浅谈歌剧的演唱风格
浅谈民族歌剧《星星之火》李小凤的咏叹调《我是个穷苦的小姑娘》的演唱分析
浅谈民族歌剧《星星之火》李小凤的咏叹调《我是个穷苦的小姑娘》的演唱分析1. 引言1.1 介绍《星星之火》民族歌剧《星星之火》是一部融合了戏剧、音乐和舞蹈元素的民族歌剧作品，由著名作曲家李小凤创作。
该歌剧讲述了一个饱受苦难的小姑娘在革命斗争中奋起抗击敌人的故事。
这部作品以其深刻的思想内涵和动人的音乐情感，被誉为中国音乐史上的经典之作。
《星星之火》民族歌剧融合了中国传统音乐元素和西方歌剧的表现形式，在音乐和故事情节上展现了鲜明的时代特征和民族气息。
李小凤巧妙地运用了中国传统音乐器乐和戏曲唱腔，使整部歌剧充满了浓厚的中国风情。
歌剧中融入了许多优美动人的歌曲，其中以《我是个穷苦的小姑娘》最为脍炙人口。
《星星之火》民族歌剧通过歌剧形式生动展现了中国革命的艰辛历程和人民斗争的坚强意志，展现了作者对祖国和人民的深厚感情。
这部作品不仅具有极高的艺术价值，更具有强烈的时代意义，成为中国音乐史上的经典之作。
1.2 介绍李小凤的咏叹调《我是个穷苦的小姑娘》李小凤在演唱这首歌曲时，运用了各种演唱技巧，如延音、颤音、情感转换等，使歌曲更加生动和感染力十足。
她在演唱中充分展现了自己的声音特点和音乐素养，将小姑娘内心的痛苦和希望通过歌声传达给观众，引起观众的共鸣。
这首歌曲不仅展示了李小凤出色的演唱实力，也深刻展现了民族歌剧的魅力和歌曲的表现力。
通过对《我是个穷苦的小姑娘》这首歌曲的演唱分析，我们不仅能够欣赏到李小凤独特的演唱魅力，也能够更深入地理解民族歌剧的内涵和音乐艺术的魅力。
希望在未来的表演中，李小凤能够更进一步地发展自己的演唱技巧，为观众带来更多精彩的演出。
2. 正文2.1 歌曲背景介绍《星星之火》民族歌剧是一部承载着中国民族精神和历史情感的经典作品，其中李小凤的咏叹调《我是个穷苦的小姑娘》是其中一首极具感染力的歌曲。
这首歌曲背景介绍如下：这首咏叹调是在《星星之火》民族歌剧中的关键性时刻演唱的，通过一个小姑娘的视角，描述了她在社会底层的生活遭遇和内心的矛盾。
浅谈莫扎特歌剧《唐璜》中咏叹调《你就会看到》的演唱体会
浅谈莫扎特歌剧《唐璜》中咏叹调《你就会看到》的演唱体会【摘要】莫扎特歌剧《唐璜》中的咏叹调《你就会看到》是一首情感丰富、动人心弦的歌曲。
文章首先从背景介绍入手，介绍了这首咏叹调所处的剧情背景及人物情感状态。
接着分析了曲调特点，描述了旋律优美、情感真挚的音乐特点。
在情感表达方面，探讨了歌曲表达的爱情、希望和坚强等情感内核。
演唱技巧部分则从节奏把握、情感抒发等方面进行深入探讨。
通过对音乐魅力的分析，展示了这首咏叹调的魅力所在。
结尾部分对整篇文章进行了总结，强调了《你就会看到》这首咏叹调的独特魅力和意义。
整篇文章全面而详尽地探讨了这首歌曲的演唱体会，为读者呈现了一幅丰富多彩的音乐画面。
【关键词】莫扎特, 歌剧《唐璜》，咏叹调，《你就会看到》，演唱体会1. 引言1.1 引言莫扎特是一位伟大的音乐大师，他的歌剧《唐璜》中的咏叹调《你就会看到》是其中一首令人难忘的经典之作。
这首歌曲充满了浓厚的情感和复杂的音乐魅力，令人深深沉醉其中。
在演唱体验中，我深深感受到了莫扎特音乐的奇妙之处，同时也体会到了歌剧演唱的技巧和挑战。
