中国美术史读书心得
读《中国美术史》有感
读《中国美术史》有感中华上下五千年，泱泱大国，历史源远流长，文明璀璨光辉，留下了无数让现代人叹为观止、美不胜收的的艺术珍宝与古董文物。
《中国美术史》这本书，十分系统地讲解了中国从古到今、各个年代，各种类别的美术作品，一一详细道来。
这是一本光是看设计典雅、美观精致的封面和背后的简介就足够让人爱上的书籍。
翻开内页，排版美观的文字、配上全彩色印刷的古代艺术品的图案，两者在一起只能用完美来形容。
本书400多页，三十九万字，售价88元，暂且不说文字内容，光凭这图文并茂的印刷就绝对物有值！当然，绝对的，比起排版设计，本书的实质性内容更是引人入胜。
《中国美术史》的作者李霖灿毕生都在研究艺术史，他曾经担任台北故宫博物院副院长，在这座中国数一数二的顶级博物馆里面对琳琅满目的瑰宝古董文化，潜心研究了几十年的古代美术作品，积累了丰厚的学识与人文素养；又在台湾大学等名校中教授中国美术史等艺术鉴赏类课程。
而这本《中国美术史》，可以说就是李老师任教二十载的课程讲义的总结与精华。
《中国美术史》全书涉猎极其广泛，从汉代的画像石，到敦煌的雕塑王国，从上古的铜器到文雅美玉，从泼墨山水画到丹青妙笔的书法，讲解的面面俱到。
全书文笔优美流畅，考据森严，处处引经据典，使得本书具备了极强的专业性。
可以直接当做美术史的教材来使用。
但与此同时，李老的文章内容并不枯燥，而是深浅出地具体介绍了这些美好的艺术作品，让普通读者也能看个通透大量运用成语与引用古诗词等手法，并且并不只是包括美术品本身，还扩展地介绍了作品相关年代的社会背景、涉及人物、创作故事等内容，大大扩充了读者的阅读面，并且还将这些作品与其他美术作品，甚至西方的画作来作以比较，将中西方美术文化碰撞出新的艺术火花，这是非常难得可贵的。
我们都知道，这些艺术作品都是珍贵的古董文物。
所以，只要你认真阅读学习了本书之后，增长的并不只有美术方面的知识，也能大大的提高汉语言文学与历史学的水平！最好是亲身去过收藏这些书里介绍的艺术品的博物馆，观看了实物之后再看书里的解说，会更能深入理解其中的深刻义。
中国美术史纲要观后感
中国美术史纲要观后感《中国美术史纲要》是一本对中国美术历史进行系统性概述的经典著作，通过阅读这本书籍，我对中国美术的发展历程和意义有了更深入的了解，也深感我们中国的美术传统之深厚和独特。
首先，这本书详细介绍了中国美术的起源和演变。
书中提到的古代岩画、甲骨文和青铜器等艺术形式，展示出了我们祖先的创造力和艺术才华。
而后，随着中国社会的演变，美术创作也越来越多样化和丰富化。
从唐宋时期的山水画至明清时期的工笔画，再到现代的油画和新媒介艺术，中国美术一直在不断繁荣发展。
通过书中的描写和分析，我认识到了中国美术的丰富性和多样性。
其次，这本书着重强调了中国美术的独特性和传统文化的影响。
在中华民族五千年的文明中，中国传统文化对美术创作产生了深远的影响。
书中提到的文人画和水墨画等传统绘画形式，体现了中国人对自然的独特感悟和对道德境界的追求。
同时，书中也介绍了中国画的传统题材和意象，如花鸟、山水、人物等，这些题材在中国人的心目中有着独特的地位。
通过阅读这本书，我更加深刻地认识到中国美术的根深蒂固和独特之处。
最后，这本书对中国美术历史的研究成果进行了较全面的归纳和总结，帮助我更好地理解和欣赏中国美术作品。
作者通过对各个时期的代表作品和艺术家的介绍，让我对中国美术史的发展线索和艺术家的贡献有了更清晰的认识。
在阅读过程中，我通过欣赏和理解不同时期的作品，更加感受到中国美术的魅力和艺术的力量。
总之，《中国美术史纲要》是一本重要的文化著作，通过对中国美术的全面概述，让我更深入地了解了中国美术的发展和意义，也让我对我国独特的美术传统感到无比自豪。
阅读本书不仅扩展了我的美术知识，也提升了我的审美水平。
我将继续深入研究中国美术，为传承和发展中国优秀的艺术传统做出自己的努力。
