浅析艺术史发展的进步
从舞蹈种类的历史形成和发展中,论述舞蹈艺术发展规律
从舞蹈种类的历史形成和发展中，论述舞蹈艺术发展规律一、引言舞蹈作为一种艺术形式，已经存在了几千年之久。
从起初的原始舞蹈到如今的芭蕾舞、现代舞等各种不同类型的舞蹈，舞蹈艺术在不同的历史时期和文化背景下都有其特定的发展规律。
本文将从舞蹈种类的历史形成和发展出发，论述舞蹈艺术发展的规律和趋势。
二、舞蹈种类的历史形成1. 原始舞蹈：原始舞蹈是舞蹈艺术的起源，其形式简单、原始，往往与宗教仪式或社会活动有密切的关系。
原始舞蹈通过肢体语言和动作表达情感、祈祷或者娱乐等目的。
这种舞蹈形式的出现不仅满足了人类的情感和欲望，同时也反映出当时社会文化的需要和发展。
2. 古代舞蹈：随着社会的发展和文明的进步，舞蹈艺术也逐渐进化为古代舞蹈。
古代舞蹈更加注重形式和技巧的训练，展现了人们对美和完美的追求。
例如古希腊的古舞、中国的古代舞蹈等，都在当时的文化背景下形成了自己独特的风格和特点。
3. 民间舞蹈：民间舞蹈是舞蹈艺术中最为广泛流传的形式之一，它源于人民群众的生活和工作中，反映了人民对生活的态度和情感的表达。
民间舞蹈多样性和包容性是其最大的特点，不同地域、民族和文化都有自己独特的民间舞蹈表现形式。
4. 现代舞蹈：现代舞蹈作为舞蹈艺术的一种新兴形式，在20世纪初兴起，并在不断发展和演变中。
现代舞蹈强调个体的自由和创新，通过舞者的身体表现情感和思想。
它突破了传统舞蹈的限制和束缚，更多地关注舞蹈的内涵和表现力。
三、舞蹈艺术发展规律1. 多样性与包容性：舞蹈艺术的发展规律之一是多样性和包容性。
不同国家、地域和文化背景下的舞蹈形式都有自己独特的特点和风格，这种多样性和包容性反映了人类社会的多元化和交流。
2. 技巧与创新：舞蹈艺术的发展需要舞者具备一定的技巧和训练，但同时也需要创新和突破。
在舞蹈艺术发展的过程中，舞者通过创新和突破传统的形式和表达方式，来表达新的思维和情感。
3. 社会需求与传承：舞蹈艺术的发展离不开社会的需求和文化的传承。
浅析19世纪法国美术发展及影响
浅析19世纪法国美术发展及影响作者：冯璇来源：《科学导报·学术》2020年第46期19世界欧洲文艺是当时社会的一种缩影，在美术领域以绘画和雕塑的形式存在，在记录历史同时，也是对当时社会动荡的一种宣泄和表达。
19世纪的欧洲美术以法国为中心，当时的法国充满了阶级矛盾与革命斗争，导致19世纪的美术从一开始就充满了变化。
对抗与创新的碰撞，以崇尚自然描绘，尊重主观感受的“新势力”向以，墨守成规的传统派为代表的官方学院派和传统艺术发起了革新的挑战。
结果显而易见，一代又一代的革新者以他们所开创的新的艺术风格占据上风，并从而领导了19世界欧洲和世界美术的新潮流。
1.自由个性的浪漫主义18世纪随着法国宫廷享乐主义的税收压迫，统治法国多个世纪的波旁王朝及其统治下的君主制在短短三年内土崩瓦解。
法国在这段时期经历一个史诗式的转变。
政治动荡的社会变革也映射和影响了欧洲乃至世界美术的进程与发展。
新古典主义的思潮和风格充斥着法国当代社会的变革和19世纪初期法国绘画发展的思想基础，虽然撼动了巴洛克、洛可可等服务于贵族的艺术的主流地位却也保守的向罗马、希腊的风格看齐，在缺乏创新性的同时、也抑制了艺术家的创作激情。
