艺考必备作曲基本理论知识
作曲的基本乐理知识
作曲的基本乐理知识作曲的基本乐理知识大全在乐理中，作曲是指运用和声学、复调、配器法、曲式结构的技术理论体系来表达创作者音乐思想的方法。
下面店铺为您收集整理了作曲的基本乐理知识，希望对您有帮助！作曲的基本乐理知识(一)旋律(Melody)，音乐的基本要素。
通常指一个具有音高组织和节奏律动的序列。
曲调(Tune)是歌唱性、能够表达一定乐思或主要的旋律的统称。
指若干乐音经过艺术构思而形成的有组织、节奏的和谐运动。
俗称“调子”。
曲调是让听众获取音乐内容的重要媒介。
音乐内容的表现是靠音乐的整体音响效果。
而音乐素养不高的大众基本只能注意到曲调的存在，实际是从音乐的整体音响与歌词(如果有歌词)获取音乐内容。
抛开歌词与演唱者，曲调本身几乎没有任何音乐内容。
即便是同一个曲调，不同编配方式、速度、节拍、织体所呈现的音乐内容也会不同。
所以，好的曲调既是一个让听众更好的理解音乐的重要媒介。
好的'曲调具有流畅性、连贯性、可记忆性等特征。
对于歌曲来说, 谱曲时还要考虑如何与歌词进行搭配，合理的搭配能让听者听清歌词，从而更好的获取音乐内容。
我们平时说的“旋律”实际是指曲调，“旋律”可表示任何音高与节奏所构成的序列。
歌曲写作者：Songwriter商业唱片中由于商业运作衍生出的一种职业。
为只为乐曲创作曲调的人。
不论商业唱片中的艺人还是大众群体，并不是每个人都受过专业的作曲训练，所以大部分人在音乐上的创作能力仅限于谱曲。
商业唱片中，谱曲者会与相对专业的作曲者合作。
创作一个曲调后，相对专业的作曲者再进行乐曲的编配与设计。
当然，谱曲者本人也可能是相对专业的作曲人，只不过在某乐曲中只是参与了曲调创作而已。
作曲的基本乐理知识(二)根据法国音乐界的定义,作曲的风格可以分为三类：1、ANAORPHOSE：这种风格强调音乐的主体几乎不变，改变的只是听者的感受;2、METAMORPHOSE：这种风格需要音乐产生一种渐进的变化，主导思想认为音乐就如同一个生命，会因为新陈代谢逐渐产生变化和变形。
音乐生艺考基本乐理知识(完整版)
首先，把肺里的气全部呼出去，要呼的干净；然后，并住呼吸，把手按在小腹，也就是常说的单田，用力使单田鼓起，手要反作用在单田上，要用力，在鼓起的时候要渐渐用力，不要一下鼓起来从开始用力到用力到极限，大约用五秒钟时间然后到最强的时候，持续五秒钟最后，渐渐放松，也不要一下放松，大约五秒时间整个过程，注意不要呼吸。
这是一个循环，每天这样练功，两个小时，半年的时间你的唱功一定会很实力，但中间不要停止，特别是第一个星期的七天，一定要坚持下来练自己的肺活量，多游泳，多跑步！多看一些音乐录影带，看一下其他歌手唱歌时的口型，多模仿！多唱，多练最好找一个专业的老师，指导一下，才不会误入歧途，不会把声带损害，要注意唱歌时不要多用自己的声带，要让自己的声音传的远而稳，注意运用气息，否则会使声带生茧。
声音忌讳大声喊叫。
其实我们都要避免：1、大声喊叫；2、在具备充足睡眠后，每天用声不准超过两小时[总用声量]，长期超量用声，必然导致声带病变[坏嗓子]！养成用丹田气说话的习惯。
意念上，不要用嗓子说话，用小腹[脐下两寸的点]说话。
多练仰卧起坐，加强丹田力量[一般女性小腹力量较弱]。
口腔要打开[后上下牙距离]，整个口腔形成：前紧[开、齐、合、撮]后松[打开后槽牙]之势。
长期坚持科学训练。
情、气、声的训练：情---七情：喜、怒、忧、思、悲、恐、惊的语言表达训练；气----掌握胸腹联合呼吸法；声----声音的弹性训练。
