浅谈中国京剧传统人物造型的形式美
浅谈戏曲舞台表演中演员体现的艺术美
浅谈戏曲舞台表演中演员体现的艺术美戏曲艺术是中国传统文化的瑰宝，深受国内外观众的喜爱。
作为戏曲表演的重要组成部分，演员的表演技巧和艺术水平不仅决定了戏曲艺术的发展和传承，更是体现了戏曲舞台表演中演员体现的艺术美。
首先，戏曲演员的身段和仪态展现了舞台表演的艺术美。
戏曲舞台上，演员通过身体语言展现人物性格、情感变化和内心世界。
例如，京剧《霸王别姬》中的扮相著称，男角演员们穿着华丽的戏服，高贵典雅地走上舞台，优美、矫健的身姿配合着歌唱、念白和动作，表现出人物的气势和个性。
身段、仪态的恰当展现不仅增强了观众的视觉享受，更让角色更加真实、生动。
其次，演员的演技和语言能力也是体现艺术美的重要标志。
演员需要掌握精准的发音和清晰的语言表达技巧，同时能够通过音律、唱腔、音调的升降起伏，配合戏曲音乐的编配，传达出丰富的情感。
演员的演技水准高低直接影响到角色的表现力和戏曲艺术的质量。
例如，新编历史剧《大秦宣太后》中，饰演唐玄宗的演员开场自白时表现了统治者的自卑和内心的挣扎，表演自然、细腻、有内涵，凸显出演员的才华和修养。
最后，演员的音乐艺术表现也是戏曲艺术的重要组成部分。
戏曲音乐是戏曲表演重要的辅助手段，可以扩大戏曲舞台表演的艺术空间。
演员需要准确把握音乐的节奏、音调和音乐的情感表现，使音乐与表演完美融合。
例如，京剧《红灯记》中的“二黄”（黄瑞光、黄韵玲）表演中，明快的念白、奔放的唱腔、神秘的乐器，线条感强、节奏明亮，展现出了戏曲音乐的独特魅力和演员的音乐表现力。
总之，戏曲艺术之美在于演员的精彩表演和奇妙的演艺魅力。
演员在舞台表演中通过身段、仪态和表现手法，传递出丰富的情感和内在性格，从而表现出戏曲舞台表演的艺术美。
因此，演员的精湛表演技艺是戏曲艺术的核心，也是戏曲传承和发展的基石。
浅谈京剧花旦的表演特征
浅谈京剧花旦的表演特征京剧是中国的国粹之一，而其中的花旦角色更是具有代表性，以其独特的表演特征和技巧受到广泛关注。
下面我们将浅谈京剧花旦的表演特征。
京剧花旦在表演时以柔美婉转、姿态优美为主要特点。
她们的表演姿态柔顺，动作舒展。
在舞蹈、歌唱和表演中，花旦总是要展现出婀娜多姿的风采，因此在台上的每一个动作都要经过精心设计和练习，使得整个表演充满了美感和柔美。
京剧花旦在表演时要求声音婉转悠扬。
花旦扮演的角色大多是温婉柔情的女性形象，因此在歌唱时要求声音清澈、婉转。
在歌唱时，花旦要通过婉转的音色和动听的唱腔表达角色的内心感情，使得整个表演更加生动、感人。
京剧花旦在表演时注重细腻的情感表达。
花旦扮演的角色大多是柔弱、感性的女性形象，她们要在表演中通过动作、表情和声音来传达角色的内心感受。
花旦在表演时需要具备良好的情感表达能力，能够通过细腻的表演来深刻展现角色的内心世界，使得角色更加鲜活、立体。
京剧花旦在表演时，服饰、化妆和头饰也是非常讲究的。
花旦在台上的服饰华丽、色彩艳丽，而且服饰的款式和颜色都有着严格的规范和搭配，服装上的每一个饰物都有其特定的象征意义。
花旦的化妆也是极为考究的，她们会根据角色的不同特点和性格特征进行化妆，通过精心的化妆来突出人物的形象特点。
花旦的头饰也是非常精致，不同的角色有不同的头饰搭配，通过头饰的造型和颜色来展现角色的身份和地位。
京剧花旦在表演时也要求具备较高的舞蹈技巧。
在京剧表演中，舞蹈是不可或缺的一部分。
花旦在表演中要经常配以各种舞蹈动作，因此她们需要有较高的舞蹈技巧和舞台表现力，能够通过舞蹈来丰富表演内容，使得整个表演更加生动、具有感染力。
