宫崎骏：思索与回归 ———日本的动画片和我的出发点
人性的经典阐释—宫崎骏动漫艺术探析
人性的经典阐释—宫崎骏动漫艺术探析人性的经典阐释—宫崎骏动漫艺术探析宫崎骏是日本著名的动画导演和制作人，他的作品以其独特的艺术表现形式和深刻的人性主题而闻名于世。
通过对宫崎骏动漫艺术的探析，我们可以更深入地了解人性的精髓。
宫崎骏的作品经常涉及到人类与自然的关系，以及人类与动物、植物的相互依存。
他将自然描绘得生动而精致，展现出大自然的力量和美丽。
然而，宫崎骏并不仅仅是让大家欣赏自然的壮丽景色，他深入探索了人类与自然之间的互动，以及人类对自然的破坏和后果。
在《千与千寻》中，他以神奇的世界和人物为背景，讲述了一个小女孩千寻的故事。
在这个故事中，千寻因为父母的贪婪而进入了一个神秘的精神世界，她必须学会勇敢、坚持和关心他人，才能找回自己的父母和重新回到现实世界。
这个故事中融合了对于爱、友谊、勇气和成长的描绘，同时也体现了人与自然和谐共生的重要性。
除了对自然的探索，宫崎骏的作品还经常涉及到人类的情感和价值观。
在《龙猫》中，他通过两个小女孩的故事，表达了对于家庭和友谊的珍视。
两个女孩在新搬进的农村居住，遇到了一只神奇的龙猫，她们与龙猫建立了深厚的友谊，并且通过这段友谊，在不同的生活环境中获得了成长。
这个故事不仅仅是一个童话故事，更是对于真实世界中人与人之间友谊和相互扶持的强调。
宫崎骏的作品还经常涉及到对于世界的观察和思考。
在《风之谷》中，他描绘了一个被毁灭性战争威胁的世界，主人公奇面族的公主娜乌希卡在这个世界中扮演了积极拯救的角色。
这个故事中深刻揭示了战争的破坏性和对于世界的影响，同时也呼吁人们关注和保护环境。
宫崎骏的作品中还经常体现了对于人性的矛盾性和复杂性的思考。
在《天空之城》中，他通过主人公帕兹和希塔亚的爱情故事，探索了人类的欲望与理智之间的对立。
帕兹代表着以科技为代表的现代化追求，而希塔亚则代表着自然和原始生态的坚守。
他们之间的冲突和妥协，以及最终的和谐共生，反映了人类内心深处的纠结和尝试。
通过对宫崎骏动漫艺术的探析，我们深入了解了人性的经典阐释。
宫崎骏作品 给人启发
宫崎骏作品给人启发宫崎骏是世界上最著名的动画电影导演之一。
他的作品风靡全球，吸引了无数人追捧和热爱。
宫崎骏的作品以其卓越的艺术价值和丰富的想象力闻名于世。
无论是《风之谷》、《天空之城》还是《千与千寻》、《龙猫》等作品，都能够给人以深深的启发和感动。
在宫崎骏的作品中，我们可以发现各种各样的启示和借鉴，这些启示不仅可以应用于我们的生活中，而且可以帮助我们更好地理解和面对世界。
本文中，我将会探讨宫崎骏作品给人启发的几个方面。
1.人与自然的和谐共处宫崎骏作品中最突出的特点之一就是关注自然环境。
无论是《风之谷》、《天空之城》还是《龙猫》，宫崎骏都将自然界中的万物塑造得十分形象、具有生命力。
他以人与自然的和谐共处为主题，呼吁人们要尊重自然、保护环境。
比如，《龙猫》中，主人公梦境中的奇幻世界展现出了自然的神奇和美妙。
在这个世界里，树木能够自主生长，猫头鹰成为人们朋友，野草在风中跳跃……这些画面听似不可思议，但却让人深刻体会到人与自然共生的美感。
宫崎骏在作品中倡导的和谐共处的意义，在现实生活中也同样具有重要性。
2.勇敢面对现实在《千与千寻》中，主人公千寻来到神明的世界，成为一个来自另一个世界的人。
在这个世界里，她面对着很多与自己不同的事物和人，情况十分棘手。
