中国传统手工艺设计如何及中国时尚比翼齐飞
传统手工艺的时尚与流行趋势
传统手工艺的时尚与流行趋势传统手工艺一直以来都承载着文化传承和历史记忆的重要角色。
然而，在当今时尚界，我们不禁要思考：传统手工艺是否仅仅是一种保留古旧的文化形态，还是可以与时尚和流行趋势相结合的创新元素呢？本文将探讨传统手工艺的时尚与流行趋势。
对于传统手工艺，人们往往有一种刻板印象，认为它们过于古老、过于复杂，与现代时尚格格不入。
然而，事实却并非如此。
如今，越来越多的设计师开始将传统手工艺融入到时尚设计中，以创造出独特而具有艺术性的作品。
首先，在服装设计上，传统手工艺常常为设计师提供了丰富的灵感和创作材料。
织锦、刺绣、染色等手工工艺为服装赋予了纹理、图案和颜色的多样性。
设计师们在设计时灵活运用这些传统手工艺，既秉承了传统文化的精髓，又赋予了作品现代的时尚感。
无论是在红毯上还是时装周上，我们经常可以看到模特们身穿着由传统手工艺打造的华丽服装，这些作品既展现了设计师的创意，又向世界展示了传统手工艺的独特魅力。
其次，在珠宝、饰品设计领域，传统手工艺同样发挥着重要作用。
如今，人们对于饰品的需求不再局限于简单的流行元素，而更加注重其背后的文化内涵和工艺价值。
传统手工艺可以使饰品更加独特、精致，并赋予其更多的艺术气息。
各地的民族风饰品、传统金银首饰以及琉璃手串等，正逐渐在时尚界中引起热议。
设计师们不仅将这些传统手工艺注入到自己的设计中，还积极与当地的手工艺人合作，共同打造出具有独特魅力的饰品。
再次，传统手工艺也在家居装饰领域中展现出时尚的一面。
装饰品的设计不仅注重其实用性，更追求富有情感和艺术触感的东西。
无论是陶瓷工艺、木工艺还是石雕，传统手工艺都为家居装饰提供了丰富的设计元素。
一件件由匠人手工打造的家居饰品，既展示出传统工艺的精湛技艺，又与现代时尚风格相融合，为家居空间增添了丰富的艺术氛围。
如今，传统手工艺正逐渐被重新定义，成为时尚与流行的趋势。
越来越多的年轻设计师、品牌和艺术家开始重视传统手工艺的保护和创新，致力于将其融入到时尚界的潮流中。
传统手工艺与时尚设计的结合探索
传统手工艺的传承：通过师 徒传承，家族传承等方式，
将技艺代代相传
传统手工艺的发展：与时尚 设计相结合，创新设计，拓
展市场，提高知名度
19世纪末：时尚产业开始兴起，巴黎成为时尚中心 20世纪初：时尚杂志和时装秀的兴起，推动了时尚产业的发展 20世纪中叶：成衣业的兴起，时尚变得更加普及 21世纪初：互联网和社交媒体的兴起，改变了时尚产业的传播方式和消费模式
政府：制定相关政策，提供 资金支持
教育机构：开设相关课程， 培养人才
媒体：宣传推广，提高公众 认知度
汇报人：
汇报人：
发展历程：经历了从原始社 会到现代社会的漫长历程
起源：传统手工艺起源于古 代，是人类文明的重要组成 部分
特点：手工制作，技艺精湛， 具有独特的艺术价值和文化
内涵
代表性作品：如景泰蓝、青 花瓷、剪纸等，都是中国传
统手工艺的瑰宝
历史传承：传统 手工艺是传统文 化的重要组成部 分，具有悠久的 历史和深厚的文 化底蕴。
品牌识别度。
挑战：传统手工 艺与现代时尚设 计的融合难度大
机遇：传统手工 艺可以为时尚设 计带来新的灵感 和创意
挑战：传统手工 艺的传承和保护 问题
