标题音乐与无标题音乐

标题音乐与无标题音乐

标题音乐与无标题音乐

标题音乐是以文字或标题阐明作品思想内容的器乐作品。其渊源可上溯至十六世纪以前。十九世纪上半叶标题音乐因欧洲浪漫派音乐家的提倡而盛行。标题音乐的名称也于此时产生。重要作曲家有:柏辽兹、李斯特等。

标题音乐比起无标题音乐来,由于它的表现力的尖锐性和生动的音乐形象更易于被广大群众所了解,因此它在器乐作品中占有很重要的地位。

无标题音乐这类器乐作品没有指示乐曲具体内容的文字标题,而只用曲式名称如:“奏鸣曲”、“赋格”、“变奏曲”等作为曲名,或用乐器体裁名称如:“前奏曲”、“练习曲”、“小步舞曲”等作为曲名。由于同名的乐曲很多,为了有所区别,就加上乐曲的开始调名,例如""C大调奏鸣曲"、"e小调交响曲",或者再加上作者创作此种体裁的作品的编号,例如莫扎特《第四十交响曲》,李斯特的《匈牙利狂想曲第二号》,肖邦的《夜曲--作品第九号之二》等。

无标题音乐在创作时,没有用音乐来反映客观现实的意图,而只求通过音乐艺术来抒发某种主观情绪,表现某种精神意境,甚至主要着重音乐艺术本身的音响美和形式美的追求与体裁风格特征的体现。因之很难加上名副其实的文字标题。有的作者不愿借助于文字标题来说明乐曲的内容,而只希望欣赏者自己去心领神会。所以只以曲式名称或音乐体裁的名称作为曲名,而不设标题。

“绝对音乐”与“标题音乐”间的美学纷争-文档资料

“绝对音乐”与“标题音乐”间的美学纷争 在曼海姆乐派巴黎凯旋之前,甚至最有教养的人也贬低器乐作为“绝对音乐”的审美价值,将其斥为无生命的噪音和空洞的音响。卢梭随意的称器乐为“垃圾”。除非附上易懂的节目单说明,否则,器乐绝没有雄辩诉说的能力, “实际上简直就是无话可说”。 所以,在18世纪约翰?马特松的《完美的乐正》论著中,宣称器乐是乐音的语言、声响的修辞,这就是一种辩护。在马特松看来,器乐与声乐在目的上是没有区别的,“令心灵激荡澎湃,如此美妙的听觉快意”,只是在手段上存在差异。马特松为绝对音乐投入了更多的热情。没有语词的帮助,这需要更多的艺术和更强大的想象力才能企及这样的生就。 关键的问题在于,如何在无词的情形下让音乐同样具有雄辩有力的效应。不论是马泰松的修辞说,还是巴托的模仿论,都旨在为“器乐作品有雄辩的力量”这一观点提供帮助,为“绝对音乐没有(明晰的)意义”辩护。 面对18世纪冯特奈尔“奏呜曲,你究竟要我怎样?”提法的挑衅,赫尔德说,“那些斥责音乐艺术本身,觉得音乐百无一用的人,最好不用对音乐妄加评论,最好离开音乐”。他对于康德的回应同样激烈,认为任何人如果将脱离于语词和身体姿态的独立音乐看作是空洞的游戏,那么,他要么是耳聋,那么就迟钝。

但是听众往往还是依赖熟悉的美学观念,在贝多芬的交响曲中寻找含糊的文学性的内容。 达尔豪斯敏锐的指出了绝对音乐与其所处学术环境之间的 关系――音乐理论与实践的脱节:19世纪的哲学家是音乐的门外汉,在接触这个专业时怀着复杂的情感。他一方面尊敬音乐家的艰深的专业知识,另一方面又怀疑音乐家在文化方面太受局限。于是对器乐持怀疑态度。业余分子因觉得掌握了艺术精神而感到洋洋得意,因对技术和低级手艺的贬低而感到自命不凡。 黑格尔体系认为,器乐是不完全的,需要语词方能达致完整。因为“心灵就其本性和本能而言,就疏远模糊和混乱,趋向明确和清晰”。依据黑格尔体系的美学家认为,“只有指向明确无疑的客体时,感情所有的丰富宝藏才会绽开展现”。 同时,达尔豪斯也指出了黑格尔美学观在“绝对音乐”这一问题上的辩证价值。“当音乐成为音乐时,作为艺术便趋于丧失――当音乐成为音乐时,作为艺术便趋于丧失”。可以说,在音乐性与艺术性这个问题上,黑格尔是留有余地的,绝不是僵化凝结的教条。 同样,康德也因为音乐是空洞的声响和缺乏实质而怀疑其作为艺术品而存在的价值。但是他也认为只有无词的器乐才代表了真正的、纯粹的、自足的音乐。在此书的第五章――艺术判断和趣味判断中,康德就指出:一旦音乐加入语词,它就丧失了自己的特征,从享乐升华为了文化,而音乐在其则沦为了配角。

音乐的标语

音乐的标语 导读:本文是关于音乐的标语,如果觉得很不错,欢迎点评和分享! 1、乐学,乐享,乐音致远。 2、用音乐歌唱青春,用心灵创造生活。 3、弘扬乡村音乐艺术,促进民族文化发展。 4、有音乐,灵魂便不会寂莫,用美妙的音符,编出灿烂的人生乐章。 5、舞是乐之心,乐为舞之声。 6、用美妙的音符编出灿烂的人生乐章。 7、律动地球村,情聚张家界。 8、音乐应当使人类的精神爆出火花。 9、歌声的童年,七彩的世界。 10、打造国际化旅游目的地,缔造世界级旅游精品。 11、提质张家界,打造升级版。 12、流行之中,只读音乐。 13、跳动的音符放飞的歌声。 14、用音乐打开想象的闸门。 15、让时尚随音乐律动。 16、音符是人类最美的文字,音乐是人类最美的语言。 17、最年轻的城市,最有活力的音乐节。

18、美在这里诞生。 19、品艺术,精彩人生;庆银禧,活力澳门。 20、童心名曲悠扬的歌声。 21、音乐是全世界的营养大餐。 22、音乐,是净化心灵的阶梯。 23、梦想音你更精彩! 24、音乐是比一切智慧、一切哲学更高的启示。 25、你把生命旋律给了我,我用理想把他谱成一首歌。 26、让音乐遨游世界,让世界充满魅力。 27、跳跃的音符,畅想的源泉。 28、没有音乐,人生将是一场错误。 29、触动音乐传心扉,铸造银禧誉全城。 30、音乐可以陶冶人的情操。 31、聆听,最美丽的音乐;倾听,最唯美的境界。 32、音乐,人类永恒的主旋律。 33、用音乐展出你的个性,演绎你的精彩。 34、世界的自然遗产,我们的乡村音乐。 35、音乐使一个民族的气质更高贵。 36、音乐无国界,快乐无极限。 37、用音符传播新气象,以歌声展现真精彩。 38、我把欢乐注进音乐为的是让全世界感到快乐。 39、醉美音乐节,精彩不停歇。

