油画分析
印象派油画笔触的视觉特征分析
印象派油画笔触的视觉特征分析
印象派是19世纪末期欧洲艺术界的一股重要派别，其创作风格突破了传统绘画的规范，强调色彩和笔触的情感表达。
印象派油画笔触的视觉特征是非常明显的，下面我们就来探
讨一下具体有哪些方面。
首先是笔触的轻灵感。
印象派的画家们倡导捕捉瞬间的印象和感受，因此他们的作品
都强调画面的灵动感。
在画笔的运用上，印象派画家们善于运用轻快的笔触，勾勒出形象
的轮廓线条，从而使画面显得富有动感，自由而轻盈。
其次是笔触的粗糙感。
印象派画家倡导“为了捕捉印象，而不是完美复制客观现实”，因此他们的作品中往往表现出一种粗糙的笔触感。
画家们借助笔触的粗糙感来凸显艺术性，使画面显得更具情感和艺术感受。
再次是笔触的颜料感。
印象派画家通过对颜料的运用和大胆的色彩组合，创造出独特
的画面效果。
他们的画作中往往强调画面的色彩感受，而笔触则是调动色彩的重要手段。
笔触的颜料感在画面中往往被放大出来，或者说，笔触本身就是一种颜料运用的方式，给
人以颜料流动的感受。
最后是笔触的放松感。
印象派的画家们通过对画笔的放松掌控，使画面呈现出一种自由、随意的气息。
他们在创作中强调自由、随意、随心所欲的方式，而笔触的放松感就是
其中一个体现。
在这种放松中，画家们可以更自由地发挥自己的深层意识和情感，表现出
内心真正的情感和观念。
总之，印象派油画笔触的视觉特征是具有独特的艺术风格和表现手法的。
从轻灵、粗糙、颜料感到放松感，这些笔触手法都是印象派画家们进行视觉表达的一种手段，它们带
来了极大的艺术活力和体验感受。
印象派油画笔触的视觉特征分析
印象派油画笔触的视觉特征分析
印象派油画是19世纪末期在法国产生的艺术流派，其以光影效果和对自然的印象为主要特点。
对于印象派的油画，有一些视觉特征十分明显。
颜色
印象派油画最大的特点之一就是色彩的使用。
印象派画家们不再局限于传统艺术中的
阴暗调色调，反而使用大量的鲜艳明亮的颜色来表现自然。
这些颜色通常是橙色、黄色、
紫色和蓝色等。
色彩运用的另一个特点是色块的使用。
印象派的油画家们倾向于将画面分为许多小颜
色块来表现光的变化。
因此，这些颜色块的大面积运用，在画面上表现出一种抽象的色彩
效果。
光影
印象派油画通常以光感和光影变化为主题，这也是印象派留下的另一个突出特点，如
阳光下的光影和反光。
光的运用在印象派油画中是极其重要的，画家们试图通过对光的表
现来深刻的表现景色。
印象派画家们通过色彩变化来表现光线的性质，从而给人以充满生
气的印象。
这种光亮的特征有助于产生更深层次的影响。
笔触
印象派油画的又一个重要特点就是笔触的特征和运用方式。
传统的油画笔触通常是光滑、细腻和有一定纹理的，而印象派油画的笔触则显得更加自由、宽大、散漫和直接。
印象派油画家们的笔触通常是短而快速的，用于捕捉当下的印象。
这种笔触方法非常
具有表现力和感召力，用于捕捉光亮和色彩的变化。
总体而言，印象派油画的视觉特征是鲜明、充满生机和自由的。
画家们在表现自然时，更注重表达氛围和情感，而不仅仅是形态上的表现。
这种视觉特征让观众感受到了一种自然、舒适和绚丽的感觉。
小学美术《油画赏析》教案
（五）总结回顾（用时5分钟）
今天的学习，我们了解了油画的基本概念、重要性和应用。同时，我们也通过实践活动和小组讨论加深了对油画赏析的理解。我希望大家能够掌握这些知识点，并在日常生活中发现和欣赏艺术的美。最后，如果有任何疑问或不明白的地方，请随时向我提问。
3.油画创作主题分析：针对课本中提供的油画作品，引导学生探讨创作主题，激发学生的想象力和创造力。
4.色彩搭配知识：结合油画作品，讲解色彩的搭配原理，如对比色、互补色等，帮助学生提高色彩审美能力。
