浅谈绘画中的现实主义和超现实主义

浅谈绘画中的现实主义和超现实主义

现实主义是艺术发展过程中的一种独特的艺术现象，指19世纪产生的艺术思潮，又称之为：“写实主义”。现实主义关注人生，关注生活，关注现实。在绘画中技法要求是写实的，是写实主义，与抽象主义相对。现实主义绘画兴起于19世纪的欧洲，又称为现实主义画派，或现实画派。这是一个在艺术创作尤其是绘画，雕塑何文学，戏剧中常用的概念，更狭义的讲，属于造型艺术尤其是绘画和雕塑的范畴。无论是面对真实存在的物体，还是想象出来的对象，绘画者总是在描绘一个真实存在的物质而不是抽象的符号。这样的创作往往统称为写实。遵循这样的创作原则和方法，就叫现实主义。人们借由感官知能接受信息，加以分析组织，以自然为题材（例如自然风景或时事议题）用任何技法将其具体表现出来，但因其生长环境和具体认知不同，产生不一样的经验，这种组织后的观点差距，令同一题材的作品有不同的表现。这个流派使用现实主义艺术创作方法的，现实主义艺术家赞美自然，歌颂劳动，尤其描绘了普通劳动者的生活和斗争，此时劳动者真正成为绘画的主体形象，大自然也作为独立的题材受到现实主义画家的青睐。

事实上，从历史的长河中纵横地考察“现实主义”，不难领会其实质。在其前为文艺复兴和中世纪，尤其是中世纪，当时的美术完全以宗教故事为题材，表现手法上呆板、冷漠，今天看来略带一些表现主义因素；在其后的现代艺术，反对对客观形象作客观的再现，把过去对客体的观照转向了对人本身的观照，否定写实，否定模仿，更不用说后现代主义的强调过程、强调行为，艺术不是描述、解释、美化、修正和评价生活，而是艺术本身即生活，表现手法上偏离架上绘画形式。另外，相对于东方艺术的主客体相融的“天人合一”的写意体系，很容易寻索到“现实主义”是主体对客体的观照，并用写实的手法加以体现。

19世纪法国的库尔贝、杜米埃、米勒为代表的现实主义，反对古典主义的典型化、理想化，也反对浪漫主义的激情和夸张，排斥神话、宗教和寓言题材，将当时的社会生活和自然景物作为主要表现对象。打破了过去以为能够入画的只有高贵的东西、高贵的人，一般平民百姓不能入画的传统，常常直接刻画当时各阶层人物，描写他们的生活，反对美化和粉饰现实，力主如实、客观地描绘所表现的人物和事件，尤其是社会底层人物的不幸生活。

库尔贝，19世纪40年代初期开始创作现实主义题材的作品，1848年6月参加工人起义，1849年创作《打石工》，1854年创作《筛麦妇女》，1855年创作《画室》。1855年巴黎举行万国博览画展，库尔贝的作品被拒之门外。60年代投身革命斗争，对劳动人民的贫困艰辛非常同情，1871年巴黎公社期间，被选为公社委员，并任艺术家协会主席，公社失败后被捕入狱。1873年，流亡瑞士，1877年在贫困交加中客死异国他乡。

杜米埃，创作了约4000张政治讽刺画和社会风俗画。他的作品直指时弊，积极投身到社会之中，把握时代脉搏，赋予那些最普通的题材以宏伟、壮观积极向上的思想。1834年创作石版画《1834年4月15日特朗斯诺宁街的屠杀》，1854年至1856年创作《司法人员》，1858年创作《洗衣妇》，1862年创作《三等车厢》，其间被判刑和罚款。长期被政界压抑，同时又受到艺术界中部分人士

的贬低，说他仅仅是一个描画社会低等题材的非正统意义上的漫画家，意在否定他艺术的思想性，然而，杜米埃仍然坚持现实主义的创作道路，尽管他终生贫困多难，晚年患严重眼疾，双目失明，却一直在黑暗与困苦中探索着。

米勒，一生几乎都在农村度过，过着一种农民生活，对农村生活和农民有着深刻的了解和深厚的感情。他说“我生来只知道土地，将我在土地上劳动所见所感，都忠实地表现出来。”米勒生活贫困潦倒，亡妻的打击和穷困压得他喘不过气来，买不起画布，就在一张画布上重复作画。有一次为了把吃的东西留给孩子，他竟两天没吃东西。1849年迁居巴比松村后一直到他去世，早起晚归，上午在田间劳动，下午就在光线暗淡的小屋子里作画，他的生活异常困苦，1853

年母亲病重直到病逝，米勒因没路费而没能去见母亲一面。但是这些并没有减弱他对艺术的酷爱和追求，他爱生活、爱劳动、爱农民，创作了一系列反映现实、歌颂农民的作品：《播种者》、《捡树枝的妇女》、《傍晚的牧童》、《坐着的农妇》等，尤其是《拾穗》、《晚钟》和《倚锄的农夫》歌颂农民，揭示农村生活的重大意义，以激起人们对农民的关切。