与之相反，富有激情，崇尚唯心主义的浪漫主义登上了艺术是的舞台，如今当人们走进巴黎卢浮宫的时候都会在德拉克罗瓦的作品《自由引导人民》的面前驻足，大多数人不会去分析这幅画的三角形构图和自由女神所處的黄金分割点，他们更直观的感受是当时法国人民对自由与和平强烈的渴望与向往，这里没有清晰的轮廓线条，也没有明暗层次的冲击，不讲究矫揉造作的姿态，而是去抒发一种情绪、一个时刻、一种场景。
这也充分体现了以德拉克罗瓦为代表的浪漫主义对传统革新的首战告捷，他是个伟大的革命这种的一员，同时也成功的让艺术服务于大众而不是仅仅只是贵族阶级。
这一画派摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，开始以精神、思想、创造与现实为主要线索;画面色彩热烈，笔触奔放，富有运动感，同时也具有一定的进步性，为后来的画派奠定了基础和深远的影响。
浅析宋徽宗赵佶的艺术成就—以《腊梅山禽图》为例分析
一、中国花鸟画的发展史花鸟画与人物画、山水画一样，是我国古代绘画中三大画科之一。
追溯花鸟画的发展史，我们可以在新石器时代的彩陶上、夏商周时期的青铜器上，或者是汉代的画像石、画像砖上看到先人留下的花草树木、飞禽走兽的图像。
这些图像遗存都是在审美意识作用下产生的，先辈们在给自己创造物质条件的同时也创造了艺术。
但彩陶、青铜器等一些早期的花草鱼虫还不能直接就称它为花鸟画。
因为它不是艺术品，它是依附在物质或事物基础上的，不是独立的绘画艺 术[1]。
一直到魏晋南北朝时期，画家在人物画的背景上运用一些简单的花草树木去点缀装饰画面；至唐代，经济繁荣、社会稳佶是北宋倒数第二位皇帝，因为赵佶一生信任宦官，理政能力欠缺，加之穷奢极侈，百姓苦不堪言。
即便如此，赵佶在艺术史上却是一位受人尊敬的艺术家。
赵佶自幼就受到艺术的熏陶，并真心热爱绘画，登基之后不仅自己投入到诗书画中，他还通过颁布一些倾斜政策去大力扶持花鸟画的发展，但也正是他的爱屋及乌，才会对一些只会书画的奸佞小人委以重任，造成社会动荡。
鸟画：（1）在五代的基础之上进一步扩大翰林画院，并进一步加大宫廷画院的影响力。
两宋时期的花鸟画能够繁荣发展，除了受益于最高统治者的偏爱与重视，更主要的是得益于皇家“翰林画院”的建立。
宋徽宗赵佶上位之后，虽不理朝政，但因为酷爱书画，就在五代的基础之上进一步扩大了翰林画院。
宋徽宗自幼学习绘画，所以他比以往的帝王都更为尊重画家。
（2）专门开设画学。
赵佶专门开设了画学，并还将其纳入科北宋 赵佶 腊梅山禽图81.5cm×52.8cm台北故宫博物院藏妙惟肖的神态和细节的处理手法中，可以看出赵佶是一个注重写生并且尊重自然界客观事物的画家，而且通过欣赏这张画，我们可以清晰地感受到赵佶的画源于生活但又高于 生活。
（2）对“形”“神”的追求。
对“形”和“神”的追求用现代语言词汇可以说是对写实的追求，它不再只是停留在对所描绘的客观事物表面的观察上，还要追求内在的流露。
简述美术学科发展历程
简述美术学科发展历程美术学科发展历程可以追溯到人类最早的艺术创作活动。
在早期的人类社会，人们使用壁画和雕塑等形式表达思想和感情。
随着人类社会的发展，艺术创作也逐渐演变为一门独立的学科。
古代美术主要以宗教和权力为主题，表现形式以绘画和雕塑为主。
古埃及、希腊、罗马等文明都有独立的美术传统，其艺术创作对后世影响深远。
中世纪的欧洲，基督教艺术成为主导，教堂壁画和彩色玻璃窗成为当时最重要的艺术形式。
同时，文艺复兴运动的兴起为美术学科的发展带来了巨大的推动力。
在近现代，美术学科进一步发展。
