美术技法理论

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高中美术分类、技法理论及美术鉴赏常考知识点分析(上)

高中美术分类、技法理论及美术鉴赏常考知识点分析(上)

高中美术分类、技法理论及美术鉴赏常考知识点分析(上)美术基础知识是美术生在学习美术之初,就该掌握的,但很多美术生在学习美术之初都为了应试教育,一味地去掌握技法,而忽略了美术基础知识理论的学习,所以本章节旨在让考生了解美术的基本分类,知道美术相关技法理论,如色彩、解剖、透视等理论知识。

首先,了解美术基本分类。

从美术创作的表现形式及工具媒介的划分,美术划分为绘画艺术、雕塑艺术、建筑艺术、园林艺术、摄影艺术、书法艺术等。

绘画艺术在考试中出题的概率较大,尤其以中国画为主。

中国画从题材上可以分为人物、山水、花鸟三类,从表现手法上可以分为工笔、写意两大类。

雕塑是立体的空间艺术和视觉艺术,从表现形式上主要分为圆雕、浮雕两类。

建筑艺术被人们称为“石头的史诗”,基本原则是实用、坚固、美观。

摄影艺术又被称为四条边艺术、瞬间艺术。

从美术作品的视觉形式及认知归类来划分,又可以分为具象美术、意象美术、抽象美术。

其次,掌握美术的一些基本技法理论。

素描是造型艺术的基础,是以线条或明暗色面来描绘物象的单色画。

从目的和功能上说,一般分为创作素描和习作素描。

基本因素包括结构、形体、比例、明暗。

速写,是一种快速写生的绘画方法,按绘制时间长短分为时间较短的快写(一般15分钟)和时间较长的慢写(一般 30分钟)。

色彩现象,色彩写生时会产生色彩现象,包括光源色、固有色、环境色。

透视,客观物象与人眼的远近距离和空间方位的不同,会在视觉上产生近大远小、近宽远窄或近长远短、近实远虚的透视现象。

这些都是常考概念,需理解后记忆。

第三,掌握人体结构和解剖学基础。

人体高度比例:站七——坐五——盘三半。

头部比例“三庭五眼”。

人体共有206块骨骼,人体全身的肌肉共约639块,需了解肌肉与骨骼所在的大概位置,这在考试中经常考到。

第四,掌握三大构成的相关知识点,尤其是色彩构成。

色彩三要素、色彩三原色备考时需分清楚:色彩三原色指的是红、黄、蓝,三要素指的是色相、明度、纯度。

美术里的专业名词解释

美术里的专业名词解释

美术里的专业名词解释美术是一门充满创造力和表达力的艺术,涵盖了绘画、雕塑、摄影等多种形式。

在美术中,有许多专业名词被用来描述艺术作品、艺术技巧和艺术概念。

本文将以深度解读的方式介绍一些关键的美术专业名词,帮助读者更好地理解美术的世界。

1. 色彩理论色彩是美术作品中最重要的因素之一。

色彩理论探讨了颜色的属性、相互关系和应用方式。

其中最基础的概念是色轮,它将颜色按照不同的属性组织起来,为艺术家提供了选择和搭配颜色的指导。

色彩还可以通过色彩对比和色彩斑点等技巧来引起观众的情感共鸣。

2. 绘画技法绘画技法是指艺术家在创作过程中运用的各种绘画技巧和方法。

素描、写生、水彩、油画等都是不同的绘画技法。

素描是一种通过画线和阴影来表现物体形状和空间感的技法。

水彩则是使用水溶性颜料来绘制的一种技巧,具有透明度和渐变效果。

油画则使用油性颜料,具有良好的延展性和饱和度。

3. 艺术风格艺术风格是指具有相似特点和风格特征的艺术作品类型。

不同的时代和文化都有各自的艺术风格,如印象派、现实主义和抽象表现主义。

每种艺术风格都有独特的表现手法和艺术观念,艺术家可以选择运用它们来表达自己的想法和情感。

4. 教育美术教育美术是指通过教育方式将美术作为一种学科来学习和教授的领域。