莫扎特的音乐总是能够打动人心，引起人们深思。
通过演唱《你就会看到》，我深深感受到了歌曲中蕴含的情感表达和曲调的独特之处。
这首歌曲中的咏叹调充满了悲伤和哀怨，同时又散发着一丝希望和温馨。
在演唱中，我努力将这些情感表达出来，希望能够触动观众的心灵。
在演唱过程中，我也不断探寻着歌曲中的音乐魅力和演唱技巧。
莫扎特的曲调独特而复杂，要想完美演绎需要不断练习和磨砺。
通过对曲调特点的深入理解，我逐渐掌握了演唱的技巧，使我的表演更加生动和感染力十足。
2. 正文2.1 背景介绍《唐璜》是莫扎特的一部著名歌剧，讲述了一个爱情故事。
这部歌剧自首演以来就备受赞誉，其中咏叹调《你就会看到》更是其中一首经典曲目。
咏叹调《你就会看到》出现在第一幕的末尾，是主人公唐璜的独唱。
在这首曲子中，唐璜表达了对自己的爱情和未来的希望。
这首曲子旋律优美，情感丰富，展现了唐璜内心的挣扎和坚定。
浅谈中国当代歌剧《苍原》及《情歌》的演唱分析
浅谈中国当代歌剧《苍原》及《情歌》的演唱分析1. 引言1.1 介绍中国当代歌剧《苍原》及《情歌》中国当代歌剧《苍原》是由著名作曲家郭文景创作的一部歌剧作品，该作品于2010年首次在国内上演，受到了广泛的好评和赞扬。
《苍原》以古代中国的传统文化为背景，讲述了一个关于忠诚、勇气和牺牲的感人故事。
该歌剧融合了西方古典音乐与中国传统音乐的元素，音乐旋律优美动人，展现了中国当代歌剧音乐的独特魅力。
另一部中国当代歌剧《情歌》则是由作曲家赵军创作，该作品于2014年首次亮相舞台，也得到了观众和评论家的一致好评。
《情歌》的故事情节充满悬疑和戏剧性，主题涉及爱情、家庭和友情等人性关系，音乐风格新颖，表现了现代年轻人的心理与人生追求。
这部歌剧的歌词简洁而富有诗意，歌曲旋律优美动人，给人留下深刻的印象。
1.2 重要性和意义中国当代歌剧《苍原》和《情歌》是中国音乐界的重要代表作品，它们不仅是中国传统戏曲与西方歌剧的结合，更是中国当代音乐文化的重要成果。
这两部歌剧在音乐和戏剧表现上都具有独特的风格和特点，体现了中国当代音乐的创新和发展。
《苍原》以中国古代传说为题材，融合了中国传统音乐元素和西方歌剧语言，展现了中国独特的文化魅力和音乐韵味。
而《情歌》则突破了传统的歌剧形式，以当代情感和文化为主题，呈现出更加现代化和时尚的音乐语言。
这两部歌剧的演唱技巧和情感表达也都非常出色，展现了中国歌剧演员的高超演艺水平和专业素养。
通过对比《苍原》和《情歌》的演唱方式，我们可以更好地了解中国当代歌剧的发展方向和表现形式，为中国歌剧的国际化做出更多的贡献。
中国当代歌剧的发展和演唱技巧对于提升中国音乐文化的国际地位和影响力具有重要的意义。
2. 正文2.1 《苍原》的故事背景和音乐特点《苍原》是一部以中国传统文化为背景的当代歌剧作品。
故事发生在古代中国的苍原之地，讲述了一段凄美的爱情故事。
主要角色包括苍原王子、苍原公主和苍原国王等，他们的命运交织在一起，展现了生死离别、忠诚与爱情的主题。
浅谈歌剧咏叹调《月亮颂》的乐曲分析与情感表现
浅谈歌剧咏叹调《月亮颂》的乐曲分析与情感表现【摘要】《月亮颂》是一首充满梦幻与神秘氛围的歌剧咏叹调，由著名作曲家创作。
在乐曲结构分析中，可以看到清晰的起承转合，展现出音乐的完整性和逻辑性。