机遇：时尚设计 可以为传统手工 艺带来更多的关 注和市场机会
传统手工艺的独 特魅力：手工制 作、独特设计、 文化传承
时尚设计的创新 理念：紧跟潮流、 个性独特、时尚 前卫
传统手工艺与现代科技的结合：如3D打印、激光切割等，为时尚设计带来新的可能性
借鉴传统手工艺的元素和技艺，融入时尚设计中 创新传统手工艺的表现形式，使其更符合现代审美 结合传统手工艺与现代时尚设计的特点，创造出独特的作品 通过时尚设计，让传统手工艺得到更好的传承和发展
传统与时尚融合的中国民族风格服装设计手法
传统与时尚融合的中国民族风格服装设计手法随着社会的不断发展，中国的民族服装设计也在不断变化和创新。
传统与时尚的融合已经成为了当下的潮流，一种新的中国民族风格服装设计手法也逐渐呈现出来。
传统与时尚的融合不仅体现了中国传统文化的魅力，同时也展现了现代都市生活的时尚潮流。
在中国传统服装设计中，将时尚元素融入使得民族服装更具有时尚感和个性化，也更符合现代人的审美需求。
下面将探讨一下传统与时尚融合的中国民族风格服装设计手法。
一、传统元素的运用在中国传统服装设计中，传统元素是不可或缺的。
传统元素包括了汉服、旗袍、民族服饰等。
在传统元素的运用上，设计师可以通过颜色、纹样、图案等方面去体现。
比如可以在服装上运用中国特色的图案如龙、凤、花鸟等，还有一些汉字的书法艺术等等。
设计师也可以从传统的服饰剪裁、工艺等方面去借鉴和保留。
比如在服装的款式设计上，可以使用传统的立领、交领等设计，或者借鉴传统的刺绣、织锦等工艺。
二、时尚元素的融入传统与时尚的融合，就需要将时尚元素融入到传统的设计中。
时尚元素可以包括服装款式、面料、剪裁等方面。
比如在服装的款式上，可以将传统的立领改造成修身的剪裁，使得整体更加贴合现代人的身材，并且更加符合时尚潮流。
在面料的选择上，可以选用一些时尚的面料如丝绸、雪纺、仿真皮等，同时也可以应用一些时尚的工艺如对撞面料、拼接面料等，使得服装更加有层次感和时尚感。
还可以将一些现代的元素如拉链、口袋等巧妙地融入到传统的设计中，使得整体更加便于穿着和搭配。
三、色彩的运用色彩在服装设计中起着至关重要的作用，在传统与时尚的融合中更是如此。
传统的色彩可以包括了红、黄、蓝等，这些色彩在中国的传统文化中具有特别的意义。
在传统的色彩基础上，设计师可以将一些时尚的色彩如灰、黑、白等巧妙地融入使得整体更加具有时尚感。
还可以借鉴一些时尚的色彩搭配技巧，比如冷暖色搭配、互补色搭配等，使得服装更加具有活力和时尚感。
四、文化内涵的表达在传统与时尚融合的设计中，还需要将中国传统文化的内涵融入其中。
传统与时尚融合的中国民族风格服装设计手法
传统与时尚融合的中国民族风格服装设计手法中国的传统民族服装因为其独特的设计和千年的历史而备受世界瞩目。
随着时尚的日渐兴盛，越来越多的设计师开始将传统与时尚融合，创造出新颖而具有现代感的中国民族风格服装。
本文将介绍一些中国民族服装设计手法中的传统和时尚元素融合的方法，并且分析其设计原则和特点。
传统元素的运用是中国民族风格服装的核心。
传统元素包括了古代的织法、图案、刺绣等。
织法是指使用传统的织布工艺，如织锦、织纱等，使服装具有纹理感和手工感。
图案是指使用传统的花纹、图形和图案，如龙凤、云纹、缠枝花等，给服装增添华丽和庄重感。