它涵盖了艺术教育的理论和实践,旨在培养学生的创造力、表达能力和审美观。

教育美术包括绘画教学、美术史研究和美术理论等。

5. 雕塑技艺雕塑是以造型和雕刻的方式来表现立体形象的艺术形式。

雕塑技艺包括素描、塑像和雕刻等技术。

素描在雕塑过程中起到了描述和构思的作用,而塑像是通过软性材料(如黏土)制作的雕塑作品。

雕刻则是切削或凿削硬性材料(如木头或石头)以形成立体形象。

6. 视觉艺术视觉艺术是指通过眼睛来感知和欣赏的艺术形式,如绘画、摄影和装置艺术等。

视觉艺术依赖于视觉刺激和感知,艺术家可以通过线条、形状、颜色和纹理等元素来传达情感和观点。

7. 艺术作品解析艺术作品解析是一种对艺术作品进行详细研究和分析的方法。

创意美术知识点总结

创意美术知识点总结

创意美术知识点总结一、绘画技巧绘画技巧包括了线条、素描、透视、构图、光影等多个方面的内容。

其中,素描是绘画的基础,它是通过线条和阴影来表现物体的形态和立体感。

透视是绘画中常用的技巧,它能够使画面更具有立体感和空间感,为画面增添了层次和深度。

构图是指在绘画过程中对画面进行合理安排和布局,以达到画面整体的和谐和美感。

光影则是绘画中非常重要的元素,它能够使画面更富有生动感和立体感。

二、色彩理论色彩理论是指对色彩的认识和运用。

常见的色彩理论包括了色相、明度、饱和度等多个方面的内容。

色相是指颜色的种类,比如红、黄、蓝等。

明度是指颜色的明暗程度,而饱和度则是指颜色的浓淡程度。

色彩搭配是绘画中的重要技巧,它能够使作品更富有变化和美感。

而色彩对比则是指不同色彩之间的对比关系,能够产生视觉冲击力,增强画面的表现力。

三、材料工具绘画材料主要包括了纸张、颜料、画笔等。

常见的绘画纸张有宣纸、水彩纸、油画布等,每种纸张适合的绘画材料和技法不同。

颜料有水彩颜料、油画颜料、粉彩颜料等,它们有自己独特的特点和用法。

画笔也是绘画中重要的工具,不同材质和形状的画笔适合不同的绘画技法和风格。

四、艺术史与理论艺术史与理论是美术知识中的基础内容,它包括了艺术流派、艺术家、艺术风格等多个方面的内容。

了解艺术史与理论能够帮助我们更好地理解和把握美术创作的发展脉络和规律,为我们的创作提供了丰富的参考和启发。

五、创意与表现创意是美术创作中非常重要的因素,它是艺术家对现实生活的思考和表达,是对艺术家内心世界的探索和表现。

创意的形成需要艺术家具备敏锐的观察力和思维能力,同时也需要大量的灵感积累和创作实践。

表现是指艺术家通过绘画来传达自己的情感和思想,是将内心的感受转化为视觉形象的过程。

不同的艺术家有不同的表现风格和技法,这使得美术创作变得更加多样化和丰富化。

总之,美术知识是美术创作的基础,它包含了线条、素描、透视、构图、色彩理论、绘画材料、艺术史与理论、创意与表现等多个方面的内容。

美术知识大全

美术知识大全

美术知识大全美术知识大全美术是人类文化的重要组成部分,通过视觉艺术表现人类对世界的认知和感受。

在这篇文章中,我将为您介绍一些基本的美术知识。

1. 色彩理论:色彩是美术创作中非常重要的元素之一。

主要的色彩理论包括三原色(红、绿、蓝)和三个次要色彩(橙、紫、黄)。

同时,色彩的明度和饱和度也会影响色彩的效果。

2. 透视学:透视是描绘三维物体在二维画面上的方法。

通过近大远小和消失点的运用,可以创造出画面的深度和立体感。

3. 人物绘画:人物绘画是美术中常见的题材之一。

绘画人物需要掌握人体比例、骨骼结构和肌肉群的知识。

同时,了解不同身体姿势的表达方法也是非常重要的。

4. 静物绘画:静物绘画是描绘不动物体的艺术形式。