艺术家开始追求个人表现和创新，艺术形式和载体也更加多样化。
印象派、立体主义、抽象艺术等艺术风格的涌现使美术学科逐渐趋于多元化和自由化。
此外，摄影、影像艺术等新媒体的发展也为艺术创作带来了全新的可能性。
当代的美术学科更加注重理论性和研究性的探索。
艺术理论和美学成为美术学科中重要的研究方向，艺术创作的文化、政治、社会影响等问题也引起了学者们的关注。
此外，当代艺术开始强调参与性和实践性，艺术与社会、环境、人们的生活密切相关。
美术学科在大学里成为一个独立的专业。
学生需要学习绘画、素描、色彩、构图、造型等基础知识和技巧，同时也需要了解艺术史、美学理论等相关知识。
学生会通过创作作品、写作论文等形式进行学科的学习与实践。
总的来说，美术学科发展历程是人类文明进步的一个缩影。
从最早的壁画和雕塑到现代多媒体艺术，美术学科不仅承载了人们对美的追求和表达，也成为了文化、历史、社会等多个学科交叉的领域。
未来，随着科技的不断发展和社会变革的加速，美术学科将继续发展并与其他学科形成更紧密的联系，为人类社会的进步和发展做出新的贡献。
简述电影艺术发展史上的三次重大变革
简述电影艺术发展史上的三次重大变革电影艺术作为一种独特的艺术形式，经历了多次重大变革，推动了电影艺术的发展与进步。
本文将围绕电影艺术发展史上的三次重大变革展开讨论。
一、声音技术的引入在电影艺术的发展历程中，最重要的一次变革是声音技术的引入。
在20世纪20年代初，电影还是无声的，只能通过银幕上的画面来传达故事情节。
然而，1927年上映的《爵士歌王》改变了这一现状，它是第一部有声电影。
有声电影的问世，使得电影艺术可以通过对话、音效和音乐来丰富叙事，增强观众的沉浸感。
声音技术的引入，使电影的表现形式更加多样化，也为后来的音乐、音效和对白的创作提供了更大的空间。
二、彩色电影的出现另一次重大变革是彩色电影的出现。
在电影的早期阶段，电影是以黑白的形式呈现的。
然而，随着技术的不断进步，彩色电影得以实现。
1935年上映的《乱世佳人》是第一部采用彩色技术拍摄的电影。
彩色电影的出现使得电影更加真实，更贴近现实生活。
色彩的运用不仅提升了电影的艺术观赏性，也为导演和摄影师带来了更多的创作空间。
彩色电影的问世，使电影艺术在视觉上更加丰富多彩。
三、数字技术的革新数字技术的革新是电影艺术发展史上的又一次重大变革。
20世纪末，数字技术的发展使得电影制作从传统的胶片方式转变为数字化的制作方式。
数字技术的应用不仅提高了电影的画质和音效，也极大地提高了电影的制作效率和灵活性。
数字技术的引入，使得电影的特效更加逼真，场景的构建更加自由，极大地拓展了电影艺术的表现力。
同时，数字技术也为电影制作带来了更多的商业机会，使得电影产业得以迅速发展。
电影艺术在其发展史上经历了几次重大变革。
声音技术的引入使得电影艺术可以通过对话、音效和音乐来丰富叙事；彩色电影的出现使得电影更加真实，更贴近现实生活；数字技术的革新则为电影制作带来了更高的画质和音效，以及制作效率和表现力的提升。
这三次重大变革不仅推动了电影艺术的发展，也为观众提供了更加丰富多样的观影体验。
美术史从古至今的美术发展历程
美术史从古至今的美术发展历程美术是人类文明发展中的一大重要组成部分，记录了人类对于美的追求与表达。
从远古时代至今，美术经历了漫长而丰富的发展历程。
本文将带领读者回顾美术史的重要里程碑，探索美术从古至今的发展脉络，带来了世界上各种不同风格和技法的艺术作品。