刺绣是指使用传统的刺绣工艺，如豪华金线刺绣、细密绣花等，突出服装的精致和精美。
时尚元素的融入是中国民族风格服装的另一个重要方面。
时尚元素包括了颜色、剪裁和面料的选择。
颜色的选择应该根据流行趋势和季节变化，如明亮的红色、浓郁的绿色等，使服装更加鲜明和时尚。
剪裁则要注重线条感和流线型，以突出服装的轮廓和身材。
面料的选择应该注重舒适性和质感，如丝绸、绒面、高级工艺皮革等，以增加服装的质感和时尚感。
接下来，中国民族风格服装设计的核心原则是形式与功能的统一。
即服装的造型和功能要相互协调和融合。
形式上要保留中国传统服装的特点，如宽松、卧襟、直裾等，同时结合现代时尚的剪裁和线条感，使服装更加具有现代感。
功能上要注重实用性和舒适性，如增加口袋、松紧带等，方便日常生活的需要。
中国民族风格服装设计的特点是独特而多样化。
由于中国的地域和民族的多样性，中国的传统服装也呈现出丰富多样的风格和特点。
从北京的长袍到傣族的长裙、藏族的长袍等，每个地方和民族都有其独特的传统服装风格。
在设计中国民族风格服装时，设计师要尊重传统风格，并且根据地域和民族的特点进行创意和融合。
中国民族风格服装设计是传统与时尚的完美结合，不仅保留了中国传统服装的特点和精髓，还融入了时尚的元素和现代的设计理念，使其更具现代感和时尚感。
设计师们应该注重传统与时尚元素的融合，同时保持服装的实用性和舒适性，创造出更多具有中国特色的服装作品。
传统与时尚融合的中国民族风格服装设计手法
传统与时尚融合的中国民族风格服装设计手法
中国民族风格服装是由传统与时尚相结合的，它融合了许多传统元素和最新的时尚趋势。
在设计中国民族风格服装时，必须考虑到传统文化，同时也必须考虑到现代的需求和市场趋势。
在设计中国民族风格服装时，设计师通常会使用许多传统元素。
例如，在服装上使用传统的中国刺绣、宝石、流苏和细节纹理等，这些元素传达出一种丰富多彩的文化精神和艺术感。
设计师还会在服装上使用传统的绸缎和棉麻等面料，这些面料为服装增添了独特的质感和传统的气息。
与传统元素相反，设计师也会考虑到现代的需求和市场趋势。
为了使服装更加时尚和现代化，设计师也会使用新的面料和材料，例如时尚的丝绸面料、高科技面料或环保面料等。
另外，设计师也会结合当下流行的颜色、剪裁和风格等时尚元素，给传统民族服装注入新的血液和魅力。
在设计时，设计师还需考虑到服装的功能性和实用性。
许多中国民族服装原本只是庆祝节日或宴客时穿着的礼服，但现在随着时代的变迁，越来越多的人将它们作为日常穿着的款式。
为了满足现代人的需要，在设计时必须考虑到这些服装的舒适度、耐用性和易于打理。
这也影响到设计的颜色、尺码和剪裁等方面。
总体而言，中国民族风格服装是传统与时尚相结合的体现。
设计师将传统文化与现代时尚相结合，创造了一种独特的时尚潮流。
这种设计手法可以吸引更广泛的群众接受传统文化，同时满足现代人的时尚和实用需求，实现传统与现代的和谐融合。
传统与时尚融合的中国民族风格服装设计手法
传统与时尚融合的中国民族风格服装设计手法中国民族风格服装具有独特的魅力，其源远流长，久经沉淀。
随着时尚的发展，传统与时尚的融合成为了当下设计的一个热点话题。
如何将传统的中国民族风格与时尚元素相结合，成为了许多设计师探索的方向。
