西方美术史论文
西方美术史论文-对史前美术的认识
对史前美术的认识以前，我总感觉到美术离我是那么的遥远，我对于美术的认识几乎为零。
比如，看到梵高的《向日葵》，我实在看不出它有什么特别的，因此别人常常笑我没艺术细胞。
我高中学理科，很少接触艺术；现在我修的是工科专业，又很少接触艺术。
为了弥补自己对艺术认识的缺陷，我特意选修了“西方美术史”这门课。
课上，谢老师给我们详细地介绍了不同历史时期的西方艺术。
按时间先后顺序有史前美术，其代表作是法国的拉斯科洞窟壁画、西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画以及沃尔道夫的维纳斯；古代美术，其代表作是埃及金字塔、掷铁饼者、米洛斯的维纳斯；中世纪美术，其代表作是拜占庭式建筑、哥特式建筑；文艺复兴美术，其代表作是达·芬奇的作品《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》；十七世纪美术，其代表作是委拉斯开兹的作品《宫娥》，出现了巴洛克艺术；十八世纪美术，其代表作是《希阿岛的屠杀》和《自由领导着人们》，出现了浪漫主义艺术；十九世纪美术，其代表作是库尔贝的作品《画室》，出现了印象派艺术；二十世纪至今的美术，许多艺术活动已经超出了美术的范围。
学了这么多，下面我谈谈我对史前美术的认识。
史前美术又称“原始美术”，西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。
最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。
所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。
拉斯科洞窟壁画，由1.7万年前的原始人涂抹在法国西南部多尔多涅省附近“拉斯科”岩洞内壁上，是旧石器时期岩画的代表之一，在美术史上占有重要地位。
1940年，多尔多涅乡村的四个儿童带着狗在追捉野，突然野兔不见了，紧追的狗也不见了，孩子们这才发现兔和狗跑进一个山洞，他们带着电筒和绳索也进入洞里，结果发现一个原始人庞大的画廊，这就是拉斯科洞窟壁画，被誉为“史前的卢佛宫”。
拉斯科洞窟因石灰岩缝隙水流的侵透，在地质年代的第三纪形成大型的岩洞。
外国美术史与名作鉴赏-期末论文
重庆大学外国美术史与名作鉴赏论文学生：胡睿学号：********指导教师：***专业：建筑环境与能源利用工程2013年10月摘要艺术是时代的镜子。
艺术品能反映出时代的思想、潮流和生活形态的改变，因而每一个时代的艺术品都与其他时代有所不同。
重大的历史变动往往意味着重大的潮流改变。
艺术囊括了物质世界和精神世界的各个方面，在这篇论文里将概述西方美术史，并对古代的宏伟建筑以及近现代的美术稍作分析。
关键词：西方美术史，印象派，后印象主义，表现主义。
目录1 古代的灿烂文明 (3)1.1始祖之壁 (3)1.1.1旧石器时代——阿尔塔米拉岩画 (3)1.1.2新石器时代——巨石阵 (3)1.2文明之火 (3)1.2.1古埃及 (3)1.2.2近东——美索不达米亚 (3)1.2.3爱琴海——希腊艺术 (4)1.3罗马之盛 (4)1.4宗教之源 (4)2文艺复兴的荣光 (5)2.1人性之醒 (5)2.2皇权之光 (5)2.3浪漫之风 (5)3科学的浮光掠影 (6)3.1科学之种 (6)3.1.1写实主义 (6)3.1.2印象派 (7)3.1.3后印象主义 (9)3.1.4象征主义 (9)3.1.5表现主义 (10)3.2现实之外 (11)参考文献 (11)1 古代的灿烂文明400万年前，人类站了起来。
而在那之后200万年，人类才有工具遗留。
这个人类开始把石块变成适当的形状作不同用途的旧石器时代。
1.1始祖之壁1.1.1旧石器时代——阿尔塔米拉岩画1869年一次意外的探险，一个想摆脱名利的侯爵和他四岁的女儿共同发现了旧石器时代克鲁马农人留下来的岩画。
阿尔塔米拉岩洞有超过150幅壁画，多数是简单的风景图和动物画。
颜料主要以矿物质、炭灰、动物血和土壤为主，掺有动物油脂。
颜色以红、黑、紫为主，色彩十分浓重。
这些岩画大约是为祭祀用。