但是，她最终能够克服自己的恐惧，勇敢地面对现实并不断成长。
这启示我们，无论人处于任何环境，都需要勇敢地面对现实。
也只有在勇敢面对现实的过程中，我们才能获得成长和进步。
3.细致情感的表达另一个宫崎骏的突出特点就是他细致情感的表达。
在宫崎骏的作品中，情感往往是朴素而深沉的。
比如，《龙猫》中小女孩悠悠的情感和神秘的场景构成了一个心旷神怡的世界，这个世界体现了纯真、真挚和渴望的情感。
通过这些细致的情感表达，我们可以更好的理解人与人之间的交流和感情，从而更好的经营自己的人际关系。
4.充分发挥个人的潜能在《神隐少女》中，主人公少女千叶被卷入神木王国的世界。
在这个世界里，她发掘出了自己潜在的超能力。
《你想要活出怎样的人生》电影介绍ppt
探索内心与成长
宫崎骏的作品中常常描绘主人公在 成长过程中面临的困惑和挑战，通 过内心的探索和成长，找到自己的 人生意义。他鼓励我们勇敢面对自
己的内心，不断成长和进步。
电影的艺术特色与技术表现
画面美学与色彩运用
影片制作 —— 作画
影片的作画过程
01
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60名动画师
人手上此次吉卜力动用了60名动画师，先 前吉卜力作品的主要班底吉田昇、安藤雅
02
1905电影网 评
电影中时时刻刻都充满着选择，真人、苍鹭、舅公、雾子……面对未知，坚定自己的初 心，去做自己认为对的事情让观众感慨颇深，“是宫崎骏在用自己方式与自己的过去告 别”，也有观众被宫崎骏感染到，表示“被宫崎骏点亮了人生，收获了告别的勇气”。
Thank you
宫崎骏动画生涯
主要角色及主题探讨
主角人物介绍并深入解读电影的主题与象征意义
主要角色介绍
牧真人
本作主角，生于昭和时代的少年，故事开始时因为医院的火灾失去母亲久 子，在父亲与母亲的妹妹夏子再婚后，搬至母亲家族的所在地居住。 他在失去母亲后性格变得沉默，内心难以接受夏子成为他的继母。在经历 生活不顺遂时偶遇苍鹭，展开连串的奇幻冒险经历。
奇妙的缘分
《你想活出怎样的人生》是一本宫崎骏从10岁读到70岁的小说，与宫崎骏结下了 奇妙的缘分。
读后感
宫崎骏也曾在自传中书写对这本书的读后感，“这本书传达出一种理念，那就是无 论处在多么艰难或残酷的时代，都要活得像个人。”
影片评价 专业评价
01
上海文艺评论专项基金 评
如果一定要给出一个结论，或许可以说，对世界之问的解决，是通过内向的自我对持来实现的。 13个积木代表着什么？梦境入口一句话是什么含义？即便看过第二遍，我依然没能理解。沉浸 在82岁老人创造出的幻想世界是一场奇妙而奢侈的体验，我甚至迫不及待想再去影院体验一遍。
宫崎骏动画电影在中国的传播与启示
宫崎骏动画电影在中国的传播与启示作者：令狐菁菁来源：《电影评介》2021年第12期日本著名的动画电影大师，宫崎骏的动画电影风靡世界。
他的作品充满了丰富的情感与人性的光辉，引起了观众的强烈共鸣。
宫崎骏作品中饱含了日本的传统文化，而日本与中国一衣带水，文化上具有较多的相似性，这便使其作品中表达的文化与思想能够很顺利地在中国传播与接受。
电影作为宫崎骏动画作品的载体，其十分形象地承载与呈现了宫崎骏动画作品中所表达的文化与思想内涵，使之实现在全球范围内的广泛传播，提升了日本文化与日本电影的知名度与影响力。
