平衡,缺乏生气与活力。
2.产业结构不合理。
我国动画生产的前期创作与后期合成力量较弱,中期绘制加工却是主业,形成了不合理的产业结构。
3.全国动画片播出平台太少。
目前全国只有少数频道播出动画,而它们每日播出时间大多少于20分钟,且基本不在黄金时间内播,从而导致动漫类节目中广告投放偏少。
4.国产动画片的播出收购价格低,平均每分钟不到百元,而国产动画目前制作成本则大多每分钟万元以上。
5.国家对动画业缺乏政策扶持。
（一）中国的现状（小三号黑体）因现状 国产动画片产量不足,动画。
据《中国广播影视报产业周刊》报道,目前国产动画片平均年产仅1万分钟左右,符合播出要求和市场需求的又仅几千分钟,这个数量与一个拥有3.7亿少儿、数千电视频道的文化市场很不匹配。
而且,国产动画片的总体质量不高。
目前国产动画片与国际先进动画片相比,在创意·造型、结构、谋篇·启发、审美,流程、制作、运用电脑高科技,乃至整体动画观念和认知诸方面都还显陈旧、粗糙,缺乏艺术吸引力和市场竞争力。
艺术概论的论文艺术设计的传承与创新-V1
艺术概论的论文艺术设计的传承与创新-V1艺术设计的传承与创新概述：艺术设计是一个广泛的概念，它的起源可以追溯到几千年前。
这篇文章旨在探讨艺术设计的传承和创新，以及它们如何相互作用。
第一部分：艺术设计的传承1. 艺术设计的起源艺术设计可以追溯到古代文明的时期。
许多文化都发展出了自己的艺术风格和技巧，如希腊雕塑、埃及壁画和中国绘画。
2. 传统技艺的传承许多传统技艺，如陶瓷、织物和家具制造，在很长一段时间内都是由手工制作完成的。
这些技术的传承是非常重要的，因为它们不仅代表着历史和文化，而且为现代制造业提供了基础。
3. 线条与色彩的传承线条和色彩是艺术设计中最基础的元素。
在现代艺术设计中，我们仍然可以看到许多传统的线条和色彩被使用。
例如，欧洲中世纪时期的教堂和拜访建筑上的彩色玻璃窗和拼花地板在现代艺术设计中经常被用作灵感来源。
第二部分：艺术设计的创新1. 技术的进步随着科技的快速发展，制造业的技术也在不断发展。
现代制造业已经采用许多机器人和3D打印机等先进技术。
这些技术不仅提高了制造效率，而且为艺术设计师们提供了更多的可能性。
2. 包容的文化在现代社会中，人们更加包容各种文化和艺术风格。
这种包容性为艺术设计者提供了探索创新和创造新作品的自由。
3. 艺术设计的多样性现代社会中艺术设计的多样性是不可否认的。
在文化和地理的不同环境中，艺术设计的形式和元素也不尽相同。
这为艺术设计师们提供了更多的创新和发展方向。
第三部分：传承与创新的相互作用1. 传承与创新的平衡传承和创新之间的平衡非常重要。
传承保持了历史的连续性，而创新则推动了艺术设计的发展。
在现代艺术设计中，我们需要找到传承和创新之间的平衡点。
2. 传承的启发传承可以为创新提供灵感。
通过研究古代艺术和技术，艺术设计师可以找到潜在的线条、色彩和技术元素，并将它们用于现代艺术设计中。
3. 创新的突破创新也可以为传承带来突破。
通过运用新技术和形式，艺术设计师可以创作出具有创新性和独特性的作品，从而为传承带来新的风格和元素。
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艺
术
作
品
的
结
构
分
析
学院：艺术设计学院
班级：08环艺二班
学号：*********
姓名：***
日期：2011-5-15
指导老师：***
一、
对艺术作品结构的探讨，历来都为美学和艺术理论所关注，且众说纷纭。
但众多的说法中，对艺术作品所做的内容与形式的二分，影响最大，也最为深远。
作品结构上的内容与形式二元对立的思想在近代美学中正式形成，但在一定程度上也包孕在古典美学中。
柏拉图认为，艺术作品是“理式”的“影子”或“幻像”；艺术作品只能在“外形”上对“理式”加以模仿，而不能分享“理式”本身。
在这里，一方面，还没有内容和形式的二元对立的思想；另一方面，艺术作品只是“外在的形式”，“与真理隔了三层”，这也隐约暗示着后来形式与内容二元对立的某些因素。
亚里士多德指出，事物为“材料因”形式因”“动力因”“目的因”等所规定；艺术作品是艺术家赋予材质以形式，形式本身就是作品的内容。
这里的“形式”与“材料”的对立，虽不等于后世的内容与形式的对立，但无疑蕴含了二元对立的思想。
二、
只有艺术作品的整体，不存在纯然的“内容”与“形式”，因为没有人可以将“内容”或“形式”从作品中分离出来。
法国解构主义哲学家德里达指出：“形形色色的两极对立范畴，如能指／所指、自然／文化、语音／书写、感性／理性等均受到质疑。