中国美术史读后感
中国美术史读后感《中国美术史》是一本关于中国美术发展历程的著作，它以独特的视角和深入的研究，展现了中国美术在不同历史时期的独特魅力和发展轨迹。
通过阅读这本书，我对中国美术的发展历程有了更深入的了解，也对中国传统文化和艺术有了更深的感悟。
在书中，作者对中国美术的发展历程进行了全面而深入的分析，从古代至现代，从绘画到雕塑，从宫廷艺术到民间艺术，无一不展现出中国美术的丰富多彩和独特魅力。
我深深感受到，中国美术历史悠久，源远流长，是中华民族传统文化的重要组成部分，也是中国人民智慧和创造力的结晶。
在书中，我对中国古代绘画艺术有了更深的了解。
中国古代绘画以山水、花鸟、人物等为主题，通过线条、色彩、构图等手法，表达了中国人对自然和生活的独特感悟。
古代绘画作品中，往往蕴含着丰富的哲理和情感，给人以深刻的启迪和感悟。
通过阅读《中国美术史》，我对中国古代绘画的艺术特点和审美价值有了更为清晰的认识，也更加欣赏和喜爱中国古代绘画艺术。
另外，书中还介绍了中国古代雕塑艺术的发展历程。
中国古代雕塑作品以佛像、石刻等为主要表现形式，通过雕刻和塑造，展现了中国人对宗教和生活的理解和追求。
古代雕塑作品在形式和内容上都具有独特的特点，展现了中国雕塑艺术的独特魅力和审美价值。
通过阅读《中国美术史》，我对中国古代雕塑的艺术特点和历史价值有了更为深刻的认识，也更加喜爱和赞赏中国古代雕塑艺术。
在书中，我还对中国宫廷艺术和民间艺术有了更深入的了解。
中国宫廷艺术以宫廷绘画、宫廷雕塑等为主要形式，展现了中国古代皇室文化的独特魅力和审美情趣；而中国民间艺术则以民间绘画、民间雕塑等为主要表现形式，展现了中国人民的生活和情感。
通过阅读《中国美术史》，我对中国宫廷艺术和民间艺术的艺术特点和历史价值有了更为清晰的认识，也更加欣赏和喜爱中国宫廷艺术和民间艺术。
综上所述，《中国美术史》是一本关于中国美术发展历程的重要著作，通过阅读这本书，我对中国美术的发展历程有了更深入的了解，也对中国传统文化和艺术有了更深的感悟。
中国美术史百题读后感
中国美术史百题读后感
摘要：
一、引言：对中国美术史的概述和读后感
二、中国美术史的主要内容：秦汉时期的美术高峰，魏晋南北朝时期的美术发展
三、中国美术史的意义：提高艺术修养，了解美的历程和信仰，增强艺术品保护意识
四、谢赫的《画品》：六法的提出，传移模写，骨法用笔
五、结论：对中国美术史的学习和读后感的总结
正文：
中国美术史是对美术现象和具体美术作品及其相关历史事实的学术性研究，是各个时代的审美意识和文化特征的体现。
我国作为世界四大文明古国之一，美术史丰富多彩，读后让人深感自豪。
从秦汉时期的大一统大发展时期，到魏晋南北朝时期的美术繁荣，中国美术史呈现出明显的时代特征和审美变化。
秦汉时期的美术作品如大规模的秦俑、汉俑，建筑材料瓦当，画像石砖等，展现了这一时期的独特艺术风格。
魏晋南北朝时期，美术在各领域都有突出表现，绘画、雕塑、建筑等方面均有佳作。
学习中国美术史有助于提高个人的艺术修养和生活品位，从传统中去继承、去借鉴，从而在艺术创作中有所创造和超越。
同时，了解华夏民族关于美的历程、美的信仰、美的起源，有助于增强对艺术品、文物的保护意识。
谢赫的《画品》是我国现存最早的一部完整的绘画品评论著。
其中提出的六法，包括传移模写、骨法用笔等，对我国美术理论发展产生了深远影响。
总的来说，中国美术史是一部值得我们深入研究和学习的领域。
通过阅读和学习，我们可以更好地了解我国美术发展的基本规律，把握各个时期的审美特点，从而提高自己的艺术修养和审美能力。
中国美术史的心得体会
中国美术史的心得体会中国美术史是一部不可或缺的珍贵艺术宝藏，让我深刻领略到中国艺术的博大精深和独特魅力。
通过研究中国美术史，我对中国传统文化的发展演变有了更深层次的理解，也对中国艺术的精神追求和审美特点有了更为清晰的认识。