通过对光影、形态和纹理的捕捉,可以创造出富有生动感和艺术感的作品。

5. 风景绘画:风景绘画是描绘自然景观的艺术形式。

掌握一些常见的元素,如天空、地面、植物和水体,可以帮助您更好地表现自然景观的美。

6. 抽象艺术:抽象艺术是一种通过形状、色彩和纹理来表达情感和思想的艺术形式。

它不依赖于现实世界的视觉认知,而是注重表现主观的内心体验。

7. 素描:素描是一种以线条和阴影为主要手段的绘画技法。

它可以表现物体的外轮廓和形态,并且是学习美术基础的重要步骤。

8. 水彩画:水彩画是以水溶性颜料为材料的绘画技法。

它常用于描绘风景和人物,具有柔和、清新的效果。

9. 油画:油画是以油性颜料为材料的绘画技法。

它常用于描绘肖像和风景,具有丰富的色彩和质感。

10. 彩色铅笔画:彩色铅笔画是运用彩色铅笔绘制的一种绘画技法。

它适合绘制小型作品,有很好的色彩表现力。

以上是关于美术的一些基本知识介绍。

希望这些信息对您有所帮助,如果您对美术感兴趣,可以进一步学习和探索更多的艺术知识和技巧。

创作属于每个人,无论是艺术家还是非专业人士,都可以通过美术来表达自己独特的创造力和想法。

谈美术教学中美术理论与技法的重要性

谈美术教学中美术理论与技法的重要性

谈美术教学中美术理论与技法的重要性1. 引言1.1 美术教学的重要性美术教学的重要性在当今社会中日益凸显。

美术教育不仅可以培养学生的审美情趣和创造力,还可以促进学生的思维发展和综合素质的提升。

通过美术教学,学生可以培养对艺术的热爱,增强自身的审美能力,并培养出色的艺术创作能力。

美术教育还有助于促进学生的心理健康,增强学生的细致观察能力和想象力。

美术教学被越来越多的人所重视,被认为是学生全面发展中不可或缺的一部分。

美术教学的重要性远远不止于此,它还可以激发学生的创造力和想象力,培养学生的审美情感和审美能力,提高学生的综合素质和综合能力。

美术教学的重要性在当今社会中愈加显著,不仅可以培养优秀的艺术人才,还可以促进社会的艺术文化发展。

1.2 美术理论与技法对美术教学的重要性美术理论与技法对美术教学的重要性在整个美术教学过程中扮演着至关重要的角色。

美术理论是对美术创作、审美和艺术发展规律的总结和归纳,它为学生提供了艺术思想和方法的指导,帮助其更好地理解艺术作品以及丰富自己的创作思路。

美术理论不仅可以激发学生对艺术的兴趣和热情,同时也可以引导学生在创作中深入思考和探求。

而美术技法则是实现艺术创作的手段和方法,它包括绘画、雕塑、版画、摄影等各种艺术技能的学习和应用。

通过对各种技法的学习和实践,学生可以提高自己的艺术表现能力,丰富艺术作品的形式和内容。

美术理论与技法的结合是实现美术教学目标的重要途径。

美术理论为学生提供了创作的思维框架,而技法则是具体实现这一框架的手段,二者相辅相成,共同推动学生的艺术发展。

教师在这个过程中扮演着至关重要的角色,他们不仅需要传授理论知识和技法技能,更要引导学生运用这些知识与技能进行独立的艺术探索和创作。

学生在这一过程中将获得丰富的学习体验,不断提升自己的艺术修养和审美素养。

【文末】2. 正文2.1 美术理论的作用美术理论在美术教学中扮演着重要的角色,它是指导美术教学实践的理论体系,为教师和学生提供了重要的思想支持和方法指导。

谈美术教学中美术理论与技法的重要性

谈美术教学中美术理论与技法的重要性

谈美术教学中美术理论与技法的重要性1. 引言1.1 美术教学的背景在当今社会,美术教学的意义不仅在于培养学生的艺术技能,更重要的是培养学生的审美能力和创造力,提升他们对艺术的理解和表现能力。

