世界名画赏析三
世界经典油画赏析
世界经典油画赏析1、无名女郎1883年克拉姆斯柯依俄国75.5cm×99cm布油彩莫斯科特列恰科夫美术馆藏这是一幅颇具美学价值的性格肖像画，画家以精湛的技艺表现出对象的精神气质。
画中的无名女郎高傲而又自尊，她穿戴着俄国上流社会豪华的服饰，坐在华贵的敞蓬马车上，背景是圣彼得堡着名的亚历山大剧院。
究竟“无名女郎”是谁，至今仍是个谜。
画家在肖像画上创造了一种新的表现风格，即用主题性的情节来描绘肖像，展示出一个刚毅、果断、满怀思绪、散发着青春活力的俄国知识女性形象。
2、入睡的维纳斯约1510-1511年乔尔乔内意大利108.5cm×175cm布油彩德累斯顿国家美术馆藏这是乔尔乔内最成功的油画作品，最后由提香完成。
作品中的维纳斯展示出造化之美，没有任何宗教女神的特征：在自然风景前入睡的维纳斯，躯体优美而温柔，形体匀称地舒展，起伏有致，与大自然互为呼应。
这种艺术处理不是为了给人以肉感的官能刺激，而是为了表现人的具有生命力的肉体和纯洁心灵之间的美的统一。
这种充满人文精神的美的创造，是符合文艺复兴时期理想"美"的典范的。
3、蒙娜丽莎1503年-1506年莱奥娜多·达·芬奇意大利77cm×53cm板油彩巴黎卢浮宫藏达·芬奇的《蒙娜丽莎》成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级妇女形象。
据记载，蒙娜丽莎原是佛罗伦萨一位皮货商的妻子，当时年仅24岁。
画面中的蒙娜丽莎呈现着微妙的笑容，眉宇间透出内心的欢愉。
画家以高超的绘画技巧，表现了这位女性脸上掠过的微笑，特别是微翘的嘴角，舒展的笑肌，使蒙娜丽莎的笑容平静安祥而又意味深长。
这正是古代意大利中产阶级有教养的妇女特有的矜持的美好表现，不少美术史家称它为"神秘的微笑"。
4、亚威农少女毕加索西班牙1907年油画244×233.5厘米纽约现代艺术博物馆这是现代艺术创始人毕加索早期立体主义的代表作品，是一幅颠覆了以往的艺术方法的立体主义经典画作。
有意义的世界名画赏析
有意义的世界名画赏析世界名画是人类文明的珍贵遗产，每一幅名画都承载着艺术家的心血和智慧，同时也反映了当时的社会文化和历史背景。
这些名画不仅在艺术上具有极高的价值，更是对人类精神世界的深刻反映。
在这篇文章中，我们将赏析一些有意义的世界名画，探索其背后的故事和意义。
蒙娜丽莎（《蒙娜丽莎肖像》）列奥纳多·达·芬奇。
《蒙娜丽莎肖像》是意大利文艺复兴时期艺术家列奥纳多·达·芬奇的代表作之一，也是世界上最著名的名画之一。
这幅画以蒙娜丽莎的微笑和神秘眼神而闻名于世，成为了无数艺术家和观众的灵感源泉。
这幅画的意义在于它展现了达·芬奇对人物形象和情感的深刻描绘，同时也反映了当时文艺复兴时期对人文主义和个体情感的重视。
蒙娜丽莎的微笑被解读为对生活的热爱和对人类精神的探索，使得这幅画成为了永恒的经典。
星空夜晚（《星夜》）文森特·梵高。
文森特·梵高是一位备受争议的艺术家，他的一生充满了孤独和痛苦，但他的作品却充满了对生活的热爱和对自然的敬畏。
《星夜》是梵高的代表作之一，这幅画以夜晚的星空和小镇为背景，展现了梵高对自然的狂热追求和对宇宙的浪漫幻想。
这幅画的意义在于它表达了艺术家对生命的无尽向往和对宇宙的无限想象，同时也反映了他内心深处的孤独和挣扎。