1. 史前美术：在上万年前的史前时代，人类已经开始进行岩画和壁画的创作。
这些史前美术作品以动物图案和人物形象为主，通过线条和颜料等简单工具表现出生活场景和人物形象。
这种原始的美术创作形式直接反映了当时人类对于生活和自然的感知与表达。
2. 古代美术：随着人类社会的进步，古代文明的兴起也催生了世界各地的古代美术。
在古埃及，壁画和石碑上的浮雕成为了记录神话、宗教和法律的载体。
在古希腊和罗马，雕塑和绘画成为了展示理想化人体和神话故事的方式。
而在中国，古代绘画以山水、花鸟等自然景观为主题，追求意境和写意的表达。
3. 中世纪美术：进入中世纪时期，以天主教为主导的宗教信仰成为美术创作的中心。
各地的教堂和大教堂上绘满了宗教题材的壁画和镶嵌画。
这些作品以表现虔诚信仰和宗教教义为目的，形成了独特的宗教艺术风格。
同时，中世纪的书法和装饰手稿也成为了美术发展的重要组成部分，展示了精美的插图和装饰元素。
4. 文艺复兴：文艺复兴时期是欧洲美术史上的一次重要革命。
艺术家们开始以人体为中心，追求经典美和逼真再现。
达·芬奇和米开朗琪罗等艺术家的杰作成为了文艺复兴时期的代表。
此外，文艺复兴还推动了绘画、雕塑、建筑等不同艺术门类的融合与发展，为后来的艺术创作奠定了基础。
5. 现代美术：随着工业革命和科学技术的飞速发展，现代艺术呈现出多样化和多元化的特点。
印象派的出现打破了传统视觉表达方式，强调光线和色彩的变化。
立体主义、表现主义、超现实主义等各种艺术流派相继兴起，艺术家们开始追求个人表达和观念创新。
此外，摄影、电影、装置艺术等新兴媒介的出现也为美术创作带来了新的可能性和挑战。
文艺复兴时期艺术的进步性与局限性
文艺复兴首先发端于意大利，然后逐渐传播到欧洲其他国家，在不同地区、不同国家表现的形式也 不尽相同，在意大利表现为绘画和雕刻、建筑的成就，而在德国则表现为农民战争和宗教改革运动。
文艺复兴美术三杰作品欣赏
十五至十六世纪，著名艺术家达·芬奇、 米开朗琪罗、拉斐尔的绘画及雕塑艺术， 被后世誉为意大利文艺复兴时期的三杰。 他们的辉煌成就，不仅对欧洲而且对全世 界后来艺术的发展产生了深远的影响。三 杰作品至今为世人推崇乐道 。
文艺复兴时期的美术成就
文艺复兴虽以学习古典为特点，却绝非单纯的复古，实质上是通过学习古典的途径创造 文化。希腊、罗马的古典艺术由于中世纪的长期破坏，已经相当残缺，虽极力恢复，所 仍属有限。然而文艺复兴时代的人们学习古典,并不是简单仿效,而是取其精神。 古典艺术的具体形式固然予人以启发，但更重要的是从中领悟到现实主义的方法和古典 会的民主思想。中世纪被教会控制的美术基本上是非现实主义的，宗教神学笼罩一切； 封建的文艺复兴新美术主要以贯彻现实主义和体现反对宗教禁欲主义的人文主义思想为 旨，而古典美术也正是在这两方面成了新美术的良师益友。因此，文艺复兴美术之学习 典不同于其他时代的复古、仿古倾向；也不同于中世纪美术中偶尔可见的习用古典形式 个别现象。与此相关的是，从具有现实主义这个本质特征看，某些西欧的早期文艺复兴 术（如尼德兰美术）虽然学习古典这方面尚无多大发展，却同样应被认为是新美术的一 杰出代表。 文艺复兴美术的现实主义方法和人文主义思想，在创作实践上是密切结合的。人文主义 调人性崇高与身心的全面完美，重视世俗的现实生活，反对神学权威和封建特权。新美 创作的真实完美的人物形象和生动丰富的现实情景，就最能体现这种思想，产生最为广 和强烈的反应。