旋律和节奏特点则体现了作曲家对于旋律的巧妙运用和对于节奏的变化处理能力。
情感表现分析揭示了乐曲中蕴含的深刻情感和情感变化，使得作品更具感染力。
乐曲演绎技巧展示了演奏者在表现力和技术上的要求，声部配比和和声特点则展示了作曲家的独特创作风格。
这首乐曲具有极高的艺术价值，能够启发和感动听众，使他们沉浸在音乐的世界中，感受其中蕴含的情感与美好。
【关键词】歌剧, 咏叹调, 月亮颂, 乐曲分析, 情感表现, 作曲家, 艺术价值, 启发, 感动, 旋律, 节奏, 情感, 演绎技巧, 声部配比, 和声特点, 引言, 正文, 结论1. 引言1.1 乐曲背景介绍《月亮颂》是一部歌剧咏叹调，由著名作曲家柴可夫斯基创作于19世纪。
这首乐曲是柴可夫斯基在探索音乐与情感之间的关系时创作的代表作之一，深受音乐界和听众的喜爱。
歌剧咏叹调是一种以表达高度情感为主要目的的歌曲形式，通常由独唱者演绎，配以管弦乐队的伴奏。
在《月亮颂》中，柴可夫斯基通过优美的旋律和动人的和声，表达了对月亮的颂扬和对自然的敬畏之情。
这首乐曲充满了浪漫主义色彩，以其深情的旋律和细腻的音乐构思，让人仿佛置身于一个充满着神秘和梦幻的世界中。
柴可夫斯基是19世纪俄国最杰出的作曲家之一，他的音乐作品融合了西欧和俄罗斯音乐传统，具有独特的风格和深厚的内涵。
《月亮颂》充分展现了柴可夫斯基对音乐的深刻理解和对情感的细腻表达，成为他作品中的一颗璀璨明珠，至今仍然被广泛传唱。
1.2 作曲家简介《月亮颂》的作曲家是意大利作曲家普契尼（Giacomo Puccini）。
普契尼生于1858年，逝世于1924年，是意大利浪漫主义歌剧的代表人物之一。
他被誉为“歌剧王子”，是20世纪最伟大的歌剧作曲家之一。
歌剧《呦呦鹿鸣》的音乐特征和演唱分析
剧《呦呦鹿鸣》并没有直接引入原版曲调，但在很多唱 分成了十个部分。在具体进行重唱设计的时候，创作者
段中使用了马灯调素材，比如《要高考了》唱段中就在 锣声过渡中使用了马灯调素材等。马灯调元素的融入不
使用了卡农式对唱模式，使得整个乐段的情感在一问一 答过程中得到了较高的升华 [5]。不仅如此，为了使得乐
（三）做好演唱活动中的二次创作 在演唱歌剧《呦呦鹿鸣》的时候，演唱者也应该做
好二次创作工作。事实上，对于每一部歌剧的演唱活动
来说，都是演唱者的二次创作过程。同一部歌剧作品由 不同人演唱出来以后，最终的效果也存在差异。这主要 就是因为不同演唱者的二次创作水平存在差异 [6]。对于 演唱者来说，应该在开始演唱活动之前，需要针对整部 歌剧蕴含的内在情感进行全面分析，并站在自己的角 度理解这些的情感内容。在演唱时，演唱者也要融入 自身对于这部歌剧的了解，并在演唱过程中展现出较 强的个性。
浅谈中国当代歌剧《苍原》及《情歌》的演唱分析
浅谈中国当代歌剧《苍原》及《情歌》的演唱分析1. 引言1.1 中国当代歌剧《苍原》及《情歌》中国当代歌剧《苍原》及《情歌》是中国歌剧领域的两部重要作品，它们在演唱风格、音乐特色和表现形式上各具特点，引起了广泛的关注和讨论。
《苍原》以其深邃的情感和宏伟的音乐构思而著称，表现了古代中国苍茫大地上的英雄传奇故事，融合了中国传统音乐元素和西方歌剧技巧，展现了中国当代歌剧创作者的创新精神和艺术追求。