这些画家兼职猎人，他们所绘动物与他们息息相关，比如许许多多牛的图案。
他们可能是觉得把动物的灵活与力量反映在墙上，可以夺取动物的灵魂或是力量，易于部落捕猎的行动。
外国美术史结课论文
外国美术史结课论文201213070203-宋振豪意大利文艺复兴时期的雕塑艺术文艺复兴时期的雕塑艺术进入了另一个高度，在这一时期，意大利的雕塑艺术显得比较突出。
我以这一时期意大利的两名著名的雕塑大师为例，说出我对这一时期意大利雕塑艺术的见解。
我作为一名学雕塑的学生，我不敢说我对雕塑有多么独特的见解，我的理解可能很肤浅，但这仅仅是我个人的见解。
在文艺复兴早期，主要的雕塑代表是多纳泰罗，多纳泰罗是意大利文艺复兴前期雕塑新纪元的代表人物，曾耗费大量的精力去研究古代希腊和罗马的雕塑，但他并不一味地模仿，而善于在继承古典主义雕塑艺术的基础之上进行创新。
他创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。
他的代表作品《大卫》是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。
多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。
在他的手下，这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。
着意表现人的完美体魄和崇高精神的雕塑作品，在黑暗的中世纪已经消失，所以同真人一般大小的裸体《大卫》问世，实在是惊世骇俗之举。
裸体的、有血有肉的少年大卫立在人们面前表现了过去时代的结束和新时代的到来，开创了现实主义的表现手法和颂扬人体美的先河，奠定了文艺复兴时期的现实主义传统。
他所塑造的大卫是佛罗伦萨人热爱和平、追求自由的心愿象征。
《大卫》的身体各部分之间的比例符合古典艺术的理想标准；它的姿态遵守“重心转移”的造型规律，显得放松而自然。
《大卫》正陷入复杂沉思的心理状态，他的沉思目光似乎发现了人类自身的美和力量。
这种对人类自身价值的发现和认识，正是文艺复兴的根本精神。
自多纳泰罗之后，主要的雕塑家是米开朗基罗。
米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。
他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。
西方美术史结业论文西方美术史结业论文
西方美术史结业论文主题：偶遇《黄色基督》邂逅保罗高更摘要：一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍和课后的资料查找，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。
而我最喜欢的是十七世纪荷兰最重要的风景诗人雷斯达尔。
他的风景画给人一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷。
关键词：黄色基督￫保罗·高更￫后映像派￫后映像派三杰一个学期的美术之旅即将结束，通过课上老师的介绍讲解和自己课后的资料查找搜集，让我对西方美术长廊里那些栩栩如生的雕塑和五彩斑斓的画卷有了浓厚的兴趣。
我们从古希腊、古罗马的美术讲到了文艺复兴时期，直至欧洲十九世纪的美术，不仅有米隆的《掷铁饼者》、多纳太罗的《大卫》，还有米开朗琪罗的《哀悼基督》、伦勃朗的《夜巡》、荷加斯的《伯爵夫人之死》…但是给我影响最深的不是广为人知的《最后的晚餐》，也不是价值连城的《维纳斯的诞生》，也不是那神秘的《蒙娜丽莎》而是那充满历史文化底蕴而富有传奇色彩的后映像派别名画尤其是从邂逅《黄色基督》开始。
或许它们不是最伟大的作品，但总能显示出一种浑厚的力量，雄伟的气势，闪烁的光影，让我深深着迷，倘佯在后印象派的美丽长河之中，让我们一起来走进这个传奇的世界。
一 .邂逅《黄色基督》故事那是一个连阳光也显得懒懒的下午，或许因为一天的学习让人感到有些疲倦，又或许是有一个令我怦然心动的事物出现的原因。
懒懒的趴在桌子上看着老师的课件一页一页的翻过。
直到出现，浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型一下子吸引了我的眼球。