京剧花旦的表演特征主要体现在柔美婉转的姿态、婉转悠扬的声音、细腻的情感表达、考究的服饰化妆头饰和较高的舞蹈技巧等方面，这些特征共同构成了京剧花旦独特的表演风格。
通过对这些表演特征的理解和把握，我们能够更好地欣赏和理解京剧花旦的表演艺术，也能更好地传承和发扬京剧这一民族文化宝库。
京剧表演的美学特点浅析
京剧表演的美学特点浅析
京剧作为中国传统戏曲艺术的代表之一，具有独特的美学特点。
它融合了音乐、舞蹈、戏剧和戏曲等多种艺术形式，通过声音、动作、表演等手法，展现了丰富的情感和文化内涵。
下面对京剧的美学特点进行浅析。
京剧注重形式美。
京剧的舞台布景、道具和服装等，都非常精致华美，色彩鲜艳，造
型独特，充满了戏剧性和装饰性。
这些形式元素既符合中国传统审美，又具有独特的艺术
效果，营造出优美的视觉享受。
京剧强调音乐美。
京剧的音乐是剧中情感表达的重要手段之一，通过音乐的旋律、节
奏和音色等，表现出角色的性格特点和情绪变化。
京剧的音乐既有传统的民族音乐元素，
又有吸收了西方音乐的影响，形成了独特的音乐风格。
京剧着重于舞蹈美。
京剧的表演中融入了丰富的舞蹈元素，舞姿优雅、舒展，动作精确、协调。
舞蹈的表演不仅可以展示人物的身体美，更能够表达情感和推动剧情发展，增
加戏剧的魅力和感染力。
京剧强调表演美。
京剧的表演技巧独特繁复，演员需要具备高超的唱、念、做、打的
技能，能够通过声音、情绪、动作等表现出不同人物的特点和心理状态。
京剧的演员必须
经过长时间的专业训练，才能精通京剧的表演技巧。
浅谈戏曲舞台表演中演员体现的艺术美
浅谈戏曲舞台表演中演员体现的艺术美戏曲舞台表演是中华文化的一大瑰宝，而演员的表演艺术则是戏曲得以传承的重要保障。
戏曲表演中演员能够通过他们的肢体语言、表情、眼神和声音等多种艺术手段，传递出角色的心情、情感和性格特征，让观众身临其境，感同身受，从而实现舞台上的造型美、音乐美、语言美、动作美的统一，以及表演中所涉及的人文、道德、历史、社会等多种价值的传承和弘扬。
因此，本文将从以下三个方面浅谈戏曲舞台表演中演员体现的艺术美。
一、肢体美戏曲舞台表演中演员的肢体语言是表现角色性格特征、表达情感和情境的主要方式之一。
演员的动作优美、自然、流畅，做到了“势顺情达”，能够切实地把角色生动传神地展现在观众面前。
例如，京剧中武生出场时的打招呼礼仪、女子跳花旦时的柔美舞蹈，以及老生在剧中的盘腿玩物、袖手潇洒等，都是通过肢体动作来表现角色形象和情感的。
肢体美的体现还包括角色在不同情境下的不同动作，例如莲花落中曾宝钗出家时的软膝跪地、霸王别姬中项羽哭天抱地时的拍胸顿足，都是演员通过准确的动作来表达角色的内心情感和性格特征。
二、语言美戏曲舞台表演中的语言美是指演员运用正确的发音、音量、节奏和语调等技巧，让观众听得懂、感受到戏曲中的抑扬顿挫和情感饱满。
例如，京剧中唱腔高亢豪放，表现出武将骨气凛然的英雄气概；花鼓戏中重音和伴奏相间，表现出恢宏大气的场面；黄梅戏中细腻柔情的唱腔，则让人听得心醉神迷。
另外，演员在表演中还会使用暗喻、比喻、反复等修辞手法，增加了戏曲语言的艺术性，以及使观众更好地理解和感受到角色的内心世界。
例如，京剧中魏文侯在贪污受贿的场面中，用“开宝箱”来暗示自己受贿，让观众一下子就理解了他的贪欲和卑鄙。
三、心理美戏曲表演中演员所表现出来的人物性格及其内心世界，正是“心理美”的体现。
演员通过对角色心理状态的刻画，可以让观众感同身受、共鸣感情。
例如，金蝉脱壳中，人物骆冰在失去梦中情人后，表现出撕心裂肺的痛苦，让观众感同身受、泪如雨下。
京剧中的中式美学
京剧中的中式美学标题：京剧中的中式美学：传统艺术的瑰宝一、引言京剧作为中国传统艺术的重要组成部分，一直以来都以其独特的艺术形式和表现手法吸引了无数观众。