《情歌》则以其细腻的情感描写和动人的旋律而备受赞誉，反映了当代中国人对爱情、亲情、友情等情感的体验和表达，具有较强的情感共鸣力和观赏性。
这两部歌剧的出现，不仅丰富了中国歌剧的创作和表演形式，也为中国歌剧文化的发展注入了新的活力和动力。
通过对《苍原》及《情歌》的演唱分析，我们可以更好地了解这两部作品的音乐特点和表现形式，探讨中国当代歌剧的创作趋势和发展方向。
进一步探讨这两部作品在歌剧领域中的意义和价值，对于促进中国歌剧文化的繁荣与发展具有积极的意义。
【内容结束】2. 正文2.1 《苍原》的演唱特点《苍原》是中国当代歌剧中的一部重要作品，其演唱特点体现了现代化的表达方式和技巧。
在演唱中，歌唱者需要具备较高的技术水平，能够应对复杂的唱法要求和情感表达。
作品中的音乐旋律多变，节奏快速，需要歌唱者具备较强的音乐感知能力和音准稳定性。
作品中还融合了传统中国音乐元素，如京剧音乐、民族乐曲等，因此演唱者需要具备跨文化的音乐感知能力和表现力。
《苍原》的演唱还要求歌唱者能够深刻理解剧情和角色内心的复杂情感，通过声音表达出角色的内心矛盾和挣扎。
演唱者需要在音乐和戏剧之间找到平衡点，将音乐情感与戏剧感情完美地融合在一起，从而给予观众深刻的音乐享受和情感震撼。
《苍原》的演唱特点包括技术要求高、音乐元素多样化、情感表达深刻、音乐戏剧融合性强等方面，这些特点使得该作品在当代歌剧领域具有重要的地位和影响力。
2.2 《情歌》的演唱特色歌剧《情歌》的演唱要求演员具备较高的声乐技巧。
浅谈莫扎特歌剧咏叹调《年轻姑娘应该懂得》演唱技巧
29声乐艺术解析SONG OF YELLOW RIVER / 092020一、作者简介及《女人心》内容梗概（一）作曲家简介沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart，1756年1月27日－1791年12月5日），出生于奥地利。
他的作品体裁多样，歌剧是他最擅长的写作体裁，舒曼曾说莫扎特的音乐是不可用语言来描述的。
他的音乐洗练、活跃、有力，简单，内容与形式到达高度完美的同一性。
在莫扎特多部歌剧中，比较欣赏的还是《女人心》，中黛斯比娜的咏叹调《年轻的姑娘应该懂得》。
（二）歌曲背景内容简介1790年歌剧《女人心》被创造出来了，用了一个滑稽的故事，内容简洁有趣描述了两个年轻勇敢的军官在老光棍哲学家阿方索老先生的赌注怂恿下，为检验自己的女人对爱情是否忠贞。
他们选择伪装成年轻有为的高富帅去撩拨对方的爱人，并且买通了两位女主的贴身女仆黛丝皮娜，而两位女主人公在仆人黛丝皮娜的说教下，没有经得起诱惑，成功的中招了，接受了新的男人的追求。
最后，在这两对成亲时，两个男子撕去了神秘的面纱露出真面目，面对真相女人们十分害羞和愧疚，不过还好最后两名男子并没有介意，误会接触，从此他们幸福的生活在了一起。
二、《年轻姑娘应该懂得》的演唱技巧和处理要把一首咏叹调表达的更完善，光有情感也确实是不够的，声音决定了这首咏叹调的成败，一首咏叹调的需要的技巧越复杂和细致，则难度越大。
但是我们也不要为了凸显自己声音的优势去刻意炫技，那样也会让人觉得脱离了音乐本身要表达的意思。
反而起到了反作用，费力不讨好。
我们一定要使内容与形式达到完美统一，并且在这个条件下，不断地调整自己使声音达到最好（一）起音的演唱发声开始的时候必定会遇到一个严峻的问题：如何起好第一个音？我们把这叫做起音或起声。
