论传统中国画的形神兼备的特点
中国画的历史悠久，源远流长，涵盖的门类丰富多彩，所赋予的意义更是博大精深，它是我国独特的人文历史产物。中国画包括人物画，山水画和花鸟画，各个门类都有其独特的艺术魅力。但是它们共通的是传统中国画所具备的形神兼备的特点。自古以来中国画以形写神来表现创作者的艺术情感在艺术作品中起到举足轻重的作用，从理论到实际，形与神是相辅相成不可分割的。传统中国画注重形体的塑造，取材范围广泛，从自然界的花鸟山水到纪实性的人物场景，抒发的对象丰富多彩各具特色，展现世间百态，而艺术家则通过自身的艺术造诣把具象的事物用主观的情感表现在画纸上，这些各式各样的具体形态来源于现实生活，也高于现实生活。传统中国画中的各种人物，花鸟，山水来自于现实生活的写照。画家通过对日常生活的细致观察，以自身的艺术创作经验以及熟练的艺术创作手法，按照具体对象的形态特征，给予自身的直观感受，运用各种形式的创作工具和形式，将绘画对象加以编排整合，激发自己绘画艺术灵感把具体对象造型描绘在纸上，从而创作出一幅幅主题鲜明，样式各异的绘画作品。画家对于绘画的取材不仅来源于生活更要高于生活。传统中国画将现实的体裁经过艺术的提炼删减，个性化的处理表现出别具一格的艺术品位，传统中国画注重简约流畅的绘画方式，将具体对象经过概括描绘，加之艺术家独特的思想理念，艺术修为和灵感境界将心中的画面表现于纸上，这样的艺术作品，不仅是对现实世界的写造，更是艺术家表达自身艺术理念以及独特世界观、艺术情感的体现。如明代山水画家唐寅的《山路松声图》即是以简练却明朗的方式将山间的宁静氛围和松树的挺拔气势描绘的栩栩如生，笔法匀细，设色秀艳，用墨适中，恰到好处，使得画面别具韵味。通过用笔的力道来表现出松声的意境，背景的疏松处理，则是作者想表现出的萧瑟空旷寂寞之感。这幅山水画便是唐寅通过对自然景物的观察研究加之自身深厚的绘画功底和独到的艺术修为和见解，将这样一个场景创作成画，传为佳作。宋代名画《清明上河图》画家取材各式各样的人物500多人，衣着不同，神情各异，牛、马、骡、驴等牲畜50多匹，车20多辆，大小船只20多艘，房屋、桥梁、城楼等也各有特色。全景取材北宋都城汴梁和汴河两岸的热闹场面，自左右分为三段，第一段描绘都市郊景象，初春的清晨，薄雾未尽，汴河码头停泊着数条大船，人们从船上搬下沉重的粮袋。顺着水波荡漾的汴河看去，画面进入第二段。河中船只往来穿梭，人们在舟中的生活悠闲自在，精美的拱桥，宛如飞虹，将两岸连结，湍急的水流中，有一艘准备驶过拱桥的木船，船的桅杆已经放倒，船工握篙盘索。桥上桥下交相呼应，岸边挥臂助阵，过往行人聚集桥头围观这紧张的一幕。来到画面第三段也是热闹的街市部分，酒楼店铺琳琅满目，驮马舟车川流不息，这些丰富的景象都是来自与现实生活的取材，如果作者只是机械的讲所见之物照搬到画面上，那呈现出来的画面将是古板且毫无韵味可言的，正式作者的拼加整理，进行构图编排，艺术二次创造从而构成完整的图画，才能生动表现出中国十二世纪北宋的政治面貌和各阶层人民的生活状况，成为被誉为“中华第一神品”的国宝级文物。中国画不仅注重形体的塑造，更强调神韵的表达，通过形体来展现其内在的神韵，用神韵来衬托形体的感受，这是属于中国画独特的中国画味。通过对描绘对象的外形刻画和把握，呈现出整体的画面氛围和核心内涵。如著名画家齐白石的作品《蛙声十里出山泉》，画面中并没有青蛙出现，而是刻画了几只在泉水中畅游的小蝌蚪，所谓的蛙声是让观者进入一种无限想象的空间，使人透过画面仿佛置身与蛙群当中，耳边萦绕着青蛙的叫声，透过山泉，直出画面，表现出青蛙鸣叫的声音悠远绵长。神韵的展现烘托出中国画中具体物象的形态特征，神不是用具象的手法表现出来的，是通过艺术家结合现实的题材，加之艺术的加工和想象的添色，使画面传达出的一种独特感受，这便是充分表达出东晋画家顾恺之的“传神论”的内涵核心，可见作品中“神”的重要性。