电影理论知识点
考研电影知识点总结
考研电影知识点总结一、电影的起源和发展1. 电影的起源电影起源于19世纪，当时人们还在原始的黑白胶片上进行摄影，通过光学原理来展现连续的图像，从而产生了动画片和电影。
2. 电影的发展电影发展经历了无声时代、有声时代和现代电影等阶段。
在无声时代，电影制作以默片为主，影片配有音乐，而有声时代则出现了配音和配音效的技术，使得电影更加生动、真实。
到了现代电影，电影技术得到了极大的发展，并且电影作为一种文化现象，已经成为了人们日常生活的一部分。
二、电影的艺术形式1. 电影的基本结构电影的基本结构分为三个部分：画面、音响和剧本。
画面是电影最直接的艺术表现形式，音响则是对画面的补充和提升，而剧本则是电影故事发展的基础。
2. 电影的表现手法电影的表现手法是多种多样的，例如镜头语言、音响手法、剪辑手法、摄影手法等。
这些手法通过电影的专业技术来展现电影的艺术美感。
3. 电影的叙事方式电影的叙事方式包括了几种基本类型，比如线性叙事、非线性叙事、旁白叙事等。
这些叙事方式都是通过电影来讲述一个故事，只是方式和手法不同。
三、电影的类型和流派1. 电影的类型电影的类型包括了文艺片、喜剧片、动作片、科幻片、恐怖片、战争片、爱情片等。
这些类型是根据电影内容和风格来区分的。
2. 电影的流派电影的流派包括了黑色电影、纪录片、动画片、音乐片、文艺片等。
这些流派是根据电影的制作形式和艺术表现来区分的。
四、电影的叙述结构1. 电影的叙述结构电影的叙述结构包括了三幕式结构、五幕式结构等。
这些叙述结构都是为了让电影故事更加清晰、生动。
2. 电影的叙述手段电影的叙述手段包括了场景、角色、情节、对白等。
这些叙述手段是电影中用来表现故事内容的基本要素。
五、电影的审美原则1. 电影的美学原理电影的美学原理包括了情感共鸣、艺术形式、审美享受等。
这些原理是指导电影制作和欣赏的基本准则。
2. 电影的审美标准电影的审美标准包括了明确的主题和情节、真实的人物和环境、优美的画面和音响等。
电影理论知识点
电影理论知识点
1.影片剧本分析：剧情，主题，场景和人物的角色。
2.电影摄影：包括光线，角度和相机移动等，来表达电影的主
题和情感。
3.音乐和音效：背景音乐，声效和对白等，如何使用它们来加
强电影的情感和氛围。
4.电影编剧：影片的结构，情节和节奏如何影响故事的发展。
5.电影导演：如何导演演员，调整情绪，以及如何组织拍摄。
6.电影制作：包括预算，制作流程，特效等。
7.电影的历史和流派：探讨电影的发展历程和不同的电影流派。
8.电影分析和影评：深入研究电影的细节，从而理解电影背后
的意图和主题。
9.电影市场和营销：如何通过广告和市场策略来推广电影。
10.电影文化和社会意义：如何通过电影来探讨社会问题，并
传递观众的信息和价值观。
电影鉴赏知识点
电影鉴赏知识点电影是人们娱乐、放松和获取信息的一种重要方式，而在观影过程中，我们可以通过细致入微的鉴赏，更好地理解和欣赏电影的艺术之美。
本文将介绍一些电影鉴赏的知识点，帮助读者更好地欣赏电影作品。
一、剧情与故事电影的剧情和故事是观众进入电影世界的重要通道，而了解剧情的设定与发展有助于我们更好地参与其中。
要理解剧情，读者需要关注以下几个方面：1. 主线与支线：电影通常由一个主线和若干支线构成。
主线是整个故事的核心，而支线则细化和丰富主线情节。
观众在观影过程中需理解主线与支线之间的关系，理清各个情节之间的逻辑关联。
2. 起承转合：电影剧情通常包含起承转合四个部分。
起是故事情节的开端，承是剧情的发展，转是故事的转折点，合是故事情节的高潮和结尾。
观众需留意这四个部分的变化，技巧和高潮的转换。