那么如何起好音呢，应该注意要正确吸气，正确的口型。
良好的起音是气息控制，共鸣腔相互调节的结果。
为了使第一个音能够漂亮，一定要保持微笑保持兴奋的状态，使位置一直保持在同一个点上，使声音永久持续在“高”位置，这样才能使共鸣腔保持打开的兴奋状态，能够使声音越发的圆润。
浅谈莫扎特歌剧中宣叙调的演唱风格
浅谈莫扎特歌剧中宣叙调的演唱风格作者：付茜来源：《艺术科技》2015年第09期摘要：莫扎特作为举世闻名的作曲家，在他的一生中有很多的优秀作品。
他不仅是奥地利著名作曲家，同时也是维也纳古典乐派代表人物之一。
他的作品种类丰富，无论是在歌剧、钢琴独奏还是交响乐方面，都有涉及。
其中他对歌剧的成就尤为突出。
通过对莫扎特的歌剧代表作品《费加罗的婚礼》《魔笛》《唐璜》等进行分析，对宣叙调在莫扎特歌剧表演中的应用进行浅谈与探究。
关键词：莫扎特歌剧；宣叙调；演唱宣叙调是一种具有叙述和吟唱性质的曲调。
它以语言的音调为基础，节奏感自由，并且伴奏简单。
歌剧、清唱剧等叙述或抒情较弱的戏剧中，多使用宣叙调来推进情节的发展，丰富作品的内涵，使人物形象更加鲜明，主题更加清晰。
莫扎特·沃尔夫冈·阿玛德乌斯（1756～1791）。
虽然他的生命只有短短的31年，但他在音乐创作上的贡献却是无可估量的。
莫扎特一生中创作的音乐作品风格多样，内容丰富。
其中《费加罗的婚礼》《唐璜》《魔笛》等最能代表他的创作成就。
宣叙调被大量用于莫扎特的歌剧中，丰富了作品的表现力。
它不仅渲染了歌剧的整体氛围，而且有利于歌剧作品整体结构的完善。
当代有很多研究莫扎特歌剧表演中宣叙调演唱风格的文学作品，不仅有助于我们更好的了解宣叙调这一演唱风格在歌剧中的应用，而且也为后代作曲家在歌剧创作上提供了理论依据。
莫扎特作品中对宣叙调的应用表现为多种形式。
例如，叙事性的应用、抒情性的应用、有节奏的应用、无节奏的应用等。
宣叙调作为一种情感表现形式，看似简单，但作曲者想要在歌剧中对宣叙调进行游刃有余的掌握和应用，是需要一定的艺术功底的。
1 宣叙调在正歌剧中的演唱风格分析正歌剧一般立足于现实生活，多从现实生活中取材，注重人物形象和心理刻画的真实性。
宣叙调在正歌剧中的表现形式是自由的，演唱者在表演过程中，可以根据环境因素进行自由的发挥。
宣叙调不同于一般的歌剧对白，表演者需要对人物的语言、语速、语势进行分析描摹，揭示作品的情绪色彩。
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浅谈歌剧演唱风格——以咏叹调《美妙时刻来临》为例学生：李莉（指导老师：张晓炳）(淮南师范学院音乐系)摘要：歌剧起源于16世纪末意大利的佛罗伦萨，经过四个多世纪历史演变，形成特定的歌剧演唱风格，而美声唱法则是歌剧演唱的主要形式。
本研究通过介绍歌剧的产生与发展、浅谈歌剧的演唱风格、浅析咏叹调在歌剧演唱中的重要性、分析歌剧咏叹调《美妙时刻即将来临》的演唱风格以及对歌剧演唱风格的总结和个人观点，这五个方面来进行论述，并对我国歌剧的发展起借鉴作用。