一、《千与千寻》进入中国电影市场《千与千寻》是宫崎骏的代表作之一，于2001年在日本上映并在当年创造了票房神话，翌年更是获得了第25届日本电影学院奖最优秀作品奖、第52届柏林国际电影節金熊奖和第75届奥斯卡金像奖最佳动画长片等奖项。
2019年，我国正式将该片引入内地，即便在中国市场已有无数人看过这部电影，2019年上映时也收获了将近5亿的票房以及猫眼评分9.3的高分①。
究其原因，从中国制片方的角度来看，主要有以下几个方面：首先，由于宫崎骏电影本身的吸引力与影响力使得许多忠实粉丝走进影院重温这部电影;其次，国内在引进时配制了中文配音、且配音演员以明星为主，如千寻的配音是周冬雨、白龙的配音是井柏然。
两位演员在年轻观众中间很有人气，一定程度上扩大了电影对新粉丝的吸引力，也扩大了电影本身的宣传广度;最后，在宣传海报上，负责海报绘画的是中国电影界顶级艺术家黄海。
为了能让宫崎骏动画电影的世界观完整地传达给国内观众，海报的每一个细节都经过了精心设计。
在主人公形象方面，海报塑造了主人公自立自强的形象，能够给青少年树立正面的榜样。
这打动了许多家长，他们带着孩子走进影院观看这部电影。
然而并不是所有采用相同引进方法的日本动画电影在中国都能取得成功，也有水土不服的例子。
如《樱桃小丸子：来自意大利的少年》《精灵宝可梦：波尔凯尼恩与机巧的玛机雅娜》《黑子的篮球：终极一战》等也都是来自日本的动画电影，且本身是有漫画粉丝基础的，但最终在中国只收获了百万票房，并未大火，影响力也远不及《千与千寻》。
宫崎骏作品经典语录
宫崎骏作品经典语录1. 宫崎骏说过：“不管前方的路有多苦，只要走的方向正确，不管多么崎岖不平，都比站在原地更接近幸福。
”就像我有个朋友，他一直想当画家，可周围人都不看好，说画画没前途，赚钱难。
但他就认定了这个方向，一路坚持，虽然过程中吃了不少苦，画材贵，还得四处找灵感，有时候一幅画改了又改，可他没放弃。
现在他虽然还没成为特别有名的画家，但他的画已经能卖不少钱了，而且他每天都过得很充实，比以前浑浑噩噩的时候幸福多了。
这就是向着目标前进的力量啊。
2. “我不知道离别的滋味是这样凄凉，我不知道说声再见要这么坚强。
”宫崎骏这话真的太戳心了。
我记得我小时候，邻居家的大姐姐要搬走了。
我们平时一起玩，就像亲姐妹一样。
那天她来跟我道别，我哇的一下就哭了，根本不想说再见，那时候我才知道，原来离别是这么难受的事，想要坚强地说声再见真的好难。
就像你养了很久的小宠物突然不见了，心就像缺了一块似的。
3. 宫崎骏讲过：“人是要长大的，有天你也会推着婴儿车幸福地在街上行走，而曾经的喜欢，不管曾经怎样，都会幻化成风，消失在时光的隧道。
所以向前走，向前走，无须回头。
”你看那些曾经在校园里爱得死去活来的小情侣们。
我有个同学，高中的时候和男朋友好得像一个人似的，整天黏在一起。
可后来上了不同的大学，慢慢就疏远了。
再后来，她结婚生子，推着自己的宝宝逛街的时候，再想起高中的那段感情，就只是笑笑，觉得那是很美好的回忆了。
这就像一阵风，吹过就过了，人总是要不断向前的呀。
4. “在这个世界上别太依赖任何人，因为当你在黑暗中挣扎时，连你的影子都会离开你。
”这话说得好实在啊。
我有个同事，他工作的时候总是依赖一个老员工带他。
后来有个大项目，老员工自己都忙不过来，根本顾不上他。
他一下子就慌了，像个无头苍蝇一样。
那时候他才明白，不能总是依赖别人，自己得有本事。