3. 时间与空间：电影中的故事往往发生在某个时间和空间之中。
观众需要学会感知、理解和分析电影中所呈现出的时间流逝和空间变化，以更好地理解故事情节的展开。
二、影像与构图电影是一种视觉艺术，在影像的呈现和构图中有很多鉴赏的要点：1. 镜头语言：电影通过镜头来传递信息，而不同的镜头语言可以表达不同的意境和情感。
例如，长镜头可以展现出宏大的场景和长时间的流逝，镜头移动可以展示动感和变化等。
观众需要通过细致观察，学会解析不同的镜头语言，以更好地理解导演的意图。
2. 構图与畫面：构图是指在电影镜头中安排和选择元素的方式，影响观众对画面的感知和理解。
良好的构图可以提升观影体验，创造视觉上的美感。
观众可以留意电影中的对称、平衡、色彩搭配等因素，来欣赏导演的构图技巧。
三、表演与演员演员是电影中人物形象的实体化表现，他们的表演技巧以及角色的塑造将深深影响观众。
1. 演员演技：观众需要通过观察演员的表演技巧，来感知和理解角色的情感和内心世界。
演员的语言、肢体动作、眼神等细节都能传递情感，观众可以注意观察这些细微的表情和动作，以增进对角色的理解。
电影艺术的风格和技巧电影学知识点
电影艺术的风格和技巧电影学知识点电影艺术的风格和技巧——电影学知识点电影作为一种独特的艺术形式，在不同的国家和地区，乃至不同的电影创作学派中，都展现出各具特色的风格和技巧。
本文将从故事叙事、摄影与视觉美学、剪辑与节奏、音乐与音效以及表演与导演等方面，介绍一些电影学的知识点，帮助读者更好地了解电影艺术的各种风格和技巧。
一、故事叙事电影的故事叙事是电影艺术的核心之一。
一个好的故事叙事能够吸引观众的注意力，引发情感共鸣。
故事叙事的方式可以有线性叙事、非线性叙事、多线叙事等。
线性叙事是最常见的叙事方式，按照时间顺序进行剧情的展示。
非线性叙事则通过跳跃、回溯等手法，打破时间线的限制，让观众体验到不同的时间层面。
多线叙事则以平行或交叉的形式呈现多个主线剧情，增加故事的层次感。
二、摄影与视觉美学电影摄影是电影艺术中至关重要的一环。
摄影师通过镜头的选取、构图的布局以及光影的运用，创造出独特的画面效果，将导演的意图传递给观众。
视觉美学是摄影的一个重要组成部分，通过运用色彩、光影、空间等元素，创造出艺术效果，营造出特定的视觉氛围。
例如，使用明暗对比可以加强戏剧效果，使用冷色调可以营造出冷酷的氛围。
三、剪辑与节奏剪辑是把拍摄好的素材进行剪裁、拼接，形成连贯的故事片段的过程。
剪辑的处理方式直接影响到电影的节奏和观影体验。
剪辑可以采用快速剪辑、慢速剪辑、交叉剪辑等手法，来表达不同的情绪和节奏感。
快速剪辑适合表达紧张、迅猛的场景，慢速剪辑则能够刻画出深情、悲伤的情感，交叉剪辑则可以展示不同主线剧情之间的关联与呼应。
四、音乐与音效音乐和音效在电影中扮演着重要的角色，能够增强情感表达和气氛烘托。
音乐的选择要与电影主题和剧情相协调，既可以突出情感，也可以烘托气氛。
音效则能够增强观众的沉浸感，让观影体验更加真实和震撼。
如利用环境音效可以还原出真实的场景氛围，特别效果音则能够创造出虚幻和惊悚的效果。
五、表演与导演演员的表演和导演的引导对电影的成功与否起着至关重要的作用。
电影中物理知识点总结
电影中物理知识点总结《星际穿越》是一部由克里斯托弗·诺兰执导，马修·麦康纳、安妮·海瑟薇等人主演的科幻电影。
影片以宏大的视角展现了一支航天队伍穿越虫洞、寻找可供人类居住的新家园的壮丽旅程。
影片中涉及了许多物理学原理和与时空相关的概念。
下面将逐一总结电影中涉及到的物理知识点。
广义相对论与虫洞虫洞是广义相对论所预言的一种时空结构，它是时空的一种弯曲，如同一张纸被折成两半，通过将两点之间的空间直接连接起来，使得在更短的时间内到达另一个点。