《星夜》的色彩斑斓和线条流畅，展现了梵高独特的艺术风格和情感表达，使得这幅画成为了世界艺术史上的经典之作。
最后的晚餐（《最后的晚餐》）列奥纳多·达·芬奇。
《最后的晚餐》是另一幅由列奥纳多·达·芬奇创作的名画，它展现了耶稣和十二门徒共进最后的晚餐的场景。
这幅画的意义在于它反映了基督教故事中的重要场景，同时也展现了达·芬奇对人物形象和情感的深刻描绘。
《最后的晚餐》的构图和细节处理都显示了达·芬奇的艺术天赋和对人物关系的敏锐观察，使得这幅画成为了世界艺术史上的杰作。
世界名画赏析
世界名画赏析世界上有许多令人赞叹的名画，它们不仅代表了艺术家们的创作力和才华，也承载了历史的印记和文化的沉淀。
在这篇文章中，将向您介绍几幅世界名画，并对其进行赏析。
1. 蒙娜丽莎（Mona Lisa）- 列奥纳多·达·芬奇蒙娜丽莎是世界上最知名的油画之一，也是意大利画家列奥纳多·达·芬奇的杰作。
这幅画作于1503年至1506年间创作，现展览在法国卢浮宫。
蒙娜丽莎以她那神秘而迷人的微笑而闻名于世。
这幅画作展示了达·芬奇的检视和光影技法，为后来的艺术家们树立了榜样。
2. 星夜- 文森特·梵高星夜是荷兰后印象派画家文森特·梵高于1889年创作的一幅油画。
这幅画表现了一个宁静的小镇被夜晚的星空覆盖着，画面布满了旋转的星星和扭曲的松树。
梵高以他独特的笔触和鲜艳的色彩传达了内心的情感和对自然的热爱。
这幅画作也因其深沉的主题和独特的风格而成为梵高作品中最著名的之一。
3. 最后的晚餐- 伦勃朗最后的晚餐是荷兰画家伦勃朗于17世纪绘制的一幅壁画。
这幅画描绘了耶稣和他的门徒在最后一次晚餐时的场景。
伦勃朗通过精心的构图和细致入微的绘画技巧，成功地表现了每个人的情感和个性。
这幅画作反映了宗教和信仰的重要主题，同时也是伦勃朗艺术成就的象征之一。
4. 凯旋之门- 克劳德·莫奈凯旋之门是法国印象派画家克劳德·莫奈于19世纪末至20世纪初绘制的一组画作。
这些画作描绘了巴黎最著名的地标之一——埃菲尔铁塔。
莫奈以他独特的笔触和明亮的色彩，捕捉到了时间和光线对景观的变化。
这组画作不仅代表了印象派运动的精神，也展现了莫奈对自然和城市景观的热爱。
5. 夜巡- 伦勃朗夜巡是伦勃朗于17世纪绘制的一幅杰作，它展示了荷兰市民武装集会的场景。
伦勃朗运用巧妙的光影效果和明暗对比，突出了画中人物的形象和神态。
画作中充满了动态和能量，展示了伦勃朗对肖像画的独特理解。
名画作品赏析
名画作品赏析一、《蒙娜丽莎》——达·芬奇《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时期画家达·芬奇创作的一幅作品，也是世界上最为著名的名画之一。
这幅画以油画技法绘制，描绘了一位神秘、微笑的女性形象。
整幅画色调柔和，充满了神秘和浪漫的氛围，给人一种安静、宁静的感觉。
通过赏析《蒙娜丽莎》，我们可以看到达·芬奇精湛的绘画技巧和对细节的极致追求。
画中的蒙娜丽莎眼神深邃，微微带着笑意，给人以亲近、温暖的感觉。
她的头发、皮肤、衣物都被绘制得栩栩如生，给人一种真实存在的感觉。
二、《星夜》——梵高《星夜》是荷兰后印象派画家梵高创作的一幅作品，被认为是他最具代表性的作品之一。