在整个学习过程中，我从不同时期和不同类型的艺术作品中感受到了独特的审美情趣和艺术表达方式。
首先，中国美术史无疑是一个漫长而丰富多样的历史过程。
从新石器时代开始，我见证了中国艺术悠久的历史底蕴，以及艺术与文明的相互交融。
古代中国以其雄浑壮丽的山川地貌、神秘莫测的自然奇观和博大精深的哲学思想为美术创作提供了丰富的素材。
在中国美术史中，石窟艺术、青铜器艺术和绘画艺术都占据着重要的篇章，其中落款最早的中国画家黄公望的作品更是让我感受到了中国传统绘画的独特韵味。
其次，中国美术史的每一个时代都有其独特的审美特点和艺术风格。
例如，南北朝时期的佛教艺术，我被其繁复的壁画和规矩恢宏的佛像所震撼；宋代的山水画以其精雕细琢的笔墨表现力和崇尚自然的意境给我留下了深刻印象；明清时期的工笔花鸟画则以细腻精巧的技法和细致入微的描绘让我钦佩不已。
每一个时期的艺术作品都是历史的产物，蕴含着当时社会文化、政治环境和人们审美情趣的综合体现。
再次，中国美术史也给我带来了对艺术创作的启发和思考。
中国艺术注重的是意境的营造和表达方式的艺术化，而不仅仅是锦上添花的装饰效果。
在细品中国美术史中的作品时，我注意到很多作品虽然形象极简，无需过多的图像元素或装饰，却能通过简洁明快的线条和线面结合，营造出一种丰富而深邃的意境。
这使我深刻认识到，一个作品要想具有独特的艺术表达和生命力，不仅需要有细腻的技法和精湛的创作能力，更需要有对人生和世界的敏锐触觉和深沉思索。
最后，中国美术史的学习过程也让我更加珍视中国传统文化的瑰宝和独特价值。
中国美术是中华民族智慧和特色的集中体现，其源远流长、博大精深的艺术传统不仅为后世艺术创作提供了丰富的借鉴和启迪，也为当代社会中追求审美快感和精神寄托的人们提供了重要的文化遗产。
中国美术史的学习心得（精选5篇）
中国美术史的学习心得（精选5篇）中国美术史的学习心得篇1学习了《中国美术史》后，我有了很深的感触，了解了祖国灿烂、悠久的美术史。
中国是一个具有悠久的历史文化古国，作为四大文明古国之一，在中国传统美术源远流长，从远古到今留下了丰富的艺术文明。
远古时代即旧石器时代和新石器时代他们艺术的体现在石器的运用和陶器的产生，总而言之远古美术的产生是艺术与实用功能的完美的结合。
从殷商时期由于青铜器的产生便进入了奴隶社会，青铜器在商代最为鼎盛，青铜器的用途大致是：乐器、武器、煮饮工具还有是礼器，礼器是青铜器最主要的功能，因为它象征着皇权，所以当时有些“一言九鼎”等。
春秋战国时期属帛画最为著名，当时的绘画主是引魂升天其其作品有《人物龙凤图》、《人物御龙图》秦始皇统一了六国，在当时最为著名的艺术作品是秦始皇兵马俑，秦始皇兵马俑有步兵，指挥部，浩洗荡荡的显示了秦皇朝的军事力量，其布局严谨，形象逼真!在变化中有统一统一中有变化!魏晋南北南北朝时期，由于战乱人们的思想没有寄托时刻，印度的佛教从西部进入了中国于是在后续的文明历史有出现了有关佛教文化的艺术作品：山西大同云岗石窟，河南洛阳龙门石窟，甘肃天水麦积山石窟，焞煌莫高窟等，在魏晋南北朝时期也出现了很多画家有书书法家，分别是陆探微、张僧繇、顾恺之，王羲之，在绘画方面内容由于玄学的出现有描绘自然风景的，有描绘时空的，有描绘神仙故事的等，在技法上其三杰都做不同的贡献尤其是顾恺之首先提出了“传神”的重要性，克服了前代的说教内容的缺点，扩大了题材的多样性。
隋唐朝时期出现了第一幅真正意义的山水画展子虞的《游春图》,也出现了吴道子曹不兴西域的慰迟已僧等画家有“吴带当风，曹衣出水”的绘画风格的出现,在仕女画的画家有张萱周肪，其历史画家有阎立本五代十国周文矩，顾宏中等宋代时文人画的苗头开始探出苗头，其最著名的有风俗画作品张择端的《清明上河图》。
纵观关于形中国美术史发展中国画中对于山和水的描绘并不是基于客观真实的.首先它没有光影效果,实际上就提出了画面的客观立体感.其次,没有焦点透视,空间表现依靠主观的散点透视和纯艺术的形式把握。