本文将从传统与时尚融合的角度出发，探讨中国民族风格服装设计的手法。
要想实现传统与时尚的融合，就需要深入了解传统的中国民族服饰。
中国自古以来就有着丰富的服饰文化，每个民族都有自己独特的服装传统。
比如汉族的华丽绸缎，藏族的鲜艳色彩，少数民族的特色图案等等。
这些传统元素是设计师进行创作的灵感源泉，通过深入挖掘传统文化，将其融入到现代服装设计中，可以为作品增添独特的魅力。
要融合传统与时尚，设计师需要在材质和工艺上做文章。
传统的中国民族服饰多采用丝绸、棉麻等天然材质，而现代时尚则偏向于运用合成纤维等新型材料。
设计师可以尝试将传统的材质与现代材料相结合，打造出具有现代感的中国民族风格服装。
传统的手工工艺也是不可或缺的元素。
刺绣、提花、织锦等传统工艺都可以为服装增添独特的民族气息，同时也体现了传统工艺的精湛技艺。
设计师可以在服装上加入一些手工工艺元素，使其更具艺术感和民族特色。
设计师还可以从传统图案和色彩中汲取灵感。
中国传统的图案和色彩充满了文化内涵，如龙凤、云彩、山水等图案以及红、黄、蓝等色彩在中国民族服饰中都有着深远的意义。
设计师可以将这些传统图案和色彩运用到服装设计中，结合现代的剪裁和流行元素，打造出具有传统特色又不失时尚感的作品。
这种融合可以让服装更具有文化底蕴，也更加贴近时代潮流。
设计师还可以在款式设计上融入中西合璧的元素。
中国传统的服饰注重宽松、飘逸的款式，而现代时尚更偏向于修身、简约的设计。
设计师可以将传统的宽松款式与现代的修身剪裁相结合，在服装设计上取长补短，兼收并蓄，打造出兼具传统韵味和现代时尚感的服装款式。
传统与时尚的融合也需要设计师对时尚趋势的敏锐把握。
随着时代的发展，时尚潮流不断变化，设计师需要时刻关注时尚界的动向，将时尚元素与传统服饰相融合，创作出符合当下潮流的作品。
中国传统布艺技术与现代服装设计的交融
中国传统布艺技术与现代服装设计的交融中国拥有悠久的历史和独特的文化传统，这其中包括了丰富多样的布艺技术。
这些传统的布艺技术在现代服装设计中扮演着至关重要的角色。
本文将探讨中国传统布艺技术与现代服装设计的交融，以及这种交融对中国时尚产业的影响。
一、传统布艺技术的独特魅力中国传统布艺技术具有丰富多样的特点，如刺绣、染色和织造等。
这些技术融入了中国古代文化和审美观念，形成了独特的风格和质感。
传统的刺绣技艺以其精细、立体和繁复的特点而闻名。
染色技术则运用了天然植物、动物和矿石等材料，通过复杂的工序打造出丰富的色彩和图案。
织造技术则将不同材质和纹理相互交织，形成丰富的纹样和质感。
二、传统布艺技术在现代服装设计中的应用随着现代时尚产业的发展，越来越多的设计师开始将传统布艺技术融入到他们的作品中。
这种交融使得现代服装在保持时尚感的同时，不失中国传统文化的独特韵味。
例如，在设计的图案和细节上使用刺绣技艺，可以凸显服装的精致和高级感；而运用传统的染色技术可以打造出丰富多彩的服装色彩，为整体造型增添亮点；织造技术则可以使服装具备独特的纹理和质感，增加观众的视觉体验。
三、传统布艺技术与现代服装设计的融合对中国时尚产业的影响传统布艺技术与现代服装设计的交融不仅仅满足了人们对于时尚服饰的需求，同时也推动了中国时尚产业的发展。
首先，它为经典与创新的结合提供了契机。