就好比你在海上划船，要是只靠别人拉着你走，一旦人家放手，你就只能在海里打转了。
5. 宫崎骏说：“生活坏到一定程度就会好起来，因为它无法更坏。
千与千寻影视动画赏析
《千与千寻》影视动画赏析影片名称：千与千寻导演/编剧/原作/脚本/监督：宫崎骏（一）背景：《千与千寻》是日本著名动画大师宫崎骏献给曾经有过10岁和即将进入10岁的观众的一部影片，它以现代的日本社会作为舞台，讲述了10岁的小女孩千寻为了拯救双亲，在神灵世界中经历了友爱、成长、修行的冒险过程后，终于回到了人类世界的故事。
（二）主题思想：成长是动画永远不变的主题，本书所分析的八部经典动画无一不是此范畴的理念再现。
本卷的千寻与尼莫，下一卷的希达与辛巴，接下来的小鸡金婕与洛齐、怪物长毛与大眼仔、救母的沉香与救国的木兰，无论故事的背景是什么，故事的亮点在哪里，角色是什么身份与性格，角色成长都是贯穿故事的线索，是故事向前推进的动力。
同时，成长意味着什么，成长需要什么，成长的关键是什么，组成了动画的每一个细节，支撑起了每一个经典的亮点。
成长就是动画的全部。
不但如此，成熟的商业电影也是经常用此主题作为表现内容，无论这个影片依靠的是科幻还是警匪，爱情还是战争。
我们看到，影片中的角色都是在成长中发生故事，从《星球大战》到《哈利•波特》和《指环王》，从《阿甘正传》到《蜘蛛侠》，这些在商业上获得成功又赢得巨大声誉的影片无一例外地都在叙述着关于主角成长的故事。
成长是每一个人从童年走向社会后要面临的第一件大事，也是作为个体的人第一次开始与别人产生关系，有了交流，并与这个成人社会有了对抗，进而从叛逆到顺应的过程。
成长意味着妥协，也意味着开始了精神机制的思考。
成长其实是成人给予儿童的一个枷锁，同时也是引领儿童走向自己的途径。
这是一个有趣的现象，成人与儿童这两个词语其实只是人自己对自己身份的概念划分，这里不单是指生理年龄，更有一种对这个身份的理解。
电影也罢，动画也好，都是在对这个概念作出自己的诠释。
每一个角色在复杂的环境中，在不断的磨难中，按照某种既定的理念逐步前进，这就是我们乐于感知的“真理”。
当然，这种精神实质肯定要被表面故事包含在视听中，让观众在从容中接收社会主流价值。
动画文化：动画形象的符号学研究
动画文化：动画形象的符号学研究动画文化的精髓通过动画形象集中体现，动画形象是典型的文化符号文本。
本文通过梳理世界动画文化理论，指出应在批判性的动画理论基础上，建构实践性研究，为动画理论研究开创一个新层面。
导入符号学的研究方法，从符号特征和文化内涵的角度切入研究动画文化和动画形象，可以探究动画文化的深层结构和动画形象的符号意义，也可为当前的动画实践导向。
四、结语动画理论研究的语境势必随同文化研究的总体趋势，由现象描述转向深层结构研究，是深刻揭示动画产业内在规律的必由之路。
符号学研究是一种实用而典型的深层结构研究方法，动画文化中导入符号学的研究方法，可以实现动画文化研究的深化，即研究从个案研究转向整体文化研究，从文本中心研究转向传播中心研究，从作者中心研究转向了读者中心研究，从传者研究转向了受者研究。
这种现代动画基础理论研究中的学术转向，及时地调整动画形象研究适时地追随新的学术研究方向，从而科学地指导动画的创作实践。
注释：①在一项对中国动画产业的困境现状考察的研究中，曾借鉴世界动画产业尤其是美国和日本的成功经验和运作手法，分析了226个以美国和日本为代表的经典商业动画形象。