五代时期的《韩熙载夜宴图》，具有极高的艺术价值，历代均被视为珍品。全卷成功地再现了夜宴过程的各个场面，出色地刻画出各色人物的身份、年龄、性格和精神状态。听琵琶时，韩熙载两眼凝视，全神贯注，陶醉于乐境之中。红衣男子竟失去常态，身体前倾，非常兴奋。他身边的年长者，似乎很熟悉演奏的曲子，随着乐声两手轻轻打着拍子。全场人物神态各异，然而又都在凝神静听。既有变化，又和谐统一。画家不仅细致入微地画出演奏萧笛者嘴的细小变化和手指弹动起伏的姿势，而且通过眼神刻画出她们如醉如痴地沉浸在乐曲中的神情。而韩熙载已不像开始时那么全神贯注，二十一边挥着扇子，一边聊天，对演奏者显得漫不经心。画家善于运用明丽的浅论传统中国画的形神兼备的特点文/王心茹中国画包括人物画，山水画和花鸟画，各个门类都有其独特的艺术魅力。但是它们共通的是传统中国画所具备的形神兼备的特点。中国画不仅注重形体的塑造，更强调神韵的表达，通过形体来展现其内在的神韵，用神韵来衬托形体的感受，这是属于中国画独特的中国画味。
理论／136艺术空间 / ART SPACE色与浓重的深色相对照互衬。男子的长袍和茶几用深色，烘托着用浅色调画出的女子形象，使画面深浅明暗相见，层次明晰。主人公的形象也在色彩烘托中更为突出。对韩熙载的描绘更显示了画家的高超的写实技巧和传神能力。东晋画家顾恺之的画论中首次提到形与神的概念，在其《晋魏胜流画赞》中说到：“凡生人亡有手揖眼视而前亡所对者以形写神而空其实对荃生之用乖傅之趋失矣”。词句复杂较难理解，但之后的许多学者将之解读为对于人物写生的理解。顾恺之认为人物写生中，神的意境可从人物的眼神中传达。通过对写生对象的外形描绘，注重整体与局部的关系，这可以理解为对于形的把握。虽然顾恺之提出的形神观念是从人物写生得出，但是这一观念在日后却广泛用于中国画的创作中，对中国画的创作起到至关重要的作用，从而看出以形写神渗透到中国画的各种题材，使其专注于写实的手法逐渐发生 改变。而提到当代中国画因其民族文化历史显现着当代的艺术表现特质，但却也绝对不失传统形神兼备的精髓。当代的中国画正处于现代艺术与传统艺术之间的和谐统一而又独自存在的艺术表现形态。其中包含着传统与当代、民族与世界以及文化上的各种深层次内涵的对比、冲突与协调。在浮躁和繁杂的当代时代文化的背景中仔细研究当代中国画与传统文化艺术精神发展之间的关系时，会感觉到当代中国画对之于传统艺术与现代艺术而言是一种近乎尴尬状态在某种程度上的特殊的联系，给当代中国画带来了新的方向。在如今的展览上，时常能看到创新的中国画，但无论风格如何变幻都离不开中国画形神兼备的特点。传统中国画之文化精神与当代多元文化背景下的当代艺术精神取向的相互交织与磨合促发的更新形式的中国画，从不同的意境表现中国画的形神兼备。总而言之，传统中国画是形与神结合的产物，它有着其他艺术画种所不能媲美的独特品味和艺术境界，在艺术创作者不断追逐高层次的艺术作品过程中通过理性与感性碰撞出的火花，是一种无法复制的艺术，以形写神、以形传神表现出绘画作品从内到外的无穷魅力乃至画家的艺术精髓，给画面赋予无穷的想象和无以名状的美感，让观者神往，形神兼备的传统中国画是世界艺术长河中一条耀眼夺目的风景线。（作者单位：福建师范大学美术学院）在《簪花仕女图》中揭示 传统人物画的心理刻画文/谢赠生