在《星际穿越》中，人类利用发现的虫洞，从地球直接穿越到遥远的星系，这正是广义相对论中虫洞的一个猜想。
地球引力与时间相对性根据爱因斯坦的广义相对论，引力会使时空发生弯曲，时间也会因此而受到影响。
在电影中，登陆水星的船只经历了较大的引力场，其时间相对于地球来说变慢了很多，这正是时空弯曲引起的时间相对性效应。
黑洞与时空扭曲影片中黑洞是一个极度弯曲时空的天体，它的引力异常巨大，甚至连光都无法逃逸。
在电影中，通过黑洞的引力，主人公们探索了黑洞内部并且发现了一个与时间和空间相关的维度，从而为故事的发展提供了契机。
相对论中的时间旅行相对论认为，当物体接近光速时，时间会变慢，这种现象被称为时间相对性效应。
同时，相对论还提出了时空的弯曲和穿越的可能性。
在电影中，主人公们利用相对论中的时间相对性效应，实现了时间上的跨越和穿越。
引力波的探索引力波是由爱因斯坦的广义相对论所预言的一种波，它是由质量巨大的天体运动所产生的，它所引起的时空的震动。
在影片中，地球上的科学家们通过探测器成功捕捉到了引力波的信号，这一场景体现了物理学家们对引力波的长期探索和努力。
结语《星际穿越》以惊人的视觉效果和宏大的科幻背景吸引了全球观众的关注，同时也给人们带来了许多关于时空、引力和相对论的思考。
电影中对物理学知识的运用和展现也为观众提供了一个新的思考角度。
影片中探讨的虫洞、引力、黑洞等物理概念，向人们展示了宇宙的神秘和复杂性，也激发了人们对物理学知识的好奇与探索欲望。
电影艺术词典知识点总结
电影艺术词典知识点总结电影是一种艺术形式，通过影像和声音来传达故事和情感。
在电影制作和观赏过程中，有许多专业术语和概念需要了解。
以下是电影艺术词典中的一些关键知识点总结：1. 主题：电影的主题是指电影所要表达的核心观点或主题。
主题可以是关于爱情、友情、背叛、家庭等各种人类情感和价值观。
电影的主题对于电影的情节和表现方式有着重要的指导作用。
2. 剧本：电影的剧本是电影创作的基础，是用来规定情节、角色和对话等内容的书面剧本。
优秀的剧本是电影成功的重要保证之一。
3. 导演：导演是电影创作的核心人物，负责影片的整体构思和指导。
导演通过选角、拍摄、剪辑等部分来最终呈现出一部完整的电影作品。
4. 摄影：摄影是电影制作中至关重要的一环，通过摄影来捕捉和创造影像，传达电影的视觉效果。
光影、色彩、镜头运动等因素是摄影师需要重点考虑的。
5. 音效：音效是电影中不可或缺的语言之一，通过音效来传达情感、氛围等。
音效包括音乐、对白、音效等部分。
6. 片头片尾：电影中的片头和片尾是影片整体效果的一部分，通过片头和片尾来引导观众进入电影的世界并最终结束观影体验。
7. 剪辑：剪辑是将拍摄好的各种素材进行编辑和组合，创造出一个完整的电影。
剪辑对于电影节奏、情感的表达有着至关重要的作用。
8. 观影体验：电影的制作和观赏是一个完整的过程，观影体验不仅来自于电影本身，还包括影院环境、观众情绪等多个因素。
9. 影评：影评是对电影的评论和分析，影评家通过对电影情节、表现手法等方面的分析来评价一部电影的优劣。
10. 影展：电影展览是电影制作和推广的重要环节，通过组织影展来推广和宣传优秀的电影作品。
11. 影评人：影评人是专门从事电影评论工作的人员，通过影评来介绍和评价各种电影作品。
12. 影迷：影迷是对电影情有独钟的群体，他们对于电影有着强烈的情感认同和热情支持。
13. 公映：公映是指电影作品在影院上映，并向大众观众播放。
14. 影评家：影评家是专门从事电影评论工作的人员，他们通过专业的眼光和分析能力来评价一部电影的优劣。
电影基本知识点总结