关键词：歌剧；演唱风格；咏叹调Introduction to Opera Singing Style—aria "Wonderful time coming"，For ExampleStudent: Li Li (Faculty Adviser:Zhang Xiaobing)(Huainan Normal University Music Department)Abstract: Opera originated in Florence in late sixteenth Century, after more than four centuries of historical evolution, the formation of a particular opera and belcanto singing style, law is the main form of opera singing. This study introducesthe formation and development of opera, opera singing style, the importance ofaria in opera singing, the singing style of Opera Aria " wonderful moment " andsummary and personal style of singing opera, this five aspects, and reference forthe development of our the Chinese opera.Keywordes: The opera; Singing style; arie前言歌剧的产生与发展至今已经经历了5个世纪，经过了不断地发展、改革、进一步的完善。
对于歌剧的演唱风格，已经有很多人写过了。
但是由于这首咏叹调作品对当时的作曲风格有一定的研究，对现在古典歌剧的演唱方式有一定的借鉴作用，很值得研究。
随着改革开放的不断发展，现代人的欣赏水平以及欣赏的要求也在不断的提高。
在各种思想不断碰撞，各种文化不断沸腾的现在，人们更多追求的是能够真正深入自己心中的那一股音乐的甘泉。
人们希望听到的是真实的表露情感的优质声音，渴望感受到的是醇厚和扎实的声乐功底以及演唱者对音乐的理解与表现能力的游刃有余。
所以在对对歌唱者的演唱风格方面的要求也不断提升，以满足自身的实现以及观众的需求。
一、歌剧的产生与发展歌剧是集音乐、诗歌、戏剧、美术、舞蹈等形式的综合体。
它起源于16世纪末意大利的佛罗伦萨，经历了4个阶段：17世纪早起意大利歌剧、18世纪歌剧及歌剧改革、19世纪歌剧、20世纪现代派歌剧。
它成长于威尼斯，成熟于那不勒斯，它是欧洲文艺复兴运动的产物。
歌剧的主要形式就是以歌唱为主体的戏剧；它的主要表演形式有序曲、宣叙调、咏叹调、重唱、合唱、间奏曲以及烘托戏剧气氛和场面的芭蕾等；体裁形式有大歌剧、正歌剧、轻歌剧、喜歌剧、趣歌剧、音乐剧等［1］。
1597年，世界上诞生了第一部歌剧《达芙妮》可惜早已失传。
1600年作曲家丁·佩里所写的《犹里狄茜》是现存最早的第一部西洋歌剧，开创了歌剧的新纪元。
1607年“近代歌剧之父”蒙特威尔第创作了他的第一部歌剧《奥菲欧》，并把它扩充成了五幕戏。
到了17世纪末，音乐发展达到了一个辉煌的时代，同时产生了几位划时代的音乐家，其中包括意大利的斯卡拉蒂，法国的拉穆和德国的巴赫与亨德尔。