本文从唐代仕女画名作《簪花仕女图》入手，揭示这件作品在眼神、体态和环境中心理刻画方面杰出的表达方法，并从中梳理中国传统人物画创作经验和体会。在周昉的《簪花仕女图》中，有人总结出唐朝雍容华贵的美学理论，有人体会到人物画工笔重彩的绝妙配色，也有人窥见了晚唐的人文气质，还有人通过历史考证对画中仕女的身份和创作年代提出新的定位等等，优秀的艺术品总是常读常新，总是焕发着无穷魅力等待着我们的一次又一次认读。感谢现代知识信息传播的强大力量，无需去辽宁省博物馆等待特展的机会，如今即便在书案边，我们也可以通过拍摄精细、印刷精美的复制品欣赏《簪花仕女图》，使我们可以慢慢品读图中人物的一颦一叹，一步一摇。所以现在我们可以由衷地佩服周昉在仕女人物画方面的杰出成就，而绝对不是轻率附和教科书上的文字描述，因为在逐个细节认真品读的过程中，我们会惊喜地发现作者如何善于察言观色，会慢慢察觉作者如何在仕女们的无意识体态举止塑造中精确地表达出她们的心理情绪，而这个过程，也使得我们很容易跟随仕女们的心思而起落，进入情境，跨越到千年前的情愁哀叹当中。《簪花仕女图》在心理刻画方面的杰出表现，正好印证了“以形写神”的重要理论，也与文艺复兴绘画天才达•芬奇在《绘画论》中强调“一个好的画家必须注意绘制好两个主要对象：人和他的精神面貌”的观点不某而合，无论东方艺术还是西方绘画，对人物精神状态和内心的刻画都是一个重要命题，体会到这点，在艺术创作中深刻钻研这点，正是我们重新解读《簪花仕女图》的意义所在。回到历史的情境，让我们先来熟悉一下《簪花仕女图》的作者。虽然如今对《簪花仕女图》的创作年代和创作者学界存在不同的观点，但本文认同《簪花仕女图》是最能代表唐代仕女画名家周昉的画风和水准的观点，所以以下论述以周昉的《簪花仕女图》为基础进行叙述。《太平广记•卷第二百一十三•画四》给我们记载了一个生动的周昉，这位贵公子交往于达官贵人之间，凭借高超的绘画能力，为当时的人所追捧。《太平广记》里还提到韩干与周昉同画郭子仪的姑爷赵纵的桥段，郭子仪将两张画像放在一块儿让人们评品优劣，但看客都分不出伯仲，唯有郭子仪的女儿（赵纵的夫人）凭借对丈夫的熟悉，发现周昉的画不但能准确刻画人物外貌，而且能够把握人物的心理特征和性情，从而指出周昉在人物的神态、表情理论／137
浅析中国画中的“形似”与“神似”的关系
浅析中国画中的“形似”与“神似”的关系
【摘要】
中国画在表现形式上注重形似和神似的结合。形似是指画面的具象表现，神似则是指画家对事物内在精神和神韵的把握。形似与神似在中国画中早已有着悠久的历史渊源，不同画派对于形似与神似的侧重点也有所不同。在具体作品中，形似与神似的体现更多地展现了画家对于自然和情感的理解与表达。形似与神似的审美价值也在于其独特的艺术魅力和文化内涵。形似与神似的关系值得深入探讨，其共同点和区别也体现了中国画的丰富多彩和独特魅力。形似与神似的关系对中国画的影响是深远的，它们共同构成了中国画独特的审美风格和表现力。形似与神似的共同点和区别也体现了中国画传统与现代的结合和变革。
【关键词】
中国画，形似，神似，历史渊源，画派，具体作品，审美价值，关系探讨，影响，共同点，区别。
1. 引言
1.1 中国画的特点
中国画是中国传统艺术中的一种重要形式，具有独特的审美特点。它以线条勾勒形态，追求形式的简约和含蓄，注重意境的营造和情感的表达。中国画强调意境和情感传达，注重画家内心的体验和表达。在中国画中，形式与精神常常是相互贯穿、相互补充的关系，形成了独特的审美体系。
中国画的特点主要包括：笔墨意境、采用水墨、力图写意、有神有形、重视意境。中国画强调笔墨的运用，通过不同的笔法、墨色和纸张表现出画家的情感和审美追求。中国画注重写意，不拘泥于形态的表现，而追求画家内心的情感和精神体验，强调“神似”而非“形似”。
在中国画中，“形似”与“神似”是密不可分的关系，形式和精神相互交融。形式要表现精神，精神要通过形式得以呈现。这种关系体现了中国画的独特审美理念，使得中国画在丰富多彩的也蕴含着深厚的文化内涵。
1.2 形似与神似的概念
在中国画中，"形似"与"神似"是两个重要的概念。"形似"指的是画家在绘画时要求形态、结构、比例等方面与实物相似，即要求画作在形式上与实物一致。"神似"则是指画家在绘画时要求作品在表现对象的精神、气息、情感等方面与实物相似，即要求画作在精神上与实物一致。