想把声音练的生动并且带有颤音.你要先从开口音"a. ia ua "这几个音开始练.如果你有钢琴可以按照琴键顺序由低音部.唱到高音部.练好开口音.再练闭口音.比如:"u. o "闭口音是练颤音的关键.唱闭口音时要有打哈欠的感觉.提起胸腔.这样才会获得更好的效果. 闭口音也是按照顺序由低音部唱到高音部.然后再唱回去.并且建议你一开始不要用颤音去模仿张学友或者刘德华的歌.他们虽说颤音很有感情.但刻意的模仿不但练不好音.而且还有可能练坏了嗓子.我练音的歌一般都是很老的歌比如<莫斯科郊外的晚上><大海啊故乡>.诸如此类.基本乐理第一章记谱法的基础知识用音符、休止符及其它符号来记录乐曲进行的方法称为记谱法。
作曲编曲的乐理知识
作曲编曲乐理知识一、音与音高的问题音的四种性质：高低、长短、音色、强弱很容易听见的音：基音不容易听见的音：泛音二、乐音体系（重点）有固定音高的音的总和叫做乐音体系，简称音级Do Re Mi Fa Sol La Si(Ti)，叫音名有独立名称的白键叫基本音级（C大调）声高或者降低基本音级的叫做变化音级（其他调）钢琴88个键，其中小字一组的c为中央C，小字一组的a为国际标准音，音高频率为440Hz。
三、12平均率的问题琴键上两个音最小的距离为半音一个全音等于两个半音一个8度有12个半音“#”叫做升号，把原来的音升高半个音，就用“#”表示“b”叫做降号，把原来的音降低半个音，就用“b”表示“”叫做还原号，把已经升过的降过的音归回原位“×”叫做重升号，把原来的音，升高一个全音（两个半音）“bb”叫做重降号，把原来的音，降低一个全音（两个半音）“C#”读C升，以此类推，临时记号应该写在音符的前面，音名的后面。
四、等音的概念两个音的音高是一样的，记法和用途都不一样1、自然半音：由两个相邻的音级够成的半音叫自然半音比如：E-F是自然半音，B-C是自然半音，C-Db是自然半音2、自然全音：由两个相邻的音级够成的全音叫自然全音比如：C-D是自然全音，D-E是自然全音3、变化半音：同一个音级（同一个字母）构成的关系叫做变化半音比如：C-C#是变化半音，C#-Eb是变化半音4、变化全音：同一个音级（同一个字母）或隔开的一个音级（隔开一个字母）构成的关系叫变化全音比如：C-C×是变化全音，C-Eb是变化全音，中间隔开了一个D五、记谱法：简谱和五线谱音符的概念：记录乐曲与食指长短的进行。
休止符的概念：记录不同乐音与食指长短的间歇。
1、简谱：以啊拉伯数字作为基本音符，休止符用零表示。
一个基本音符代表一个四分音符“-”增时线，放数字旁边“_”减时线，放数字下方在音符上面加一点为高音，在音符下面加一点为低音（每加一点代表一个八度）2、五线谱音符的组成：符头、符尾、符干小圆点叫符头，中间一竖叫符干，下方尾巴叫符尾全音符，二分音符，四分音符，八分音符，十六分音符五线谱，由下往上数，一共有五线四间倒挂在第四跟线下面的叫全休止，躺在第三线上的叫二分休止四分音符写法八分音符写法十六分音符写法下加线，下加间。
作曲基本原理
作曲基本原理作曲是音乐创作的重要组成部分，它涉及到音乐的和声、旋律、节奏等方面，是音乐艺术的重要表现形式之一。
作曲基本原理是指在作曲过程中需要遵循的一些基本规律和原则，它们对于作曲的质量和效果起着至关重要的作用。
下面我们将从和声、旋律、节奏三个方面来谈谈作曲的基本原理。
首先是和声。
和声是指不同音高的声音同时响起时所形成的音响效果。
在作曲中，和声是非常重要的，它可以使音乐更加丰富多彩。
在进行和声创作时，需要注意和声的稳定性和和谐性，避免出现不和谐的和声组合，否则会影响整个音乐作品的效果。