通过传统布艺技术的运用，设计师们可以将传统元素与现代设计理念相结合，创造出独特的时尚品牌和风格，为中国时尚产业注入了新的活力。
其次，传统布艺技术的融合也提供了就业机会。
在这个过程中，需要专业的技术人才来执行传统技术并将其运用到现代化的服装生产中，这为相关行业的就业率提供了增长空间。
四、探索传统布艺技术与现代服装设计的持续发展为了保护和传承传统布艺技术，我们需要采取一系列措施。
首先，应该加强相关技术的培训和教育，以培养更多的专业人才。
其次，需要进一步推动传统布艺技术与现代科技的结合，以提高生产效率和产品质量。
传统与时尚融合的中国风格服装设计手法
传统与时尚融合的中国风格服装设计手法中国风格服装设计手法在传统与时尚融合中展现了独特的魅力，这一融合既保留了中国传统文化的精髓，又迎合了现代人的时尚需求。
下面将从细节、色彩、面料和剪裁等方面来探讨传统与时尚融合的中国风格服装设计手法。
细节是中国风格服装设计中的重要元素之一。
传统的绣花、刺绣、手工蕉桃等技艺常常被用于服装的装饰，细致的工艺和独特的图案增添了服装的艺术感。
设计师也会将传统元素与现代设计相结合，使用线条、图案等方式来呈现传统文化的精髓。
这样的设计手法让服装既具有中国传统的特色，又不失时尚感。
色彩的运用也是传统与时尚融合的重要手法。
中国传统文化中有丰富的色彩符号，如红色代表喜庆，黄色代表皇家贵族等。
设计师在设计中经常运用这些传统色彩，结合现代色彩，使服装既传递了传统的象征意义，又符合现代审美。
设计师还注重色彩的搭配，通过对比和和谐的运用，营造出独特的视觉效果。
面料的选择对于中国风格服装设计也至关重要。
中国传统文化中有许多有名的丝绸面料，如绸缎、缎子等。
这些面料质地柔软、光泽度高、透气性好，非常适合用来制作中国风格的服装。
而在现代设计中，设计师也常使用现代面料如聚酯纤维、弹力面料等，以增加服装的舒适性和适应性。
传统与现代面料的结合，让中国风格服装既富有传统特色，又具备了现代化的属性。
剪裁也是传统与时尚融合的重要手法之一。
传统的中国服装剪裁注重褶皱、宽袖、高领等特点，这些造型不仅符合中国传统审美，也很适合现代人的穿着习惯。
设计师会根据人体工学和时尚趋势进行改良，不仅增加了服装的舒适性，还注入了时尚元素。
设计师还会结合现代的剪裁技术，创造出独特的线条和版型，使服装更加时尚和具有商业性。
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中国传统手工艺如何与中国时尚比翼齐飞来源：周末画报据说Alexander McQueen当年为了寻找一块合适的绣片，曾众里寻他千百度才找到合适的绣娘，他为那一方小小绣片支付的价格是1000英镑：为绣娘的技艺，为手工艺的尊严。
中国传统手工艺是否同样能与起步中的中国时尚比翼双飞，甚至成为后者强有力的心脏起搏器？中国传统手工艺能否成为时尚新贵？CHANEL去年在XX黄浦江边上演的“Paris-Shanghai”高级手工坊系列至今话题未减，Karl Largerfeld对中国元素的理解虽然见仁见智，但CHANEL一如既往对于手工的和传统工艺的重视总是让人肃然起敬：旗下七家法国传统手工艺作坊(Metiers d’Art)均被奉为珍宝，绣坊的作品一定标明费去几百个小时的人工，纽扣坊的一粒包扣仿佛都能成为稀世传奇。