人美美术八上《6中国画的形式美》--形神之美
形神之美： P21《韩熙载夜宴图》 这幅画从发型来看，是一幅仕女图，从衣用笔勾勒的线条来看，画出了衣服的质地，很柔软舒展自然，她的身体的体型有有些微胖，可以看出当时朝代的社会审美观念，可以体会到这幅画的形神之美。
笔墨之美：P21 《露气》 运笔收放自如、大气磅礴，墨色浓淡变化丰富。花茎与水草用笔纤细而不柔弱，荷叶的结构则用大笔触表现。笔墨虚实相生，线条聚散疏密，运筹奇巧，耐人寻味，充分体现笔墨之美。
色彩之美：P22 《春山积翠》 这幅画的墨与色相映成趣。白描和水墨净素别致，恬淡的浅绛清丽雅秀，工笔重彩富丽凝重，泼墨泼彩奇幻绮丽，勾填法装饰意味浓郁。体现出中国画的色彩之美。
形制之美： P22－23 中国画经装裱后的作品不但挺括平整，而且美感倍增，气质超凡，彰显出中国画的形制之美。
画家在画作上题诗、用印，使得传统文化中的诗、书、画、印融为一体，体现书画家文人情怀和艺术造诣，凸显中国画的文化品位。
论中国古代人物画的“形神”之变
论中国古代人物画的“形神”之变
尹星
【摘 要】以魏晋作为一个大的分水岭,人物画的形神之变可分为魏晋之前、魏晋、魏晋以后三个大的阶段.魏晋人物画家在观念上的转变,是古代人物画形神之变的重要起点,其突破表现在两个方面:一是西晋的卫协解决了画艺精微的问题,使得人物画在“形”的认识和应用上有了根本的变化;二是顾恺之解决了画人物“传神”的手段问题,并首先提出有关形神的问题,完成了古代人物画由不自觉的感性认识进入到自觉的理性认识的阶段.顾恺之“以形写神”的观点与汉画的遗形取神恰好形成反拨,开始了中国古代人物画真正关注“形神”的新阶段.
【期刊名称】《美与时代（下旬刊）》
【年(卷),期】2014(000)007
【总页数】3页(P61-63)
【关键词】古代人物画;形;神;形神;魏晋;形神之变
【作 者】尹星
【作者单位】江苏开放大学
【正文语种】中 文
中国古代人物画有几千年的历史，有无数的伟大画家，更有大量杰出的作品，在世界画坛上占有崇高的地位。作为“助教化、成人伦、测神变、穷幽微”的观念形态、礼教宣传的工具，人物画成为中国绘画史上最早成熟的一个重要画科。中国古代人物画的题材内容是很广泛的，大体上可分为：宗教画（道释画）、历史故事画、人物肖像画和生活风俗画等四大类，基本上包含了人们生活的各个方面。从画幅上来看，更是长短大小、宽窄方圆，各种形式，无不具备。至于画法也有很多种，大致可以分为白描、设色、工笔、写意、半工半写及临摹写生等各种画法，当然也可以包括古人的“涂鸦画法”。
古代人物画作为一个独立的画科，自身有着鲜明的特点。俞剑华先生在总结中国古代人物画的特点时作了三方面的概括，即“写真、传神、写心”，系统地概括出了古代人物画的整体特点。而“形神”作为中国书画艺术建构之要素，自然成为人物画特点区分的鲜明特征之一。论及人物画，人们常说：形是外相，神是内涵。大量的中国古代人物画创作实践告诉我们：在形神关系上，存在着或尚形或重神或形神并重等种种观点。可以这么说，中国古代人物画在很大程度上是在处理一种形神的关系。因此，要了解中国古代人物画，就必须先了解人物画发展中所体现出的形神关系及形神之变的历史。
论中国绘画中“形”
论中国绘画中的“形”
摘要 中国艺术的形体不同于西方，中国绘画对于形的要求并不在于对外在客观事物的描摹，也不计较一笔一划的得失，中国绘画更加重视的是艺术主体对客观事物的内在感受，在论及中国绘画美学中的“形”时，总会和“神”、“意”联系在一起，也正是因为“形神兼备”，中国绘画才显现出极大的不同和极大的魅力。
关键词：形体 形似 形与神 形与意
中图分类号：j20 文献标识码：a
一 中国绘画中的虚实运用与比较