简介油画《黄色基督》，以其平铺的块面、浓重的色彩、大胆的轮廓线以及简约的造型，反映出高更“综合主义”绘画的风格特点。
整个画面被前景的人物、十字架的垂直立柱以及顶端的水平横木所支撑。
田野、天空及十字架的道道条状的形，与妇女及树木图像圆转起伏的曲线，产生鲜明对比；那平直延展的形，与圆曲封闭的形，形成强烈的对照。
所有物象都统一于一种明快而简约的图形中。
外国美术史论文
文艺复兴时期中西艺术的差异——以中国山水画与西方风景画为例文艺复兴以后，西方艺术发展进入新阶段，与同时期的中国艺术形成了许多差异，以该时期的中国山水画与西方风景画为例，二者虽然都是对自然的描绘，但在空间处理、写景的系统、是写实还是写意等方面二者都存在差异。
在空间处理方面，文艺复兴时期透视法的发明，使西方画家能在平面上更真实的展现三度空间，最求画面的真实性，而透视法的出现离不开文艺复兴时期科学技术的进步。
而同时期处在明朝的中国山水画在空间处理中采取了“三远”的表现方式，既高远、深远、平远，也就是指仰视、俯视和平视，所以中国山水画是在运动中观察的自然，从多角度看而不同，不受视点的约束。
从空间处理方面中我们就可以看出文艺复兴时期中国山水画和西方风景画中的一个大不同，就是对写实和写意的侧重点不同。
明朝中国山水画继承了中国传统山水画，对景的描绘是画家主观感情和意识出发描绘的自然，寄托着作者的精神和气韵，对自然的描述追求的更多是神似，而不是形似，但也不是完全抛弃形似，只是不用特别拘泥于形似。
而西方的风景画注重风景的真实性，在总体上对风景的描述都是偏向形似，但也不是代表其风景画没有写意的部分，只是在这个时期中对景的绘画依旧注重完全的复刻和比例的合理性。
而从中我们便也可以看出该时期中国艺术体系属于写意体系，西方艺术体系属于写实体系。
在重视程度上，文艺复兴时期的西方风景画并没有形成一个独立的体系，他们更多是在宗教的主题下的风景，该时期更多的依旧是人物画。
这与欧洲画注重人物画的历史有关，文艺复兴重视人的价值，风景只是人物的从属，往往画家们更多学习到的是描绘人物的技能。
而明朝时期的山水画在画坛上地位较高，较为成熟，有独立的系统，在中国传统中讲究人与自然的和谐共处，山水和人是共同重要的，而在中国传统封建社会中文人的抑郁不得志使其往往寄情与山水之中，这些都使山水画在中国成为体系，有较为重要的地位。
从文艺复兴时期中国山水画和西方风景画中的差异可以看出，该时期中国艺术是属于写意的艺术，而西方艺术是属于写实的艺术；该时期中国艺术中人与自然往往是和谐共处的，而西方艺术重视人的地位。
中外美术史论文
文艺复兴绘画代表作品鉴赏班级：10建工3班学号：1001080310姓名：邓光灿目录目录 (2)内容提要 (3)时代背景 (3)最后的晚餐 (3)蒙娜丽莎 (4)最后的审判 (4)披纱巾的少女 (5)雅典学院 (5)达娜厄 (6)1498年的自画像 (6)【内容提要】通过介绍“文艺复兴三杰”以及其他的大师具有代表性的一些绘画作品，展示西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。
【关键字】文艺复兴三杰、风格、流派、形式特点、美学特征、艺术成就西方真正意义上的绘画史从14世纪文艺复兴开始，经过巴洛克风格、罗可可风格、新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象派、象征主义、现代派，历时六百余年的发展，展示出一条“以人为本”的演进轨迹，并以此为核心，呈现出丰富而又相对复杂的艺术景观。
整体而言，西方绘画作为人类文化的重要部分，它是对世界文明的一种解释，是对社会发展的一种记录，它创造了一个带有意义的、具有审美价值的形式结构。
在此，我带领大家简单了解文艺复兴具有代表性的一些绘画作品，展示了西方绘画各阶段的风格、流派、形式特点、美学特征及其卓越的艺术成就。
文艺复兴时期的绘画，大致可分为早期和兴盛时期两个部分。
早期文艺复兴绘画兴起于意大利。
在13世纪后半期，意大利中部以弗罗伦萨为中心就出现了新的动向，从15世纪开始，意大利文艺复兴进入蓬勃发展阶段，弗罗伦萨仍是最大中心。