此外，和声的变化也是作曲过程中需要注意的，合理的和声变化可以使音乐更加生动和有层次感。
其次是旋律。
旋律是音乐中最容易被人们记住的部分，它是音乐作品的灵魂所在。
在作曲时，需要注意旋律的流畅性和易记性，一个好的旋律可以使整个音乐作品更加动人。
此外，旋律的变化也是需要注意的，合理的旋律变化可以使音乐更加富有变化和层次感。
最后是节奏。
节奏是音乐中的时间感，它决定了音乐的速度和节奏感。
在作曲时，需要注意节奏的稳定性和韵律感，合理的节奏可以使音乐更加有力量和动感。
此外，节奏的变化也是需要注意的，合理的节奏变化可以使音乐更加生动和富有变化。
总之，作曲基本原理是作曲过程中需要遵循的一些基本规律和原则，它们对于作曲的质量和效果起着至关重要的作用。
在作曲过程中，需要注意和声、旋律、节奏等方面的处理，力求做到合理稳定、丰富多彩，使音乐作品更加动人和有魅力。
希望本文对于作曲基本原理有所帮助，谢谢阅读！。
作曲基础知识与配器技巧指导
作曲基础知识与配器技巧指导作曲是音乐创作的一种形式，通过创造独特的音乐来表达情感和观点。
作曲家需要掌握一定的基础知识和配器技巧来创作出优秀的作品。
本文将介绍一些作曲的基础知识，并提供一些配器技巧作为指导。
一、作曲基础知识1. 音符和节拍音符是音乐的基本单位，用来表示音高和时值。
常见的音符有全音符、二分音符、四分音符等。
节拍是音乐中的基本脉动，可以用拍号来表示。
在作曲过程中，需要合理运用音符和节拍来构建旋律和节奏。
2. 音阶和调式音阶是音乐中一组按照音高顺序排列的音符。
常见的音阶有大调音阶、小调音阶等。
调式是音乐中的基本调性，常见的调式有大调、小调等。
了解和运用不同的音阶和调式可以为作曲提供更多的音乐素材。
3. 曲式结构曲式结构是指作曲中的整体结构安排，常见的曲式结构有复调曲式、套曲曲式等。
作曲家可以根据自己的创作意图选择合适的曲式结构来组织音乐。
二、配器技巧指导1. 乐器选择在作曲中，选择适合的乐器对于传达音乐的情感和效果至关重要。
作曲家需要了解各种乐器的音质特点，包括音域、音色和演奏技巧等。
在进行配器时，灵活运用各种乐器的组合可以创造出丰富多样的音乐效果。
2. 和声处理和声是指不同音符在同一时间的组合。
在作曲中，合理处理和声可以使音乐更加丰富和谐。
作曲家可以通过运用和弦进行、音程变化和声部运动等方法来处理和声，创造出动听的音乐效果。
3. 色彩运用配器中的色彩运用可以为音乐增添层次和质感。
作曲家可以通过运用原声乐器和合成器、不同的音色和音效等手法来塑造音乐的色彩。
同时，还可以借助动态的变化和音色的叠加等技巧来丰富音乐的表现力。
4. 节奏和韵律节奏和韵律是音乐中的基本元素，对于作曲具有重要的影响。
作曲家可以通过运用不同的节奏模式、变化的速度和韵律变化来创造出丰富多样的节奏和韵律效果。
总结作曲基础知识和配器技巧是作曲家创作音乐的基石。
掌握音符和节拍、音阶和调式、曲式结构等基础知识，并合理运用乐器选择、和声处理、色彩运用和节奏韵律等配器技巧，可以帮助作曲家编写出更加精彩的音乐作品。
音乐理论与作曲技巧
音乐理论与作曲技巧音乐理论与作曲技巧音乐是人类艺术中重要的一种形式，它可以表达情感、传递信息，也可以是我们生活中的一种娱乐方式。
作为一个作曲家或者音乐爱好者，了解音乐理论和掌握作曲技巧是非常重要的。
本文将探讨音乐理论的基本概念以及一些常见的作曲技巧。
一、音乐理论的基本概念1. 音符和音程音符是音乐的基本单位，它代表了音高和持续时间。
音符被分为不同的类型，如全音符、二分音符、八分音符等等。
音程是两个音符之间的音高间隔，它可以是上升的或下降的。