“中国艺术的形体不同与西方，米开朗基罗曾说过，一个好的雕刻作品就是从山上滚下来也滚不坏的，因为他们的雕刻是团块。中国的就很不同了，中国的艺术家要打破团块，使它有虚有实、使它疏通，而中国画特别注重线条，是一个线条的组织。中国汉字的‘形’字，旁边就是三根毛，以三根毛代表形体上的线条，这也是说明中国艺术的形象的组织是线纹”，“中国画是线条，线条之间就是空白”，“中国画很重视空白。如马远就因常常只画一个角落而得名‘马一角’，剩下的空白并不填实，是海，是天空，却并不感到空。空白处更有意味。中国书家也讲布白，要求‘计白当黑’。中国戏剧舞台上也利用虚空，如‘刁窗’，不用真窗，而用手势配合音乐的节奏来表演，既真实又优美。中国园林建筑更是注重布置空间、处理空间。这些都说明，以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚，虚实结合，这是中国美学思想中的一个重要问题”。以上几段话是引用宗白华先生在《美学散步》一书中所说的，他很好地论述了中国绘画、书法、戏曲、园林艺术中对“形”的重视。这也正是表现了中国古典艺术不同于西方古典艺术的重要的美学特点。
形体，简言之便是物体的形状与体积，这种解释不单用于三维世界，在表现二维平面中也同样存在。西方绘画中的形体是通过透视法，即所谓绘画内容的近大远小，焦点透视、解剖学等科学的法则来表现的。而中国绘画则没有这些科学的观察方法和法则，只有创作主体通过对所要表现物象的主观感受，在心中经过二次加工，再用创作主体所掌握的技法在画面中表现所要表现的物象。这是一个较为复杂创作过程。最终在创作完成时，物象的形体在经过加工的主观能动之后，可能已经不是最初所观察到的物象形体了。所以，在论及中国绘画美学中的“形”时，总会和“神”、“意”联系在一起，也正是因为中国画的“形神兼备”，才使得中国绘画显现出极大的不同和极大的魅力。
论朱耷花鸟画作品中的美学意蕴
论朱耷花鸟画作品中的美学意蕴
【摘要】
朱耷是中国明代著名的花鸟画家，他的作品在艺术史上具有重要地位。本文从引言、正文和结论三个部分探讨了朱耷花鸟画作品中的美学意蕴。在引言中介绍了朱耷花鸟画的艺术价值和历史地位。正文部分分别从审美特点、绘画技法、文化内涵、情感表达和意境营造等方面分析了朱耷花鸟画的独特之处。结论部分总结了朱耷花鸟画作品中的美学意蕴的重要性，以及其对后世艺术家的影响和在当代的意义。朱耷的作品不仅展现了对自然界的细致观察，还传达了对生活的热爱和对美的追求。他的花鸟画作品不仅是艺术的表现，更是一种对生命和美的赞美，深刻地影响了后世画家的创作，并在当代仍具有重要的意义。
【关键词】
朱耷、花鸟画、美学意蕴、艺术价值、历史地位、审美特点、绘画技法、文化内涵、情感表达、意境营造、重要性、影响、当代意义
1. 引言
1.1 朱耷花鸟画的艺术价值
朱耷（1465-1529）是明代著名画家，擅长花鸟画。他的花鸟画作品以笔墨淡雅、造型传神见长，被誉为中国古典花鸟画的代表之一。朱耷花鸟画的艺术价值在于其独特的审美魅力和艺术表现力。朱耷的花鸟画作品在构图上十分讲究，富有韵律感和节奏感，给人以和谐美的享受。他善于捕捉花鸟的神韵和生动姿态，通过细腻的笔触和色彩的运用，将花鸟形态栩栩如生地呈现在画面之上。朱耷花鸟画作品中的细节处理极为考究，不仅在描绘花卉的花瓣、叶片、枝干等细节上下功夫，还能刻画出鸟类的羽毛、眼睛、爪子等细节特征，使整幅画面更富有层次感和立体感。朱耷花鸟画以其独特的审美特点和绘画技法，展现出独特的艺术魅力，具有极高的艺术价值。
1.2 朱耷花鸟画的历史地位
朱耷花鸟画在中国画史上的历史地位非常重要，朱耷被誉为“南宗”画派的代表人物之一，其花鸟画作品在明代达到了巅峰，对后世影响深远。朱耷以传统的工笔技法为基础，加入了写意的元素，形成了独特的风格，使得其作品更具有生动性和表现力。朱耷的花鸟画作品主题广泛，包括各种花卉、花鸟、昆虫等，其精湛的技艺和细腻的刻画令人叹为观止。