5.学生实践：指导学生运用所学知识，进行简单的油画创作尝试，培养动手能力和审美情趣。
二、核心素养目标
1.培养学生的审美鉴赏能力：通过赏析经典油画作品，让学生学会从色彩、线条、构图等方面评价美术作品，提高审美水平。
五、教学反思
本节课通过对小学美术《油画赏析》的学习，旨在让学生感受油画艺术的魅力，提高审美素养和创造力。以下是本节课的教学反思：
1.教学目标：本节课是否达到了培养学生审美鉴赏能力、艺术创新能力、文化理解与尊重、团队协作与沟通能力的目标？在今后的教学中，如何更好地实现这些目标？
2.教学内容：教材内容与学生实际生活的联系是否紧密？教学内容是否具有趣味性和挑战性？如何调整教学内容，使之更符合学生的兴趣和需求？
-色彩搭配知识：学生能够理解并应用色彩的对比、互补等搭配原理，提高作品的整体视觉效果。
举例解释：
-在欣赏梵高的《向日葵》时，重点讲解其色彩的使用和线条的表现力，强调梵高如何通过色彩和笔触传达出作品的情感。
-介绍干画法时，通过课本中的示例作品，展示干画法在表现物体质感和立体感方面的优势。
关于油画创作中色彩的情感表现分析
关于油画创作中色彩的情感表现分析色彩是油画创作中非常重要的元素，它可以通过不同的组合与运用来传递情感。
对于油画创作中色彩的情感表现，可以从色调、明暗、亮度和对比度等方面进行分析。
首先是色调。
色调具有暖色调和冷色调之分。
暖色调如红色、橙色、黄色等常常给人以热情、活力、温暖的感觉，而冷色调如蓝色、绿色、紫色等则常常给人以冷静、深沉、冷清的感觉。
油画中通过选择不同的色调来表达情感，可以使画面产生某种情绪，如使用暖色调来表现喜悦、活力的画面或使用冷色调来表现忧伤、寂寞的场景。
其次是明暗。
明暗的对比可以使画面更具层次感，通过清晰的明暗交错可以表现出光线与阴影的效果，给人一种立体感。
光线的变化可以使画面更加丰富，明亮的区域常常代表希望与欢乐，而阴暗的区域则常常暗示着困扰与悲哀。
通过明暗的运用，可以让观者更好地理解画面所传达的情感。
再次是亮度。
亮度是指色彩的明亮程度。
亮度的高低直接影响到画面的整体效果和情感表达。
较高的亮度常常给人以活力、轻松的感觉，而较低的亮度则常常给人以压抑、紧张的感觉。
通过调整亮度来表达不同的情感，可以让观者产生不同的感受。
最后是对比度。
对比度是指色彩之间的明暗对比程度。
高对比度的画面通常给人以强烈冲击的感觉，而低对比度的画面则显得柔和、舒适。
通过增加对比度可以使画面更加生动，吸引观者的注意力，而减小对比度则可以缓和画面的冲击力，给人以柔和的感受。
不同的对比度运用可以表达出不同的情感。
油画创作中色彩的情感表达是通过选择不同的色调、明暗、亮度和对比度来达到的。
不同的色彩组合和运用可以诱发观者的情感，给人以不同的感受。
艺术家可以通过丰富的色彩运用来传达自己的情感与观点，创造出富有表现力和吸引力的油画作品。
古典油画艺术表现分析
古典油画艺术表现分析摘要：从古至今，绘画艺术源远流长，内涵丰富，早期的油画创作更是体现了人类的无穷智慧，时至今日依然具有较高的欣赏价值。
对于油画而言，它属于绘画语言的一种表现形式，起源于十四世纪末与十五世纪初的欧洲，由此，成了绘画领域具有开创性的画种。
古典油画色彩语言丰富，具有很强的主观性表现能力，能反映不同时代的美学追求。
本文通过介绍欧洲古典油画，讨论欧洲古典油画的基本特征和欧洲古典油画的艺术表现，并分析欧洲古典油画色层的独特性。
关键词：欧洲古典油画；艺术表现；选材；构图；色调随着时代的进步，社会发生了翻天覆地的变化，而互联网更促进了各个行业的多元化发展格局，以至于思想意识方面也呈现出多样化的趋势。