音程包括纯音程和增减音程，例如纯五度、增四度等。
2. 调性和调式调性是音乐中的基本音高组织形式，它是一种音乐的“主题”或“基调”。
调式是在特定调性下音乐创作的规则和模式，它决定了作品中各个音符的使用和排列方式。
常见的调式包括大调和小调。
3. 和弦和和声和弦是由多个音符组成的音乐单位，它是音乐中的基本和声基础。
和弦包括三和弦、七和弦等等。
和声是指多个声部之间的音乐关系，它决定了和弦的排列和进行方式。
二、作曲技巧1. 起承转合起承转合是一种常用的作曲技巧，它帮助作曲家构建音乐形式和情感表达。
起承转合包括起始部分（序曲）、中间部分（主题的发展和变化）、过渡部分（不同主题的连接）和结尾部分（结束和总结）。
2. 和声处理和声处理是指在作曲过程中如何安排和弦和声部的运动。
通过恰当地处理和弦进行、声部运动和音程选择，可以增强音乐的和谐感和表现力。
常见的和声处理技巧包括和弦的转位、音程的行进和跳跃等等。
3. 主题发展主题发展是指在音乐中对主题进行变化和发展。
通过对旋律、节奏、和声和音色的改变，可以丰富音乐素材，使音乐更加富有变化和张力。
主题发展可以包括重复、反转、转调等技巧。
4. 色彩运用色彩运用是指在作曲过程中如何运用不同的音色和乐器来表达音乐的情感和意境。
选择合适的乐器组合、音色变化和特殊音效，可以让音乐更加生动和多样化。
5. 节奏和动态节奏和动态是音乐中重要的元素，它们对音乐的节奏感和动感起着至关重要的作用。
作曲的知识
作曲的知识
一、基本术语
1、上行：旋律向上进行；
2、下行：旋律向下进行；
3、级进：二度上行或下行；
4、小跳：三度、四度的进行；
5、大跳：五度、六度、七度、八度和八度以上的进行；
6、重复：对前面的乐汇或乐句或乐段的再现；
7、模进：前面的乐汇或乐句或乐段的旋律线不变，只在音区上有所变化的一种重复；
8、乐素、乐汇、乐句、乐段：相当于文学中的词素、词汇、句子、段落；
9、调式：按一定关系排列起来的一组音（不超过7个），并以其中一个音为主音组成的一个体系，这个体系叫做调式；
10、大调式：以“1”为主音的调式；
11、小调式：以“6”为主音的调式；
12、五声调式：分别以“1、2、3、5、6”为主音，也就形成了中国特有的“宫、商、角、徵、羽”五声调式。
例如以“2”为主音的调式叫“商调”式。
大二学长艺考知识点总结
大二学长艺考知识点总结一、音乐理论1. 音乐的基本元素：音高、音符、音程、音符组成的旋律、和声、节奏等2. 音乐的基本知识：音阶、调式、音程、和弦等基础知识3. 曲式与结构：复调、变奏、对位、自由曲式等常见曲式和结构4. 作曲技法：旋律编排、和声编排、节奏编排等基本作曲技法5. 乐理知识：调性、和声、节奏、速度、韵律、音调等乐理知识6. 乐谱分析：曲式分析、和声分析、节奏分析、旋律分析等乐谱分析知识二、音乐实践1. 声乐表演：唱法、咬字、气息控制、音色调整、演唱技巧等2. 伴奏：钢琴伴奏、吉他伴奏、其他乐器伴奏等3. 合唱：声部分配、和声演唱、合唱指挥等4. 音乐创作：歌曲创作、器乐曲创作、编曲等5. 乐器演奏：钢琴演奏、小提琴演奏、吉他演奏等三、舞蹈1. 芭蕾舞基本功：立身、步法、转体、跳跃、姿态等基本功2. 现代舞基本功：肢体表达、肌肉控制、舞蹈基本姿势等3. 民族舞基本功：舞步、手势、身体动作、表情等4. 舞蹈编排与编舞：舞蹈编排、编舞理论、编舞技巧等四、戏剧表演1. 剧本分析与诠释：剧本分析、角色理解、情绪表达、舞台表现等2. 表演技巧：唱、念、做、表演、唱念做打等表演技巧3. 