中国美术史读后感
中国美术史读后感《中国美术史》这本书让我对中国美术有了更深入的认识和了解。
作者通过详细的叙述和图文并茂的方式，将中国美术的发展历程呈现在读者面前。
阅读这本书，我第一次明确了中国美术起源于先秦时期的彩陶和古代书画艺术。
这些艺术形式代表了中国古代人民的审美追求和生活方式，同时也体现了对自然万物的热爱和崇敬。
随着时间的推移，中国美术逐渐发展起来，成为中国文化的重要组成部分。
书中详细介绍了历代中国美术的代表作品和代表人物，让我对每个时期的美术风格和表现手法有了更清晰的认识。
例如，唐代的壁画艺术和宋代的山水画深深吸引了我。
唐代的壁画作品丰富多彩，充满动感和生活气息，而宋代的山水画则形成了独特的艺术风格，注重意境和心灵的表达。
这些作品不仅反映了当时社会的状况和人民的生活，更是中国美术史上的经典之作。
阅读这本书，我还了解到了中国美术史上的一些重要事件和学术争议。
例如，三皇五帝时期的玉器艺术、夏、商、周时期的青铜器艺术以及明清时期的宫廷绘画等。
这些事件和学术争议不仅丰富了中国美术的发展历程，也揭示了中国美术学界的思想观点和创作理念。
对我来说，这是一些全新的知识，让我对中国美术有了更深刻的认识和理解。
从中国美术史的发展来看，中国美术在不同的时期和地域都形成了独特的艺术风格和表现手法。
这种多样性让我对中国美术的丰富性和独特性有了更深入的认识。
无论是山水画、花鸟画还是人物画，每一种艺术形式都有自己独特的表现方式和内涵，都能够深深吸引观众的目光。
这也让我对中国美术有了更深刻的认识和理解。
总的来说，《中国美术史》这本书让我对中国美术有了更全面、更深入的了解。
通过详细的叙述和丰富的图片，我了解到了中国美术的起源、发展历程和表现方式。
这本书打开了我对中国美术的大门，让我对中国美术充满了兴趣和热爱。
我希望通过进一步的学习和探索，能够更好地欣赏和理解中国美术的魅力。
中国美术史读后感
中国美术史中国是世界四大文明古国之一, 美术史是对美术现象和对具体美术作品及与之相关的历史事实的学术性研究, 是各个时代的审美意识和文化特征, 所以应把握美术史发展的基本规律。
时代在变, 同样美术史发展进程中审美观念也在变化着。
秦汉是中国美术史第一高峰, 秦汉时期是在我国历史上第一次大一统大发展时期, 政治经济文化全面发展空前繁荣。
秦汉有大规模的秦俑和汉俑, 秦汉代的建筑材料瓦当也很出名, 画像石砖也是这一时期独一无二的。
篆刻也也是这时出现的。
还有墓室壁画帛画。
封建社会, 经过战国的孕育催发期, 至秦始皇统一六国而正式确立。
可惜好景不长, 从公元前221年秦始皂正式建秦至公元前206年秦子婴投降刘邦, 秦政权只维持厂十几年。
但开创封建制度, 以及为封建文化奠基之功, 永昭史册。
汉承秦制, 两汉四百多年的统一局面, 为社会的进一步发展创造了良好的条件。
新兴地上阶级登上历史舞台, 显示山朝气蓬勃的、旺盛的生命力。
封建经济、文化以奴隶制无法比拟的速度飞速发展。
美术咀取得了长足的进步, 建筑、雕刻、工艺、绘画、书法等等, 全面繁荣。
秦汉建筑实物虽多已不存, 但通过文献记载及少量遗迹, 可约略知其汉模。
西汉开国宰相萧何提出的“非壮丽无以重威”的思想, 成为汉代以后2 000多年来中国皇家建筑的最高美学准则。
秦汉雕刻尤其是秦始皇陵兵马俑、汉霍去病基石刻群, 成为秦汉大剧纪念性雕刻的杰出代表, 它们为后世中国的雕刻艺术树立了写意与写实两种风格的典范, 秦汉工艺美术咀鲜明地反映出华贵、粗犷、质朴的时代精种风貌, 其中尤以漆器、纠绣工艺最为突出秦汉绘画也迈上了历史的新台阶, 流传下来的大量画像砖、画像石, 多方面地反映了当时的社会生活, 其真实性、广泛性是丰前的, 汉墓帛画更显示出汉代工匠高超的绘画技巧。
秦篆、汉隶继商周金文之后, 成为中国书法史上又一个里程碑。
中华文化源远流长, 中国美术更是精彩纷呈, 太多的迷, 太多的事, 都值得我们去推敲, 去拜读。