美术教学的背景正在不断地变化和发展,要适应这种变化和发展,就需要注重美术理论与技法的教学和应用。

美术理论与技法是美术教学的两大核心内容,它们相辅相成,共同促进学生的全面发展和艺术修养。

深入理解和掌握美术理论与技法,对于美术教学的发展和学生的艺术素养都具有重要意义。

1.2 美术理论与技法的定义美术理论是对艺术的原理、规律、技巧和表现形式等进行系统的总结和归纳,是对美术实践经验进行深入思考和总结的产物。

美术技法是指在美术实践中运用的方法、技巧和手段,是实现美术作品创作目的的工具和手段。

美术理论与技法相辅相成,在美术教学中起着至关重要的作用。

美术理论与技法的定义涵盖了对艺术创作实践的全面把握和系统梳理,是美术教学中的重要基础。

理论是对实践的深化和升华,技法是具体操作的手段和方法。

美术理论与技法的结合,可以帮助学生更好地理解艺术创作的本质和规律,提高美术表现能力和审美水平。

通过对美术理论与技法的深入研究和理解,可以帮助学生在美术创作中更加得心应手,更加有条不紊地进行创作实践。

美术理论与技法的应用也可以激发学生的创造力和想象力,拓展他们的艺术思维和视野,为他们未来的艺术发展奠定坚实的基础。

2. 正文2.1 美术理论的重要性美术理论的重要性在美术教学中扮演着至关重要的角色。

美术理论是美术创作的理论基础,它涵盖了美术的概念、原理、规律等内容,是美术创作者在创作过程中进行思考和抉择的依据。

美术理论可以启发学生的艺术思维和创造力。

通过学习各种美术理论,学生可以了解不同艺术流派、风格以及艺术家的创作理念,从中汲取灵感,丰富自己的创作思路,激发创造力。

美术理论可以提高学生的审美素养和艺术鉴赏能力。

通过学习美术理论,学生可以了解艺术作品背后的思想,更深入地理解艺术家的创作意图,从而提升自己的审美观念,培养对艺术品的欣赏和品味能力。

谈美术教学中美术理论与技法的重要性

谈美术教学中美术理论与技法的重要性

谈美术教学中美术理论与技法的重要性美术教学中的美术理论和技法是非常重要的,它们相互依存、相互补充,共同构建了美术教学的基础。

下面从美术理论的重要性和美术技法的重要性两个方面进行探讨。

一、美术理论的重要性1. 指导美术创作实践。

美术理论是美术创作的思想基础和方法论,通过对美术理论的学习,学生可以了解美术创作的各个方面,如色彩运用、造型表现、构图结构等,从而在创作实践中更好地把握创作的目的和技巧。

2. 拓宽艺术视野。

美术理论包括美术史、美术批评等内容,通过对美术理论的学习,学生可以了解到不同时期、不同地区的艺术形式和艺术家的创作思想,拓宽了他们的艺术视野,增加了对艺术的认识和理解,从而能够更好地感知和欣赏艺术作品。

3. 培养审美能力。

美术理论的学习可以培养学生的审美意识和审美能力,让他们逐渐形成自己的审美观点和审美标准,从而在艺术欣赏和创作中具备更高的艺术修养。

4. 提高批判思维和创新思维能力。

美术理论的学习需要学生进行思辨、辩证、批判等思维方式的运用,这种思维方式的培养有助于提高学生的批判思维和创新思维能力,培养学生对于艺术问题的思考和解决问题的能力。