在这种环境下，人们的审美意识也在不断提升，尤其是对艺术的欣赏达到了一个前所未有的高度。
在绘画艺术方面，油画可以说是无处不在，无处不有，时时刻刻吸引着公众的眼球，如何能让油画在当代取得更好的发展和创新，很有必要学习并借鉴早期的油画艺术表现特点。
众所周知，油画起源于欧洲，经历了古典油画、近代油画、现代油画等不同的发展时期，其古典油画的艺术特点极具魅力，传承价值永不减退。
为此，本文着重浅析欧洲古典油画的艺术表现，以便为绘画艺术从业者提供可行性的参考，最终推动我国古典油画艺术事业的蓬勃发展。
一、欧洲古典油画的概述（一）形成初期据史料记载，在十四世纪之前，油画还没有产生，人们在作画时采用的是最为简单的“调和法”，“调和”的材料主要是“颜料”“蜡”“动物胶”，有的人则将“颜料”和“蛋黄”搅拌在一起。
直到十四世纪末和十五世纪初，荷兰的凡·爱克兄弟充分借鉴了前人的作画经验，并进行了多次的实验，发现了一种新的“调和剂”，即亚麻油、核桃油。
用这二者进行油画创作，其优点较多：一是颜料干燥，时间适中；二是颜料干透后牢固性强，色彩相对稳定；三是画面保存期久，在创作油画时也相对便捷。
正因为如此，这种“调和剂”瞬间传遍了欧洲各个角落。
印象派油画笔触的视觉特征分析
印象派油画笔触的视觉特征分析【摘要】印象派油画以其独特的笔触风格而闻名，这种笔触给人以模糊而光滑的印象，强调了对光影的捕捉和情感的表达。
色彩在印象派油画中被大胆运用，塑造出丰富多彩的视觉效果。
光影效果的表现则通过对色彩和笔触的运用来营造出立体感和动态感。
线条和形态处理简洁而抽象，突出了整体的表现力。
空间感在印象派作品中是通过笔触和色彩的叠加来创造的，呈现出一种虚实相间的感觉。
印象派油画的视觉特征体现了艺术家对自然和情感的独特理解和表达，为艺术创作提供了丰富的启示。
【关键词】印象派、油画、笔触、视觉特征、特点、色彩运用、光影效果、线条、形态、空间感、艺术创作、启示。
1. 引言1.1 背景介绍印象派是19世纪末期在法国兴起的一种艺术流派，其成员包括莫奈、雷诺阿、德加等著名画家。
印象派艺术家们试图通过捕捉光线和色彩的变化，表现出自然界瞬息万变的景象。
在印象派油画中，笔触成为了表现艺术家个性和情感的重要手段。
通过不同笔触的运用，艺术家们能够传达出各种情绪和主题。
印象派油画的笔触多变而自由，常常是粗糙而有力的，不拘泥于传统的细腻描摹。
这种笔触的特点在一定程度上反映了印象派艺术家对于现实世界的独特看法和个人风格。
通过深入分析印象派油画的笔触特征，我们可以更好地理解和欣赏这一重要艺术流派的影响力和独特魅力。
1.2 研究目的研究目的是深入探讨印象派油画笔触的视觉特征，通过对其特点、色彩运用、光影效果、线条形态和空间感的分析，揭示印象派作品中独特的艺术表现力和魅力。
通过研究印象派油画笔触的视觉特征，可以帮助我们更好地理解印象派艺术家所追求的表现主义风格和意象的表达方式，进而对艺术创作提供灵感和启示。
本研究旨在系统梳理印象派油画笔触的视觉特征，深入挖掘其独特之处，为艺术理论研究和创作实践提供有益的参考和借鉴。
通过对印象派油画笔触的视觉特征进行分析和总结，有助于拓展我们对艺术表现形式和技巧的理解，为当代艺术的发展和创新提供新的思路和视角。
米勒《晚钟》图像分析
米勒《晚钟》图像分析[摘要]本文通过运用图像学和图像志的研究方法对法国19世纪田园画家杰恩•法兰西斯•米勒的代表作品《晚钟》进行分析，从而对此画家艺术风格的转变进行了深入的探讨和研究，并结合当时他的家庭环境和社会环境对这一风格转变的原因进行了有益的探究。