舞台语言：身体语言、声音语言、表情语言、眼神语言等4. 舞台表现：情感表现、身体语言、气息控制、肢体表达等五、美术1. 美术基础：素描、色彩、构图、造型、光影等基础知识2. 绘画技法：水彩画、油画、素描、速写等绘画技法3. 三维艺术：雕塑、立体造型、工艺品制作等4. 设计理论：平面设计、立体设计、室内设计、服装设计等设计理论六、书法与篆刻1. 书法基础：笔法、结构、布局、传统书法作品欣赏等2. 篆刻基础：刻字技法、印章制作、篆刻作品鉴赏等3. 书法与篆刻历史：书法发展历史、篆刻发展历史、传统书法名家、篆刻名家等七、编导与制作1. 影视编导：剧本创作、导演技巧、镜头运用、剧情设计等2. 节目制作：舞台节目设计、音乐节目制作、电视节目制作等3. 广播编导：广播剧创作、广播节目编导、广播表演技巧等八、艺考特殊技能1. 体育项目：体能训练、体操技巧、柔道、武术等2. 艺术表现：魔术、杂技、小丑表演、后期特效等3. 科技创作：动画、游戏开发、影视后期制作等以上是大二学长艺考知识点的总结，希望对即将参加艺考的学弟学妹们有所帮助。
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音乐：艺考必备作曲基本理论知识
什么是曲式学
曲式是指乐曲的结构形式。
有“单段体”、“两段体”、“三段体”、“变奏曲式”“奏鸣曲式”及“回旋曲式”等。
各主题乐段用“A，B，…”表示。
如“两段体”的曲式图式是“AB ”;“三段体”的图式是“ABA’”，第三段A’与第一段基本相同。
儿童歌曲多为两段体甚至一段体;通俗歌曲多是三段式。
而“圆舞曲”则常采用回旋曲式。
什么是复调
“复调”是相对于“主调”而言。
如果只有一个声部担任主题旋律，其它声部仅起衬托作用，这样的音乐叫主调音乐。
如果旋律声部不只一个，且各声部横向上彼此具有独立性，纵向上构成和声关系，形成和协的有机整体，则这样的音乐叫作“复调音乐”。
复调音乐中，各声部的旋律依主次关系被称作“主旋律”、“副旋律”。
主旋律只有一个。
复调是重要的作曲技法，应用甚广，其理论基础是和声学。
“赋格”是复调曲式之一，巴赫将其技巧发展成熟。
什么是对位法
对位是“复调音乐”写作技法之一。
它以和声学为理论基础，使各声部既协和又相对独立。
如重声合唱(三重唱，四重唱)
就是用对位法写的。
对位法又有“严格对位”和“模仿对位”之分。
俄、德音乐理论家推崇、恪守严格对位。
什么是旋律
旋律就是曲调。
它是一乐曲区别于它乐曲的根本特征，好似建筑物的风格和韵律。
“音素”构成“动机”，动机进一步发展成主题从而形成旋律。
具体说来，一定的“音型”、“节奏型”按特定的节奏节拍规律组合形成旋律。
旋律具有视觉性：它体现在旋律线(符头的连线)上。
早期有些音乐家追求“旋律线的优美”，认为好的旋律视觉上也应是美的。
旋律的创作一靠天才二靠灵感三靠实践。
旋律写作的技巧性是很强的，其发展手法多种多样，最为丰富。
常用的发展手法有：重复，模进，模仿，紧缩，扩展，变化，对比，变奏等。
多数概念的讲解要通过板示和视听。
什么是配器
配器法是管弦乐的写作技法，故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。
但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用，因此学一点配器知识很有实用价值。
学习配器法是要解决如下问题：
·各种乐器的发声原理，音色，音量及演奏法等
·各种乐器间音量上的匹配关系
·正确地选用乐器以求正确地表现作品的主题及风格。