电影基本知识点总结一、电影的历史电影的历史可以追溯到19世纪末的早期摄影和影像技术。
公认的第一部电影是1895年由法国导演梅利埃斯制作的《火车进站》。
20世纪初，电影技术得到广泛应用，各国开始制作电影，并建立了电影院和电影工业体系。
电影产业经历了默片时代、有声电影时代、彩色电影时代、数字电影时代等阶段。
电影产业不断发展，涌现了许多经典作品和杰出人才，形成了丰富多彩的电影文化。
二、电影的类型电影的类型可以根据题材、风格和表现手法进行分类。
常见的电影类型包括动作片、喜剧片、爱情片、科幻片、恐怖片、战争片、剧情片、纪录片、动画片等。
不同类型的电影具有不同的特点和特色，满足了观众对不同主题和体验的需求。
三、电影的制作流程电影的制作流程包括剧本创作、筹备阶段、拍摄阶段、后期制作和发行阶段。
剧本创作是电影制作的基础，要求编剧根据主题设定和故事情节来创作具有戏剧张力和情感共鸣的剧本。
筹备阶段包括选址、选角、选组、布景、服装、化妆等工作，需要导演和制片人做出合理的安排和决策。
拍摄阶段是电影制作最为重要的阶段，需要导演、摄影师、演员、工作人员等齐心协力，按照计划和要求来完成拍摄任务。
后期制作包括剪辑、特效、配乐、声音效果等工作，需要技术人员和艺术家集中精力，确保电影的质量和效果。
发行阶段需要制片方和发行方共同合作，选择合适的推广和宣传渠道，让观众了解和接触到电影。
四、电影的技术特点电影是一种集摄影、录音、剪辑、特效等技术于一体的艺术形式，具有多种技术特点。
摄影是电影的基础技术，要求摄影师根据镜头选择、光影构图、运动轨迹等原则来完成摄影任务。
录音是电影的重要技术，要求音响师根据音效效果、声音质量、音响设计等要求来完成录音任务。
剪辑是电影的重要技术，要求剪辑师根据剧情需要和观众期待来完成剪辑任务。
特效是电影的重要技术，要求特效师根据效果要求和技术限制来完成特效任务。
这些技术特点共同构成了电影的技术特色，为电影的表现和创新提供了广阔的可能性。
电影理论复习资料
电影理论复习资料电影是一种能够通过视觉和听觉创造出特殊感受的艺术形式，可以激发人们的想象力和情感共鸣。
在电影中，影像、声音、表演、剪辑等元素共同构成了一个意义的整体。
电影理论是对电影表达和创作方式的研究和探讨，可以帮助人们更好地理解电影作品，提高欣赏和创作水平。
以下是一些常见的电影理论概念和相关知识点，供复习参考：1. 影像语言影像语言是指电影中通过图像和视觉元素来传达意义和情感的方式。
影像语言可以通过拍摄角度、摄影技巧、色彩对比和视觉效果等手段实现。
熟练掌握影像语言，可以让电影观众更深入地感受到电影作品的内涵和意义。
2. 剪辑剪辑是指在电影中将不同镜头或场景进行组合和排列，使它们形成一个整体的过程。
剪辑可以通过时间关系、空间关系和意义关系等方式实现。
好的剪辑可以增强电影的紧张感、节奏感和戏剧感，促进情感上的共鸣和认同。
3. 观众批判性观众批判性是指电影观众对电影作品进行评价和分析的能力。
观众需要具备一定的艺术欣赏能力和文化素养，能够审视电影作品背后的社会文化和历史背景，更好地理解其内涵和意义。
观众批判性的提升，可以帮助人们更好地欣赏电影，同时也可以提高人们的创作水平。
4. 影评影评是指对电影作品进行评论和评分的文章。
影评家可以通过自己的专业知识和经验来评价电影的情节、表演、影像、音乐等方面，并提出自己的看法和建议。
影评可以为观众提供一个更全面和深入的了解电影作品的途径，也可以为电影创作者提供一个改进和提高创作水平的机会。
5. 类型电影类型电影是指按照不同的故事类型、主题和特点进行分类的电影作品。
常见的类型电影包括喜剧、恐怖、爱情、动作、科幻等。