而其中，中式美学更是京剧艺术的核心之一。
本文将带您领略京剧中的中式美学，探讨其内涵、表现形式及其在现代社会中的价值。
二、中式美学的内涵中式美学是中国传统文化的精髓，它强调和谐、平衡、对称、自然等审美原则。
在京剧中，这些原则被广泛应用，通过舞台布景、服饰、音乐、表演等方面展现出来。
例如，京剧的舞台布景通常采用对称布局，色彩搭配和谐，给人以美的享受；服饰则注重色彩、图案的设计，与剧情和人物性格相呼应；音乐方面则讲究旋律、节奏、音色的搭配，营造出不同的情感氛围。
三、京剧中的中式美学表现形式1、服饰与化妆：京剧服饰多采用华丽的绣花图案，色彩艳丽，造型夸张，符合中式美学的对称与和谐原则。
化妆则注重人物面部表情的刻画，以表现角色的性格特征。
2、表演动作：京剧表演动作讲究节奏、力度和韵律，与音乐紧密结合，展现出中式美学中的自然之美。
3、舞台布景：京剧舞台布景注重空间布局和色彩搭配，通过虚实相间的手法，营造出不同的场景效果，展现出中式美学中的含蓄之美。
4、道具：京剧道具多选用寓意吉祥的物品，如龙、凤、狮、麒麟等瑞兽，以及花、鸟、鱼等自然元素，体现出中式美学中的吉祥寓意。
四、京剧中式美学在现代社会中的价值1、传承传统文化：京剧作为中国传统艺术的重要组成部分，其中式美学体现了中华民族的审美观念和价值取向。
在现代社会中，传承和弘扬京剧及其中式美学，有助于增强民族文化自信，促进文化多样性。
2、丰富艺术形式：在现代社会中，各种艺术形式层出不穷，但许多观众仍然对传统艺术形式抱有浓厚的兴趣。
京剧及其中式美学作为传统艺术的代表之一，可以为现代艺术形式注入新的活力，丰富艺术宝库。
3、促进国际交流：随着全球化的进程，国际交流日益频繁。
京剧及其中式美学作为中国传统文化的重要代表之一，在国际舞台上具有独特的魅力。
京剧表演的美学特点浅析
京剧表演的美学特点浅析京剧是中国传统戏曲艺术的代表之一，具有深厚的历史和独特的美学特点。
以下将围绕京剧表演的美学特点进行深入分析。
京剧表演追求的是“夸大”的艺术效果。
京剧的表演风格非常夸张和激烈，演员在表演中常常以夸张的姿势、举止和表情来表达角色内心的情感。
这种夸大的表演风格使观众能够更加清晰地感受到戏剧中角色的情绪和心理变化，增强了戏剧的表现力。
京剧表演追求的是“规范”的艺术形式。
京剧有一套严格的表演规范和技巧，包括唱腔、舞蹈、肢体动作等方面。
演员必须经过长时间的训练和积累，才能熟练地掌握这些技巧，并在演出中灵活运用。
这种规范严谨的表演形式为京剧赋予了独特的审美风格，使其成为一种高度规范化的艺术表达形式。
京剧表演追求的是“化整为零”的艺术构思。
京剧的表演构思非常严谨，将整个剧目分为多个小节，每个小节都有独立的主题和情节，同时也紧密联系在一起，形成完整的剧情。
演员在表演中需要处理好每个小节和整个剧目的关系，使观众在欣赏整个剧目的也能够体会到每个小节的独立美感。
第四，京剧表演追求的是“强调意象”的艺术效果。
京剧在表演中注重意象的创造和塑造，通过一些象征性的动作、表情和舞台布景等手法，将角色的心理状况、情感变化和剧情内涵等抽象的概念转化为形象化的艺术形式，使观众能够通过欣赏戏剧表演的形象和细节，理解和感受到其深层次的含义。
第五，京剧表演追求的是“注重节奏”的艺术感受。
京剧的表演节奏非常明快而有力，演员的动作和台词配合默契，形成独特的表演韵律。
演员在表演中需要把握好节奏感，保持动作顺畅而生动，使观众能够感受到京剧表演的激烈和激情，同时也增强了剧目的张力和紧凑感。
京剧表演具有夸大、规范、化整为零、强调意象和注重节奏等美学特点。