5. 引导艺术实践的方向。

美术理论可以引导学生的艺术实践,指导他们去选择合适的艺术表现形式和艺术手法,避免盲目的创作和模仿,提高艺术创作的质量和深度。

1. 提升艺术表达能力。

美术技法是艺术家在创作过程中运用的工具和技巧,通过对各种美术技法的学习和实践,学生可以提升自己的艺术表达能力,让作品更加生动和精确地传达出自己的创作思想和情感。

2. 培养观察力和感知力。

美术技法的学习需要学生对客观事物进行观察和感知,对形状、颜色、质感等进行细致的观察和分析,让学生能够更敏锐地观察和感知事物的细微之处,提高他们的观察力和感知力。

3. 培养动手实践的能力。

美术技法的学习需要学生进行大量的动手实践,通过实践的过程,学生可以逐渐掌握绘画、雕塑、设计等各种美术技法的基本原理和操作方法,提高他们的动手实践能力和艺术创作能力。

美术技法理论

美术技法理论

消失点有五种;心点,视距点,天点,地点,余点心点--画者中央视线与画面垂直相交点称心点,位于正常视域和视平线的中央;是与画面成直角的变线的灭点。

视距——目点至画面(心点)的垂直距离.距点——距点有两个,分别位于心点左右视平线上,离心点远近与视距相等;它们是与画面成45度角的平变线的灭点。

余点——视平线上除心点、距点之外的灭点,都称为余点;余点是(除垂直、45度角之外的)其它角度的平变线的灭点;不同角度的平变线,有各自的余点位置。

天点——我们叫升点的,视平线上方的灭点都是升点;升点是对视平面向上倾斜的变线的灭点;不同水平方向、倾斜角度的上斜变线,有不同的升点位置。

地点——我们叫降点,视平线下方的灭点都是降点.降点是对视平面向下倾斜的变线的灭点,不同水平方向、倾斜角度的下斜变线,有不同的降点位置.斜面透视的定义、特征是什么?【定义】-方形景物中的斜面是与水平的放置面倾斜的面。

平视中,对方形景物中斜面的透视称为斜面透视。

如楼梯面、人字屋顶面。

-通常在方形景物中的斜面形状指的是矩形或正方形,为规则斜面。

三角形斜面、菱形斜面,则按在矩形斜面之中考虑。

【特征】-1。

倾斜线的消失特点:-------- (1)平行透视中的倾斜线为变线时表现为近高远低和近低远高两种状态.基线消点在视心,倾斜线的消点在过视心的垂线上(在地平线上方的消点叫做天点,下方的叫做地点)。

-------- (2)余角透视中的倾斜线均为变线,也表现为近高远低和近低远高两种状态.基线消点为消点1时,倾斜线的消点分别在过消点1的垂线上。

-2。

天点或地点距地平线愈近,说明斜面的倾角愈小,反之倾角愈大。

-3。

平行透视、余角透视中的斜面透视,会为其构图画面增加动感,使画面构图丰富.正仰视:实义:在物体的正前方,仰面向上看,或是抬头向上看。

2、虚义:指想象中的观看对象站立的位置需要抬起头来才能看得到,现代人也常用来表达对某人或某事的敬慕、敬仰和向往之情。

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消失点有五种;心点,视距点,天点,地点,余点心点——画者中央视线与画面垂直相交点称心点,位于正常视域和视平线的中央;是与画面成直角的变线的灭点。