[关键词]米勒图像分析现实主义秋阳刚刚沉落在远方的地平线下，落日余晖映照满天，辽阔的田野和天际，呈现一片西洋的金黄光彩，在田野忙着收获的一对辛勤的青年农民夫妇，男的还在田地里面掘马铃薯，女的则把掘出的马铃薯用篮子放在褐色的麻袋中，放在手推车上，准备步上归途。
这是在远离村里的田野上。
在这苍茫的天地中，村里的教堂响起了晚祷的钟声。
悠扬悦耳的钟声，划过宁静的田野，传到了这对农民夫妇的耳中，于是虔诚的他们放下了手中的农活，男的脱下帽子，女的低头双手在胸前合十，在黄昏的圣钟下，默默的祈祷。
这是法国画家杰恩•法兰西斯•米勒（Jean Francois Millet 1814—1875年）的名作《晚钟》所描绘的场景，这幅画于1859年的油画给画家带来了空前的声誉，虽然在当时送交沙龙展览时倍遭奚落，但是绘画本身的魅力仍让画家得到了大多数评论家的支持，并取得了社会多方的关注。
1860年，困苦的画家终于逃脱了贫困的厄运，与某画商签下契约，得到了一月两千法郎的优厚待遇，相信这个转机也与这幅影响很大的油画有某种联系。
分析这幅作品，如果单单从构图或是绘画元素的处理方面，《晚钟》确实还有可以商榷的地方。
画家在对画面中地平线的高度和农妇身旁的干草车的处理上，在当时就被人所诟病。
但是暇不掩玉，画中浓郁强烈的宗教情感，凝重圣洁的宗教气氛，庄严、肃穆、令人敬畏的宿命色彩和安贫乐道的基督徒形象，深沉、悠远、悲壮的诗意境界都直指人心，如果不是一个虔诚的基督教徒，没有在宗教境界修炼到一定程度，没有深厚的文学艺术修养，没有巨大的精神投入和高超出众的绘画技艺，是很难创作出这样的杰作的。
中国油画现状及未来前景分析
中国油画现状及未来前景分析中国油画作为中国传统绘画艺术的一种，历史悠久，具有悠久的历史传统和独特的艺术风格，一直以来在绘画艺术领域中发挥着重要的作用。
随着社会的不断发展和绘画艺术的多元化，中国油画的现状和未来前景备受人们关注。
本文将对中国油画的现状及未来前景进行分析。
一、中国油画现状中国油画在20世纪初期引入中国，并在中国艺术界产生了深远的影响。
20世纪初的中国油画主要是西方绘画风格的引进和模仿，以传达文化交融、时代变迁等主题为主。
随着时间的推移，中国油画逐渐独立出自己的风格和特点，形成了中西合璧的绘画风格，同时也吸收了中国传统绘画的元素，形成了独具特色的中国油画。
目前，中国油画呈现出多元化的发展趋势。
一方面，中国油画在传统基础上不断创新，吸收了西方绘画的新技术、新理念，形成了具有浓郁中国特色的新风格，展示了中国文化的魅力。
中国油画在创作内容上也不断拓展，从传统的人物、风景画扩展到抽象、当代、民族、社会主题等多个领域，形成了更加多元化的作品类型，丰富了中国油画的艺术内涵。
但与此中国油画在发展过程中也面临着一些问题。
首先是市场萎缩。
由于当前文化市场需求疲软，中国油画的销售并不乐观，导致一些优秀的油画作品难以在市场中获得应有的价值。
其次是技术水平不足。
虽然中国油画在技术上有了长足的进步，但在与国际接轨的过程中还存在差距，一些创作会受到技术问题的困扰。
再次是创新不足。
一些油画作品的创新性不足，缺乏新颖的表现形式和思想内涵，使得观众对中国油画的认可度和关注度有所下降。
二、中国油画未来前景对于中国油画的未来前景，我们可以从多个方面进行分析。
首先是市场前景。
尽管当前市场需求不足，但随着经济的不断发展和文化产业的兴起，中国油画的市场将会有所改观。
特别是随着文化产业的蓬勃发展，中国油画将有更多机会融入到文化创意产业中，成为文化创意产业中的重要组成部分。
其次是技术前景。
随着科技的不断进步和绘画技术的不断创新，中国油画的技术水平将会得到提升，不仅可以满足国内市场的需求，也能更好地适应国际市场的竞争。
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侯宝川油画作品赏析及个人见解