Hermès和Louis Vuitton更是从来都强调品牌对传统手工艺的传承，能打下如今的天下，一半是因为参透了“珍稀”这两个字的意义。
可惜的是，中国传统手工艺似乎永远面临的是两难的境地：传统技艺的保护，传统手工艺人的生存。
“传统”两个字代表的时间和心力，无法用机械化大批量生产创造的精致和独一无二，但如果没有等量等质的回报，没有长远性、建设性的发展方式，没有足够健康、成熟的体系去维护，很容易失去其核心价值。
在中国我们已经见过太多这样的例子：盲目而粗暴地“开发”某一种传统工艺，得一点传统的形，却留不下半点神，最后甚至沦为旅游景点粗制滥造的纪念品，景泰蓝便是一例。
苏绣努力维护其传统价值，又曲高和寡，多半只能做成屏风手绢等观赏品，时间胶囊般被束之高阁，工匠的社会地位、经济状况完全无法与他们的智慧及劳动付出成正比。
要留住传统的精髓，更要时时创新，传统手工艺契合上新时代的轨道，才能避免“博物馆”式的唯一结局。
去年，Lanvin的设计师Alber Elbaz以联合国官员的会谈为灵感，计划在非洲撒哈拉开展项目，将当地的手工技艺和面料融入品牌的设计中。
Diane von Furstenberg今年3月时在纽约举办了“世界女性”峰会，与会者包括Hillary Clinton、Meryl Streep以及来自尼日利亚和利比里亚的女性代表，讨论传统手工艺者的保护，也借此为品牌带来新的灵感。
中国传统手工艺是否同样能与起步中的中国时尚比翼双飞，甚至成为后者强有力的心脏起搏器？这一次，在著名音乐人朱哲琴与联合国开发计划署共同发起的“世界看见”项目中，人们亲历中国少数民族文化保护与发展亲善活动XX站，探访苗族的银饰、刺绣、蜡染等传统手工艺。
这是一场惊喜的“探宝之旅”：果不是亲身进入这些苗寨，亲眼目睹手工艺人的工作过程，我们也许无法想象留存在深山中的传统手工艺如此精妙绝伦。
但我们也看到，国家级、省级非物质文化遗产的传承人们往往还在为生活挣扎，即使他们自己努力维护祖先的技艺，也借此过上了小康水准的生活，但仍然鼓励下一辈“出去闯闯”，而不是继承祖业。
苗族只有语言，没有文字，他们用刺绣、蜡染、银饰记录，一个民族的历史和文化，就被他们穿戴在身上，代代相传。
时代巨轮滚滚向前，社会的改变翻天覆地，他们坚守的绝技也在寻找新的出路。
“世界看见”项目在媒体之外，也邀请了一些专家、设计师同行。
我们抱着同样的目的：用我们的眼和心去发现、发掘苗族传统工艺中与现代时尚结合的可能。
这次的大片拍摄是一种尝试，我们在苗寨当地即兴邀请人担刺任我们的模特，事先一切都完全无法预计，可Hermès的衬衫与苗族盛装在颜色上竟融为一体，传了祖孙三代的纯银凤冠方能压住CHANEL“Paris-Shanghai”高级手工坊系列的拼接刺绣连衣裙的华丽感。
我们忍不住感叹中与西、新与旧融为一体的惊艳效果，只要是真正的“美”，无论外表或者背景上有何等天差地别的不同，它们必然有能够互相沟通和契合的灵魂。
我们不仅仅希望世界能“看见”苗族传统手工艺，更希望有人能赋予它们更现代的生命，脱胎换骨，再生天地。
银匠全靠一双眼和一双手来打造美轮美奂的银器两个银匠的故事施洞镇是XX黔东南地区著名的银饰产地，我们拜访的塘龙村六十多户人家中有四五十家都做银饰，吴水根是其中最著名的银匠之一。