这幅画描绘了一幅星空下的城市风景，画面中充满了独特的扭曲和夸张的笔触，给人一种强烈的视觉冲击力。
通过赏析《星夜》，我们可以感受到梵高对色彩的独特运用。
画中的星空被绘制得五彩斑斓，给人一种梦幻般的感觉。
此外，画中的建筑物和树木都被梵高以独特的形式表现出来，给人一种超现实的感觉。
三、《最后的晚餐》——达·芬奇《最后的晚餐》是达·芬奇创作的一幅壁画，描绘了基督和十二门徒共进晚餐的场景。
这幅画被认为是宗教艺术的杰作之一，也是西方文化中最为著名的作品之一。
通过赏析《最后的晚餐》，我们可以感受到达·芬奇对构图和人物表现的精准把握。
画中的基督和门徒们被绘制得栩栩如生，他们的表情、姿态都表达出了各自的情感。
画面中的光影处理也非常精细，给人一种真实存在的感觉。
四、《荷花》——莫奈《荷花》是法国印象派画家莫奈创作的一系列作品，他在不同的光线和天气条件下绘制了许多关于荷花的画作。
这些画作以其细腻的色彩和光影的变化而闻名，给人一种宁静、舒适的感觉。
通过赏析《荷花》，我们可以感受到莫奈对色彩和光影的敏锐捕捉。
画中的荷花被绘制得栩栩如生，细致入微的笔触给人一种触摸到花瓣的感觉。
画面中的水面和天空都被莫奈以独特的色彩表现出来，给人一种宁静、悠然的感觉。
世界名画赏析
世界名画赏析1、列奥纳多·达·芬奇——蒙娜丽莎成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。
画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。
画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
2、路易斯.利奥波德.布瓦伊--桌球这可是人家1807年画的，看看两百年前欧洲人的生活吧。
3、达维特--拿破仑穿越阿尔卑斯山此幅作品是达维特第一次刻画现世的英雄，此前，作者只塑造和歌颂古代和已故的英雄，由此可以看出他对拿破仑的崇拜之情。
本画的妙处在于，远景的简约和近景的细腻，色彩的冷暖对比极为强烈，人物和战马的细节刻画非常到位。
对于这个理想化的形象，拿破仑本人也十分满意。
4、普基廖夫--不相称的婚姻该画描绘了一青春少女与一老者结合的爱情悲剧。
老者被画家描绘得苍老憔悴，而少女则面色红润，充满青春活力。
画家以同情少女的笔调，鞭挞了不合理的社会现实。
5、安格尔--大宫女这幅画在巴黎展出时，曾引起了极大的争议和抨击。
评论家德·凯拉特里说得较为尖锐，他曾对安格尔的学生说：“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。
”然而安格尔的学生阿莫里·杜瓦尔则辩解说：“凯拉特里可能是对的，可是这又怎么样呢？也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和，能一下子慑服住观众。
假如她的身体比例绝对地准确，那就很可能不这样诱人了！”6、约翰.埃.密莱--盲女两个相依为命的孩子，一个是盲女，另一个更小的女孩紧紧依偎在盲女怀里，一边抬头去观看天上的彩虹，一边在给盲女讲解大自然的美丽。
云际彩带当空，原野一片金黄，空气是润湿的，在远景的小道上有几头走动着的牛羊，近处有飞鸟起落。
绘画名家作品赏析
绘画名家作品赏析