贝多芬音乐中的标题音乐元素

贝多芬音乐中的标题音乐元素 贝多芬是跨越两个世纪,连接古典乐派和浪漫乐派的音乐巨匠。在贝多芬的作品中,充分反映了前辈的成就,诸如亨德尔音乐的英雄性、群众性因素与巴赫深邃的哲理性和宏伟的气魄。如果从音乐风格的历史演变来看,他的创作从形式、体裁到风格都承袭了以海顿、莫扎特为代表的古典主义风格,具有音乐逻辑感、均衡感和以动机为基础材料构建“宏伟大厦”的方法。由于社会变革和自身的才能,贝多芬极大的发展和改变了古典音乐的风格。他一共写了七部器乐协奏曲,其中有五部钢琴协奏曲,一部小提琴协奏曲,一部小提琴、大提琴、钢琴三重协奏曲。在这些作品中除了第一、第二钢琴协奏曲属于他早期的作品外,其余都是他在创作成熟时期所写的作品。他的这些协奏曲无论在形象的生动丰富、规模的宏伟,以及构思的严谨集中方面都可以和他的交响乐相媲美。协奏曲为贝多芬提供了一种大众喜爱的形式。最流行的是《D大调小提琴协奏曲》和他的第三、第四、第五钢琴协奏曲。本文将重点介绍他的D大调小提琴协奏曲第一乐章。 在西欧古典派前期的大多数作品,都没有给曲调标示题目,它们直接叫作《第×号奏鸣曲》、《第×号弦乐四重奏》、《第×交响乐》等。这种音乐,称“无标题音乐”或称“绝对音乐”,这种音乐并不因为没加“标题”就没有它内在的艺术内容。相反,它们的音乐感情不是用语言(文字)来直接表达的,它是以美的音响组合来使人们得到感受的;它不借助于文字提示,完全由音乐本身来抒发情感。正如诗人哥德所说,“音乐是流动的建筑,建筑是凝固的音乐”,就是指这种“绝对音乐”而言。 西欧音乐作品使用标题来提示、说明曲调内容的,首先是贝多芬。贝多芬的《第六交响曲》便是著名典型,它标明《田园》,而且五个乐章又各有文字说明。第一乐章:“初到乡村时被唤起的愉快的心情”;第二乐章:“溪边景色”;第三乐章:“农民快乐的聚会”;第四乐章:“雷电、暴风雨”;第五乐章:“牧歌,暴风雨过后欢乐、感恩的心情”。这部交响乐的艺术内容就与它的标题相符合。但我们不能把它看成是自然主义的模仿或者是简单的音画。1809年3月贝多芬给出版商的信里说:“F大调交响曲的标题是:田园交响曲或乡村生活回忆,感受的表现多于绘画。”可见,标题音乐和图画不同,它着重表现人的精神世界,抒发人对生活和自然现象的感受,从而反对了庸俗的自然主义手法;它是高级的音乐文学化。 总之,音乐的标题有其深刻的、重要的艺术意义,我们对这种音乐的理解,正如贝多芬所说的那样:“各种情景应由听众自己去聆听。”

最全音乐术语

最全音乐术语

音乐术语大全 一:速度 1.慢速类 Lento 约=52 慢板 Adagio 约=56 柔板 多用于奏鸣曲中段乐章和浪漫派乐曲抒情乐章2.中速类 Andante 约=66 行板 Moderato 约=88 中速 多用于奏鸣曲中段乐章和浪漫派乐曲抒情乐章3.快速类 Allegretto 约=108 小快板 Allegro 约=132 快板 Presto 约=184 急板 多用于奏鸣曲1.3乐章和练习曲等 4.速度变化类 rit 渐慢 tempo rubato 自由速度,但总时值符合基本速度(这就是肖邦作品中最难的东西) a tempo 回原速 piu mosso 稍快 meno mosso 稍慢

二.力度 1.强和弱 pp 很弱 p 弱 mp 中弱 mf 中强 f 强 ff 很强 sf 突强(贝多芬的典型标记)2.力度变化 dim 渐弱 morendo 逐渐消失 cresc. 渐强 sempre 始终,一直保持 三.表情 dolce 柔和地 espress. 有表情地 cantabile 歌唱地 grazioso 优美典雅地 mesto 忧郁地.悲伤地 dolendo brillante 辉煌地,炫耀地

appass. 热情地,激情地 scerzando 诙谐,风趣地 leggiero 轻巧地 四.奏法 legato 连奏 nonlegato 非连奏 stace. 断奏,跳音 gliss 刮奏 五.踏板 ped 踏板 senza ped 不用踏板 u.c. 左踏板 trec. 中踏板(只有三角钢琴的中踏板在演奏中才有用处) 六.其他 major 大调 minor 小调 tema 主题 m.d. 右手 m.s. 左手 tr. 颤音 tremolo 震音

与音乐有关的句子及名言.

与音乐有关的句子 音乐,人类的灵魂,只有懂得音乐的人才懂得生活。 The music, the soul of man, and only know music talent understand life. 音乐是我疗伤最好的药,没有谁能陪我走过悲伤的海。 Music is the best medicine to heal me, no one can accompany me to pass through the sea of sorrow. 习惯一个人的音乐,一个人的音乐是心灵最深处地呻吟。也许只有自己才听得懂,可是却依然希望自己听的音乐能把周围和未来打动。 Habits of a person's music, a person's music is the mind most deep place groan. Perhaps only then own only then to understand, but I still hope that their music can move around and future. 尘缘中琴声,月皎波澄。人们神怡心旷之际,耳边一阵微风忽起伏。远远传来缕缕琴声,悠悠扬扬,一种情韵却令人回肠荡气。虽琴声如诉,所有最静好的时光,最灿烂的风霜,而或最初的模样,都缓缓流淌起来。而琴声如诉,是在过尽千帆之后,看岁月把心迹澄清,是在身隔沧海之时,沉淀所有的波澜壮阔。在懂得之后,每一个音符下,都埋藏一颗平静而柔韧的心灵。 In the month of May, the white wave yellow. People feel fresh as a breeze and the ups and downs, ear. Far from the long strands, swirl, a charm is soulstirring. Although Moderato Cantabile, all the static good time, the most splendid of the wind, or the original appearance, all flowing slowly up. And Moderato Cantabile, after thousand years, see the imprint to clarify, in every sea, precipitation all surge high and sweep forward. In it, each note, all buried in a calm and flexible mind. 与音乐有关的名言 音乐教育并不是音乐家的教育,而首先是人的教育。 ——苏霍姆林斯基 对美的感知和理解是审美教育的核心,是审美的要点。 ——苏霍姆林斯基 欣赏音乐,需要有辨别音律的耳朵,对于不辨音乐的耳朵说来,最美的音乐也毫无意义。 ——马克思 通过音乐并在音乐中教育我们的孩子 ——(英)海伦.辛普森 没有音乐,生命是没有价值的。 ——尼采 没有早期音乐教育,干什么事我都会一事无成。 ——爱因斯坦