塘龙村和大多数苗寨一样，旧木屋里空空荡荡，不见年轻人的踪影—他们都外出打工去了，只留小孩和老人相伴。
吴水根家盖了新砖房，大厅里挂满了密密麻麻的奖状和照片，这几年里他在州里、省里的比赛中得了不少奖项，“多彩XX”的银质奖杯也定点由他制作。
一年他平均要用掉200多斤的银子，每天6点起床工作，直到凌晨1点休息，雷打不动。
吴水根的工作室非常简单，却堆满了精细入微的拉丝银饰半成品。
黔东南的苗族沿乌江、清水江等地分布，各个支系的银饰服饰各有特色，施洞银饰以“拉丝”闻名。
固体的块状银子熔化后倒入铁皮制的干槽后拉银丝，然后再捶打、煅烧。
“拉丝”是最基本的基本功，却最是费力费神，传统做法是将粗拉成条的银丝前段削细，穿入模具中，用火钳从另一端拉出，如此反复拉长拉细才能达到需要的规格，近几年有机器完成这一环节，才快好省起来。
这些都只是准备的部分：拉丝银器的关键在于“编”，银匠全靠一双眼和一双手，用一把小镊子将银丝编出各种图形来，纹路紧密细腻，造型流畅雅致，一只宽度为2厘米的手镯可由“蝴蝶妈妈”、“吉灵鸟”等图案连缀而成，仿若镂空深浮雕。
“编”之后的难点在于“焊”，直径不过1厘米的小蝴蝶有直径3毫米不到的圆脑袋，上面还要缀上两粒小银珠作立体的眼睛，焊粉多一分、少一点都不行。
之前焊接完全靠嘴吹竹管，焊完大一些的银器，第二天早上起来喉咙都哑了。
后来有了脚踩的气泵，近几年又多了火枪，才省去不少工夫。
吴水根原本一个礼拜只能做1只龙项圈，现在至少可以做6只。
吴水根是吴家第8代做银饰的，之前工艺传男不传女，秘不外传，他却开了先河，让女儿吴春秀成了第9代传人。
他技术好，村子里的人都来请教，他干脆收下七八个徒弟，开枝散叶。
儿子吴晓东在黔东南最好的中学念高三，小时候也学过银匠的手艺活儿，吴水根却并不建议他继承祖业，“这里念书的人不多，我希望他走出去闯闯。
”吴春秀是镇上出名的漂亮姑娘，绣花银饰的手艺都不错，父亲又是一等一的银匠，“姊妹节”游方时很出风头。
吴春秀的龙项圈是外婆传给妈妈的，父亲又为她重新做了银帽、添了手镯和项链，手帕上都缀了银角。
她的行头格外豪华，从上至下价值6万元有余—而一般姑娘的行头平均是2万元。
女婿杨文曾经在XX市做过餐饮、娱乐等生意，他的汉语比较好，跟着老丈人吴水根学做银器之外，也兼管经营。
家里辟了一间小屋子做柜台，从手镯耳环戒指到银帽吊锁项圈，一应俱全。
每年11月到次年二三月是银器销售的高峰期，他们家能有两三万元的收入。
吴水根去年注册了公司，名为“XX台江吴水根民族银饰”，但至今没有设计出LOGO来，只在大件上刻上“吴水根”三个字。
“我们的东西是比别人贵，但别人都认我们的工艺。
苗家银饰基本上是一些固定的图案，没有样板可以参照，就看银匠怎么设计、怎么画。
我们改良了许多传统图案，让它们看起来更生动、现代一些，往往刚做出来就有人模仿。
的确，只有我们想不到的，没有我们做不到的。
”但吴水根还没有走到更远的打算。
“主要的客人还是当地的苗族人。
我们也有、XX的客人来定做，但他们往往只买一些吊坠、手镯之类的小件，苗族全套的银器才是我们的重点。
这样从早忙到晚，还是供不应求，订单从来不会断。
”说完，吴水根又钻进他的工作室里。
他今天的工作刚刚开始。
施洞之外，黔东南最出名的银器产地当属雷山。