绘画是一种表现力极强的艺术形式，在历史上产生了许多杰出的名家作品。
以下是对几位绘画名家作品的赏析。
1. 达芬奇《蒙娜丽莎》
这幅画是文艺复兴时期意大利艺术家达芬奇的代表作之一。
画中的蒙娜丽莎是一个神秘的女性形象，她微笑着注视着观众。
达芬奇在画中运用了明暗对比和透视等技法，使得画面非常逼真，同时也增添了神秘感。
2. 雷诺阿《午后的休息》
法国印象派艺术家雷诺阿的《午后的休息》是一副充满活力和生机的画作。
画中的两个女性采取了非常放松的姿势，身体的曲线和颜色的运用都非常柔和。
这幅画传递了一种令人愉悦的感觉，同时也表现了印象派艺术家强烈的色彩感和光感。
3. 弗朗西斯·埃克斯《黄昏》
20世纪美国艺术家弗朗西斯·埃克斯的《黄昏》是一幅充满现代感和抽象感的画作。
画面中的色块非常鲜明，线条也非常简洁。
这幅画的主题是黄昏时分的城市景象，强调了城市的繁华和热闹，同时也传达了一种快节奏的生活方式。
4. 梵高《星空》
荷兰后印象派艺术家梵高的《星空》是一幅极具表现力的画作。
画中的星空充满了运动感和生命力，而且色彩非常强烈。
这幅画表现了梵高对自然的深刻感受和对宇宙的浪漫想象，也传达了他
对生命和存在的深邃思考。
以上几位绘画名家的作品都代表了不同的艺术风格和艺术表现方式，每一幅画作都有其独特的魅力，值得我们深入欣赏和思考。
(完整版)世界名画赏析分析
《基督受洗》恰当理解皮耶罗的作品的确不容易。
因为除了画家，他还有一个更为重要的身份－数学家。
在文艺复兴时代，满怀激情地去研究古希腊的数学与几何学并不是什么新鲜事，但皮耶罗的狂热与成就却是所有人当中最突出的。
分在拓展欧里德几何学方面所作的无人能敌。
此外，他还写出了众多关于数学与几何学的学术著作,在其中一篇保留至今的文章里，他采用大量繁复的数学技巧详尽阐释了有关焦点透视的原则.无可避免地，他也把这种精神的研究、带入到自己的绘画里。
《基督受洗》是皮耶罗为家乡一座施洗者约翰教堂画的祭坛画。
由于祭坛画的特殊形制，画板的外形被分为由半圆与方形组成的两个部分。
没有能够比皮耶罗把这种自然的分割利用得更加巧妙而神奇。
读者可以注意观察画面中的那只白鸽,它被画成了下面敌视的样子，圆圆的头部正巧是半圆的圆心，而伸展的双臂又恰好与方形的上边线持平。
不仅如此，围绕圆心，观者的视线完全可以将另外的凌驾在画面内部找全，享受到一种近于神圣的圆满旅程。
透视与几何形式在皮耶罗的作品中是显著而精确的.不仅如此，他还能够运用比同时代画家更为复杂的技巧，使深度空间兼备平面空间的张力。
皮耶罗喜欢使用大面积的,然后把它们与潜在的透视法,几何形按照最完美的图式，尺寸和比例结合在一起。
比如在左侧两根树干，仅仅依靠颜色深浅的不同就可以把画面上近景，中景,远景三个大的层次空间划分出来。
画面上，那些柔和而明亮的色彩总是散发着令人愉悦的光辉,其中大量的白颜色在过去的绘画传统里是被忌讳使用的,而皮耶罗却使它们具有了一种至为纯净的气息。
有迹象表明,皮耶罗从示属于哪间绘画作坊。
或许，他只是一处自由画家，一个孤独探索自己理想的人.因此，他似乎从不顾虑观者希望在他的画面上看到的东西。