音乐与心灵

音乐与心灵 ---- 西方古典音乐赏析 一、音乐是最高的艺术 音乐似乎有神秘性,但我们在儿时最早接触的艺术,就是音乐,我们从儿歌中得到真实的欢乐。 对音乐之本质的思考,是一个古老难题—— 《论语·述而》:“子在齐闻《韶》,三月不知肉味,曰:‘不图为乐之至于斯也’”。 《乐记》:情动于中,故形于声;声成文谓之音。 《红楼梦·第九十三回》: 宝玉云:声音之原,不可不察。诗词一道,但能传情,不能入骨。 黑格尔: 如果我们一般地可以把美的领域中的活动看成是一种灵魂的解放,一种摆脱一切压抑和限制的过程----因为艺术通过供观照的形象可以缓和最酷烈的悲剧命运,使它成为欣赏的对象----那么,把这种自由推向最高峰的就是音乐了。 二、西方古典音乐在人类音乐史上的地位 西方古典音乐: 从17世纪(以1600年歌剧诞生为标志)的巴洛克音乐开始,代表人物是巴赫和亨德尔;经过古典主义和浪漫主义两大阶段,终止于19世纪末20世纪初出现的印象派音乐(代表人物是德彪西)。 在这三百五十年时间里的欧洲近代音乐,通常被称为“西方古典音乐”。 近代欧洲对人类的音乐艺术的贡献: 通过近代欧洲民族,人类的音乐达到了真正的自主地位,摆脱了对于宗教的仆从的地位,也摆脱了对于舞蹈和文学这些艺术门类的附庸的地位,其中,无标题音乐是典型代表。 但西方古典音乐作品,与中国听众对它们的审美接受之间,还是有相当大的距离。其中最突出的是无标题的纯器乐作品。

纯器乐的神秘性: 不依赖于歌词的音乐,倘若更无标题,则无法从中指认任何故事或现实事物。 在欧洲,17世纪之前,器乐附从于声乐。17世纪后,有两个因素使得器乐逐渐获得主导地位,一是乐器制作技术的提高,一是歌剧的兴起对器乐作品的创作提出了很高的要求。 纯器乐的发展,极大地打开了音乐艺术的表现范围与表现深度,以致,西方的声乐后来竟追随了器乐的发展,力求在歌唱中达到器乐的境界。 [例:贝多芬的《D大调小提协奏曲》第二乐章之美,是我们无法言说的。] 西方古典音乐是一个伟大的艺术宝库,我们没有理由错过它。 三、我们从无标题音乐中听到什么? 门德尔松: 人们时常埋怨音乐是这样的模糊,听音乐时,简直不知如何去想才好。但每个人对文学总是能够理解的。不过,对我来说,一首我所喜爱的乐曲所传达给我的思想和意义是不能用语言来表达的。这不是因为音乐不够具体,而是因为它太具体了。因此,我发现:每当我试图用文字或语言来说明一段音乐时,好像是说过了,但又好像说得都不能令人满意。 [例如,我们从莫扎特的长笛与竖琴协奏曲中听到了什么? 我在此,可以勉强地用秦观的词作:自在飞花轻似梦,无边丝雨细如愁。 这其实是用另一类艺术的作品来说这一类艺术的作品的意境,这并不是解释,而是启发。] (1)音乐不能直接再现现实 在音乐作品中有无客观的现实内容?这是一个音乐哲学中的基本问题。 音乐无法直接描写外部现实事物,但能把人对现实事物的内心感受的特征与节奏表现出来。而我们在聆听作品时,凭借我们自己本有的生活感受和想象力,就能仿佛看到了音乐对外部事物的描写。 贝多芬关于自己的《田园交响曲》曾说过的话: “只要对乡村生活有一点体会,就不必借助许多标题而能想象出作者的意图。” “这不是绘画,而是表达乡间的欢乐在人心所引起的感受。” (2)何为“对音乐的理解”? 听音乐,其实就是去听被有意识地组织起来的天籁。 音乐乃是“言之余”。

音乐四要素

有四种基本要素:节奏、旋律、和声和音色。这四种要素是作曲家创作的素材,听音乐的人如果不能在一定程度上对错综复杂的节奏、旋律、和声及音色有相当的认识,要想对音乐内容得出一具比较完整的概念,几乎是不可能的。 一、节奏与节拍 节奏包括节拍(metre)和速度(tempo)两个概念,前者是指音乐规律性的强弱交替的运动,即拍点的组合,后者是指这种律动的速率。 节拍是按拍号要求相隔一定时间反复出现重音的模式,或者说,它是固定的强弱音循环重复的序列。每一种节拍都由时值固定的单位构成,这种节拍单位叫做拍子(time)。拍子的时值可以是四分音符、二分音符,也可以是八分音符。节拍通常用分数来标记,分子表示每小节中单位拍的数目,分母表示单位拍的音符时值,例如2/4,它的含义是"每小节有两拍,每拍是四分音符",或简单地说"每小节有两个四分音符"。下面是一些常见的拍子:偶数类,有2/2(每小节有两个二分音符)、2/4、4/4、4/8(每小节有四个八分音符)等,这些偶数节拍是对称的,带有行进的特点;奇数类,有3/2(每小节有三个二分音符)、3/4、3/8、6/4、6/8、9/8等;它们听上去带有旋转性,因此常常和舞曲有关。在乐谱上标记节拍的方法,除了上面这些2/4、3/4以外,还有小节线,这短短的垂直线,将音符隔成一个个有规律的强弱交替的单位,看起来很直观。通常小节线后面的第一拍是强拍,如2/4,这是进行曲常见的节奏,它是一强一弱的交替,而3/4,如圆舞曲,则是一强两弱的交替。假如拍数超过三个,则会出现两个不一样的强拍,如4/4,是强-弱,次强-弱;6/8,是强-弱-弱;次强-弱-弱。实际上这只是一种节奏概念,音乐还可以不是这样的,除去民间音乐中自由的形态不算,许多作曲家为了给人以新鲜感,偏偏要打破节奏中的规律性,在该出强拍的地方闪过去不出现,而在弱拍位置却重重地来一下子,让听者出乎意料。请听Stravinsky作于1913年的芭蕾舞音乐《春之祭》。 这部舞剧描绘的是史前人原始祭祀的情景,其疯狂而野蛮的音乐风格曾让人大为愤怒,甚至引起了音乐史上空前绝后的剧场骚乱。 速度是指节拍的速率。它大致可以分为三大类:慢、快和适中。速度术语一般记在乐谱开头,它大多是意大利语(也有时采用本国语)。常用的速度标记如下: 慢速类: Large 广板 Grave 非常缓慢庄严而缓慢 Lento 慢板 Adagio 柔板 中速类: Andante 行板 Andantino 小行板 Moderato 中板 快速类: Allegretto 小快板 Allegro 快板 Allgero molto 很快的快板 Vivace 活泼的、轻快的 Presto 急板 Prestissimo 最急板 速度是音乐节奏的一个重要内容。同样是三拍子,用快速,会给人以活泼明快的感觉,而用慢速,就会获得优雅、闲适的效果。通常快的节奏是比较令人兴奋的,它和我们激烈运动时的心跳、呼吸相对应,而慢的节奏则使人心态平和,情绪稳定。一股地说,表现激动、兴奋、欢乐、活泼的情绪,是与快速度相配