通过研究揭示了中国原创动画在政策倾斜和巨大的市场需要面前，裹足不前的真正症结是忽视动画形象的创意、制作和开发，并由此发现了两个重要规律：其一，动漫产业的本质是形象产业，动画形象的号召力是直接决定动漫产业竞争力的最关键因素之一。
动画形象之于商业动画片，类似“商业电影中的电影明星”，尤如“商业广告中的明星代言人”，是不可或缺的关键角色；其二，中国＂萌产业＂实体的核心竞争力是开发拥有版权归属的动画形象的产业符号。
动画文化往往通过动画形象体现，尤其是在商业动画片和动画产业的核心价值中。
②中国在动画形象的专题研究方面，《动漫星象馆》和《动漫名家名作速查手册2(经典角色传奇)》是其中较全面的著述。
另外，在动画史和动画影片的分析中也有部分涉及对动画形象的述评内容，散见于专著、编著和论文中。
《千与千寻》观后感精选15篇
《千与千寻》观后感精选15篇《千与千寻》观后感1其实我多年前看过《千与千寻》，以前看的时候就以为是一个奇幻冒险故事：一个小女孩跟随父母来到乡下，误入了一个灵异世界，然后小女孩在这个世界冒险，在这个世界她遇到了很多的困难也遇到了很多的贵人，最后在大家的帮助下带领自己父母逃离。
随着年龄的增长每一次看《千与千寻》都好像重新看到了一个新故事，每次都有新的感受渐渐发现这是一个关于坚守和初心的故事。
无论是宫崎骏，还是千寻，他们始终不轻言放弃的坚守和坚持，这不正像是为了梦想、为了生活而每天都在努力奋斗的我们吗？众所周知，电影的名字叫《千与千寻》，但大家知道为什么要叫“千与千寻”吗？其实，“千”与“千寻”都是主人公小女孩的名字，“千寻”是她原本的名字，“千”是后来进入幻境后，汤婆婆给她改的新名字。
汤婆婆的用意是给每一个来她那里工作的人赋予新名字，让他们忘掉自己原来的名字，找不到原来的自己，最终成为傀儡。
但千寻并没有像大多数人一样屈从于别人的意志，而是坚持初心，在历经艰险中守护自己的名字，最终获得救赎找到了父母回到了现实世界。
可以说，整部影片的主线讲述的就是“千”在不断地坚守自己是“千寻”的过程，而且在整个过程，她自始至终都没有忘记自己来此的最初目的。
无脸男是一个被孤独吞噬的人，他极度渴望爱。
千寻对他的关心，就像一束光，点亮了他的整个世界，让他的身体温暖起来，所以他迫不及待的想要对千寻好。
千寻需要一个药浴牌子，他帮她弄到了，后面又偷了好多药浴牌子给她。
他看到别人喜欢金子，他以为千寻也会喜欢，可是千寻拒绝之后，他惭愧地低下了头。
在现实生活中，每个人都会有欲望和贪念，如果不能有效控制，他们就会变成影片里被人控制和奴役的动物，一步一步走向麻痹和麻木，一步一步忘记他们内心曾经的诗和远方；每个人也都会常常感觉孤独，如果不能有效排解，他们就会变成影片里的反复无常甚至丢失自我的无脸男，去做自己本不想做的事，说一些违心的话，在卑微和讨好中失去自我，也忘掉了自己本来的面目。
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宫崎骏：思索与回归———日本的动画片和我的出发点（日）宫崎骏支菲娜编译1958年，日本最早的真正意义上的长篇彩色动画电影《白蛇传》公映。
正在准备高考的我，就是在那一年岁暮邂逅这部电影的。
我必须坦白一件非常害臊的事情，那就是，我曾经恋上了这部漫画电影中的女主人公。
我的心被她深深打动了，踉踉跄跄地走在雪花飘飞的路上，也不知怎么就回到了家。
看到她那坚韧和一心一意的品格，再看看自己这个没出息的样子，我伤心地在火炉边坐了一整晚，也哭了一整晚。