我们去了著名的传统银匠村控拜，山那边不远处便是麻料村，同样以银匠闻名。
“但控拜一定是‘祖宗’”，李正文颇为骄傲地说，“这里垄断了70％的雕刻银饰，鼓藏节一到，大家都来控拜求银器。
”雷山与施洞不同，主攻雕刻银器。
银块熔化后倒入模具，初步成型后再细细敲打成型，精工与否，便在乎银匠的手势和心思。
基本工序分为熔银、捶打、开片、倒模、压模、篆刻、编丝、清洗、组合等，最复杂的银帽要经过120多道工序才成。
李正文在女儿12岁的时候就做好了她出嫁用的银帽：上面缀了60朵立体银花，又雕满不同花鸟鱼虫，花了他10多天的工夫—而以他的熟练程度而言，平时一天就能做出一顶银帽来。
李正文家7代都是银匠，他高中毕业后才开始学习银饰工艺，比一般人晚许多，但他27天就出师，几乎创造了一个纪录。
“我学到的都是最基本的东西，与其说‘学’,不如说‘偷’,偷的是构思和方法。
我曾五天五夜不睡觉，把东西熔了再做，做了再熔，直到满意为止。
”李正文如今是雷山最好的银匠之一，他的新家里陈列了种种奖状证书，粗粗一扫，便有“控拜银匠协会副理事长、主席”、“雷山县首批民族民间银匠师”、“省级非物质文化遗产项目‘苗族银饰制作技艺代表性传承人’”等等。
雕刻银器的关键在于模具。
模具以松香为原料，加入锅灰、水银、青石、蜂蜜等材料后熔软成型，用硬锡倒模后，需要重新制模。
模具的图形样式有祖传的，也有银匠新创造的，李正文攒了一辈子各种模具的造型，他说，所有的图案都在他自己的心里，“就算有变化也不能离传统太远，外面的东西只能吸收进来参考参考，离开了我们苗家的环境，就不成型了”。
最难打的作品之一是牛角。
苗族同样崇拜龙，但龙生牛角，西江苗一带的女人盛装时头上也插银质雕花牛角。
李正文让在XX读大学的二儿子李建松暑假回家学手艺，“但将来是不是继承家业，以后再说”。
李建松的手艺突飞猛进，XX打了几十年牛角的师傅来请教李正文，发现还不如初出茅庐的李建松敲得平整。
“将来他如果不跟我学，也可以再找别的师傅。
线条是不是流畅、创意是不是好，只能靠他自己慢慢磨。
”雷山的县城上有一条新建起的“银匠街”，雕花大门还散发着新木的香气，李正文将来的门店就会在此开X。
“大概还需要一两年左右才会成规模。
雷山政府也希望‘银匠村’能更具声势。
”李正文空手在木墩上拗起银条来，“我们都是祖宗传下来的方法，现在做什么都觉得非常简单，我们也想再发展其它的产品，但雷山这里的订单已经供不应求。
我们不知道如何可以不一样、如何做得大些。
”苗族乃至更多中国传统手工艺人们能否登上世界的时尚舞台？苗族手工艺的将来XX是黔东南地区最大的城市，苗族、侗族混居，连公共汽车站都造了侗族宝塔的尖顶，特色赫然。
XX最出名的银店叫“仰阿萨”，取苗族传统文化中“清水姑娘”之名，另一家叫“苗妹”，两家都以连锁店铺的方式经营，走进去只见一片银器白花花闪到耀眼，上好的拉丝戒指和手镯都堆在长方形的塑料盒子里，任顾客挑选。
他们也分别在网上开了网店，支持支付宝，只是主页上的产品介绍并无太多专业性可言，有些照片甚至失焦。
在店里端详一只售价30元的蝴蝶拉丝戒指时，我不免想，这样的工艺、这样的产品若是放在XX、的专卖店里，标签上的数字多一个“0”实在是不过分的。
手工艺人几乎用上一辈子的心血力气精雕细磨出的作品，在深山里耀眼夺目，在城市里也一样能流光溢彩。