在那个时代，能够把《圣经》故事展现得真实而动人心魄的艺术家给世人带来的一大奇迹，这个传统从乔托开始，之后又有莱奥纳多《最后的晚餐》或者米开朗基罗的《创世纪》.皮耶罗民如实描绘了《圣经》的内容.画面表现圣约翰给基督受洗的情景,当圣水洒落到头顶的一刻，圣灵仿佛鸽子从天空降下，落到耶稣头上，天上有声音传来说：“这是我的爱子，我所喜欢悦的”，圣父、圣灵、圣子在此时实现了三位一体。
文化艺术鉴赏-名画欣赏与评析
文化艺术鉴赏-名画欣赏与评析1. 引言文化艺术是人类智慧的结晶，而名画作为文化艺术的重要组成部分，不仅展示了艺术家的创造力和技巧，更承载着丰富的历史、文化和情感内涵。
本文将介绍几幅著名的名画，并对其进行欣赏与评析，帮助读者深入了解和鉴赏这些艺术作品。
2. 名画一：《蒙娜丽莎》（达·芬奇）《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时期杰出画家列奥纳多·达·芬奇的代表作之一。
这幅肖像画以其独特的构图和神秘的微笑而闻名于世。
通过细腻的笔触和精湛的色彩运用，达·芬奇成功地塑造了蒙娜丽莎沉静不动却又充满灵性的形象。
这幅作品在构图上注重对角线和黄金分割原则，并通过透视效果使观者感受到深度和立体感。
此外，蒙娜丽莎的神秘微笑也是这幅画作引人入胜的地方。
观者不禁被其似乎要透露出的心思所吸引，使人产生无限遐想和揣测。
这种模糊性和不确定性恰恰增添了作品的魅力和神秘感。
3. 名画二：《星夜》（梵高）《星夜》是荷兰后印象派画家文森特·梵高的代表作之一。
这幅作品以其独特的色彩运用和动态的笔触而著名。
在这幅作品中，梵高用浓郁而夸张的色彩表现了一个幻想中的星空夜景。
他运用斧劈样式的线条勾勒出树木和房屋，并以明暗对比强调主题。
通过《星夜》，观者仿佛被带入了梵高内心世界的奇妙之旅。
作品中充满了诗意和情感，艺术家通过色彩和线条表达了自己对自然界与精神世界之间关系的理解。
4. 名画三：《最后的晚餐》（达·芬奇）《最后的晚餐》是达·芬奇创作的一幅宗教题材壁画，描绘了耶稣和十二个门徒共进“最后的晚餐”场景。
这幅作品以其精细而真实的人物表现以及丰富的细节而著称。
通过《最后的晚餐》，达·芬奇生动地再现了耶稣与门徒们互动交流时的情景。
他巧妙地运用透视画法、姿势和面部表情来传递角色之间复杂的心理关系和动态。
此外，画中环境、建筑等背景也给观者带来更深层次的体验和理解。
5. 结论通过对上述几幅名画的欣赏与评析，我们不仅能够领略到艺术家卓越的技法和创造力，更能够感受到这些作品所传达出来的历史、文化和情感内涵。
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《帕里斯的评判》在１７世纪的法国绘画史上，有一个有意思的现象，那就是它的重要人物，几乎都在意大利度过自己的一生，他们的艺术与意大利有着千丝万缕的联系，为什么这些人都要离开祖国到意大利去呢？对于１７、１８世纪的每一位艺术家来说，意大利、尤其是罗马，都是至关重要的形象，当时最高贵豪华的建筑就是按照古罗马的柱式建立的，那是一个值得模仿的世界，就寄托了所有理想的圣坛一样。
对于意大利文艺复兴艺术的认识，成为画家一生经历的关键，他们想要寻找古典艺术的源头也可以去希腊，但当时，希腊正处在土耳其的占领下，与信仰基督教的欧洲世界相隔离，因此，不光是法国，全欧洲的人都希望能够在有生之年，去一趟时尚又容易到达的罗马。