视距——目点至画面(心点)的垂直距离。

距点——距点有两个,分别位于心点左右视平线上,离心点远近与视距相等;它们是与画面成45度角的平变线的灭点。

余点——视平线上除心点、距点之外的灭点,都称为余点;余点是(除垂直、45度角之外的)其它角度的平变线的灭点;不同角度的平变线,有各自的余点位置。

天点——我们叫升点的,视平线上方的灭点都是升点;升点是对视平面向上倾斜的变线的灭点;不同水平方向、倾斜角度的上斜变线,有不同的升点位置。

地点——我们叫降点,视平线下方的灭点都是降点。

降点是对视平面向下倾斜的变线的灭点,不同水平方向、倾斜角度的下斜变线,有不同的降点位置。

斜面透视的定义、特征是什么?【定义】-方形景物中的斜面是与水平的放置面倾斜的面。

平视中,对方形景物中斜面的透视称为斜面透视。

如楼梯面、人字屋顶面。

-通常在方形景物中的斜面形状指的是矩形或正方形,为规则斜面。

三角形斜面、菱形斜面,则按在矩形斜面之中考虑。

【特征】-1.倾斜线的消失特点:----(1)平行透视中的倾斜线为变线时表现为近高远低和近低远高两种状态。

基线消点在视心,倾斜线的消点在过视心的垂线上(在地平线上方的消点叫做天点,下方的叫做地点)。

----(2)余角透视中的倾斜线均为变线,也表现为近高远低和近低远高两种状态。

基线消点为消点1时,倾斜线的消点分别在过消点1的垂线上。

-2.天点或地点距地平线愈近,说明斜面的倾角愈小,反之倾角愈大。

-3.平行透视、余角透视中的斜面透视,会为其构图画面增加动感,使画面构图丰富。

正仰视:实义:在物体的正前方,仰面向上看,或是抬头向上看。

2、虚义:指想象中的观看对象站立的位置需要抬起头来才能看得到,现代人也常用来表达对某人或某事的敬慕、敬仰和向往之情。

灭点:灭点又称消失点,是变线消失的汇集点,灭点有四个:心点、余点——视平线上除心点以外的点,天点——视平线以上近低远高的消失点,地点——视平线以下近高远低的消失点简述透视的三要素:(1)视平线,一般是指画者平视时与眼睛高度平行的假设线。

视平线决定被画物的透视斜度,被画物高于视平线时,透视线向下斜,被画物低于视平线时,透视线向上斜。

(2)心点,是指视觉中心。

它位于画者的核心部位。

在平行透视中,一切透视线引向心点。

(3)距点,视点至心点的距离叫距点,如果把视距移至视平线上心点的两侧,所得的点为距点。

艺用人体解剖学的特点:从造型艺术角度研究生物结构的科学,分骨、骨连接和骨骼肌。

与医用解剖学不同之处在于它注重的是正常人体的比例、体积和外部结构;除尸体解剖外还注重活体观察;研究的目的最终揭示人体的外形变化规律;这些与医用解剖学的注重特殊个体的全部结构、主要进行尸体解剖和生理分析、最终解释各种结构的生理功能的诸多特点不同。