这些特点使京剧成为一门独特而多样化的艺术形式，能够给观众带来丰富的艺术感受和审美享受。
京剧中的传统美学与舞台表演艺术
京剧中的传统美学与舞台表演艺术京剧是中国传统艺术的瑰宝之一，它汇集了传统美学与舞台表演艺术的精华。
京剧的演出形式包括唱、念、做、打，通过演员的唱腔、动作、面谱和服饰风格等元素，展现了独特的艺术魅力。
京剧的传统美学可以从多个方面进行探究。
首先是音乐美学。
京剧的唱腔独特而富有韵律感，演员通过特殊的喉音和音调变化来表达角色的情感和性格特点。
唱腔中常采用的音律、音域和音高等元素，都是经过长期摸索和实践积累而形成的，体现了中国传统音乐的精髓。
此外，京剧的音乐还融合了中国古典音乐和民间曲调的元素，形成了独特的风格，给人以耳目一新的感觉。
其次是舞台美学。
京剧的舞台布景、道具和服饰都体现了中国传统审美的特点。
舞台布景常常采用抽象的手法，通过简单的线条和色彩组合来表达特定的情景和氛围，给观众留下充分的想象空间。
道具的运用精巧而富有象征意义，常常通过简单的道具来代表更复杂的事物，从而产生强烈的视觉效果。
而演员的服饰则是一种视觉的享受，精致的刺绣和细腻的颜色搭配，展现了中国传统文化的精髓和美感。
同时，京剧的表演艺术也是传统美学的重要组成部分。
京剧的演员通过身体语言和面部表情等方式，传达角色的内心感受和情感变化。
他们手舞足蹈，行云流水般的动作，与唱腔的音律相呼应，形成一种协调的艺术效果。
此外，京剧的面谱艺术更是京剧表演的一大亮点。
面谱色彩鲜明，线条优美，通过不同的面谱形状和颜色来区分角色的性格特点，给观众一种直观的感受和理解。
尽管京剧的传统美学魅力依然吸引着众多观众，但现代社会的快节奏和多元文化的冲击也在一定程度上对京剧的传承和发展带来了挑战。
为了适应新时代的需求，京剧演员们开始尝试创新，融入一些现代元素，如电子音乐和现代服装等，以期吸引更多年轻人对京剧的关注。
然而，传统美学仍然是京剧的核心，任何一种创新都要基于对传统的理解和尊重。
总之，京剧作为中国传统艺术的代表，融汇了丰富的传统美学和舞台表演艺术的精髓。
它通过音乐、舞台、表演等多个方面展现了独特的魅力，给人以视听上的享受和精神上的满足。
传统京剧人物造型的装饰美探析
民俗文化•190文/武自强传统京剧人物造型的装饰美探析内容摘要 京剧作为我国五大戏曲剧种中的一种，既是我国优秀的传统文化国粹，又是重要的世界非物质文化遗产。
京剧表演之中，人物造型需要辅助以舞台和灯光的各种搭配，并应用独特的艺术风格进行装饰，才能取得良好的效果，为京剧欣赏者创造出独特的意境并使其拥有良好的欣赏体验。
本文主要对传统京剧人物造型的装饰美进行分析，旨在提供有价值的参考。
关键词 传统京剧;人物造型;装饰美人物造型是构成京剧舞台表现的重要元素，其直接影响着剧情真实背景的还原度及观众的观剧体验。
人物造型不仅需要依靠京剧演员的表演艺术功底得以呈现，同时也需要演员搭配合适的妆容与造型来进行装饰，以此突出不同角色所生活的时代背景、家庭背景及其性格特征，从而在帮助观众深入理解角色的同时，深化其对于京剧艺术特征的理解，从而取得良好的表演效果。
1 人物服饰美表演京剧的过程之中，演员需要身着具有传统文化特色的服装，这些服装的制作材料、纹样设计、色彩选用均呈现出明显的仿古特色，有着深厚的文化底蕴。
在京剧扮相之中，京剧服饰可以称之为“点睛之笔”，其具有增强舞台表现力、给观众带去强烈视觉冲击及精神享受等重要功能，与此同时，观众也能够通过服饰的文化特征，对所观看京剧桥段发生的时代背景及内容形成更为全面深刻的认知。
人物造型的服饰美，既是京剧艺术表现的基础，又能够有效地丰富人物形象、加深观众的印象和记忆，增强表演的感染力。