克劳德.洛兰亦名克劳德.热莱（１６００－１６８２）就是一位长期在意大利的法国艺术家。
他和普桑是同胞，其法国身份可以多他的名字中看出来，“洛兰”是法国一个偏僻村庄的名字，那是是画家的出生地。
大约１６１３年，１３岁的洛兰随着商船来到意大利，在这个艺术之都，少年的心沉醉了，他向往这片神奇的土地上散发的令人着迷的气质，于是毅然离开商船，独自留在罗马。
他得到机会拜当地一个着名画家为师，开始学习绘画，同时，他还对古典艺术庄重和谐的底蕴产生了深厚的兴趣，潜心研究这里的历史文化。
从这一点上看，他也颇像普桑。
不过，如果说普桑是通过他的理性带领观众认识了这个古典世界，那么洛兰将亦真亦幻的想象融入这人处处带有神话色彩的国度里。
《帕里斯的评判》的是一个广为人知的希腊神话故事：英雄阿喀琉斯的父母举行婚礼，奥林匹斯山上的许多神仙都应邀而来了。
嫉妒女神由于没有受到邀请怀恨不已，她把一个金苹果扔在桌子上，上面刻着一行字；“给最美丽的女神”。
女神们都想得到金苹果，于是坐视的首领宙斯请正在在牧羊的特洛伊王子帕里斯来做评判。
为了得到金苹果，女神们都给帕里斯以最美好的许诺；天后赫拉答应使他成为一个国王；智慧女神雅典娜保证使他成为一个最聪明的神，爱与美的女神维纳斯发誓让他取到全希腊最美丽的女子做妻子。
帕里斯最终把金苹果，给了维纳斯。
在她的帮助下，帕里斯得到了海伦，并由此引发了希腊人和特洛伊人之间的战争。
在画面上，洛兰把故事发生和场景安排在具有典型意大利特征的风景里，罗马周围的旷野沐浴着一片金色的阳光，与神话故事融为一体。
风景因眼前的一株大树而格外壮丽。
在它的衬托下，帕里斯与三位女神以及维纳斯的儿子丘比特，如同戏剧舞台上的演员，近在观众眼前，令人看清他们的一举一动，甚至仿佛能够听到声音传来。
这里表现评判开始的一瞬女神们各具风采。
天后赫拉身穿红蓝衣裙，正在与帕里斯讲条件，想说服帖里斯判她为最美。
维纳斯偕同儿子丘比特丫在一边，静静等待。
帕里斯以不太安稳的姿势斜坐在岩石上，回应女神的挑战。
在他们身后，雅典娜独自坐在一块石头上，她退出了角逐的舞台，却无意中成了人们注意的中心，当她俯身触摸自己的身体时，洛兰笔下美丽的金光便照在她白皙的身体上。
画中的风景在视觉上造成一种开阔的空间感，透过这出戏剧的舞台观众可以毫无阻隔地望见远处蜿蜒逶迤的河水以及重峦叠嶂的远山。
不过，这里的风景不是单纯的风景，它是为衬托前景的人物和思想而安排的，画面最终想表现是帕里斯做出选择的那一刻。
为了烘托着历史性的瞬间，风景需要足够壮阔，并且要具有发人幽思的崇高感。
这种风景画在１７世纪很流行，被称为“历史风景”。
可是，对于今日的我们而言，画中所讲的故事似乎已经不是那么重要了，最具吸引力的地方倒是那些注满诗意的田野风光。
所有的景色都浸染上一层金色的阳光，明与暗，横与直，都经过精密的计算，努力达到一种和谐、崇高的古典主义理想。
这样的景致不一定是自然中存在的，每一棵树、每一座山都可能是画家发动、安排的，然而，它激起的感情却是真实的，任何人见了都会油然而生思念之情，这里就像一片纯朴而高贵的昔日乐土，吸引着众的心灵。
洛兰的风景画对后世的风景画，甚至于对人们的审美标准都影响非常大。
在其后的差不多一个世纪之中，旅行者都习惯于按照他的标准去评价现实世界的景色，他们专门挑选那些如同洛兰画中一样的地方，坐下来休息和野餐。