有关音乐的名人名言

◆音乐使一个民族的气质更高贵。———福楼拜 ◆音乐应当使人类的精神爆发出火花。———贝多芬 ◆音乐是比一切智能、一切哲学更高的启示。谁能渗透我音乐 的意义,便能超脱寻常人无以自拔的苦难。——贝多芬 ◆音乐,是人生最大的快乐;音乐,是生活中的一股清泉;音 乐,是陶冶性情的熔炉。———冼星海 ◆不同生活接触,不能为其生活的创作;不锻炼自己的人格, 无由产生伟大的作品。——聂耳 ◆生活的苦难压不垮我。我心中的欢乐不是我自己的,我把欢 乐注进音乐,为的是让全世界感到欢乐。 ——莫扎特 ◆人们认为:我的艺术创作是轻而易举得来的。这是错误的。 没有人像我那样在作曲上花费了如此大量的时间和心血。没有一位大师的作品我没有再三地研究过。——莫扎特 ◆音乐是思维着的声音。——雨果 ◆音乐是属于群众的,这是人人有份的。——威尔第 ◆音乐教育并不是音乐家的教育,而首先是人的教育。 ——苏霍姆林斯基 ◆乐之入人也深,其化人也速。 移风易俗、莫善于乐。 大声不入里耳、曲高和寡。

兴于诗、立于礼、成于乐。 德者,性之端也;乐者,德之乐也。 凡音之起,由人心生也,人心之动,物使之然也。 ———古人 ◆音乐是上天给人类最伟大的礼物,只有音乐能够说明安静 和静穆。———柴科夫斯基 ◆音乐之目的有二,一是以纯净之和声愉悦人的感官,二是 令人感动或激发人的热情。———罗杰·诺斯 ◆拥有音乐,对人的一生而言已然足够,但是,只用有限的 一生去拥抱音乐,是不够的。———拉赫玛尼诺夫 ◆音乐与音符并没有任何关系,音符不过是传达音乐实体的 媒介物而已。———柴利毕达克 ◆音乐只对安宁的心境具有魅力。———蒲柏声 ◆留神细听所有的民歌,因为它们是最优美的旋律的宝库。 它们会打开你的眼界,使你注意到各种不同的民族性格。 ———舒曼 ◆艺术正如生活那样,他是无穷无尽的。因此......也不可能 有什幺能使我们认为:还有比本身就是时代的海洋的音乐更美好的东西。———罗曼.罗兰 ◆音乐是一种语言,它能确切地反映个人和人民的精神品 质。——艾涅斯库

纯音乐与标题音乐

我们所说的“纯音乐”,专指音乐史、音乐美学术语上的含义:“绝对音乐指纯音乐,跟音乐自己以外的事物无关,尤其跟其他艺术门类不发生联系,也就是说,不企图使语言的形式和内容变成音乐,不企图模仿、描画或摹绘抽象物与具体物,不企图描述或表现情绪或情感,而且也不管时间、地点和场合。这样,具有自己的法律的音乐,与它的存在和表达,就建立在音乐的形式和格局这样一种自律的基础上 如何定义纯音乐?不管如何定义恐怕都难与标题音乐作对应比 较? 这个“纯音乐”(或曰“绝对音乐”),是相对于“标题音乐”而言的--这也是最通常的一种看法。在浪漫派音乐产生之前,我们似乎并不需要这两个词。尽管我们也能从古典、巴洛克,甚至更早期的音乐中找到一些可以界定为“标题音乐”的作品,但浪漫派之前的作品基本上可以归属于“纯音乐”。“纯音乐”概念的形成和被明确,应该和“标题音乐”的出现紧密相连。我曾以为这个说法最早出自于奥地利著名音乐批评家汉斯立克。我在他的名作《论音乐的美》中不仅看到这样的句子:“只有器乐才是纯粹的、绝对的音乐”,而且他在书中详尽论述了纯音乐(即他所推崇的音乐)的内涵和美学价值。后来才知道这个词可能更早地出现于他的宿敌瓦格纳的一部著作(当时他用的是“绝对音乐”一词)。作为勃拉姆斯、瓦格纳同时代的人,汉斯立克是纯音乐的坚决支持者,而勃拉姆斯与瓦格纳正好是浪漫派时期两大阵营中的两个重要代表。

对于“纯音乐”和“标题音乐”,如果我们用的是英文表述,可能不容易产生某些误解或歧义。“纯音乐”被称为Absolute Music,所以也叫“绝对音乐”;“标题音乐”则叫做Programme Music。注意,不是Music with Title,而是用的“Programme”一词。这个词与其说是“标题”的意思,不如说倾向着“纲领”的含义。所以我们不能(由中文表述)顾名思义地认为“标题音乐”指的是带有“标题”的音乐。对于“Programme”,“标题音乐”的代表人物李斯特曾有过一个很明确的定义:“作曲家写在纯器乐曲前面的一段通俗易解的话,作曲家这样做是为了防止听音乐的人任意解释自己的曲子,事前指出全曲的诗意,指出其中最主要的东西。”所以,一些看上去有着明显“标题音乐”标题(这当然首先排除了那些只说明调性调式和体裁形式的标题)的作品,从严格意义上并不能划到“标题音乐”当中去。比较典型的就是您提到的勃拉姆斯的那首著名序曲:《学院节庆序曲》,还有它的姐妹篇《悲剧序曲》。它们与门德尔松的《芬格尔山洞》及柴科夫斯基的《一八一二序曲》这样的标题音乐的代表作是完全不同的。尽管它们都属于“音乐会序曲”,但前者的标题充其量只是暗示了一种气氛、色彩或情绪,后者却可能与文学、民间传说或历史事件相关联,明显地强调描绘性。倒是有将勃拉姆斯的《学院节庆序曲》和《悲剧序曲》归类为性格序曲的,大抵指的也是上面所说的意思。 我觉得如此说来标题音乐不该成为纯音乐的对应物,因为那标题不是音乐作品本身,而只是一种前置性的解读。其作品本身还是符合