以波提切利为代表，人才辈出，从不同角度发扬了现实主义与人文主义相结合的传统，绘画风格雄伟秀丽各有所重，呈现百花齐放、美不胜收的局面。
注重空间透视表现和任务坚实造型，以及善用线条则成为弗罗伦萨花牌代表人物共有的特色。
威尼斯画派在意大利文艺复兴中的地位也是极其独特的。
15世纪末至16世纪初的罗马和弗罗伦萨等城市。
已处于磨难之际，而整个16世纪初的威尼斯，却保持着宗教的自由和社会的祥和，这样的社会环境为绘画创造了明媚的发展空间。
自15世纪至16世纪，文艺复兴兴盛时期绘画的中心已经转移到了尼德兰和德国。
西方美术欣赏鉴赏相关论文
西方美术欣赏鉴赏相关论文西方美术欣赏是高校美术专业的重要课程，对于提高学生的综合素质发展创造力有着重要的意义。
下面是店铺为大家整理的西方美术欣赏相关论文，供大家参考。
西方美术欣赏相关论文篇一：《试论中西方美术的融合与当代工艺美术》工艺美术的创作初衷是对艺术的感悟，基本点在于美，这一点与传统艺术(包括绘画)的出发点是一样的。
无论什么形态的美，它必定是包括着人们美好的愿望。
形态的多样性使工艺品更具广泛的市场与发展空间，艺术的创造来源于生活的各个角落，任何东西都有可能成为一件艺术品。
用艺术的眼光来创造工艺品，是人们物质生活和精神生活提高的表现，也是人们喜爱艺术的愿望，艺术对于社会、对于人的成长起着非常重要的作用，体现了人们的精神面貌。
在西方美术中，注重绘画材料与工具的多样性及绘画材料与写实观念的紧密结合，体现了它的科学性。
强调对客观事物的真实再现，描绘自然界中一切事物的真实情况。
严谨的比例，光线的变化，空间以及色彩的表现。
通过绘画的过程找寻事物的特征并逐步进行科学的研究，形成完整的，科学的绘画语言，创造真实的“理想之美”。
“艺术的使命在于用感性的艺术形象的形式去真实”(黑格尔《美学》)。
中国美术早期则深受儒家、道家文化的影响。
“礼之用，和为贵。
先王之道，斯为美;小大由之。
有所不行，知和而和，不以礼节之，亦不可行也”(《论语·学而》)，“淡然无极而众美从之”(《庄子·养生主》)，强调抒发主观意志，以主观的思想来控制情感，从美好的一方面来净化内心世界。
塑造理想的人格，从而达到人与社会，人与自然的和谐之美。
通过所要描绘的具体对象表达自己内心感受，以咏物来寓志，借景抒情，形成中国美术特有的“意境”。
讲求“气韵生动”，不求形似但求“传神”，(明·徐渭)“须得书意，转深点画之间皆有意”(东晋·王羲之)，把主观的情感和客观的景物相融合，通过画面上的“物”与“意”即“书”成为一个整体，形成“诗、书、画”一体的特有表现形式。
外国美术简史欣赏论文
简论古代罗马与古代希腊的美术关系摘要：在选修外国美术简史这门课程之前，我对西方的美术了解可以用空白形容，一方面是由于自身在高中时期没有给予足够的重视，另一方面是由于高考的指向性，使得我忽略了自身的艺术修养的重要性。
然而，进入大学之后，由于我专业是机械类的关系，我开始慢慢发现，其实机械类中艺术性也是不可少的，最简单的证明就是苹果公司乔布斯先生，在我看来，正是因为他的产品创新性，科技性和艺术性并存才会使得苹果公司逐渐壮大并最终获得成功。
在这一学期，我选修了外国美术简史这门选修课，希望能够补充这一方面的知识，并希望能对自己的专业学习有所帮助。
关键词：西方美术史古罗马古希腊首先，我认为对西方美术史的发展了解是必不可少的。
最初是史前时代。
进入奴隶社会，那些文明古国谱写了人类美术史的辉煌篇章，美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域），古埃及的庞大金字塔建筑，古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，古罗马美术继承着古希腊的传统。
封建社会时代、欧洲文艺复兴时期。
17世纪在欧洲出现了巴洛克美术，18世纪时期18世纪罗可可风格在法国兴起，19世纪时期19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。
19世纪后期在法国产生了印象派。
直到如今，西方的美术还在不停的发展着。
西方美术在它发展的历程中，珍品无数，在论文中不能尽述，就简略了解一下在西方美术发展中地位举足轻重的古代希腊和罗马艺术吧。