更重要的是艺术解剖学不仅要说明人体物质结构对外形的影响,而且说明人的情绪、情感、心理境况、修养和灵魂等在人体的反映。

因此不是纯粹自然科学,而是体质社会学。

“三远”法,是中国山水画的特殊透视法。

指的是在一幅画中,可以是几种不同的透视角度,表现景物的“高远”、“深远”、“平远”。

宋代的郭熙在《林泉高致》中,对三远法下过这样的定义:“山有三远:自山下而仰山巅谓之高远;自山前而窥山后谓之深远;自近山而望远山谓之平远。

”三远法,就是一种散点透视法,以仰视、俯视、平视等不同的视点来描绘画中的景物,打破了一般绘画以一个视点,即焦点透视观察景物的局限。

空间感:空间感包括两个方面,即物理空间和心理空间,物理空间是实体所包围的,可测量的空间。

心理空间来自于对周围的扩张,是没有明确的边界却可以感受到空间,创造丰富的空间感可以加强主题的表现力。

色彩对比:“对”有双数,互相面向等意思;“比”有挨着,较量,求得异同等意思。

当两个以上的系色放在一起,比较其差别及其互相间的关系,称为色彩对比的关系,简称色彩对比。

将两个以上的色彩放在一起,是构成色彩对比的第一个条件。

这里所说的一起,包括在尽可能接近的时间和空间里,也就是说在同一视域,最好在同一视域中心之内。

只有时间与空间意义上的一起,才能准确地发展异同,才能最充分地显示出应有的对比效果。

否则视觉印象就会淡漠甚至消失,这样使失去了对比的意义。

对比出色彩应有的差别,是色彩对比的目的。

但必须在同一条件下才允许作比较,如重量与重量比,体积与体积比,线与线比,形与形比的道理一样,否则就失去了比较的可能性。

在色彩这个范功内,只能是明度比明度,色相比色相,彩度比彩度,否则就得不到准确的结论。

比较的结果,差别应是清楚可见,如果差别甚微,或眼睛无法辨别其差别,那结论只能是这些色彩的明度、色相与彩度基本或完全相同。

从概念的角度说,基本相同的色彩放在一起应称为色彩的同一与重复,而不能称为对比。

在构成色彩对比诸条件中,色彩间的差别是最基本的。

由于色彩差别有其普遍性,周此色彩对比也有其普遍性。

而色彩fed的差别还因性质、程度与效果的不同而千差万别,因而色彩对比就有其特殊性。

三度空间:三度空间(三维空间)是现实生活中的空间(长、宽、高)三方面无限延伸(任意延伸)组成的立体空间,并不是绘画上表达出来的三维形象(效果),绘画效果只给人幻觉三维(其实质是平面性空间或叫二维空间)。

1、多个形象(只有高度和宽度)并置于画面中,与画面平行,各形象之间无前后远近之分,形象无厚度,并且包围这些形象的空间没有深度,这样的空间形式称为平面性空间,也称二维平面空间。

2、平面性空间在绘画中表达出来的三维效果称幻觉性空间(实质是平面性空间或二维空间)。

3、真正意义的三度空间(三维空间)是现实生活中的空间长、宽、高无限延伸(任意延伸)的空间。

比如最基本的三度空间是正方体,其实三度空间是客观世界的任一物体,最大的是宇宙。

4、三度空间与幻觉性空间的意义:(1)幻觉性空间是指形象在画面中不与画面平行,并具有高度、宽度和厚度的立体感,在平面设计中,表现出长、宽、高三度空间关系(即是幻觉性空间),人们习惯也称三维立体空间。

在幻觉性空间里,形象之间有远近、前后之分,画面中的空间有纵深感。

实质就是透视学原理的运用。

(2)现实中的立体感作品(影视作品)以几何形态与色彩表现造型,发展具体艺术的数理构成,追求强烈的视觉刺激,追求动感和制造光的颤动空间及视觉幻觉,使观者视网膜经受某种刺激与体验,引起视觉和心理方面的反映。

作品最大的特征是综合表现运动、时间、空间,突出形式表现,具有强烈的视觉冲击力,以几何形态与硬边技法构成作品,重视引发观众的参与以及引起观者心理反应。

第四度空间比第三度空间多一条时间轴,通过时间轴就可以穿越时空。

4度空间-可用于时光机:英国著名物理学家史蒂芬·霍金继承认外星人的存在后,又发表一个惊人论述:声称带着人类飞入未来的时光机,在理论上是可行的,所需条件包括太空中的虫洞或速度接近光速的宇宙飞船。

至于时光机的关键点,霍金强调就是所谓的“4度空间”。

“4度空间”就在人类四周,只是小到肉眼很难看见,它们存在于空间与时间的裂缝中。

霍金指出,理论上时光隧道或“虫洞”不只能带着人类前往其他行星,如果虫洞两端位于同一位置,且以时间而非距离间隔,那么宇宙飞船即可飞入,飞出后仍然接近地球,只是进入所谓“遥远的过去”。