[整理]音乐有四种基本要素

[整理]音乐有四种基本要素 音乐有四种基本要素:节奏、旋律、和声和音色。这四种要素是作曲家创作的 素材,听音乐的人如果不能在一定程度上对错综复杂的节奏、旋律、和声及音色有相当的认识,要想对音乐内容得出一具比较完整的概念,几乎是不可能的。 一、节奏与节拍节奏包括节拍(metre)和速度(tempo)两个概念,前者是指音 乐规律性的强弱交替的运动,即拍点的组合,后者是指这种律动的速率。节拍是按拍号要求相隔一定时间反复出现重音的模式,或者说,它是固定的强弱音循环重复的序列。每一种节拍都由时值固定的单位构成,这种节拍单位叫做拍子(time)。拍子的时值可以是四分音符、二分音符,也可以是八分音符。节拍通常用分数来标记,分子表示每小节中单位拍的数目,分母表示单位拍的音符时值,例如2/4,它的含义是 "每小节有两拍,每拍是四分音符",或简单地说"每小节有两个四分音符"。下面是一些常见的拍子:偶数类,有2/2(每小节有两个二分音符)、2/4、4/4、4/8(每小节有四个八分音符)等,这些偶数节拍是对称的,带有行进的特点;奇数类,有3/2(每小节有三个二分音符)、3/4、3/8、6/4、6/8、9/8等;它们听上去带有旋转性,因此常常和舞曲有关。在乐谱上标记节拍的方法,除了上面这些2/4、3/4以外,还有小节线,这短短的垂直线,将音符隔成一个个有规律的强弱交替的单位,看起来很直观。通常小节线后面的第一拍是强拍,如2/4,这是进行曲常见的节奏,它是一强一弱的交替,而3/4,如圆舞曲,则是一强两弱的交替。假如拍数超过三个,则会出现两个不一样的强拍,如4/4,是强,弱,次强,弱;6/8,是强,弱,弱;次强,弱,弱。实际上这只是一种节奏概念,音乐还可以不是这样的,除去民间音乐中自由的形态不算,许多作曲家为了给人以新鲜感,偏偏要打破节奏中的规律性,在该出强拍的地方闪过去不出现,而在弱拍位置却重重地来一下子,让听者出乎意料速度是指节拍的速率。它大致可以分为三大类:慢、快和适中。速度术语

音乐名词解释

音乐名词解释 玛祖卡波兰民间舞曲,中速或快速,三拍子,节奏带有附点,强拍常处于第二或第三拍上。肖邦创作的玛祖卡舞曲最有特色,分为两类,一是描写波兰乡村生活,二是对祖国的怀念。 波兰舞曲产生于波兰宫廷的舞曲,具有庄重、华丽的贵族音乐特征,多为三拍子肖邦创作的波兰舞曲是他表达伟大爱国热情的一种重要体裁,结构多为三部曲式。 圆舞曲起源于奥地利的一种民间三拍子的舞蹈,分为快步和慢步两种。十七、八世纪流行于欧洲各国,速度一般为小快板,重音在每小节第一拍,伴奏时每小节用一个和弦,二、三拍的时值一般要短一些。 波莱罗(bolero,西)西班牙舞曲,三拍子,稳定的中速,用响板敲击具有特性的节奏。拉威尔的管弦乐《波莱罗舞曲》是最著名的作品,肖邦也写有这种风格的钢琴曲。 狂想曲一种技术艰深且具有史诗性的器乐曲。原为古希腊时期由流浪艺人歌唱的民间叙事诗片断,十九世纪初形成器乐曲体裁。其特征是富于民族特色或直接采用民间曲凋,如李斯特的19首《匈牙利狂想曲》拉威尔的《西班牙狂想曲》等。 回旋曲是由相同的主部和几个不同的插部交替出现而构成的乐曲。它有两种基本的类型,单主题的和对比主题的。前者的各个插部是主部的展开,而后者的各个插部则是和主部相对比的新主题,插部相互之间又形成鲜明的对比。也有些回旋曲是把两种类型结合起来,其中一些插部是单主题的,而另一些插部则是对比主题的。回旋曲起源于古代欧洲民间的轮舞歌曲。 戏曲是我国特有的一种综合性舞台艺术形式,包含音乐、舞蹈、文学、诗歌、武术、杂技、舞美等中国民间传统的艺术形式。 舞剧以歌唱为主要表现手段,将音乐,戏剧,文学,舞蹈,舞台美术等融为一体的综合性表演艺术,以歌唱为主。 协奏曲音乐体裁的一种。十六世纪指意大利的一种有乐器伴奏的声乐曲。十七世纪后半期起,指一件或几件独奏乐器与管弦乐队竞奏的器乐套曲。巴罗克时期形成的由几件独奏乐器组成一组与乐队竞奏者称为大协奏曲。古典乐派时期形成的由小提琴、钢琴、大提琴等一件乐器与乐队竞奏的控协奏曲称“独奏协奏曲”。另有两件相同或不同乐器与乐队竞奏的复协奏曲(或和双重协奏曲)、三件相同或不同乐器与乐队竞奏的三重协奏曲,单乐章的小协奏曲,乐队与乐队竞奏的控化的大协奏曲等。