富有者还把自己家的庄园改造成洛兰的风景画，以炫耀和居住。
据说，洛兰为了创作方便，还发明了一种镜片，透过它，远景与近景的层次被拉近了，但仍不失细节，人们把这种镜片称为“洛兰镜”。
这种小玩意儿在１８世纪很流行，人们通过它寻找洛兰笔下的风景，意大利语中有一个词Pittoresco，即“如画一般”，或者说是“风景如画”，正体现在这里了。
《热尔桑画店》法国画家让.华多（１６８４－１７２１）是一位以描绘１８世纪法国上流社会生活而着名的画家。
他的作品主题听上去很符合那个时代的趣味，那就是风流与爱情。
这个出身贫寒的年轻人凭借他的才华与努力，在巴黎的宫廷里赢得声誉，他用画笔记录下青春美貌的贵族男女们在充满诗意的田园风景中谈情说爱，描绘优雅的社交仪态轻松的奏乐舞蹈。
《发舟希苔岛》是他最早引起人注意的作品之一，画面描绘了贵族男女们心情游玩之后，正准备从传说的爱情之岛愉快而归。
这一题材在当时的歌舞剧中经常上演，而华多将斯表现得更加多情而富有诗意。
恋人们都是一对一对的的，女子故矜持，雍容高贵，男子则如同翩翩绅士，摆出示爱的姿势。
远处还有怡人的风景和腾空而起的小天使。
整幅画如同一首抒情的乐章，使人陶醉在欢快、愉悦的气氛里。
不过，华多真正的才华还正在于，他懂得如何将对美好表面的追求与对人性本身的追求统一起来，二者在他看来并不矛盾。
就像他的前辈鲁本斯一样，他对于爱的热情是自发本能的，他用薄薄的油彩来画画，很不注意细节，在草草为之的速度中把握气氛和感觉．鲁本斯在他晚年的作品中用的就是这种方法．华多从各方面都深受这位巴洛克大师的影响，他希望自己能够创作出与大师相媲美的作品，１７２０年，他开始创作《热尔桑画店》，这张画虽然是作为礼物送给他的好朋友热尔桑，却不是由任何人委托，而是华多自己主动创作的。
这是画家的最后一件作品，就在作品完成的第二年，华多走完了他短短３７岁生命。
或许，画家本人也已经预感到这一点，于是他把全部的精力投入到这张画里，向自己崇敬的前辈展开一次竞赛．画面横向展开，它的构图引人入胜．由于作品原打算像招牌一样挂在热尔桑画店的外面，所以画家巧妙地从顾客的视角，营造出一个逼真的幻觉空间．这在我们今天理解起来好像有点困难，但当时的人都能注意到，画面低处铺着砖石路面，那是一条大街．而左边露着背景的女子迈上路边的台阶，正在进入画店，一位彬彬有礼的男士伸出手来迎接她，就像在舞池中邀请她来跳舞一样．从观众的角度而言，这和邀请自己没有什么差别．我们的目光被吸引到画店里面，中心处一层套一层的窗户显示出它略带神秘的尝试空间．在画店里，挂满了各式各样的名画，不乏鲁本斯和凡.代克的佳作，或许，热尔桑不一定真有这些画，但它们挂在外面，无疑是不错的广告吧．画店里的伙计，顾客，老板都在各自做着自己事情，俨然是生意兴隆的景象．然而，这些都还是直接从画面中就能看到的，作品的深意并不止于此．如果仔细观看，我们会注意到这张画仍然延续了华多擅长的情爱主题，只是它表现得更加含蓄．画店的展品大多是激发色欲的人体，而人物的活动呢，两位穿着时髦的男子趴在一幅圆形大画前，津津有味地盯着画里的内容，旁边的柜台附近聚焦了不少人，店主拿出一个小镜子给他们看，可以想象，上面画的东西一定很私密，而且也很吸引人．而在画面最左边，几个伙计正把一张十路易十四的肖像放笼子里，此时，属于他的时代已经过去了．１８世纪的人不再关心神，不再关心永恒的秩序，而是关心我们自己以及我们在日常生活中的位置．华多不愿意做过多道德上的判断以及形而上学的陈述，他在可辩识的环境中创造了现实的人，他们渲染在情爱的世界里，色彩本身也传达了新鲜的兴奋和狂热的活力，红色，黄色，闪亮的银灰色和粉红色…….不知不觉中，我们看到了提香与鲁本斯的影子，但是一切又凝固在特定的时代里。