不同的人物，服装款式和花纹设计亦有所不同，女性角色的头饰同样存在差异，不同角色所佩戴的帽子及首饰都各自不同。
虽然各个角色的服饰搭配都比较复杂，但当其共处于舞台上时，呈现出的感觉十分有序，且在舞台灯光下，服饰颜色对比更为鲜明，具有极强的和谐感，能够有效吸引观众的注意力。
2 人物形象美京剧作品是对于时代生活的集中反映，其中包含着许多人物的生活状态，突出强调在某一特定时代背景下不同角色的实际生活情况。
值得注意的是，京剧对于这些人物形象及其生活的呈现，并不是直接依据历史资料进行还原，而是进行了不同程度的美化，通过美化达到改善观众欣赏感受的目的。
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浅谈中国京剧传统人物造型的形式美
作者：李跃明
来源：《神州》2012年第06期
【中图分类号】J632.5 【文献标识码】C 【文章编号】1009-5071(2012)02-0020-02
京剧表演的行当分为生、旦、净、丑，每个行当又可划分为若干种。
与此，京剧传统戏的人物造型，把戏装依据样式的不同划为蟒、靠、褶、帔、衣五大类数十种,其中有的要配髯口、翎子、狐尾、靠旗、盔帽，发髻等，女角色要梳不同的大头、旗头、古装头。
在角色分工如此之杂，种类如此之多，样式如此之繁，色彩如此之鲜的情况下，在舞台上却形成了传统戏的整体之美。
1 人物服饰的整体美
在京剧服装、饰物、化妆等诸方面，都蕴含了中华民族趣味和爱好，各种不同的服饰、色彩、化妆与不同装饰物之间的反差，都被民族性潜移默化地归拢到一起。
传统的纹饰图案为服饰锦上添花，并成为一种共同的语言和观众交流。
龙凤虎豹，花草图案，以及诸如“万字不到头”、“五福捧寿”等，都是联结的纽带。
服饰的装饰化使工艺美术手段进入戏曲服装，任何一件衣饰如盔帽、髯口、翎子、狐尾、靠旗等，都是一件件工艺品。
京剧的人物造型不仅仅是鲜艳色彩的堆砌，而是同时广泛运用了中性色黑，白和金属色金、银，使众多极难调和在一起的色相有机地、和谐地统一在一起。
上述诸因素的综合，使京剧传统戏的一台角色，不论是多少种色彩与样式的组合，都给人造成一种东方的、民族的、既花团锦簇又协调统一的整体美。
2 人物的“俊扮”美
京剧不同行当的不同化妆方法，从各自的表现对象出发，采取了不同的形式和手段，以一个整体面貌，去综合地反映生活，抽象出其中美与丑的典型特征，完成京剧这一表演形式独特地反映历史面目的最高任务。
就人类而言，大致可以划分为四大类型，即：第一类，状貌美心灵也美的；第二类，状貌虽美心灵却龌龊丑恶的；第三类，状貌虽丑心灵却是极美的；第四类，状貌既丑陋心灵更丑恶的。
京剧的化妆，使“生、旦”趋向于单一化的“俊扮”，用来表现第一、二类人物；使“净、丑”的化妆趋向于勾脸，主要用来表现第三、四类人物。
“生、旦”行当的化妆，简言之曰“俊扮”，它们除开生行的盔帽、髯口、发髻，旦行的发型、头饰，依角色不同各有差别外，在同一行当内，可以说是单一化的，“千篇一律”的。
每个角色的性格特征，不依靠面部造型，而靠其它手段和方法来表现。
单就一个民族的范围来说，美好的形象，往往只有程度的差别，美趋向于单纯，越美越好，美的形象，要求的是适度，来不得半点夸张。
3 人物的脸谱美
脸谱是中国戏曲传统化妆术的一种。
在京剧中，它是“净、丑”行角色的主要化妆手段；它使用浓重色彩，以强烈的对比形式，按照脸部的结构、肌肉的走向、骨骼勾画在脸上；它根据不同人物的性格、身份、善恶组合成许多不同类型的谱式。
它具有多样性；夸张性；形象性；每一张脸谱，又由众多的分谱组合而成，使在舞台上找到表达千差万别、纷繁众多的社会众生相的手段。