只要你在路上，只要你还处于一种追求状态，做什么都不算晚，最后是什
么结果也并不重要——侯宝川
侯宝川，1958年10月生于四川成都，1986年毕业于四川美术学院美术教育
系并留校工作， 2000年就读于中国美术学院研究生同等学力班。现任四川美术
学院招生办公室主任，副教授，中国油画学会会员，重庆市美术家协会理事，首
批重庆市高等学校优秀中青年骨干教师资助计划获得者。
侯宝川的风景画创作开始于20世纪90年代，大凉山是侯宝川风景创作的永
恒主题。虽然在重庆生活了很多年，侯宝川的内心一直无法割舍对大凉山的依恋，
一方面源于他儿时的生活记忆，另一方面，在于对生活在凉山那片土地上彝族同
胞的礼赞。对于侯宝川来说，‘大凉山’系列具有特殊的意义，也是一批具有象
征意涵的风景，因为在苍凉、苦涩的画面背后，潜藏着艺术家对大凉山的热爱，
以及对生活在这片土地上的人们的礼赞。
侯宝川是1983年考进美院，考了五年才考进美院，因为当时考美院很难。
1982年、1984年中国美术馆两次举办“四川美术学院油画赴京展”，当时罗中
立的《春蚕》、何多苓的《春风已经苏醒》开始亮相，这引起了他极大的共鸣。
虽然他的年龄小一些，但那个时代他们有共同的经历，他在上大学前也当过知识
青年下过乡，当过工人，做过中学教师。他们都经历了“乡土绘画”、“伤痕美
术”的过程，体验过那段历史，其实也不仅仅是艺术史的见证者。“乡土绘画”、
“伤痕美术”的艺术史价值都无需赘言，但他们真的对这段历史是有比较深的感
情在里面，甚至他们对那里的乡土本身都产生了深厚的感情。
他们这代人的“乡土情结”特别明显，就是因为能在那里找到一种回归的感
觉。每一个艺术家都有自己钟情于题材，他仍钟情于他的大凉山，虽然他也时常
带学生到重庆周边的古镇写生，但他最喜欢的还是大凉山。但在艺术创作方面为
什么他没有选择人物题材，可能因为他的性格以及和大凉山的环境有关系，大凉
山很苍凉、很贫瘠，那些少数民族非常能吃苦，他也深受影响。他觉得是这片土
地赋予了他们这种性格，所以他觉得风景可能对他而言是最好的一种创作载体。
他出生于成都，不到一岁就到大凉山，在大凉山长大。他父亲是一个没有文
化的军人，恰巧的是，凉山剿匪之后，他父亲这个没有文化的人被安排管理文化
部门，不过有幸地接触了很多画家。当时凉山艺术馆、凉山报社也有很多美院毕
业生在那工作，因此他也有机会经常看画画，耳闻目染地他也就喜欢上画画。但
真正喜欢上大凉山，是随着自己年龄的增加而慢慢体会到的，大凉山不仅有一种
刚毅的精神实质在里边，凉山彝族人民的吃苦耐劳精神，骨子里的那种忍耐劲都
深深地影响到了他。这不仅是因为他个人的成长环境、个人感情的结果，还有他
迷恋上大凉山背后的人文精神。
（情凝沃土）
情凝沃土”只是侯宝川写生展，虽然写生对于绘画而言极为重要，但这也只是一种素材
的积累。对作品技法、思想性的完整性的呈现来说，“情凝沃土”要更加碎片化一些。写生展
的作品有很多即兴表现的因素，是一种在场的有感而发。
（以心观镜）
“以心观境”是侯宝川的一个中型回顾展，是这三十年来对侯宝川风景创作的一个脉络梳
理。主要是呈现给大家一个稍微完整作品面貌，让别人能够了解侯宝川是如何走过来的。此
次作品之后侯宝川希望能够慢慢从批评家的角度去挖掘对他的作品的评价，他也希望能从中
找出一条路子，在接下来的作品在表现形式和语言上有一些变化。
作为画家，侯宝川几乎把风景画当作了自己惟一的创作方向，从20世纪90年代开始，
二十多年来，他心无旁骛始终醉心于山岗河流、丘壑丛林四时景色的描绘。矢志不渝，呕心
沥血，他终于开拓出了一片属于自己的风格独特的风景画天地。