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中国美术史学习心得
职称：美术教师
作者：鲍小茹这学期我学习了中国美术史的读书摘后中感受，通过这段时间对中国美术史的学习和认识，了解了祖国灿烂、悠久的美术史，并有了很深的感触与心得。
中国是一个具有悠久的历史文化古国，作为四大文明古国之一，在中国传统美术源远流长，从远古到今留下了丰富的艺术文明。
远古时代即旧石器时代和新石器时代他们艺术的体现在石器的运用和陶器的产生，总而言之远古美术的产生是艺术与实用功能的完美的结合。
如当时人们劳动的工具生活的工具都是劳动的产物，可以说是来源于劳动的。
在新石器时代其文化发源于黄河流域那便是彩陶，其类型有半坡型彩陶，庙底沟型彩陶其最著名的是青海大通孙家寨出土的《舞蹈纹彩陶盆》其主题其唇部及内外壁均有彩绘：主题纹样由三列相同的舞蹈场面组成。
每组五人，手拉手跳舞，排列整齐，动作协调，面向左侧，两腿略有弯曲，呈踏歌状，下体的尾饰甩向左侧。
场面欢快热烈，描绘简略稚拙，却又清晰动人。
除了彩陶山东的黑陶也有着别具一格的灿烂文明！
从殷商时期由于青铜器的产生便进入了奴隶社会，青铜器在商代最为鼎盛，青铜器的用途大致是：乐器、武器、煮饮工具还有是礼器，礼器是青铜器最主要的功能，因为它象征着皇权，所以当时有些成语
“一言九鼎”等。
青铜器由于具有礼器的性质，所以在造型上和纹上显示特别的狰狞，其用意是体现皇权的威力与至高无上的政治特征。
最著名的有《司母戊大方鼎》其重875公斤，也是我国历史上最重的青铜器。
春秋战国时期属帛画最为著名，当时的绘画主是引魂升天其其作品有《人物龙凤图》、《人物御龙图》
秦始皇统一了六国，在当时最为著名的艺术作品是秦始皇兵马俑，秦始皇兵马俑有步兵，指挥部，浩洗荡荡的显示了秦皇朝的军事力量，其布局严谨，形象逼真！在变化中有统一统一中有变化！
魏晋南北南北朝时期，由于战乱人们的思想没有寄托时刻，印度的佛教从西部进入了中国于是在后续的文明历史有出现了有关佛教文化的艺术作品：山西大同云岗石窟，河南洛阳
龙门石窟，甘肃天水麦积山石窟，焞煌莫高窟等，在魏晋南北朝时期也出现了很多画家有书书法家，分别是陆探微、张僧繇、顾恺之，王羲之，在绘画方面内容由于玄学的出现有描绘自然风景的，有描绘时空的，有描绘神仙故事的等，在技法上其三杰都做不同的贡献尤其是顾恺之首先提出了“传神”的重要性，克服了前代的说教内容的缺点，扩大了题材的多样性
在平列式构图中对人物关系的处理体现了人的情思及精神状态，其画法与画理均体现了现实主义的美学特征。
其代表作品有《洛神赋》《烈女传》《史女箴图》。
隋唐朝时期出现了第一幅真正意义的山水画展子虞的《游春图》,
也出现了吴道子曹不兴西域的慰迟已僧等画家有“吴带当风，曹衣出水”的绘画风格的出现,在仕女画的画家有张萱周肪，其历史画家有阎立本
五代十国周文矩，顾宏中等
宋代时文人画的苗头开始探出苗头，其最著名的有风俗画作品张择端的《清明上河图》
苏轼，方同等
元明清时期是文人画发展的最高峰时期其形式是诗书画印，诗情并茂！
纵观关于形中国美术史发展中国画中对于山和水的描绘并不是基于客观真实的.首先它没有光影效果,实际上就提出了画面的客观立体感.其次,没有焦点透视,空间表现依靠主观的散点透视和纯艺术的形式把握.山的走向,树木怎么长,长在什么地方,石头用什么质地的表现,都是主观抽象的.既然失去了光影和焦点同时法则,失去了西方风景画的空间关系,那么,山和树和水的表现也就变成了一种符号.在中国传统绘画教学传统中,临摹是主要手段《芥子园画谱》便是把各种物体做了最为主观最为抽象的概括,使之程式化和符号化,山石的皱法有荷叶皱,披麻皱,斧劈皱等不同形式,树叶有"个"字点,圆叶点.都是具有中国传统精神的符号系统.后人学习就从这些符号开始,在符号系统内进行再创造.