某种程度上说，属于脸谱勾画范围的人物，都不是美男子，或者说他们多多少少都有些“丑征”，其中也包括大量正面人物在内。
这即是前面所讲的第三类和第四类的人物。
4 人物服饰的对比美
京剧传统服装集中体现了形式美。
其中对比手法的运用，在形式美中占有重要地位。
通过服饰的外观造型、色彩和寓意综合为一个整体，是角色性格刻划的主要助手，加上对比手法的
运用，大致可归纳为黑白对比、华素对比和文武对比。
从光学角度分析，黑色是三原色光的等量相减，白色是三原色光的等量相加。
黑和白包容了世界上千变万化的色彩于一，因此，传统京剧大量运用黑和白色做为服装色彩运用的一条途径，是再简单又再丰富不过了。
《挡马》中的短打戏，杨八姐女扮男装穿白、焦光普穿黑。
《三岔口》中的任堂惠和刘利华，《战马超》中马超和张飞，都是以黑、白两色为服饰基色，
装扮剧中的主要角色。
在传统京剧服饰中，不注重时代特点的追求，没有季节变化的表现，也不带有地区性的特色，而以角色的等级地位和类别为标准，帮助刻划人物性格。
例如：《铡美案》、《豆汁记》两出戏，是华素对比的典型，穷书生莫稽，在生命旦夕不保的情况中被救活，后做了县官由穷衣换上了官衣，俨然一表人才，前后判若两人，人格也随地位变化而改变，服饰的变化紧紧与地位的变化融合在一起。
《铡美案》中，受害者是秦香莲，穿黑褶子，白孝带，兰边饰，不尚奢华，处境令人同情；陈士美身居高位，享受附马待遇，穿华丽的红蟒花翅，华贵显赫。
两个人物，一个着衣华丽而内心丑恶，一个朴素寒微而内心高洁，形成了强烈的反差。
在刻画人物中，为了深化角色性格，在主人公出场时，要造出烘云托月的气势，使主人公形象在文和武的对比中高大起来。
例如，《长坂坡》中曹操点兵时，手下有八员英勇善战的骁将，一律各色的长靠，背后三十二面护背旗威风狂傲，雁翅排列在两厢，外围有执械的士兵，两旁有传令的中军，满满一台角色，屏息敛气俯首听命于稳坐当中的穿红蟒、黑相纱，勾白脸的曹操，显示出他“挟天子以令诸侯”的不可一世的气派。
5 化不美为美
生活中有许多不令人引起美感的现象和事物。
如衣衫褴褛、久病失神、畸型残缺、丢盔卸甲以及旧社会用于犯人的罪衣刑具等，它们都不是美的形象或美的创造物。
京剧舞台美术用夸张、程式、装点、美化的手段，把它们全部纳入形式美的范畴，因而把丑变成了美。
京剧里表现处在境遇如乞丐般的穷书生，选择了“富贵衣”，在黑色褶子上，均匀地缀上各色菱形布块，表示补丁，以表现穷困。
京剧表现病态，只是在头上横缠一条白色绸条，两端垂于头部同一侧，一条绸条是造成病态美的点晴之笔。
畸型和残缺这些形象决不是美的，京剧中武大郎的造型就是源出于此。
人们后天形成的各种创伤引致的残疾，如京剧钟馗的形象，以及相类似的火判、周仓、巨灵等角色也是反映的这一类造型。
丢盔卸甲是两军对垒中战败者的惨相，京剧能把生活中这种可悲的丑态表现出来而且一定还要美。
《华容道》曹操率领残兵败将落荒而逃，迤逦来到华容道被埋伏的关羽堵住，本以为可以侥幸脱逃，却遇到了精兵强将，造型只在眉间略多涂炭，袍襟撩起一角掖在玉带上；这两点变化，点出他一受火攻烟熏火燎，二遭败绩打马狂奔的惨状。
京剧舞台表演鬼和妖，同样赋予了美的命题。
《红梅阁》中李慧娘的鬼魂、《白蛇传》中的小青和白娘子、白骨精、铁扇公主、金钱豹、大鹏金翅鸟等等的形象，在京剧舞台上，它们都是美的。
传统京剧人物造型的形式美用中华民族的审美意趣和观念方法，把艺术精髓体现在京剧舞台之上，有着自己独特的美学体系，它与戏曲表演艺术浑然一体，以形传神，形神兼备，形式与内容高度统一，达到京剧艺术美的最高境界。
作者简介：李跃明，沈阳京剧院京剧舞美服装部，戏曲服装总监。