最新-浅析艺术歌曲的民族性音乐元素 精品

浅析艺术歌曲的民族性音乐元素 中国艺术歌曲发展至今,以独特的表现内容、结构形式以及抒情手法,成为我国声乐艺术中的重要组成部分。 中国艺术歌曲在近百年的发展历程中,对中国传统音乐文化进行了继承和发扬,正是由于这些民族性音乐元素的运用,使中国艺术歌曲拥有了民族音乐艺术魅力。 文章分析了中国艺术歌曲的发展历程,从音乐创作的角度,对中国艺术歌曲中民族性音乐元素的运用进行研究,以期更好地发掘优秀民族音乐艺术的精华。 中国艺术歌曲;民族性音乐元素;民族曲调;调式与和声;伴奏艺术歌曲作为一种从欧洲传入中国的外来音乐体裁,以丰富的表现手法、独特的艺术形态以及高雅的音乐内容,深受中国人民的喜爱。 在近百年的发展历程中,中国艺术歌曲在借鉴和吸收外国艺术歌曲精华的同时,融入了中国传统的民族音乐元素,对本民族优秀的音乐文化进行了继承和发扬。 一、中国艺术歌曲的发展历程从由青主创作的中国第一首艺术歌曲《大江东去》,到萧友梅创作的《问》《南飞之雁语》以及黄自的《花非花》《玫瑰三愿》等,随着五四新文化运动的开展,中国艺术歌曲不断发展,出现了一批以反帝反封建,要求民主科学、个性解放为主要内容的优秀歌曲。 新中国成立后,随着中外音乐文化的交流发展,许多优秀的作曲理论与音乐书籍被引入国内,在一定程度上促进了中国艺术歌曲的创作。 与此同时,作曲家在创作中积极运用中国民族性音乐元素,从而创作出许多民族风格鲜明的艺术佳作。 如由施光南创作的《打起手鼓唱起歌》、尚德义的《千年的铁树开了花》等。 改革开放后,随着新的艺术思想与艺术政策的鼓励和支持,中国艺术歌曲的发展进入到空前繁荣的阶段,在此期间涌现出许多富有才华的作曲家与优秀的歌曲作品,如改革开放初期,由罗忠镕创作的《涉江采芙蓉》《黄昏》,进入21世纪后由印青创作的《江山》《走进新时代》等。 作曲家将多样化的作曲理论运用到艺术歌曲的创作中,使艺术歌曲的作曲技法和题材内容等在表现手段上更加多元化。 中国艺术歌曲永恒的民族魅力与作曲家对民族性音乐元素的运用有着必然

谈谈交响音乐的标题及标题音乐与无标题音乐如何欣赏

. 谈谈交响音乐的标题及标题音乐与无标题音乐如何欣赏1.无标题音乐的简介 无标题音乐(absolute music)指不借助任何文字性的手段,只是以音乐自身来抒发情感的“纯”音乐形式。相对于标题音乐来说,无标题音乐最大的特征就是没有明确的标题性文字,如《第几交响曲》、《第几奏鸣曲》、《第几弦乐四重奏》等,这些曲名与容并无直接的联系,因此,人们称这些音乐作品为无标题音乐。另外,在标题音乐与无标题音乐的界定上也不能以点盖面,有明确标题的并非全部是标题音乐,如海顿的《惊愕》交响曲、贝多芬的《命运》交响曲等,虽然有明确的标题,但它只是依据作品中的某一动机或作曲家的主题思想而命名的,并不能称之为真正的标题音乐。 无标题音乐所采用的题材更多的是作曲家对人生或某一事物概括的想法,它不以表达某一特定的人物、事件为题材和容,音乐不具有描绘性的情节。如贝多芬的《第九合唱交响曲》,它取材于席勒的诗作《欢乐颂》,但它更多的是表达贝多芬对人生的感悟,是一种希望人类和谐存在的世界观和人生观的表达。此类作品与标题音乐不同的情感体验就在于此,听赏者始终被这一核心主题所打动,使他们的情感在最后一刻完全被释放出来。 无标题音乐的表达形式通常严格遵循音乐形式美的规律,以纯粹的心情感表达,形成情感和形式的完美统一体,不像标题音乐那样需要根据题材容来构思作品的结构。如巴赫的《创意曲》,鲜明、生动的主题是全曲的核心,它随着不断变化的乐曲形式发展变化着,无论是答题还是对题,它都将全曲紧密地统一起来,形成了一种严密的形式美感。再如古典主义时期确立的奏鸣曲式原则,它由主部、连接部、副部、结束部组成,主副部之间的调性对比、音乐速度对.

论爱乐之城电影音乐的戏剧性功能

论爱乐之城电影音乐的戏剧性功能 本文从网络收集而来,上传到平台为了帮到更多的人,如果您需要使用本文档,请点击下载按钮下载本文档(有偿下载),另外祝您生活愉快,工作顺利,万事如意! 摘要:优秀的电影音乐可以最凝练的传递出电影的主题与气质。本文以第第89届奥斯卡获奖影片《爱乐之城》为例,探析电影主题曲及其配乐对影片戏剧性叙事的影响。总结出电影音乐的四个戏剧性叙事功能,主要表现为:为影片渲染气氛,营造意境;作为剧作元素,推动剧情发展;控制影片节奏,形成独特声画蒙太奇;连接时空,连贯画面,展现电影梦幻之境。以期为当代电影音乐加强电影结构叙事能力的良性发展略尽绵薄之力。 关键词:电影音乐;电影结构;戏剧性叙事功能 电影从诞生以来,就从来没有完全“无声”过。早在1896年卢米埃尔兄弟的影片在英国上映时,在放映的现场就有钢琴演奏流行歌曲作为配乐。那时欧洲和美国的主要电影院里都配有乐师或乐队,影片在发行时都要附上配乐说明。随着电影艺术的发展,声音作为一种艺术存在,与视觉画面共同构筑成无限广阔的视听空间和丰富多彩的视听形象。它有效地拓展了电影艺术的表现空间,丰富了视听语言的传达手段,使

电影创作能够自由的处理真实与虚拟的关系,充分发掘各种题材的内涵意蕴,灵活表达人类各种思想感情,使“形美以感目,声美以感耳”的美学理想得以实现。电影中的声音元素有多种不同形态,主要分为音乐、音响和人声三个部分。音响基于纪实和再现的需要,营造氛围、展示环境空间,以表真为主;人声是传递信息的基本方式,以表意为主;而音乐则提供一系列无意识的支持,最直接而强烈的激发情绪及想象,以表情为主。因此,音响与人声可以说增强了电影艺术的逼真性,音乐则提供了电影成为艺术的可能性。因此,电影音乐可以被视为电影“灵魂的伴生物”,它与电影画面紧密结合,成为浑然天成的艺术整体。它即保持着自身旋律、节奏、和声等元素丰富的情感表现形式,又服从于电影情节的总体构思,配合视觉语言完成表意的功能。同时,音乐充沛的情感因素直接作用于观众的深层心理,形成丰富的人文内涵和直指人心的力量。从此而言,“电影音乐是一种功能性音乐”1。研究电影音乐的功能性,使它更好的完成艺术形象的塑造,才能使电影艺术更完美,更具感染力。在第89届奥斯卡颁奖典礼上,歌舞片《爱乐之城》一举斩获六项大奖,其中包括最佳配乐及最佳原创歌曲。整部电影将复古元素融入了一个钢琴乐手与怀揣梦想的女