关于色中国画没有应用科学的色彩分析法,讲究主观壅塞,大多数就是单色黑白关系.但是这种黑白关系有着很强的新联诗, “运墨而
五色具 .”“五色”说法不一,或指焦、浓、重、淡、清；或指浓、淡、干、湿、黑；也有加“白”,合称“六彩”的.实际乃指墨色运用上的丰富变化.清代林纾用等量的墨汁，放置在五个碗内分别加以不等量的清水，用以作画来区分浓淡，理解不免机械。
所谓墨分五色,即黑白关系蕴藏着丰富而抽象的色彩关系.即使青山绿水画也是极为主观的用色而非真实的用色.就连最为写实的工笔画也只是描绘物象的固有色,而不是科学的光影环境色,从理论上说仍是主观的. 墨彩中的清而有神.是由其它深浅不同的墨彩衬托出来的.换句话说,也就是在一幅画的空白部分,画出某种事物的清淡影子,而这清淡影子,在这幅面面上却具有极其重要的表现价值,它反映着某一时间空间的特点,使看的人深入画里,想像着这些影子里,埋藏着许许多多的事事物物.所以我们对这种画,认为是有余不尽,耐人寻味的(如图二).这样的墨彩画完全符合我们对好的抽象画的理解和要求.
关于标准中国画强调纯艺术的,合乎法则的生机勃勃的美,而不是所谓逼真的美. “六法者何?一气韵生动是也,二骨法用笔是也,三应物象形是也,四随类赋彩是也,五经营位置是也,六传移模写是也. ”这种标法主要是根据唐代美术理论家张彦远《历代名画记》的记述:“昔谢赫云：画有六法：一曰气韵生动，二曰骨法用笔,三曰应物象形,四曰随类赋彩,五曰经营位置,六曰传移模写.”“气韵生动”或“气韵,生动是也”,是指作品和作品中刻画的形象具有一种生动的气度韵致,显得富有生命力.气韵,原是魏、晋品藻人物的用词,如“风气韵度”、“风韵遒迈”等,指的是人物从姿态、表情中显示出的精神气
质,情味和韵致.这也正说明了它应用抽象绘画形式的一面. 如说“气韵有发于墨者，有发于笔者”, “气关笔力,韵关墨彩”.这已不是谢赫原意，而是后代艺术家、理论家根据自己的体验、认识对气韵的具体运用和新的发展。
气韵与传神在说明人物形象的精神特质这一根本点上是一致的,气韵则更多的指人物的全体尤其姿致谈吐所传达的内在情性,或者说内在情性的外在化.在谢赫时代,气韵作为品评标准和创作标准,主要是看作品对主体表现的因素，气韵就指的是作为主客体融一的形象形式的总的内在特质了.能够表现出物我为一的生动的气韵，至今也是绘画和整个造型艺术的最高目标之一.。
我们常常为中国悠久的文明、精湛的艺术感到骄傲.诚然,祖先智慧与经验的结晶,是我们宝贵的财富,但不应该成为艺术创作的禁锢.宋人为躲开唐诗这座高峰的阴影,独辟蹊径——作词；元代文人更抛开诗律与词牌——制曲.循规蹈矩或许不功不过,但久而久之,便会使原本鲜活的艺术僵化.“创”，是艺术领域里永恒的话题.。