在西方美术史浩如烟海的典籍里，最常看到的词汇就是“希腊与罗马”和“回归与复兴”。
根据史事记载，在公元8~9世纪加洛林王朝的“文艺复兴”，表现出的就是对古代世界的一次有意识的回归。
它以一系列语言、文字、法令以及宗教生活的改革而开始；不过查理曼大帝想要复兴的仅仅是罗马世界。
这位由教皇加冕的罗马皇帝是以保存、复兴罗马早起基督教经典教义为宗旨，时间的范围也仅限于宫廷艺术。
事情到了15世纪才真正出现转机。
现实世界的崩溃（1453年君士坦丁堡的陷落）让人们在古代世界遗留下的文献手稿中“重新发现”了希腊和罗马。
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西方美术史论文
西方美术史
——浅谈浪漫主义作品及风格
记得很小的时候，我也挺喜欢画画的，画画会将我带到一个自由畅想的世界～喜欢线条的动感，喜欢色彩的炫感，喜欢雕塑的灵感。
线条与色彩的有机组合，构成一幅美丽的画卷～有时候，画并不需要线条与色彩，比如中国的水墨画。
却也带给人别样的美感，这便是艺术的美～但由于受客观条件的限制，我没有向艺术的方向走去，但它的魅力一直吸引着我～初中时还学到一点有关设计与雕塑、绘画欣赏的知识，使我这个书呆子沾染了一点艺术的灵气。
上了大学，自由支配的时间多了，通过选修课可以学到很多非专业知识，出于对艺术的喜爱，我就选了西方美术史这门课。
在课堂中，我学到了很多新知识。
一学期的学习时间并不是很长，但我已经深深地被艺术的魅力所折服，在学习的过程中，无时无刻都感受着它的博大精生，感受到国外众多画家流派的风格，清晰的认识到，不能以好不好看来评价画的好坏，只有当我们深入地了解当时的社会背景和画家们的人生经历、思想境界才可能对某个画家做出正确的判断。
首先我们先了解一下西方美术史的发展过程:西方美术在经历了较长时间的原始美术之后，逐渐发展了包括不达
米亚、古埃及、古罗马、古希腊时期的美术。
课堂中，老师先后讲了古希腊和古罗马时期的雕塑和绘画鉴赏及区分。
雕塑是古希腊艺术的灵魂。
古希腊的雕塑家们对身体结构的认知，对神态的描摹以及对雕刻技术的运用，都达到了炉火纯青的境界。
另外古希腊雕塑具有很强的感染力，比如《掷铁饼者》，最初见到这件艺术品时，我还完全不知道什么是古希腊艺术，但当时依然给我很深的震撼作用，雕塑者给予了这件作品完美的线条，生动的神态，赋予它神秘的神话色彩，让人一下就
置身这种豪迈的气势之中。
而古罗马艺术在建筑上成就很高。
大型建筑风格雄浑凝重，构图和谐统一，形式多样。
罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。
接下来的中世纪美术由于受到基督教的制约，开始并不注重客观世界的真实描写，而强调所谓的精神世界的表现。
这一时期建筑艺术高度发展，拜占庭教堂，罗马式教堂和哥特式教堂是主要的成就。
十七世纪在欧洲出现巴洛克美术，发源于意大利，主要追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。
十八世纪洛可可风格在法国兴起，其特点是追求华丽和精致。
期间随着法国资产阶级大革命的到来，先后出现了新古典主义艺术运动和浪漫主义画派。
德拉克洛瓦和席里柯都是杰出代表人物。
十九世纪是现实主义美术蓬勃发展的时期，期间的大量作品或深刻反映了当时的社会矛盾或
歌颂人民的辛勤劳动。
十九世纪后期在法国产生的印象派，受到现代光学和色彩的启示，注重在绘画中表现光的效果，二十世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。
在这么多的流派中我印象最深，感触最独特，启发最大的是浪漫主义画派。
“浪漫主义”一词来源于中世纪的“浪漫传奇”一字，意思是中古欧洲所盛行的英雄史诗和骑士传奇、抒情诗等。
我们这里所指的浪漫主义，一般是指18—19世纪欧洲一些国家所产生的思想和艺术的运动，它反映在艺术的各个领域:德国是诗和音乐;英国是诗、小说和风景画;法国是绘画和雕刻。
浪漫主义产生的哲学基础，是这一时期流行的德国古典哲学和深受启蒙思想影响的空想社会主义。
它强调主观、天才和灵感;强调人性的自由和解放。