描写音乐的名言警句

描写音乐的名言警句 音乐教育并不是音乐家的教育,而首先是人的教育。——苏霍姆林斯基 对美的感知和理解是审美教育的核心,是审美的要点。——苏霍姆林斯基 欣赏音乐,需要有辨别音律的耳朵,对于不辨音乐的耳朵说来,最美的音乐也毫无意义。——马克思 通过音乐并在音乐中教育我们的孩子——英海伦.辛普森 没有音乐,生命是没有价值的。——尼采 没有早期音乐教育,干什么事我都会一事无成。——爱因斯坦 音乐教育除了非常注重道德和社会目的外,必须把美的东西作为自己的目的来探求,把人教育成美和善的。 ——柏拉图 音乐是比一切智慧、一切哲学更高的启示。——贝多芬 当我坐在那架破旧古钢琴旁边的时候,我对最幸福的国王也不羡慕。——海顿 音乐是思维着的声音。——雨果 体操和音乐两个方面并重,才能够成为完全的人格。因为体操能锻炼身体,音乐可以陶冶精神。——柏拉图 音乐常使死亡迟延。——伊索 人都需要娱乐和变换兴趣,以防止变得迟钝,呆滞和智力上的闭塞。——乔义特 自信是成功的第一秘诀。——爱默森 灵感全然不是漂亮地挥着手,而是如犍牛般竭尽全力时的心理状态。——柴可夫斯基 不爱音乐不配作人。虽然爱音乐,也只能称半个人。只有对音乐倾倒的人,才可完全称作人。——黑格尔 音乐家必须不断地反身自省,培养自己最内在的东西,以便使它转向外界。——歌德

音乐家的艺术不在于直接描绘形象,而在于把心灵置于这些对象能够在心灵里创造的 情绪中去。——卢梭 音乐是万德胚胎的’源泉。不为音乐所动的人,我必定把他比做木石。假使身充教师 而不会唱歌,那简直没有为人师的资格。——马丁.路德 世界在音乐中得到了完整的再现和表达。它是各种艺术当中第一位的,帝王式的艺术,能够成为音乐那样,则是一切艺术的目的。——叔本华 最好的音乐是这种音乐,它能够使最优秀、最有教养的人快乐,特别是使那个在品德 和修养上最为卓越的一个人快乐。——柏拉图 艺术正如生活那样,它是无穷无尽的。因此枣也不可能有什么能使我们认为还有比本 身就是时代的海洋的音乐更美好的东西。——罗曼.罗兰 世界在音乐中得到了完整的再现和表达。它是各种艺术当中第一位的,帝王式的艺术,能够成为音乐那样,则是一切艺术的目的。——叔本华 音乐是比一切智慧、一切哲学更高的启示,谁能渗透我音乐的意义,便能超脱寻常人 无以自拔的苦难。——贝多芬 真正创造音乐的是人民,作曲家只不过是把它们编成曲子而已。——格林卡 音乐是比一切智能、一切哲学更高的启示。——贝多芬 当我坐在那架破旧古钢琴旁边的时候,我对最幸福的国王也不羡慕。——海顿 音乐是思维着的声音。——雨果 音乐常使死亡迟延。——伊索 不爱音乐不配作人。虽然爱音乐,也只能称半个人。只有对音乐倾倒的人,才可完全 称作人。——黑格尔 音乐家必须不断地反身自省,培养自己最内在的东西,以便使它转向外界。——歌德 音乐家的艺术不在于直接描绘形象,而在于把心灵置于这些对象能够在心灵里创造的 情绪中去。——卢梭 世界在音乐中得到了完整的再现和表达。它是各种艺术当中第一位的,帝王式的艺术,能够成为音乐那样,则是一切艺术的目的。——叔本华 最好的音乐是这种音乐,它能够使最优秀、最有教养的人快乐,特别是使那个在品德 和修养上最为卓越的一个人快乐。——柏拉图

人教版高中音乐鉴赏《标题性交响乐的诞生》教案设计

第九单元 第十八节 标题性交响乐的诞生
教学目标 1、 聆听《幻想交响曲》的第二乐章,感受、体验其音乐情绪。认识、了解标题音乐的基本特征。 2、 在聆听、感受、理解音乐作品的过程中,认识、了解柏辽兹。 3、 初步懂得与标题音乐有关的基础知识。 教学重点 聆听《幻想交响曲》第二乐章,感受、体验其音乐情绪及浪漫主义音乐的风格。理解标题音乐及浪漫主义 流派风格的内涵。 教学难点 引导学生关注以下问题:有鲜明的标题及虚幻奇想的戏剧性情节;有固定乐思,并随着情节变化而变化; 突破传统交响曲的典型结构方法。 教学过程 一、导入 从欧洲历史上看,标题音乐可追溯到 14 世纪的狩猎曲,直至贝多芬的《英雄》 (第三)、 《命运》 (第五)、 《田园》(第六)交响曲。但此前的标题音乐仅有标题,而没有帮助听者理解音乐的文字说明。 提问:有文字说明的标题音乐,当属哪一位音乐家的首创? 回答:法国作曲家柏辽兹。 出示课题:标题交响曲的诞生 二、新课 1、柏辽兹(1803——1869)法国浪漫主义的精华,可以说集中在文学家雨果、画家德拉克罗瓦和作曲家柏 辽兹三个人的身上。在他们的作品中,糅合着种种矛盾的因素,有豪迈的精神和革命的激情,也有艺术家 个人孤寂心绪的衷心倾吐和种种空幻的奇想。 柏辽兹是法国作曲家、指挥家、音乐评论家。出生于一个医生家庭。从小喜欢音乐,学习弹钢琴和吉他, 12 岁就为当地乐团作曲。父亲希望他成为一名医生,1821 年送他去巴黎学医,但柏辽兹对医学不感兴趣, 1824 年获得医科学士学位后,断然改行。1826 年,入巴黎音乐学院。1830 年的七月革命,激起了柏辽兹的 革命热情。他走在街头,同群众一起高唱《马赛曲》,并将《马赛曲》编成带管弦乐队伴奏的大型合唱作 品,表明他对革命的拥护和支持。同年 8 月,他以康塔塔《沙达那帕》获罗马大奖。也是在这一年,他完 成了代表作《幻想交响曲》。1830——1846 年间,是柏辽兹的创作成熟期,有大量的优秀作品问世。1848 年之后,柏辽兹的革命热情冷却,加以个人生活上的种种不幸,在创作上转向宗教题材,风格上转向平静 而稳健。到晚年,由于贫病交加,儿子又死于哈瓦那,种种打击,致使柏辽兹在巴黎孤独地去世。 柏辽兹的音乐作品主要有 3 部歌剧、4 部交响曲、6 首管弦乐曲、25 首合唱作品,还有歌曲和音乐话剧。他 是 19 世纪法国第一位浪漫主义的大作曲家,他把人物以“固定乐思”来表现,使管弦乐作品犹如戏剧般地 发展,这是他对音乐的重大贡献。(可结合教科书上的内容,作简短介绍) 2、介绍音乐知识:标题音乐与非标题音乐 标题音乐是指用文字说明创作意图和作品思想内容的器乐曲。“标题音乐”往往与“纯音乐”(非标题音 乐)相对应。有的作品只用标题作曲名;有的作品除了标题之外还另加文字说明。 标题音乐的演奏形式多为独奏、重奏、合奏等。 按内容区分有两类,一是戏剧性的,一是描绘自然景物或世俗风情的。 按音乐构思可分为三类,一是情节性的,二是描绘性的,三是哲理性的。如柏辽兹的《幻想交响曲》就属 于情节性的。 当然,标题音乐与非标题音乐之间没有不可逾越的鸿沟,因为标题音乐就是在非标题音乐的基础上