加以在当时具体条件下，新美术创作是较易为广大群众和新兴资产阶级 受的文化形态，因此美术变成文艺复兴文化最受欢迎的代表，成果也最为丰富。文艺复 美术作为西方近代美术的源头，它的基本风格和表现技法构成了西方近代美术的主要传 影响极其深远。在造型艺术方面，它以写实传真为首务，开创了基于科学理论和实际考 的表现技法，如人体解剖和透视法则等，从而使它得以达到古典艺术之后一个新的高峰 在风格和技法上它和东方艺术以及一切近代之前的艺术有本质区别。在建筑艺术方面， 以恢复古典建筑传统为首任，同时着重探讨建筑美感的理性法则，从而奠定了西方近代 筑延续数百年的典名： 蓝月亮 班级：英教0806 学号：20080301236
浅析葫芦丝艺术的发展
浅析葫芦丝艺术的发展作者：郭蕾来源：《北方音乐》2017年第24期【摘要】本文从葫芦丝的制作工艺、葫芦丝音乐创作和演奏技法、葫芦丝教学和葫芦丝推广四个方面对葫芦丝艺术的发展进行了梳理和阐述，论述了葫芦丝艺术发展中取得的成果和存在的问题，希望能为研究葫芦丝发展规律和发展方向的同仁提供参考。
【关键词】葫芦丝；发展；制作工艺；推广；创作【中图分类号】J60 【文献标识码】A一、葫芦丝历史概况葫芦丝，又称葫芦箫，是云南少数民族簧管类吹奏乐器。
主要流传于傣族、阿昌族、佤族、德昂族和布朗族等聚居的云南德宏、临沧地区。
葫芦丝的历史较为悠久，其渊源可追溯至先秦时代，由葫芦笙演变、改进而成，在乐器构造上仍保持古代乐器的遗制①。
二、葫芦丝艺术的发展（一）葫芦丝制作工艺的不断进步随着学习葫芦丝的群体不断扩大，传统手工作坊式的葫芦丝乐器制作模式已经满足不了日益扩大的市场需求。
良性的市场竞争和不断丰富的葫芦丝作品对葫芦丝的制作工艺、音准、音色、音域提出了更高的要求，客观上推动了葫芦丝制作的进步与葫芦丝乐器的完善。
随着葫芦丝生产模式的主流由“手工作坊”模式向現代工业生产企业模式的转变。
葫芦丝制作环节中非必须纯手工的步骤，都加入了现代机械的辅助。
例如打孔、雕刻、抛光、上漆等环节。
这样流水线的生产不但提高了生产效率，降低了生产成本，而且使制作出的成品外观更精美，更能保证葫芦丝的产品质量。
制作技艺的提高也将葫芦丝的音准、簧片的适应性和稳定性、音域等方面都得到了极大的改善，出现了外形精美、音准音色上乘、音域更宽的超七孔改良葫芦丝，使葫芦丝不仅能演奏地方民歌小调，而且能完成难度更高、音域更宽、专业性更强的独奏曲目，大大丰富了葫芦丝的艺术表现力。
（二）葫芦丝音乐创作风格的多样性和演奏技法的创新。
1.创作曲目的音乐风格多样化葫芦丝音乐最初走进大众视野时就打上了“云南少数民族乐器”的标签。
音乐风格主要以演奏云南的民歌小调为主，这在一定程度上限制了葫芦丝音乐创作的发展。
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浅析艺术史发展的进步
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传统艺术史一直是根据不断进化的观点撰写的，首先在古典时期，然后在文艺复兴时期，近代以至现代，从瓦萨里到黑格尔莫不如此。
瓦萨里、黑格尔等人把艺术史视作一个不断发展的进步的历史过程。
传统艺术史的研究对象被局限于视觉艺术和西方艺术。
这种艺术史发展观在欧洲乃至在世界都有着非常深远的影响，以致逐渐形成以欧洲等同于世界，以视觉艺术史等同于艺术史的观念在很大程度上左右着大多数人的头脑。