《浴后的狄安娜》１８世纪，欧洲艺术的中心从罗马转移到巴黎。
这一趋势被尊称为“太阳王”的路易十四的时代便一开始奠定了。
当时法国宫廷的礼仪、服饰、建筑样式纷纷被欧洲其他地区所效仿，就连法语本身都成为象征尊贵的语言，就像文艺复兴时期有身份的人都要学习拉丁语一样。
这位君主崇尚宏伟、雄壮的豪华风格，他扶持下的艺术被视为１７世纪后半期“巴洛克”风格的重要组成部分。
可是，等到这位野心勃勃的国王于１７１５年去世后，时代的风尚便开始朝着与相反的方向走去了；本来强调左右对称，严格均衡，如今变得不大对称，装饰的曲线可以自由伸展，艺术形式显得格外艳丽、轻松。
宏大的建筑空间被小巧诱人的闺房与私宅所代替，房间的形式多种多样，出现了椭圆形房间，宫廷绘画尺寸越来越小，形制而变为当时最时髦的椭圆形。
这一切我们统称为路易十五式，或者有一个更通行的称呼，叫“罗可可”。
弗朗索瓦.布歇（１７０３－１７７０）就生活在这个时代，他是继华多之后能够代表罗可可风格的又一典型画家。
他曾到意大利学习，不过古典的宗教，历史主题似乎并不能激起他太大的兴趣。
他更喜欢神话或者田园诗，并在画面中借缪斯、狄安娜等女神的形象，来表现娇艳诱人的女人体。
人体画在本文有着深厚的传统，再没有哪一种文化对实体表现出如此持久的兴趣。
尤其是１８世纪，此时的裸体女子不再遮遮掩掩、羞羞答答、而是充满挑逗的趣味，肉欲与情色绝对了内在的精神气质。
布歇就是这样一位专门描写女人体的画家，他最喜欢用明亮的蓝色、玫瑰色、黄白色、即使你不情愿在他的画上多停留上，用这些颜色调和成的肌肤也足以每一位读者的感官。
图中这件《浴后的狄安娜》是布歇表现女人体的作品中最好的一幅。
它的技法的确是法国绘画的骄傲。
整幅作品可以看出布歇早年工作的影响，他曾作过舞台的装饰布景师。
当时的歌舞剧都喜欢表现爱情这类主题。
布歇让一束明亮而带有暖色调的光打在画面中心的两个裸女身上，而背景是浓密的景物。
或许有观众觉得那蓝色的丝绸出现在这种环境中实在有些奇怪，但这就像从前在照相馆里衬着假布景照相一样，都是创作者有意安排的。
在它的对比与映衬下，女子肌肤给人以红润，细腻的感觉。
狄安娜即使是希腊神话中的阿耳忒斯，她是月神和独守猎女神，是最高神祗宙斯的女儿，也是太阳神阿波罗的孪生姐妹。
尽管青春漂亮，便她却以贞洁着称，终日不近俗尘，只是带着弓箭与猎犬在森林里游荡。
据说有一次，一位猎人偷看她在洗澡，狄安娜便愤怒地将他变成了一头鹿，让猎狗吞噬。
这一美丽又一具有野性的女性形象在热衷狩猎的法国宫廷备受喜爱，在枫丹白露派流行的时候，就有不少描绘她的作品。
在布歇的画中，狄安娜坐在铺着白色和条纹格的丝绸上，前额戴着银色的月牙。
她的脚尖搭在侍女腿上，令人产生触觉上的联想。
队了旁边的弓箭、猎犬与猎物，我们丝毫感觉不到她猎人般的敏锐与矫健，她更像是一个正在池边洗浴的美貌女子，坐在那里供人观赏。