作为十九世纪法国现实主义绘画的代表，他们三人同样具有对古典主义的虚伪和浪漫主义的俗套强烈不满和革新的锐气，但不是高更、凡高、塞尚那样充当传统艺术的判逆，被正统社会力量视为败类的艺术苦行僧和生活在社会边缘的飘零人，而是生活在人民之中，关注平民生活，反映平民生活，甚至在表现手法上，现实主义绘画与传统绘画有一脉相承的继承，然而他们却过着一种困苦的生活，甚至入狱或流亡，这是他们个人的悲剧，也是那个时代的悲剧。1848

年以后，法国主要阶级矛盾由无产阶级与资产阶级的矛盾取代了资产阶级与封建阶级的矛盾，社会阶层明显形成资产阶级和无产阶级，贫富差别巨大，形若天堂地狱。一方面有钱人过着纸醉金迷的舒适生活，一方面劳动者工作繁重却过着非人的悲惨生活。因此，社会上很快就出现了审视这种社会现象的思潮，许多作家把笔锋对准了阶级剥削和压迫的现象。向资产阶级的世界观和道德提出了质疑和批判。正是在这种社会背景下，统治阶级和资产者才作出了反应。反应的形式就是竭尽全力宣扬“富强、繁荣、光明”。正因为如此，才形成了写实与虚饰对立的艺术观念之争，才形成了有社会责任感的现实主义画家反对新古典主义和浪漫主义的局面。因此，现实主义拉开了艺术直接反应现实生活和当代政治的大幕，使艺术成为社会发展的有机部分，才有了后来的艺术独立身份，才有了艺术家的自我价值，才有了一部艺术本体的发展史。面对一个强大而完备的资本主义机体，关注着无产者生存状态的现实主义艺术家们的状况是可想而知的。然而他们那种在困苦中坚持投身现实生活、关注民生、关爱自然、彰显时代精神的社会责任感，值得当下中国现实主义艺术家敬佩和学习。

现实主义始终是绘画中永恒的道路和途径，指导着艺术家走向更加完美的个人创作，有人说照相机的出现使得现实主义的道路变得狭窄，甚至慢慢消失，其实这是每一种艺术现象都会遭遇的情景，然而这完全没有可能取代写实艺术的发展。写实是艺术发展和艺术创作中永恒的话题。

超现实主义是在法国开始的艺术潮流，源于达达主义，于1920年至1930

年间盛行于欧洲文学及艺术界中。其理论背景为弗洛伊德的精神分析学说和帕格森的直觉主义。强调直觉和下意识。给传统对于艺术的看法带来了巨大的影响。

也常被称为“超现实主义运动”。或简称为“超现实”。超现实主义的观念最早来源于 1924年法国诗人安德烈·布列东发表的《超现实主义宣言》，并正式组织一个超现实主义的艺术团体。艺术上的表现以探索潜意识中的矛盾为主，如生与死，过去与未来等，超现实的画家也为了表现这样的奇发异想，大多运用拓印法，黏贴法，自动性技法等，特殊的表现技法来创作。另外为了表现与真实世界的扭曲或矛盾，他们也常常精细而写实的手法来表现超现实的世界。

超现实主义宣称达达主义是其先驱，而且在两次世界大战期间的法国文坛，超现实主义影响甚广，其创作以诗歌为主，而后波及散文、小说、戏剧，甚至在绘画中也有所表现。超现实主义者的宗旨是离开现实，返回原始，否认理性的作用，强调人们的下意识或无意识活动。法国的主观唯心主义哲学家柏格林的“直觉主义”与奥地利精神病理家弗洛伊德的“下意识”学说，奠定了超现实主义的哲学和理论基础。

据考证，“超现实主义”这个名词，出自本世纪初法国立体派诗人纪尧姆·阿波利内尔之手，他于1917年写给苔尔美的信中说：“再三考虑后，我确实认为，最好还是采用我首先使用的超现实主义这个词，超现实主义这个词比由诸位哲学家先生们早已应用的超自然主义这个词用起来更方便。”由此可见，阿波利内尔创造超现实主义这个词的本意，在于以此来代替超自然主义这一名词。它的最初含义就是寻求超乎现实之上的种种未知现象，包括人生、社会、伦理道德和精神文明诸多方面。1923年，达达主义流派举行最后一次集会而宣告崩溃后，其中的许多成员倒向了超现实主义的行列。1924年，法国作家布洛东在巴黎发表了第一个《超现实主义宣言》；1929年，布洛东又发表了超现实主义的第二个宣言，详尽地解释了超现实主义的艺术主张。1930年，由德斯诺斯发表了超现实主义的第三个宣言。这样，超现实主义的艺