类型电影基于特定的情节设置和故事发展，有着相对固定的视觉、剧情和音乐特点，能够满足观众的不同需求和喜好。
6. 影响力电影作品的影响力体现在多个层面，可以是在商业上的成功，也可以是在艺术上的成就。
电影作品所引发的社会反响、内涵和文化意义等方面都在一定程度上影响了公众的认知和思考。
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电影理论知识总结相关概念直接参考《电影艺术词典》电影理论部分选择、填空；概念和术语；问题的回答和阐述；出题原则：以基本知识为主，一般知识为辅，个别偏僻知识。
对作品、术语、观点、人物、流派的了解；作品：著作、论文、电影作品；电影理论研究和电影批评复习建议：点面结合；自我提问；答题技巧：要凝练概括、准确全面；要从各个角度考虑回答问题的内容；检查、补充和推敲；外国电影理论部分一、电影理论发展概况80年代总结观点：经典和现代理论（20年代～75年左右）；经典：传统美学来表述电影，作品与社会背景分离。
研究的主题都是——电影是艺术？电影与其它艺术的关系；现代：符号学、精神分析学、马克思主义等的混合；研究的主题都是——电影是不是语言？观众和影像的关系是什么；※邵牧君的概括：1、30年代以前称为早期电影理论；2、30年代～二战前；3、二战后～60年代前；4、60年以后；（其实就是60年以前是经典，60年以后是现代）※96年鲍德威尔和卡罗尔提出把现代理论分为两种：（见《后理论——重建电影研究》）1、60年～70年主体位置理论；主要内容是结构主义、精神分析、符号学、女性主义、意识形态批评；2、80年～至今文化主义理论；主要内容是法兰克福文化主义、后现代主义、文化研究等；以上两种理论共称为宏大理论（Grand Theory）。
他们认为真正的电影理论研究只开始了30年，即从60年到90年。
80年以后，他们又开始了一种“中间层面的研究”（middle level），反对宏大理论。
即在主体位置理论和文化主义理论崛起时，另一种中间层面理论出现，坚持既要对理论从经验出发的研究，又不排除理论性。
※结论：1、60年前，是小（低）理论，经验性强；2、60年～70年，宏大理论；3、80年～至今中理论；形成多姿多彩的别具一格的电影研究，如叙事电影研究、文体电影研究、文类电影研究、民族电影研究、后殖民电影等研究等。
二、经典电影理论在一战前后，对电影的艺术地位、特征、规律的研究；著作：1、1911年，卡努杜《第七艺术宣言》第一次论证了电影作为艺术，是在时空之间填补鸿沟的艺术；《第七艺术美学》“光与影的交响乐”。
2、1915年，美国的林赛《活动画面的艺术》，他把“活动画面”看作电影的根本特征。
3、1916年，美国的雨果·明斯特贝格《电影：一次心理学研究》探讨了电影手段的心理根源、艺术特征、美学特征。
概念：1、“上镜头性”——是20年代法国流行的时髦词眼儿，卡努杜创造，先锋派重要用语。
1920年，路易·德吕克在《上镜头性》一文中探讨电影的艺术特征，阐述其涵义：指适宜于用电影这一新表现手段所独有的方法来表现人或物的诗意状态；视觉表现：布景、照明、节奏、化妆；通过照相来表现神采——上镜头性，通过上面四个手段。
是早期电影特征概念。
2、早期蒙太奇——爱森斯坦指出：电影与舞台不同，电影导演更主观，能选择不同时空的重点现实片段。
电影选择和组合这些片段，集中表现剧情。
把现实压缩具有特征的东西，展现经过压缩、重整、剪裁的电影的时空。
3、爱森斯坦（1898～1948）和普多夫金在早期的不同——爱森斯坦讲究冲突，如“杂耍”、“理性蒙太奇”等手法；普多夫金强调连接作用。
爱森斯坦认为冲突是蒙太奇的特性，冲突后产生新的表象和概念。