批评家们往往将侯宝川的风景画与20世纪70年代末80年代初兴起于四川美术学院的
乡土绘画联系在一起，毫无疑问，毕业于四川美术学院的侯宝川曾深深受到作为该院传统的
乡土绘画的影响，但是，我们还应该看到，侯宝川的风景画与乡土绘画有着历史语境和价值
取向上的本质差别。
乡土绘画产生于文化大革命结束之后，作为当时的一股重要美术思潮，它标志着中国艺
术家主体意识的觉醒和本体价值的独立。乡土绘画反叛的是长期统治我国画坛的社会主义现
实主义创作原则，它还原了被红光亮式的虚假作风遮蔽的现实生活和真实人性。乡土风景画
甚至还有更具体的反对目标，那就是长期流行的“祖国山河一片红”式的政治化山水画，以
及把大自然作为“战天斗地斗地人”之舞台的革命化风景画。在乡土风景画中我们终于看到
了久违的去政治化的大自然的本真面貌。
虽然侯宝川寄情于自然山水，但他的观念绝不是中国传统文人士式的消极避世。在他画中，
我们从未看到过渺无人烟的荒山野岭。他始终描绘的是人们劳作和生活的家园，是春播秋收
的土地。那里弥漫着强烈的生命气息，有着绰约可感的生命温度。从本质意义上说，侯宝川
描绘的不是自然风景，而是人文风景。且不说那些有人的院落村寨和古镇，即使是在那些无
人的风景画中，我们始终看到的是垄埂纵横的庄稼地。在2007年之后的风景画中，我们甚
至能越来越多地看到高速公路及其铁质的护栏。确定无疑的是，与乡土绘画相比，在侯宝川
的风景画中，那人那景那境都不可逆转地发生了巨变。如果把侯宝川的风景画置于乡土绘画
的参照系中，我们应该说他将乡土绘画推向一个的新阶段。
不管是作为自然的风景，还是作为精神的家园，侯宝川的风景画向我们呈现的是现实与
理想的中间地带。在我看来，他的风景画的寓意更接近德国诗人荷尔德林和存在主义哲学家
海德格尔所言说的“诗意的栖居”之情状。
侯宝川不是一个风景的旁观者，他绝非以采风者的心态和视角来描绘风景。如果按时间顺序
来浏览他的风景画，我们就能发现侯宝川常常会画出同一个地点春夏秋冬四时季节的不同面
貌。他要悉心体会、仔细把握大自然最细微的变化，确如海德格尔所言，他是将自己的整个
身心融入到自然之中。
侯宝川的风景画以写生为基础，但它不是印象主义的户外作业，也不是表现主义的信笔
挥洒，除了极少数作品稍显简约之外，他的绝大部分风景画采取的是传统写实绘画的手法，
层层罩染，色彩温润，笔触细腻，不露肌理。他的每一幅作品都精雕细琢，没有一丝仓促草
率的痕迹，但似乎又都是一气呵成。即使不在旁边，我们也能想象出他作画时平心静气、聚
精会神的状态。过滤了躁动，屏蔽了喧嚣，他的风景画呈现出一种宁静的诗意。
侯宝川的风景画在构图上多采用俯视角度，这样的构图几乎有着精神分析学的阐释空
间，因为它能让人产生扑向大地、拥抱田野的幻象。这些风景画的色彩往往随题材的不同而
变化，虽然侯宝川描绘过春夏的绚丽和秋天的妖娆，但白雪皑皑的冬景似乎是他的最爱，因
为这类作品在他的整个风景画中占有较大的比重。值得注意的是，他的雪景让我们感到的不
是荒寒萧瑟，而是辽阔中的静谧、空旷中的温婉。
对于一个生活在钢筋水泥丛林中的都市人，侯宝川的风景画是令人向往的精神乐园。因
为海德格尔还告诉我们，城乡之差并非“钢筋混凝土”与“沃野、雪山或荒原”的不同，而
在于那份“极致的孤独”，也许正是这份“孤独”引领着不少都市人对于牧歌田园的深深向
往。人是群居动物，又是社会动物，而在本质上，人是孤独的。人的孤独其实是心的孤独，
即使在人群中，在欢声笑语中，我们的心也会躲藏在某个僻静的角落。孤独的心需要有一个
安放的空间，最适宜的空间就是大自然，只有大自然才能安抚我们那颗孤独的心。
侯宝川的风景画把当代都市人对自然的向往和迷恋之情表现得淋漓尽致，他为自己也为
我们建造了一个寄托心灵的诗意家园。