”因为，传统哲学总是将这些范畴组中的前项置于中心在场的位置，并主导后项的存在。
所谓“内容”与“形式”的二元对立，只不过是逻辑上的预设，缺乏真正可靠的基础。
在艺术作品中，几乎没有什么因素可以被看做是纯然的“内容”或“形式”。
例如，舞姿是舞蹈艺术的语言因素之一，如同音乐中的休止符，它使舞蹈结构上的承转鲜明呈现出来。
在这一个意义上，它显然应该属于形式的范畴。
但是，“舞姿在舞蹈中既作为模式的一部分，又是感情要素的一部分而存在”，“把观众引入主人公的灵魂深处”。
三、
艺术作品在结构上的基层就是“材料与媒介”，它是艺术作品赖以存在的物质凭借，即海德格尔所说的“物因素”。
“在建筑作品中有石质的东西。
在木刻作品中有木质的东西。
在绘画作品中有色彩的东西，在语言作品中有话音，在音乐作品中有声响。
”与之并列的，还有作品构成、存在及展示所凭借的物质媒介，例如画笔、纸张等之于绘画，乐器之于音乐，人体等之于舞蹈，摄像设备、放映设备等之于影视等。
四、
技术、技艺对于艺术的重要性，从艺术发生学的角度看就更为清晰。
“艺术”(Art)一词本来就是指一般意义上的“技术”或“技艺”，无论古希腊人，还是中国古人，都是这样。
在他们看来，无论是木匠造床或农民植树，还是诗人写诗或画家画画，都是“技艺”。
这说明，艺术本来就是从技术与技艺中升华而成。
直到现在，艺术与技术的关系仍相当密切，特别是在工艺美术中，有时技术或技艺本身就能构成一种工艺的式样，比如微雕。
艺人通常更喜欢说“看我的绝活!”而不是说“欣赏我制作的工艺品”。
“绝活”这个词表明，工艺注重的是不同凡响的“技术”或“技艺”，“艺术性”倒在其次。
因此，“对于工匠、艺人和工艺师而言，要紧的不是创新，而是继承；不是别出心裁，而是技艺娴熟。
”
五、
艺术家将其精湛的技艺施展在材料上，对它进行改造、整合并重新组织，改变它原来的存在方式和性质，使其成为“另一种”存在——“组织化”的外在形式之中寓有“意向性”的内在品质，即艺术作品的符号或图式。
在这一过程中，
材料消失了，因为它藉由艺术家的创造性行为而转化和升华为艺术语言。
“这种创造活动的实质是由艺术家有意识的明确行为构成的，但这些行为总是以某种物理的作用来实现自己，而这些作用是由那实现或改造某种物理对象——物质材料——的艺术家的意志所引导的，赋予物理对象以它藉以成为艺术作品本身存在的基质的形式。
”材料由艺术家的意志改变了它的物理法则，因而作为艺术作品的有机部分隶属于艺术存在的法则。
从这一层开始，作品褪掉了它的“物的因素”，并以符号、图式尝试着对人的“内在”进行“敞开”。
因此，符号、图式层也就是作品的形式层，即狭义上的艺术语言层。
六、
“并不存在什么绝对的写实主义，也没有不偏不倚的或绝对忠实的自然正义，任何对现实的复制都不是自动的和机械的。
”事实上，任何艺术作品及其“形象”都是一种意向性的存在物，形象“此在”，意指“彼在”。
艺术家不是机械的存在物，他对客观世界的再现，“主要是从这个世界抽取某个确定的、有意义的对象，使之成为自己的财富，并不断地把我们领到这个对象上去。
”这就决定了艺术作品中的形象层不可避免地带有艺术家的意向性。
因此在这个意义上，作品中的“形象”也就是“意象”。
七、
意蕴层是艺术作品的结构中最为深远的一层，仿佛行星之虚无缥缈的“光带”，相当于英伽登对文学作品的结构分析中的“形而上质”。
荚伽登认为，伟大的作品中的再现客体层能够呈现出“崇高、悲剧、恐惧、震惊、神秘、丑恶、神圣、悲悯”等特质，它既非客体性的，也非主体性的，“通常在复杂而又往往根本不同的情境或事件中显露出来，作为一种氛围弥漫于该情境中的人与物之上，并以其光芒穿透万物而使之显现。
”
这种由“意向”或“意境”所引发的哲理性意蕴，实际上也就是中国古典诗论所讲的“象外之象”或“弦外之音”。
受老庄哲学和禅宗思想的影响，中国古代文人不太“滞于外物”或者执着于观相，而总是力图“把握那个作为宇宙万物的本体和生命的“‘道’”，或者力图在色相中悟“禅”。
然而“象”却总是有限的，主体需要超越这有限的“象”或“色”，在“象外”探寻“道”，在“色空”中悟得无上正等正觉。
南朝谢赫在《古画品录》中说：“若拘以体物，则未见精粹；若取之象外，方厌膏腴，可谓微妙也。
”这里表达的就是这个意思。
需要指出的是，不同的艺术作品在其结构上各具特色，或者某一或某些层次相对鲜明或突出，或者不那么明显。
例如许多写实主义的绘画、雕塑作品，在意蕴层上可能就不具有什么形而上的哲理；而抽象主义的绘画、雕塑作品以及古典音乐则在符号、图式层上则给人以深刻的印象。
因此，读者或欣赏者在阅读或欣赏艺术作品时，不必亦步亦趋地执着于这里的一般分析。