普多夫金强调连贯性，他认为蒙太奇意味着多个镜头组成一个场面，多个场面组成一个段落，多个段落组成一个部分，一个个片段间具有显而易见的联系。
人们不觉得中断和跳跃，得到一种无意的刺激。
爱森斯坦在晚期对蒙太奇有新的理解：他认为蒙太奇应该表达一种连贯的、有条理的主题、情节、动作、行为，以及一种最大限度赋予感情的叙述。
研究涉及到了声画蒙太奇和色彩的问题。
4、库里肖夫效应——为控制蒙太奇表现力所做的试验。
5、杂耍蒙太奇——爱森斯坦在1923年，从戏剧创作中总结的一个原则，“杂耍”构成一场演出独立的原始因素，是戏剧效果和任何戏剧的分子单位。
杂耍和噱头没有任何共同之处，杂耍更注重表现主题和思想。
～是把一切因素汇到一起传达和表现思想的一种感染手段。
不合乎剧情发展，甚至脱离剧情发展，实际是有内在联系的。
自由剪辑一起造成有目的的主题效果。
产生奇迹性、超越叙事，展现真正要表达的主题。
6、理性电影——爱森斯坦在20年代后期提出的概念。
他认为电影的艺术目的不仅在于形象表现之实，还要能表现概念，增加电影手段表现力，增加认识现实手段可能性。
但在具体的创作中，这种想法与创作过于超前，结果不能成功，受到理论家的否定。
如匈牙利批评家巴拉兹指出这种“电影艺术征服纯观念”的想法是行不通的。
爱森斯坦在这种思想指导下的代表作是1927年的《十月》和1929年的《总路线》（《新与旧》）。
爱森斯坦试图用蒙太奇表达从视觉形象达到理性认识的过程，他曾在30年在一所大学讲课时提出要把《资本论》拍成电影的想法，来实现他想象的又一步骤。
他认为理性电影是克服逻辑语言与形象活动不协调的唯一手段。
在电影辨证法基础上，理性电影不是故事的、轶闻的电影，而是概念的电影，是思想体系、概念体系的直觉体现。
7、电影眼睛派——由苏联记录片导演维尔托夫提出。
在1922年，列宁发表了《所有艺术中，电影对我们最重要》《反映苏联现实，必须从新闻电影开始》的文章，维尔托夫响应创办了《电影真理报》杂志片。
他的主要观点：要出其不意的抓取生活，不让被拍者知道，运用蒙太奇技巧，将这些抓取的素材在意识形态上从新组接。
他于1924年的《电影——眼睛》中应用这一理论。
他认为摄影机是比人眼更完美、可靠的电影眼睛，反对剧本、演员、照明、布景、化妆等一切手段。
“电影眼睛”是电影中一种运动，画下来而不用演技，直面生活和真实，用偷拍记录各个生活事件，在现实中发掘戏剧性。
维尔托夫注重剪辑，他认为电影是解释客观世界的工具。
8、《电影作为艺术》爱因汉姆——此书分别在1932、1957年分两部分完成。
书中观点是技术主义倾向，或画面至上主义。
爱因汉姆认为电影在技术上的局限性是电影作为艺术的根源，这与他研究的格式塔心理学背景有关。
（《艺术与视知觉》）格式塔：视觉过程不是机械的摄录外在世界，而是用简单、规则、平衡等原则创造的组织感官材料。
电影不能完美再现现实的特性，成为它作为艺术的必要手段。
爱因汉姆认为电影的局限性包括：⑴立体在平面上的投影；⑵深度感减弱；⑶照明与无色；⑷画面界限与物体的距离；⑸时空连续性不存在；⑹没有声音，视觉以外其它感觉失去作用。
9、《电影美学》巴拉兹——1945年出德语版，也称《电影理论：新艺术特性与成长》，是《可见的人：电影文化》（24年出版）和《电影精神》（30年出版）两本书的合集。
1952年出英文版。
书中分析电影和戏剧在形式表现原则上的差别，分析电影艺术特征。
他认为戏剧表现原则：⑴看到整个演出剧场；⑵观众视距不发生变化；⑶观众的视角不发生变化；电影表现原则：⑴被拍场景可被分割；⑵被记录场景视距可变；⑶观众视角纵深可变，观众与银幕的想象距离是可改变的。
他认为上面电影的表现原则是电影艺术的革命性创新。