高考前的考试忧郁症、青春期的心智不全、还有投身制作三文钱的廉价闹剧的梦想……尽管分析起来和总结起来是这么容易，但是对于那个时候还不成熟的我来说，与《白蛇传》的邂逅给了我强烈的冲击。
我终于明白自己是多么愚蠢，居然想当什么漫画家，觉得能搞点流行闹剧就行了；我终于注意到自己是多么奇怪，尽管将瞧不起的话语挂在嘴边，内心却认为即使三文钱的廉价闹剧很低贱，只要能一心一意地搞的话……我不得不承认自己把世界想象得太单纯美好了。
从那以后，我开始认真思考自己的前途。
至少，我认定应该对未来付出真心。
1963年，我成为东映动画公司的一名新动画人。
但工作让我非常郁闷。
我正在制作的作品、提出的策划方案一个也没有被采纳，但另一方面我也尚未放弃当漫画家的梦想，心情摇摆于这两者之间使得我每一天都过得惴惴不安。
《白蛇传》带来的那份震撼已日渐淡薄，我整天只想着这部作品到处都是纰漏。
如果不是看到了工会举办的电影会上播放的《冰雪女王》，我怀疑自己当时是否还会继续动画电影的道路。
《冰雪女王》让我认识到作者是如何倾注心血于其中的、会动的影像是如何升华了演技的。
它证明，在描绘单纯而绝对朴素的、一贯始终的主题思想方面，动画毫不逊色于其它领域的最优秀作品，它也能深深打动人心。
内容的弱点不过是白璧微瑕，《白蛇传》也是如此。
我非常感谢上天让我成为了一个动画人。
我相信风水总有一天会转到我们头上来的。
于是我重新安安心心地坐在凳子上继续这份工作。
不管是《白蛇传》还是《冰雪女王》，都是通俗作品。
大学时代，被称为“愤青”的我常常泡在艺术影院中，观看了《天使嬷嬷约安娜》等电影。
但其中最吸引我的，却是《摩登时代》。
通俗作品的意义就在于你看到它的那一瞬间所产生的感悟。
作品的意义是由作为受者的观众在何种精神状态下观看这一点来决定的，这和作品的内容一样重要，而与作品作为永久性艺术的价值无关。
因为包括我自己在内的观众们，经常漏掉重要的征兆，并且还只有半吊子的理解力。
我认为，通俗作品的作用在于，让观众从日常的压力下解放出来，一泻积怨，发现自我内心中从来没有被注意到的憧憬和自我肯定，变得精神起来———哪怕只有一点点。
即使几分钟之后他会嘲笑这部电影是如此矫情，他也会认为这部电影对自己很有意义。
正如《白蛇传》的邂逅对我来说意义重大，并不是因为它影响了我选择职业，而是比起现在来，高考时的我远未成熟。
所以，通俗作品即使情节很单薄，只要充满真情就够了。
入口很低，谁都可以进来，但出口必须高尚而纯净。
我讨厌迪斯尼作品，正是因为它的入口和出口都是同样低的。
我认为它在蔑视观众。
在讨论日本动画片之前，我写下这些艺术信仰和自我剖析，只是想表明自己的立场。
比起作为自己范本的50年代的那些作品，我们现在的作品不过是些粗陋快餐罢了。
是流水作业改变了日本动画的现状。
一贯始终的敬业精神，被神经症和噱头所取代。
这份应该倾注着热情的工作，已经完全陷落于计件付酬的制作体制中。
我厌恶“ANIME”这个称呼，正是由于它象征着荒废的现状。
我不想替日本动画片进行辩护，也不想对它进行分析。
动画片应该和家用电子游戏机、进口车之类的相提并论才显得更贴切。
当我和朋友们谈到动画片时，话题常常会转移到文化状况及社会的颓废上来。
对于周产30部的日本TV动画连续剧，我已经哑然无言。
但不得不说的是，日本动画片的“过剩描写主义”和“动机的丧失”，正是使其腐朽的要因。