“以形写神”与“以神写形”
龙源期刊网
“以形写神”与“以神写形”
作者：方澄
来源：《现代装饰·理论》2012年第01期
长久以来，形神兼备一直是中国传统绘画审美的理想追求。历代画论都会把形神问题放在首要的地位加以阐释，但对于形神的阐释，各家又互有出入，互有对立。它们孰先孰后，孰轻孰重这个问题，在不同的历史时期都有不同的看法。
1.何谓“形”？何谓“神”？
平日里，我们常会听到“形神兼备”才能称之为一幅好画的说法，但是什么是形什么是神我们又是否知道呢？直接的从字面上理解：形即形状，神即精神。它们是中国传统绘画中的两大元素，一个是揭示事物的外延的，一个是揭示事物内涵的，一个外在一个内在，两者关系是辩证的统一，相辅相成，缺一不可：有形无神，则为木偶，陷于自然主义；有神无形，则为虚幻，容易脱离现实，形成唯心主义。形是神的基础，神亦是形的统率。形神兼备，才能成为一幅好画。
在我国古典画论中，“形”的概念最早出现在战国时期《韩非子论画》中：“客有为齐王画者？‟曰：„犬马难。孰易者？‟曰：„鬼魅最易。‟夫犬马，人所知也，旦暮磬于前，不可类之，故难。鬼魅，无形者，不磬与前，故易之也。”犬马是有形的东西，我们早晚都能看见，不容易画像；鬼魅是无形的，比较容易画，因为没人见过就不用管像不像。由此，我们可知，形是指画中客观事物的外在视觉现象，形是对象的外部形态特征。
神，虽然在不同的历史时期有不尽相同的内涵，但概括来说神有三方面涵义——画家自身的精神，所画对象的精神，画上表现出来的精神。石鲁先生的《学画录·造型章》中曾这么阐释“神”的内涵：他认为“画贵全神，而神有我神他神，入他神者我化为物，入我神者物化为我，然合二为一则全矣。”这里说的“我神”就是画家自身的精神，“他神”就是对象的精神，我神、他神的合二为一就是绘画表现出来的精神。
总的来说，形是相对事物外部而言的，是对象的外部形态特征；神则是相对事物内部而言，是指精神、气质、品德等因素。
中国传统绘画的特性与写意性
龙源期刊网
中国传统绘画的特性与写意性
作者：刘源
来源：《新一代》2013年第09期
摘 要：中国传统绘画反映出独特的审美观念和文化特质，构成了其独特性并独具魅力。
关键词：中国传统绘画；特性；写意性
中图分类号：J20 文献标识码：A 文章编号：1003-2851（2013）-09-0308-01
中国传统绘画令人赏心悦目、回味无穷，它水墨淋漓、轻盈润泽、纵横的笔法，弥满的气势，要求画面具有形神兼备、气韵生动的艺术效果，诗、书、画、印合为一体，具有很高的艺术成就，深受国内外广大人民群众的喜爱。中国传统绘画基于文化基础和使用工具等因素，其形象与造型具有独特性。
唐代张彦远的《历史名画记》记载：颜光禄日：“图载之意有三：一日图理、封象是也；二日图识、字学是也；三日图形、绘图是也。又《周官》教国子以‘六书’，其三日‘象形’，‘图画’之意也，是故知书画异名而同体也。”“书画同体”的艺术理论，对此后的中国画影响深远。在中国传统绘画中是种最原始的表现方法，这种表现方法在书法和绘画中得以保存且进一步发扬光大。同时，在中国传统画中，画家对线的理解不只是作为一种造型手法，同时线的运用又具有自身的审美价值，这种价值除体现物象的轮廓形质外，还具有一种线本身的形式美感。这种美感的获得是作者根据不同的物象，根据不同作者的自身修养及情感体验概括出来的一种洗练而能动的艺术语言。如古代画家在表现自然风景过程中总结出了山石、树木的表现形式，使它们成为流派的特色语言。对中国山水画与诗结合的意境起着重要作用。传统的中国绘画正是如此，在不断地交替着向前发展。中国传统绘画与西方传统绘画有很大差别：中国传统绘画的艺术家对外部事物的把握重体悟、崇尚情韵与意境，主张“立意为象”、“随象写意”，故在审美取向上认为“论画求形似，见于儿童领”，追求“似与不似之间”，因而必然导致意象变形、形随神变。