当时影响最大的就数斯卡拉蒂，他确定了最终确立了歌剧咏叹调的基本演唱形式ABA结构，并在A段反复的时候加上装饰音及华彩段，极大地发展了人声的歌唱艺术，丰富了歌唱的表现力，推动了歌唱技术的提高，但与此同时也带来了只顾炫耀技巧的不良风气，当时歌剧舞台上活跃着阉人歌唱家，人们挑选出一些音色优美的男孩，给他们施行阉割手术，使他们在保存高音音域的同时，保存了男子的力度；与此同时歌剧又出现了另一不良现象，剧院为了吸引观众，就对场面进行豪华、盛大的装饰和布置，这就削弱了歌剧的戏剧性和思想内涵的表达，使歌剧的整体性与艺术性有所下降。
到了18世纪格鲁克对歌剧进行了改革，这就是歌剧史上著名的格鲁克歌剧改革。
他的歌剧改革的核心是一切顺应自然,提倡音乐为戏剧服务，主张歌剧的戏剧性和音乐性的完美统一，反对故弄玄虚的浮夸做法，主张除掉那些同戏剧和台词无关的装饰音乐。
同时，格鲁克还提倡用本国语言创作，以发展各国歌剧，他的改革使歌剧通向了意大利浪漫主义的道路。
19世纪歌剧无论政治倾向如何，浪漫主义在艺术上的特征是一致的，简单的说就是感情超过形式。
为了表现这种感情，作曲家们纷纷想出各种方法改进作曲的技巧。
他们扩展了和声，丰富了乐队音色，打破古典时代严格的形式格律，运用新的音乐语言和灵活的曲式写作；使用更多的造型手段，注入新的元素，把音乐的表现力变得更加丰富多彩。
如贝多芬的《费德里奥》可以说是浪漫派歌剧的先导。
而歌剧与文学的结合，也开辟了标题音乐的新纪元［2］。
20世纪现代派歌剧。
这一时期的歌剧作曲家中，主要作品有初期的代表人物受瓦格纳影响的德国查理•施特劳斯（《莎乐美》、《玫瑰骑士》）；法国德彪西《佩利亚斯与梅丽桑德》(1902)等。
第一次世界大战后贝尔格将无调性原则运用于歌剧创作中，主要作品有（《沃采克》）等。
二、浅谈歌剧的演唱风格（一）良好的发声方法不仅是演唱歌剧重要基础，而且还直接影响歌剧的演唱风格在演唱歌剧时，首先要有良好的呼吸方法。
每个人都有自己在不断演唱的经历中总结到气息的运用方法，但是要解决气息的运用问题还是要多进行日常的锻炼，平时也要多注意声乐训练。
我们除了坚持跑步运动，还可以运用声乐呼吸方法中胸腹联合呼吸进行训练，这种呼吸法气息量大，有气息的柔软性和弹性，支点性强。
首先，在吸气时，口鼻同时吸气胸腔肺部充分张开横隔膜下降，有足够的气息供给发声；在呼气时，气息支点集中在横隔膜可以用一种快吸慢吐的方法，做无声练习。
如：闻花香、慢吸慢呼、快吸快呼、打哈欠、叹气等；其次，声音要竖起来，养成良好的发声习惯软鄂要向上打来，声音往后靠，舌根要放松。
具体可以概括为四个字，宽、厚、竖、亮［3］。
所谓“宽”就是宽广的音域，低音区不能虚，中音区要厚，高音区不能尖锐，在音区过度时要自然；“厚”就是指音色丰满、结实；“竖”指声音形象具有垂直立体感，歌唱口型以竖为主，软鄂要尽量往后打开，笑肌尽量往上抬要放松；“亮”就是指声音具有坚实的共鸣（头腔、胸腔、腹腔三线达成一点），有较强的穿透力。
所以在演唱的时候我们要求在演唱作品时，高音时，气一定要吸的深、稳，感觉到气是往下走的，音是往上走的，声高气低，距离拉开。
这样气息才能集中，声音才能圆润、有穿透力，如果没有做到就会出现唱不上去的现象。