动画片的过剩描写主义“日本动画片”的基本情况是，吸收志向于漫画家的少男少女来改编漫画原作，并沿用漫画的人物作为主人公，汲取漫画的活力。
1963年之前，东映动画公司的作品源头与其说是漫画不如说是童话，而电视动画连续剧的出现和铺天盖地的漫画，切断了东映动画的宗元。
连续剧以漫画为基础，并基本上坚持以周为单位的短制作周期。
这就是“日本动画片”的发端。
受限于经济和时间的条件，不得不尽可能减少原画幅数。
工作人员的不足，则导致大量不熟练工和非对口人员的涌入。
这不光表现在作画部门，而是泛滥于全行业。
令人恐惧的是，数十年后的今天，这种情况还在继续。
赶档期被置于首位。
甚而动画片最大的特点———会动的画———也被尽量缩水。
而观众能够接受这种奇怪的东西，也是由于动画片的老大———漫画的影像语言早已渗透了整个社会。
促使日本动画片放弃“动”的元素的，正是漫画手法的导入。
简单明了的冲击场面非常符合赛璐珞的特性，所以每帧画面都显得具有张力，人物也都是俊男美女。
人物的生命力不是靠连续的动作或表情进行表现，而是在一幅画中展示其所有的魅力。
登场人物不是复合体，而是强调其某种属性，并加以意向化描写。
从前那种依靠动来展现的富有戏剧性的画面已经成为历史。
何况，依靠那些注水而又不注重团队合作的工作层，只要一大量生产品质就立即崩溃。
不光是画面设计，故事、场面构成、剪辑、画面内容，甚而连“动”本身都被偷梁换柱。
过剩描写主义开始流泛于整个日本动画片界。
但奇怪的是，此时却出现了一些为这种状况辩护的理论家，高唱着什么今后是有限动画片的时代，什么运动是繁琐的，炫目的静止画面才是更新的表现手法。
这实在是令人惊愕的。
在这种过剩描写主义的指导下，不但登场人物的造型和性格，连空间和时间都是彻底意向化的。
很多动画人认为，如果棒球在掷出与接住之间的时间被无限延长，短暂的瞬间就会变得很有张力。
而一个很小的游戏场面，也被夸张化成战场一般，主人公就成为其中的战士。
动画技术不过是一种花哨的手段，用以强调被延长和歪曲的空间与时间罢了。
本来大家就不擅长描写的日常的人物表情，由此被积极排除；而耽于非日常性场面的描写。
能否刻画战斗、比赛和机械类主题，展示核武器、激光枪等各种武器的火力，成为评价动画人能力的基准。
如果需要什么心理描写，就完全沿用漫画的描写手段，画面保持不动，而以音乐或构图来粉饰。
动画人则以自己负责的场面的花哨程度，来判定自己在剧组的受器重程度。
男主人公只会冷笑，而女主人公的瞳孔平常大如铜铃，但笑起来时又小如绿豆。
在充斥着各种艳俗色彩的意向化世界中，缺乏真实性而被极度意向化的人物矫情做作。
这可以说是日本动画片一大特色。
这种过剩描写主义出现时，与当时的流行理念非常契合。
的确，观众在观赏时，由于过剩投入感情，从而对作品产生强烈共鸣，所以极度支持这种手法。
动画人物的形象随之变得越来越花哨，比如巨大的瞳孔里面画上七种颜色的高光，头发也紧跟时代步伐，染成各种颜色，并且趋向于类型化。
这些繁重的表面工作增加了动画人的压力。
也许我对日本动画的抨击也过剩了吧。
日本的动画片并不都是深陷于过剩描写主义的。
也有人致力于在制约中开创和确立独特的技法；也有人致力于描写具有真实性的空间与时间；也有人致力于让动画从漫画中独立出来。
但是，大体上动画界都流泛着过剩描写主义，年轻的动画人也大多是憧憬着过剩描写而进入动画世界的。
动画片&过剩描写，所以动画片山穷水尽。