基于此，需要不断对既往艺术史进行检视和重新认识，从而建立起一种真正的全面的适于艺术史自身健康发展的一般艺术史。
一、瓦萨里
意大利佛罗伦萨乔尔乔·瓦萨里( Giorgio Vasa-ri) 作为艺术史学科的创始人，其论述文艺复兴艺术和艺术家的不朽著作《意大利最杰出的建筑师、画家和雕塑家传记》确立了他在艺术史学科的创始人地位。
( 一) 艺术史观的哲学和方法论基础
瓦萨里的艺术史发展观明显受到欧洲古老的“艺
术模仿自然”这一传统理论的支配。
他在《意大利艺苑名人传》的序言中写道: “我们的艺术完全是模仿，首先是模仿自然，其次，由于其自身达不到那样的高度，所以又是模仿那些被视为最为杰出者的大师的作品。
他强调视觉艺术与自然及其模仿物都要符合这种理想美。
这种理想美就是美的典型，而模仿是一种获取典型特征的形式，它的优点在博取众长，把不同模特儿身上最美的部分集中聚合在一起，从而构成最完美的艺术形象。
瓦萨里在其专著第三部分序言中写道: “风格关注于源自现实的最美的因素，这种因素产生于不断地记录最美的实物，以及将那些最美的东西，双手、头部、身躯和双腿，结合在一起，以使一个形象尽可能地优美。
”
( 二) 瓦萨里的艺术史发展观及其影响
瓦萨里对于艺术史的成就主要在于他最早进行系统的理论关照下的艺术史的思考。
以君士坦丁堡时代作为艺术发展的一个重要标志，瓦萨里将人类艺术发展史分为三个时期: 一是“古典风格时期”，即自艺术诞生到公元 4 世纪，艺术从不可探知的起源走向了完美的创造。
二是“旧式风格时期”，即从公元4 世纪到公元13 世纪中期这段漫长的中世纪时期，艺术从完美的创造走向衰落。
三是“现代风格时期”，即从公元
13 世纪中后期到瓦萨里自己的时代，艺术开始缓慢地复兴，最终走向完美的巅峰。
有趣的是，瓦萨里把生物有机体的盛衰循环理论运用到了艺术史发展中。
在他看来，艺术的完美与衰败，就如同有机体的衰亡。
他相信，艺术作为一种历史现象，也像人体一样，有诞生、成长、衰老和死亡的过程。
据此，他将13 -16 世纪200 多年的艺术发展历程分为三个阶段，即童年、少年和成年。
在这个三部曲中，每一个艺术家都明确地处在某个预先设定的位置上: 艺术从粗糙的拜占庭手法到契玛布埃和乔托时代的觉醒，接着是15 世纪马萨乔对真实性的征服，最后是达·芬奇开始了第三时期并且宣告了以前艺术发展的顶点和对于以前问题的解决，而米开朗琪罗则是标志着艺术的高峰和衰落的分水岭。
“作为自然的模仿者，艺术已经尽其所能，达到了登峰造极的境界。
”
可以肯定，自瓦萨里以来，艺术就变成了一连串拒绝古典理想衰退、不断再生的过程。
文艺复兴时代的许多观念和理想后来都被学院( academic) 的发展在形式上固定下来，这种局面一直持续到19 世纪末。
二、温克尔曼
瓦萨里不仅提供了一种艺术史写作的模式，而且还提供了一整套美学的规范。
而这些相同的规范仍然
适用于温克尔曼及其所处时代的艺术争论上。
温克尔曼是瓦萨里艺术传统的最重要的继承人。
温克尔曼也把艺术发展史视作是一种有机的发展过程。
他认为: “艺术史的目的在于叙述艺术的起源、发展、变化和衰颓，以及各民族、各时代和各艺术家的不同风格，并且尽可能地根据流传下来的古代作品来做说明。
歌德曾竭力把这种看待艺术的有机发展观归功于温克尔曼，这一见解有失偏颇。