这在中国传统绘画的人物画和山水画中都有所体现。在人物画方面，五代石恪的《二祖调心图》和南朝梁楷的《泼墨仙人》可谓典型。从画面看，这些佛道人物都沉湎于如真似幻的境界。作者也仿佛在转瞬即逝的灵感驱动下，急速捕捉这一意象。故而笔墨迅疾、简洁、活泼。造型也在“似与不似之间”。中国传统绘画是对无生命的山水景物融入了作者的情、意、趣。宋徽宗的精巧雅致，人工描绘痕迹，透出皇家美趣，西方人可视为符号，中国人则视为大写意趣味。中国传统绘画在表现物象、反映生活方面，也有着独特的认识和方法，运用的不是写实手法而是提炼与概括，不追求形象的典型性、真实性，而是类型性和概括性；通过形象的“神韵”、“意似”，揭示本质特征。作品的思想内容注重含蓄，强调的是曲折性、抒情性、寄寓性。因此，中国传统绘画艺术审美意识形态的特征就是———“写意性”。
中国画论之形神问题研究
中国画论之形神问题研究
摘要：本论文主要研究了中国画论中的形神问题，形神问题是由于人们随着绘画的发展而逐渐的掌握了一定的技巧，对“形”背后的“神”有了更高的要求。东晋顾恺之的绘画“传神论”对中国的中国画价值取向产生了极其重大的影响，而“形”与“神”的问题也成为了历代的画家及理论家所关注的焦点。
关键词：中国画论、形神、重形、重神、形神兼备、形似、似与不似
一、形神是什么
形，指身体；神，指精神、心理。形神，是可以用来赞美艺术品，例如：雕刻、图画，就可以赞美雕刻或者图画上面的人或者是物“形神俱佳”，也就是说，它既有所画事物的形态，又刻画出了事物的神韵的意思。同样的，形神也可以用来形容一件事物的各个方面都很完美。形神论，中国古代关于心身关系的理论。虽然这是一个哲学问题，但却包含各个方面都很完美。
二、重形
重形就是在绘画作品中更加的注重所画物体的形状，更重视形状的相似性。
1、宋徽宗主张画院，崇尚法度，追求形似
宋徽宗赵佶是宋朝的第八位皇帝。他对绘画非常的着迷，他利用他的皇权推动了绘画，这导致了宋代绘画艺术的空前发展。他还创作了一种名叫“瘦金身”的书法字体，他很喜欢画花鸟画。在他生命的前半段，他整日整日的沉迷在作画和写书当中，他还专门的去修建了一座画院，也就是翰林书画院，当时选取当官者是看谁在绘画水平和书法上面更加的有才智，以这种形式来选取。宋徽宗非常的擅长画花鸟。他重视写生，坚持规律，也就是法度，追求形状上的相似性，能够严格检查事物的每一个细节。他创办的皇家绘画学院接纳天下的书画家。宋徽宗以及其他的地位显赫画家的绘画理念，包括国家画院“翰林书画院”的绘画方向，都是倾向于工笔画，因此在北宋时期，工笔写真的绘画观念占据了当时的主流地位。
2、邹一桂:“活脱”
“活脱”是指绘画作品中的形象非常的生动而又活泼,栩栩如生,塑造强劲有力,让人感觉就像画中的图像像真的一样，能够从画里走出来。这也属于“重形”的一种。“活脱”是邹一桂花鸟画的核心理论。
中国画的特点
中国画的特点:意境、笔墨、章法布局处理
所谓意境是指画中所体现的思想感情的境界。意是画家对物象在情感上的"妙悟"，所谓境是境界。
意境是客观生活中事物在画家头脑中所反映的结果。就是画家在作画之前，通过对客观物象的深入观察、体验和认识（即感觉）所引起的主观感受，然后把生动而强烈的感受反馈于被描绘的物象，达到"物我两忘"的境界。并且，中国绘画主张"缘物寄情"、"以景寓意"、"以神取形"、"笔不周而意周，笔不工而心恭"。在概括客观物象的同时，必须融进画家的主观感受，透过描绘对象创造形象的方式来借以体现画家的主观感受，使主观情感和客观物象精神性格交融和转化，即"神遇"（石涛语）及"迹化"（石涛语）为可视可想的。 产生动人心魄的意境。