音域较低时，就像说话一样，气息也不需要吸的太深，否则会显得十分无力或者气息的供应出现脱节，应将气稍微提起，利用胸腔的共鸣会更好唱一些。
对于较舒缓、亲切、柔和的歌曲，气息要如同涓涓细流，平稳、均匀、流畅，同时要保持胸腔的展开状态。
对于较猛烈的歌曲，虽然气息的运用量较大，气流涌动较快，但是在演唱时也要和演唱其他形式的歌曲一样用力要均匀、平稳，气沉的要深。
最后，在咬字方面，字头、字腹、字尾三个部分统一于一个字当中。
字头要开的轻巧、有力、准确且短促；字腹要拖的圆润饱满，平稳延长；字尾要收清晰明确且果断，三者互相支持，统一有序。
（二）戏剧性人物形象对演唱风格有明显影响歌剧是音乐、戏剧、诗歌、舞台美术、舞蹈等交融于一体的综合艺术形式。
它属于表演艺术，同时歌剧的主要表现形式也是通过演唱者的演唱来刻画剧中的人物性格，展开戏剧情节，揭示剧情中的矛盾冲突，从而来塑造歌剧中的人物形象的［4］。
这就对对歌剧演员的要求非常严格，演员不仅要会唱，而且还要会演，二者缺一不可。
其中，戏剧和音乐是构成歌剧的两个基本因素。
因此，也有人把歌剧称为“戏剧的音乐形式”或“音乐的戏剧形式”。
而歌剧的戏剧性又是推动歌剧发展的重要因素。
一个好的剧本，通常是有好的戏剧性线索推动剧情的发展，否则算不上好的剧本，其演唱风格常与剧本中的人物形象的风格和性格相结合。
不仅提高并丰富了歌剧的戏剧表现能力，同时在遵循“人性戏剧”的理念中，追求人性的内心感悟和主观的生活体验。
（三）情感表达是演唱风格重要手段演唱风格是来自于演唱者对歌词意境的理解和对作品中所传达的情景的联想、想象，通过联想和想象唤起生活体验，使情感表现的精神特征激发出来，渗透到优美的声音中去。
情感表达是歌唱艺术的灵魂,是歌唱艺术的精髓,是歌唱艺术中不可缺少的重要元素。
影响歌唱时情感表达的因素除了有歌唱者本身掌握的歌唱技巧外，还有歌唱者音色的好坏，就好像绘画中的颜色一样，可直接影响歌唱中演唱风格的效果, 不同的音色，表现不同的音乐形象,也表现不同的音乐风格和演唱风格。
演唱风格中丰富的音乐语言特色，其中包括咬字、吐字,还有独特的语气、语调和语势，都是真实情感表达的重要组成部分，也是演唱风格中一个不可缺少的条件。
而对歌词曲调的理解和把握,还有歌曲曲调的风格、歌词的内容、伴奏的风格、舞台的氛围等，也将影响歌唱中的情感表达,它不仅是对歌曲进行情感处理的重要基础,也是提高歌唱艺术水平的重要手段。
而真情实感则是是情感表现的重要依据，在演唱的时候，要以声传情，有情才能有声、人为情所动、声为情所发，不能弄虚作假。
三、浅析咏叹调在歌剧演唱中的重要性咏叹调（Aria）原指是一个声部或几个声部的歌曲或歌唱性的器乐曲，现专指独唱曲［5］。
它主要由歌词、旋律和伴奏构成，其中歌词是咏叹调的基础，旋律是咏叹调的灵魂，伴奏是对旋律的创造，对旋律起到引导、烘托、渲染和过渡的作用［6］。
它是在十七世纪末，随着歌剧的迅速发展，人们不再满足于宣叙调的平淡，希望有更富于感情色彩的表现形式而产生的。
因此从歌剧的诞生，咏叹调就在各方面与宣叙调形成了强烈的对比，咏叹调特征是富于歌唱性、长于抒发感情、有讲究的伴奏和特定的曲式（多为三段式）；而宣叙调则脱离了语言音调、没有叙事情节、有时几乎没有伴奏或只有简单的陪衬和弦，结构也十分松散[7]。