10、摄影机自来水笔——由法国的阿斯特里克在1948年文章《新先锋派的诞生——摄影笔》中提出。
他认为电影迅速成为一种思想表达工具，保存时代形象的好方法，电影渐渐成为一种语言。
艺术家掌握了这种语言后，表达自己的思想、抽象的概念就像写随笔、小说一样流畅自然。
让摄影机像笔一样自由可以表达自己个人思想，现代电影已成为一种同书面语言一样精细的思想表达方法。
为50年代法国《电影手册》电影作者论提供了理论基础。
11、电影作者论——特吕弗等人提出，认为不是所有导演都能称为“作者”。
具备电影作者论资格所拍的电影才是“作者电影”。
法国新浪潮主要人物：特吕弗、戈达尔、夏布洛尔。
作者政策要求电影像小说、音乐、绘画一样是一个人的作品，电影作家的作品——即导演个人的作品。
此理论产生广泛的影响。
其作者资格条件如下：⑴在一批影片中体现出导演个性和个人风格特征，把个人的东西带入题材，导演不是一个执行者。
⑵影片应具有某种内在涵义，是后天形成而非先前存在的。
⑶电影作者是对电影制作全面控制的人，无导演、编剧的区分。
戈达尔、特吕弗、安东尼奥尼、费里尼、希区柯克等人是电影作者代表人物。
此理论确定美国一批导演的作者地位，其电影为作者电影。
作者论的实质：强调电影导演是主要创作人和最终定稿人。
判定依据是导演对作品的控制。
作者电影与类型电影相对，也称艺术片。
12、巴赞、克拉考尔的写实主义和物象至上主义——（与爱因汉姆的技术主义、画面至上相反）※巴赞理论：巴赞的长镜头理论，是美国理论界对巴赞观点的非严格的概括（主要指巴赞对景深镜头的赞赏）。
＃长镜头：单个镜头达到一定长度，也叫单长镜头。
包括变焦、景深长镜头。
长镜头理论与蒙太奇理论是相对的理论。
长镜头理论强调单个镜头内部的表现力（连接表现力），运动、景深、变焦。
＃蒙太奇禁用原则（属巴赞的影像本体论）：若一个事件主要内容要求两个和多个动作元素同时存在，蒙太奇被禁用。
否则，蒙太奇远非电影的本性，而是对其的否定。
＃长镜头的本体论立场（客观的）、美学立场（倾向性）提出此理论的社会背景是因为：⑴电影在技术上的一系列发展，胶片、镜头的改变，提高了单个镜头的内容质量和容量；⑵移动摄影更加灵巧多变，大大丰富了单个镜头的镜头内变化。
长镜头理论贡献：开掘了一种新的审美表现手段，提高了人们对电影镜头内部空间的复杂构成的自觉性。
＃影像本体论：由巴赞在1945年《摄影影像本体论》中提出。
他提出影像基本特征：由机械作用产生的摄影影像与客观中的被摄物等同。
摄影影像独特性在于其本质上的客观性，它产生了被摄物体的本体，它就是被摄物的原形。
理论根据：⑴摄影有不让人介入的特权；⑵人具有用逼真模拟物代替外部世界的愿望，即排除人在外，单靠机械再现原物的需要。
影像具有令人信服的力量。
＃木乃伊情节：巴赞提出，借助精神分析，分析电影起源的尝试，雕刻、绘画艺术的起源，人具有永久保存自己躯体的冲动。
最早的雕像是木乃伊，雕刻、绘画成了后来的替代品。
同样起源于上面的冲动和愿望。
用形式的永恒克服岁月的流逝的原始需求，但雕刻、绘画不能满足人的愿望。
摄影真正满足人们再现原物的需要。
“摄影是对事件涂上香料，是自然造物的补充，而不是替代”。
影像的产生第一次映现了事物时间的延续——可变的木乃伊。
＃完整电影：巴赞表达电影起源用语。
根本原因是心理的需要，称为“完整电影的神话”。
再现一个声音色彩立体感等外部世界的幻景。
※克拉考尔理论：＃《电影的本性——物质现实的复原》1960年出版美学是一种实体的美，不是形式的美。
克拉考尔阐述了“电影化的”这一概念。
电影，就其本性来说是照相的一次外延，它跟周围的世界有明显的近亲性。
影片记录和揭示物质现实的时候，才是名副其实的影片。