正如同讲谈是应观众之需一样，动画片的制作者失却了柔软性和对世界多样性的关注，从而失却了观众的支持。
尽管如此，很多动画人仍然没有注意到这毒害自己的动画观，仍然认为过剩的描写主义是动画片的魅力所在。
实际上，随着动画片热潮的退去，过剩表现主义已然失去市场。
另一方面，电视界也在反省动画片的观众层年龄过大，而倾向于重新回到面向儿童的层面上来。
但滋生日本动画片的过剩表现主义的土壤却丝毫没有改变。
由于制作不动的动画片这个条件没有改变，致力于愉悦孩子的动画人真是凤毛麟角，而更多人倾向于认为儿童观众都是退化的。
日本动画片的前途，实在是令人堪忧的。
动机的丧失也许在所有通俗文化当中，只有动画片最拘泥于爱和正义这两个主题。
也许这是因为动画是跟在漫画的屁股后面的分野，从根本上就落后于时代，而不是由于其团队作业和公共性。
现在，工作人员们已经不能够给主人公以自发的动机。
在有序的文明社会中，虚空的努力也可以被无条件接受。
过去那些明显的敌人已经不见了。
就像其它领域一样，主人公只剩下职业习惯：自己是机器人战士所以要打仗，是警察所以要抓犯人，想当歌手所以要打败竞争对手，是运动员所以要拼命。
除了这些，就只剩下对于性的关心了。
这是理所当然的。
即使是“企图征服世界的组织”这种内容的作品，每周也有好几部在同时上映。
而“爱”这个主题，在《宇宙战舰大和号》中被如此极度商业化后，也逐渐褪色。
《大和号》点燃了动画热潮的导火索，但它却是爱与正义的墓穴，这是多么讽刺啊！动机的丧失……日本动画片向人们证明，如果缺乏植根于主人公们的价值观上的自发性动机，作品是难以为继的。
所谓职业习惯和专业意识，就是某种无价值论，不过是生存竞争论的调调罢了。
如果以前述过剩展示主义的观点进行求索，会怎样呢？我们发现它们不过都是些游戏罢了。
爱情就是心理游戏，战争就是杀戮游戏，比赛就是赌博游戏。
日本的动画片都是游戏，登场人物的生死都游戏化了，创作人员则变成了神灵，毫无退路。
动画热潮被家用游戏机取代也是理所当然的。
因为同是游戏，后者的参加率要高得多，也更符合人们的需要。
创作人员如果画出让人难以置信的东西，立即就会露出马脚。
因此，大家认为生命力和活力是非常重要的。
每一天，都有新的婴儿诞生；每一天，儿童都在成长。
如何引导而不是误导他们，是每个动画人的责任。
即使儿童不再象从前那样对动画片中正义的主人公进行自我指认，我也希望动画片能够教给他们认识这个美好世界的能力。
看到儿童如此粗鲁和乐于破坏自己，我们就明白了现状和自己的任务。
动机的丧失这个现状，导致了不可信任和消极放弃、自我中心主义。
如果我们不注意这些，而只依靠自己的感性进行创作，到底能做出什么东西来？愚蠢地以为只要凭着专业意识就能创作这种想法，正是导致日本动画片腐坏的元凶。
我的动画观我的动画观，一言以蔽之：“自己想做的作品，这就是我的动画”。
动画的定义非常宽泛，以电视动画片为首，有广告、实验电影、剧场电影等。
但在这些门类里，如果不是自己想做的作品，即使别人认为它是动画片，我也绝不认为它是动画片。
总而言之，既不是漫画杂志、儿童文学，也不是实拍电影，而是自己创造一个架空的、虚构的世界，在其中嵌入我喜欢的人物，然后完成一个故事———这就是于我而言的动画片。
据说某个玩具商的广告费用有百分之六十是支付给某动画片公司的。
这也就是说，将商品动画化以使儿童们购买。
现实状况是，孩子们的动画世界被大人露骨地商品化了。