霍金表示,如果科学家能够建造速度接近光速的宇宙飞船,那么宇宙飞船必然会因为不能违反光速是最大速限的法则,而导致舱内的时间变慢,那么飞行一个星期就等于是地面上的100年,也就相当于飞进未来。

由爱因斯坦在他的相对空间理论中提出。

一度空间直线,第二度空间指平面,第三度空间指立体,第四度空间指时间。

在文学、影视作品创作中,第四维空间常衍伸指代超越现实的幻想世界。

简述造型艺术表现手段造型艺术中创造艺术形象的手法和手段。

如绘画借助于色彩、明暗、线条、解剖和透视;雕塑借助于体积和结构等。

这些手法和手段,通过长期的艺术实践,形成了这些造型艺术各自独具的特殊的艺术语言,并决定了这些艺术各不相同的表现法则,关系到塑艺术形象的成败,以及艺术作品的感染力。

艺术家对造型表现手段的规律性的不断探索,精益求精,是使艺术创作能够表现新的生活内容和满足人们不断发展的审美爱好的必要条件。

+艺术形象概念黄金分割黄金分割又称黄金律,是指事物各部分间一定的数学比例关系。

即将整体一分为二,较大部分与较小部分之比等于整体与较大部分之比,其比值为1∶0.618或1.618∶1,即长段为全段的0.618。

0.618被公认为最具有审美意义的比例数字。

上述比例是最能引起人的美感的比例,因此被称为黄金分割。

三庭五眼美术中的“三庭五眼”,三庭指脸的长度比例,把脸的长度分为三个等分,从前额发际线至眉骨,从眉骨至鼻底,从鼻底至下颏,各占脸长的1/3。

五眼指脸的宽度比例,以眼形长度为单位,把脸的宽度分成五个等分,从左侧发际至右侧发际,为五只眼形。

两只眼睛之间有一只眼睛的间距,两眼外侧至侧发际各为一只眼睛的间距,各占比例的1/5。

“三庭五眼”是人的脸长与脸宽的一般标准比例,不符合此比例,就会与理想的脸型产生距离。

、焦点透视、平行透视、成角透视概念平行透视:又称焦点透视,就是说立方体放在一个水平面上,前方的面(正面)的四边形分别与画纸四边平行时,上部朝纵深的平行直线与眼睛的高度一致,消失成为一点。

而正面则为正方形。

成角透视:(二点透视)就是把立方体画到画面上,立方体的四个面相对于画面倾斜成一定角度时,往纵深平行的直线产生了两个消失点。

在这平行情况下,与上下两个水平面相垂直的平行线也产生了长度的缩小,但是不带有消失点。

倾斜透视:(三点透视)当视点通过画面观察物体远近成倾斜角度的边线,就是要产生倾斜透视变化。

质感指造型艺术中运用不同的表现手段表现出的各种不同物体所具有的特质。

如钢铁、竹木、陶瓷、玻璃、呢绒等的软硬、轻重、粗细、糙滑等真实感觉。

质感是指视觉或触觉对不同物态如固态、液态、气态的特质的感觉。

在造型艺术中则把对不同物象用不同技巧所表现把握的真实感称为质感。

不同的物质其表面的自然特质称天然质感,如空气、水、岩石、竹木等;而经过人工的处理的表现感觉则称人工质感,如砖、陶瓷、玻璃、布匹、塑胶等。

不同的质感给人以软硬、虚实、滑涩、韧脆、透明与浑浊等多种感觉。

中国画以笔墨技巧如人物画的十八描法、山水画的各种皴法为表现物象质感的非常有效的手段。

而油画则因其画种的不同,表现质感的方法亦很相异,以或薄或厚的笔触,画刀刮磨等等具体技巧表现光影、色泽、肌理、质地等等质感因素,追求逼肖的效果。

而雕塑则重视材料的自然特性如硬度、色泽、构造,并通过凿、刻、塑、磨等手段处理加工,从而在纯粹材料的自然质感的美感和人工质感的审美美感之间建立一个媒介。

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