结合小学音乐欣赏教学谈奥尔夫“原本性”中音乐元素与育“人”的关系

结合小学音乐欣赏教学谈奥尔夫“原本性”中音乐元素与育“人”的关系 发表时间:2019-11-21T11:45:48.173Z 来源:《教育学文摘》2020年1月总第325期作者:张静 [导读] 也就是各个方面学习素养的培养。每一节音乐课培育的也不一定是同一个点,但我们音乐教师终归是要通过音乐来好好地育“人”。重庆市北碚区状元小学400700 摘要:音乐教育的作用并不单一为了音乐技能和审美情趣的培养,音乐教育的功能更应该从艺术审美中辐射出去,是培养“人”的教育。奥尔夫音乐教学法中的“原本性”包含音乐元素与育“人”这两个内容,这两个内容之间是紧密相连联系的,而小学音乐欣赏教学中的音乐技能也对应着奥尔夫“原本性”中的音乐元素,学习素养就对应奥尔夫“原本性”中的“人”——即育“人”。 关键词:奥尔夫原本性音乐元素育人 “我所有的观念,是关于一种原本性的音乐教育观念。”——德国音乐教育家、作曲家卡尔·奥尔夫 众所周知,奥尔夫音乐教学法是当今全世界最为著名、影响最为广泛的三大音乐教育体系之一。奥尔夫音乐教学法的核心是奥尔夫所提出的“原本性”,然而“原本性”又称“元素性”,奥尔夫他将“原本性”比喻成一个火种,并且这个火种能够延绵不断地传递下去。 一、奥尔夫音乐教学法中的“原本性” 奥尔夫在“学校活动之原本性的音乐与舞蹈教学方法”中提到,“schoolwork”,也就是学校工作,“music and dance”音乐和舞蹈,其核心——就是原本性,它将原本性分为音乐元素和人,人特指育人,包括人的情感。 简单来讲,奥尔夫的音乐教育是从“音乐元素”入手进行教育的,这是音乐学科所独有的目标和要求,任何音乐课程都要有音乐元素上的教学目标,如:感知节奏、旋律变化、音乐知识了解等,也就是说一定要抓住并凸显音乐学科的学科特点,让学生知晓当他们理解和掌握了这些“音乐元素”后,能够喜欢音乐、热爱音乐,说出自己对音乐的感知、对音乐的理解、自信展示对音乐的表现、对音乐的创造。而除了音乐方面的能力,是作为音乐教师应该关注的极其重要的原本性中关乎于“育人”的方面,音乐教育的作用并不单一为了音乐技能和审美情趣的培养,音乐教育的功能应该从艺术审美中辐射出去,是培养“人”的教育,这是教师教书育人的职责所在,也是音乐学科的教育功能所在,现就小学音乐欣赏教学来谈谈奥尔夫原本性中的育“人”。 二、奥尔夫“原本性”中音乐元素与“人”的关系 结合奥尔夫音乐教学法,笔者尝试过以律动、节奏图谱、编创节奏儿歌、填入歌词、声势动作感知乐曲节奏、打击乐器合乐演奏、情境游戏等方式进行欣赏教学,在教学后将学生在课堂上的学习态度、学习习惯、学习能力的变化做了一个统计和梳理,把学习态度、学习习惯、学习能力都称之为学习素养,好的学习品质让学习变得有趣、有效。 三、结合小学音乐欣赏教学分析其中的音乐元素与育“人”之间的关系 在小学音乐欣赏教学中,大部分老师通常会更加关注教学中学生对于乐曲的理解或是音乐知识的掌握情况,也就是奥尔夫原本性中所提出的“音乐元素”,因为它是显性的,是学生能够从欣赏音乐中可以直接获得的技能,以此来作为评价欣赏教学好坏的依据。音乐能力是音乐教育中最为重要的内容,但它的显性正对应着“育”人的隐性,它与“人”的素养、“人”品质、“人”的情感是有着很大的联系。 1.音乐元素“律动”对应“育”人中的学习素养。奥尔夫提出:体态律动的音乐教学,原来是指由音乐伴奏,以身体动作作出反应,从而训练音乐的节奏感的教学方法。在欣赏教学的实施过程中,笔者发现,学生对游戏任务意识充满了好奇心和积极性,他们主动参与到活动中来,并且对表现出浓厚的兴趣,先是对老师的律动动作进行模仿,再通过自己对音乐节奏的感知和对律动动作的记忆,随乐而动,接受了游戏的挑战,不难发现仅在律动上,学生在模仿、音乐能力、记忆力、倾听、坚持性、专注程度等都得到了一定的发展。 2.音乐元素“主题旋律的模唱、感受乐曲情绪风格”对应“育”人中的学习素养。在小学音乐欣赏教学中,唱有助于学生进一步深入感受作品,这也是奥尔夫所提出的原本性中的育人的本质,也是音乐教育应该传递的东西。 3.音乐元素“打击乐合乐演奏”对应“育”人中的学习素养。学生合乐演奏所欣赏的作品,在欣赏教学中是比较受学生喜爱的形式,这样的形式让学生的参与度大大提高,而且参与面广,让每一个学生都能亲身体会感受音乐,特别是分组分乐段进行演奏的时候,是学生自我调节和控制的发展,就像乐队演奏时需要大家的协作配合才能让音乐更美一样。学生们通过相互观察、相互聆听、相互交流和相互配合来表现和表达音乐,生生之间的配合,能促成学生相互的激励,感情也会在这种交流中更为充分地表现出来,这也是优化教学方式,面向全体学生,突出学生主体地位,从“个体学习”到“合作学习”,由“被动学习”到“主动学习”。 音乐学科中的育“人”是一个长期的过程,它需要潜移默化,需要润物细无声,把育“人”缩小到课堂之中,也就是学习素养的培养。而在每一节音乐欣赏课中都能体现出音乐教师是如何思考将课程内容中的音乐元素与育“人”的联系,也就是各个方面学习素养的培养。每一节音乐课培育的也不一定是同一个点,但我们音乐教师终归是要通过音乐来好好地育“人”。 参考文献 [1]李妲娜修海林尹爱青编著《奥尔夫音乐教育思想与实践》[M].上海教育出版社,66—103。 [2] 王丽新钟恩富著《奥尔夫音乐教学法本土化研究》[M].东北师范大学出版社,47—56,110—113。

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