不难看出，温氏的史学发展观与瓦萨里的有机发展观有明显的承续关系，但就温氏更多地强调艺术的历史和兴衰还需符合于和植根于各民族的历史和条件来说，歌德之说无疑是有道理的。
正像他的前辈瓦萨里一样，审美的规范和标准决定了艺术的历史性记述的形式和逻辑。
古代文化遗迹以及与之相关的外部条件，都必须有一种“先验的”审美批评标准。
在他看来，这种标准就存在于古希腊人的理想之中。
跟他的前辈瓦萨里论述艺术理想的复兴一样，温氏关注的是这种典范艺术向绝对完美的发展。
这样，瓦萨里的美学规范，在温氏的《古代艺术史》中几乎无处不在。
关于“美”，温氏认为: “神是最高的美; 我们愈是把人想像得与最高存在相仿和相近，那么关于人类的美的概念也就愈完善，最高存在以其统一和整体的概念区别于物质。
”很明显，在温氏那里，
美作为神，是一种最高的存在和最高的统一，它不是具体的个别的可感知的物质的美，而是一种理念，是一般的美，与黑格尔的透着“绝对精神”意味的关于“美是理念的感性显现”这个概念几乎同出一辙。
三、黑格尔及其《美学》
( 一) 哲学基础
黑格尔的哲学是一种“精神哲学”。
他的哲学仿佛是一个童话故事，是精神及其在自然物质世界中的冒险，而这些意象随后又化解成犀利深刻的思想。
他放弃了瓦萨里以来始终坚持的艺术模仿论，而代之以精神哲学。
黑格尔的艺术哲学最终使艺术史得以从一种传统的由审美的价值体系所确定的循环论中分离出来。
他曾高度评价温克尔曼: “从观察古代艺术理想得到启发，因而替艺术欣赏养成了一种新的敏感，把庸俗的目的说和单纯模仿自然说都粉碎了，很有力地主张要在艺术作品和艺术史里找出艺术的理念。
( 二) 艺术发展周期论
黑格尔按照精神与物质的辩证关系，将人类艺术的发展历程描述为理念( 或绝对精神) 在不同时代的表现形态: “概括地说，这就是象征型艺术、古典型艺术和浪漫型艺术作为艺术中理念和形象的三种关系的特征。
这三种类型对于理想，即真正的美的概念，始
而追求，继而到达，终于超越。
”与之相对应，他按精神性从高到低的次序把建筑、雕塑、绘画、音乐与诗歌等艺术形式划分为不同等级。
这就是理论界常提到的艺术史“象征型- 古典型-浪漫型”发展模式，也就是黑格尔的精神发展论与艺术形态论之间的辩证关系。
黑格尔把东方艺术称为“象征型艺术”，他对东方艺术总的特征的把握确实是相当深刻地。
然而，并非完全如黑格尔所说，东方艺术内外形式间是不和谐的。
相反，东方艺术并不是把精神意义和感性形象分离开来。
因为在东方艺术中，一切对感性事物的描写，即使是很有写实性的描写，也都具有某种精神性的象征意义，而决不仅仅停留在感性事物本身。
然而，现在看来，黑格尔艺术史的不足之处也是很明显的。
黑格尔的精神发展理论所建构的艺术史体系，是一个循环封闭的体系。
它在实际上按照精神发展的逻辑人为地给艺术史的发展强加了一个封闭性的圆弧，艺术史的复杂性在这里被简化了，而艺术本身则被宗教和哲学这些更接近理念光辉的活动所替代也就成为必然。
黑格尔是用哲学体系阐释艺术史，实际上消解了艺术史的独立性。
事实上，艺术的发展演变受着多种因素的影响。
四、结语
基于以上原因，当今学界强烈吁求建立一种真正打通的包括视觉艺术、听觉艺术和综合艺术在内的涵括西方和非西方艺术的一般艺术史。
这既是艺术和艺术史学科本身健康发展的需要，也是对艺术史自身历史发展的反思和重新认识的必然结果。
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