术纲领就全面、完整地体现出来了。

布洛东在第一个《超现实主义宣言》中，曾对超现实主义作过经典性的解释：“超现实主义，阳性名词。纯粹的精神无意识活动。人们通过它，用口头或局面，或其他方式来表达思想的真正作用。它只接受思想的启示，没有任何理性的控制，没有任何美学或道德偏见。”“超现实主义建立在这样一个基础上，即对梦幻的万能和对思想的不带偏见的活动的信仰。它要最终摧毁一切其他的机械论并取而代之，以解决生活中的主要问题。”

超现实主义者宣称：人的本能、梦幻、下意识领域是文艺创作的源泉。认为人的头脑活动要从逻辑与理性束缚中解放出来。理性、道德、宗教、社会以及简单日常生活中的经验，都是对人的精神、对人的本质需要的一种桎梏。惟有人的无意识、梦幻和神经错乱才是人的精神的真正活动。

因此，在超现实主义诗歌创作中，他们故意使用幼稚的语言和病态的形象来反对传统的美好见解。在绘画中，则用混乱的线条和任意涂抹的颜色。在戏剧中，采用折磨人的野蛮音乐，粗鲁的舞蹈，并用自行车的铃铛，有节奏地敲打货箱、脸盆一类作伴奏。超现实主义画派的先驱人物，可推那位被归为“形而上”派的画家基里柯。他的作品创造了现代艺术中最令人心动又最令人不安的梦幻景象：广场、拱门、楼宇、寒月，运家具的空车、玩铁环的女孩，所有的一切仿佛舞台布景般凝固在死寂的光线中。这些偶然而荒诞的内容令人不安。然而，形象之间这种奇怪的冲突及清澈的气息又让人感到一种神奇而特别的魅力。他画中的那种宛如舞台的、平坦的地面，后来成为许多超现实主义绘画的“标准空间”。

超现实主义艺术家全力追求的正是这种梦幻效果。他们的美学信条是布洛东在《第一次超现实主义宣言》中所提出的，“不可思议的东西总是美的，一切不可思议的东西都是美的，只有不可思议的东西才是美的。”“美可能使人震惊，也可能不使人震惊。”这样，画家达利带来的那种荒诞不经的梦的世界确乎十分地美————挂在树上的软表、被肢解了的躯体、可怕背景上的骷髅骨架等等。那种通过可以识别的变形形象营造出的梦魇般的场景，看起来既精细逼真，又遥远陌生。这种风格被称为自然主义的超现实主义，其代表画家除达利外，还有马格利特等人。超现实主义的另一种风格被称为有机的超现实（OrganicSurrealism），以米罗为代表，追求幻想的、与生命力相关的抽象画面。西班牙画家达利（1904—1989），是20世纪最负盛名的画家之一。他利用反向思维，自由拼合想象的画面，通过对以往经验的倒置和回放，构建出一个意象新奇、陌生化的超现实主义场景。其代表作《记忆的永恒》创作于1931年，典型地体现了他早期的超现实主义画风。画面展现的是一片空旷的海滩，海滩上躺着一只似马非马的怪物，它的前部又像是一个只有眼睫毛、鼻子和舌头荒诞地组合在一起的人头残部；怪物的一旁有一个平台，平台上长着一棵枯死的树；最令人惊奇的是出现在这幅画中的几只钟表都变成了柔软的有延展性的物体，或挂在树枝上，或搭在平台上，或披在怪物的背上，好像这些用金属、玻璃等坚硬物质制成的钟表在太久的时间中已经疲惫不堪了，于是都松垮下来。那种对时间疯狂流逝的独特表现手法，暗示了个人情感在物质世界挤压之下迸发出的无法回避的力量。《记忆的永恒》是20世纪具有典型意义的视觉形象之一。达利承认自己在《记忆的永恒》这幅画中表现了一种“弗洛伊德所揭示的个人梦境与幻觉”，是自己不加选择的。他尽可能精确地记下自己的潜意识，以及自己梦中每一个意念的结果。比利时画家马格利特，是超现实主义风潮的另一代表者。马格利特认为要打破理性秩序的视觉习惯，还要借用理性手段，以原来熟悉的事物质询这个熟悉的系统，使画中物体具有相当的肖似性。因此马格利特喜欢选用冷调的色彩、稀薄的平涂、界线明确的绘画方式。马格利特的作品中有一种黑色幽默，就像达利及恩斯特，但是马格利特在处理手法上，似乎营造出平静的气氛，不像前两者具有恶梦般光怪陆离的形象。他喜欢将平凡的事物，赋予新的面貌，使人在静默中屏息以对，有时会在超官能情境中，突如其来地产生一种飘浮的诗意，让人的情绪飞跃自如，心灵获得解放。他的代表作品《天降》描绘了一些神情古怪、头戴圆顶高帽的人物从天而降，如同弥天的雪花飘扬在城市上空。画面的形象异常清晰，看似高度写实，体现了超现实主义画家对于“反

常”视觉形象的酷爱。许多物品看似正常，实际上却处在矛盾状态。《天降》具

有一种怪诞的合理性。