意境是构成一幅中国画的灵魂，其主题的确定，构图的布局和安排，形象的塑造，笔墨及造型的处理，无不受"立意"的主宰。王维在《山水论》中说："凡画山水，意在笔先"。张彦远说："夫象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似，皆本于立意而归乎用笔"。总之，中国传统绘画历来重视立意问题。
中国画第二个特点是对笔墨的注意
中国画从立意到形象的塑造，总归于用笔用墨。谢赫在《六法》中将"骨法用笔"列为第二条。张彦远说："骨气形似，皆本于立意而归乎用笔"。中国画家以写代描，把笔意墨法置于首位。故使笔墨成为表达"意境"、"形神兼备"的重要条件。
关于用笔。我国绘画很重视线的表现，用线来塑造形象。以线为骨，就是指以线为造型的骨架。为之"骨法"表现物象须有具体的线去塑造，其关键在于"用笔"。线在塑造形象中力的变化，功在于运用笔法。古今画家通过熟练的使笔、运笔，产生笔力、笔意、笔趣，形成虚实变化，浓淡相依，顿挫回旋，巧拙适度，富于节律的造型底线。中国传统画论中形容东晋·顾恺之的线如"春蚕吐丝"；形容唐·尉迟乙僧的线如"屈铁盘丝"；形容唐·吴道子的线为"吴带当风"；形容曹仲达的线为"曹衣出水"。所谓笔法即指执笔的方法和指、腕、肘的运用。传统的笔法为人所使，其法有中锋、侧锋、逆锋、顺锋、藏锋、露锋等法。所以掌握笔法（即用笔）的起止形态变化及行笔运转方向变化，使之随画意而使转，达到状形立象、传情达意。
形神兼备中国画-阅读理解答案解析【2019年云南省昆明市】
7．（11分）阅读下面选文，完成下列各题。【2019年云南省昆明市】
形神兼备中国画
①中国画历史悠久，在中国数千年的绘画发展史上，画家辈出，名作荟萃，在世界美术领域绽放出璀璨的光辉。
②中国画有整套独特的表现手法，不追求形象的逼真，而着力于意境的表现，要求做到以形写神，形神兼备。中国画主要以笔墨纸砚为工具，有“书画同源”之说。中国画的颜料由天然的植物或矿物制成。画作以水墨为主体色，也因常用朱红色和青色，所以又称为“丹青”。
③中国画按照题材主要分为以下三类。
④人物画是以人物为主体的绘画。从传世的人物画作中，后人可以一窥中国古代帝王将相的面容，还能看到仕女图表现的宫廷生活和风俗画中展现的市井百态等。这些画作人物形象惟妙惟肖，注重表现人物的精神风貌。例如明代曾鲸的代表作《王时敏像》，画作中人物画得不大，线条流畅遒劲，形象栩相如生；背景则大幅留白，突出了人物形象；同时配以书法题字，更彰显了人物的精神气度。
⑤山水画是以山川自然景现为主要对象的画作。中国人自古以来就认为山水蕴含着天地宇宙间无穷的奥妙，由此形成了独到的山水观。中国的山水画常常运用散点透视法，利用远近、高低的对比，营造出江山万里、山谷深邃的立体效果，极具空间感。例如宋代山水画的代表作《千里江山图》，这是一幅恢宏壮丽、色彩斑斓的巨幅山水作品，画卷长11.915米、高0.515米，画幅几乎是同时期《清明上河图》的两倍。此画以略带俯视的角度横向展开全景式的大山大水，呈现出一派万象皆容的场景。画卷采用散点透视法，远近距离分明，空间层次清晰。在色彩表现上，该画以色调浓重的矿物颜料绘成，较同时期流传下来的其他青绿山水画作都要鲜艳。全画除青绿主色外，还以赭石来渲染山脚、天色，并以笔墨线条皴染山石，使山峰的立体感和明暗效果格外鲜明生动。元代书法家、鉴赏家溥光和尚在此画题跋中称其“独步千载，殆众星之孤月也”。
⑥花鸟画主要以花草树木、禽鸟鱼虫为题材。花鸟画表现的是边、角、点的小景，注重笔情墨趣。中国花鸟画并不只是纯粹的写生，而是紧紧抓住动植物与人的关系，表达画家的思想情感。所以，中国花鸟画重视形似但不拘泥于形似，更崇尚意境与情趣。例如南宋赵孟坚的《春兰图》，描绘了两株生于杂草丛间的幽兰，摇曳多姿，舒展飘逸。兰叶、花瓣均以淡墨一笔绘出，笔法潇洒灵动、柔中带刚，画面旷淡清幽、意蕴无穷。画中左方题诗一首，以兰喻人。全图诗、书、画、印完美结合，表现了画家洁身自好、清高脱俗的追求。