在艺术创作中，浪漫主义强调艺术家的主观创造性，表现出对于历史的兴趣和对社会现实中重大事件的关注，另外在对历史怀念的同时又表现出对东方异国情调的向往。
在艺术表现上，浪漫主义与古典主义学院派是完全对立的，它反对纯理性和抽象表现，强调具体的、具有特征的描绘和情感的传达;反对类型化和一般化，主张表现个性化，描绘人物的性格特征和精神状态;反对用古代艺术法则来束缚艺术创作，主张自由奔放热情的主观描绘，使艺术家的感情在创作中得到充分的传达;反对刻板的雕刻般造型和过分
强调素描为主要表现手段，竭力强调光和色彩的强烈对比上的饱和色调，以动荡的构图、奔放而流畅的笔触，有时以比喻或象征的手法塑造艺术形象，借以抒发画家的社会理想和美学理想。
在各位浪漫主义画家的作品中，让我感触颇深，深深被感染的是德拉克洛瓦代表作《自由引导人民》和籍里柯的《梅杜萨之筏》。
德拉克洛瓦代表作梅杜萨之筏
反映1830年革命的《自由引导人民》是德拉克罗瓦最具有浪漫主义色彩的作品之一。
画家以奔放的热情歌颂了这次工人、小资产阶级和知识分子参加的革命运动。
高举三色旗的象征自由神的妇女形象在这里突出地体现了浪漫主义特征。
她健康、有力、坚决、美丽而朴素，正领导着工人、知识分子的革命队伍奋勇前进。
强烈的光影所形成的戏剧性效果，与丰富而炽烈的色彩和充满着动力的构图形成了一种
强烈、紧张、激昂的气氛，使得这幅画具有生动活跃的激动
人心的力量。
画上展示的巷战场面，是画家在上百幅“七月革命”街垒战的草图的基础上定稿的画面。
图中那位在硝烟中一手高擎三色旗，一手提枪，奋勇当先，正在召唤群众前进的青年姑娘，既是起义参加者的真实写照，又是自由女神的象征。
她旁边的少年鼓手正挥动着手枪，急速向前奔跑。
另一边头戴高帽的大学生正意志坚定地注视着前方。
他身后有两个工人挥舞着尖刀，表情刚毅，显示出愤怒的神色。
在他们后面还有许多起义群众。
前景右侧有两名政府军的士兵倒毙在地
上，左侧躺着一位为自由而献身的起义者。
一名受了重伤的青年工人正抬头仰望，期待着自由的来临。
他的上衣、露出来的一角衬衣和腰带正好是三色旗的颜色。
《梅杜萨之筏》是泰奥多尔?籍里柯于1819年创作的油画。
《梅杜萨之筏》从画
面的构图、光线、色彩到人物的动态表情以及丰富的想象力，都是无与伦比的。
画家以金字塔形的构图，把事件展开在筏上仅存者发现天边船影时的刹那景象，刻画了遇难者的饥渴煎熬、痛苦呻吟等各种情状，画面充满了令人窒息的悲剧气氛，开创了浪漫主义先河。
在画面上，船帆与木筏上的幸存者正好构成一个三角形，成为画面的中心，向观众明白展现出木筏在海上飘荡的情景。
有的人已经死去，有的人奄奄一息，有的人抱着亲人
而一堆振臂向前的人冲破了稳定的大三角形的束缚，又构的尸体陷入沉思……
成一个动荡、富于激情的三角形。
他们一个推一个，直到最高处的人被高高举起，挥舞着一块红巾。
顺着他们呼喊的方向，细心的话能够在远处的浪尖上发现一个细微的船影，与迫在眼前的死亡相比，它意味着生的希望。
而画家有意在背景上画一风帆，逆风将木筏往后吹行，这就造成了遇难者向往救生船的心情和逆风逐渐将木筏往后吹的现实造成对立的紧张气氛。
三角形是最稳定的图形，作者运用三角形布局，显示了画中人物非常坚定的信念和决心～因为之前对这个知识点比较清楚，我在自己设计相关作品时，也添加了三角这一元素，突出稳定，坚
定，达到了很
好的视觉效果。
在此请允许我
展示一下我参
与设计的一件
作品:
这幅作品
是我们分生涯家族时，每个家族设计的标志。
在这个设计中，男生与女生的手紧紧相握。
象征着我们家族的团结一心，整
体与局部用到了三角形这个元素，体现出我们家族强大的凝聚力～坚忍不拔～背景是红色的圆，正如一轮红日冉冉升起。
昭示着青年是最有希望的，是活力无限的～红色与绿色的运用，给整幅作品以较大色彩的反差，从视觉上给人以明快、清晰的效果～
上述作品就是我对以前所学知识的一点运用，相信通过这学期的学习，我的知识层面又会有新的上升，而这也将是指导我继续学习与实践的基础～短短数周的学习，虽然不能说收获颇丰，对西方美术史有了清晰的认识与了解。
但是，我又学到了许多新的知识，我对如何鉴赏外国画家的作品以及整个历史背景有了全新的概念～不再人云亦云，能有自己的认识、思考、评价，这就是我学习后的收获～。