论美术作品的形式解构
毕加索立体主义时期绘画作品的表现形式及影响
毕加索立体主义时期绘画作品的表现形式及影响立体主义，也被称作为“立方主义”，是20 世纪最有影响力的艺术风格之一，毕加索主张通过解析重构和错位等形式来表达艺术家的个人意志，立体主义和立方主义中的“立体”和“立方”并不是指传统意义上的体积感和纵深感，而是运用一定的绘画手法将对象做出改造。
它不限于一个固定的角度，而是把多种视角的画面进行结合，形成一个包含原对象的诸多元素和成分的全新对象。
立体主义从根本上打破了长期以来的艺术倾向，试图在二维的画布上从固定的视角创造真实的三维空间的幻觉，强调画布的二维性质，而不是创造深度的幻觉。
这种绘画方式并没有使用透视法，而是以不同的方式通过对色调(光和影)的运用，将物体分解成不同的平面，在同一时间、同一空间中展示不同的视角，既暗示了它们的三维形态，又指向了画布的二维平面。
一、毕加索立体主义风格的形成巴勃罗·毕加索（1881—1973）出生于西班牙的牙马拉加，天才、任性、高产等词可以用来形容他的一生。
他在绘画的方式上自始至终追求新鲜事物，不断地突破自我和传统理念。
毕加索的艺术生涯长达79 年，他在绘画、雕塑、陶瓷、诗歌、写作等多个方面都取得了显著的成就，成为了20 世纪最著名的艺术家之一。
毕加索的创作风格在他的一生中经历了数次改变，他常在“蜕变”中寻求创新，这种蜕变即融合，他经常把各种绘画理念、手法、风格掰开揉碎再进行融合。
立体主义起源于1905 年，由巴勃罗·毕加索开创，在西方现代艺术中，它作为一个引起了重大影响的运动和画派，带领许多艺术家从传统的透视画法转变到了一种全新的绘画风格。
但立体主义的产生并非偶然，更多的是必然结果下的产物。
一是受到当时社会客观因素的发展的影响，人们开始去透过表面，去描绘肉眼未必能够看见的东西，艺术不再照搬照抄现实事物，而是去发现所描绘的物体的本质，借助这种洞察力来获取对物体的真实情况的掌握。
二是摄影技术的不断进步迫使绘画风格开始变化，毕加索在这个时期很自如地运用了摄影的多种曝光，把不同时刻、不同地点的对象聚集到一起，引发自身对时间、空间的思考，这一特征在之后作品中也有体现。
论立体主义绘画与解构主义建筑的形式美感
着侧面的鼻子，而侧面的脸上倒画着正面 （Ｆｒａｎｋ·Ｏ·Ｇｅｈｒｙ）被认为是世界上第一 的正是这种审美意趣。
的眼睛，不同角度的视像被结合在同一个 个解构主义的建筑设计家。他的设计把完
从此意义上看，立体主义绘画和解
形象上。在这里，毕加索打破了人们眼中 整的现代主义、结构主义建筑整体打破， 构主义建筑打破了正统的现代主义设计
美国现代主义大师查尔斯·莫尔１９９４
形式美感是艺术家在创作的过程中通 蒋晓雩 武汉理工大学
０７６
的少女》、《镜前的女人》，布拉克的《单簧 表作。在图中，我们看到的不再是笔直的 人一种新奇的感官刺激。解构主义不仅褒
管》等许多作品就具有这一特点。
墙面和规则的窗户，到处体现出反传统的 扬了思想比形式重要这样一种价值，同时
毕加索的《亚维农的少女》是第一件 扭曲的几何形态，用优雅的曲线形、夸张 也从反造型和反美学角度张扬了另一些反
空间的感觉。但毕加索通过块面的虚实变 基本部件，认为基本部件本身就具有表现 无政府主义，或者随心所欲，而是具有重
化，力求使画面保持平面的效果，从而使 的特征，完整性不在于建筑本身总体风格 视内在结构因素和高度整体性考虑的特
画面具有某种完整性与连续性。
的统一，而在于部件个体的充分表达。虽 点。这种突出差异性，强调个性的艺术风
二、解构主义建筑的差异之美
然他的作品基本都由几何形随意拼构，看 格， 为后来的平面设计、产品设计以及建
不均衡包括的另一种形式美的规律就 似无逻辑，却在整体上构成了一种均衡的 筑设计带来了新的灵感。而突出差异性，
是对比，不均衡的作品最易表现的是个性 形式感，这些由几何形体的分解组合所带 强调个性正是现代艺术发展的生命所在，
分析立体主义的作品。画中体现了画家独 的斜立面体现直线和曲线对比、玻璃与墙 价值，比如错置比秩序重要，差异比同质
创造与重生——浅谈绘画中的解构与重构
一、解构与重构画面的意义解构一词起始于现代主义运动中的解构主义，它涉及了哲学、语言学、美学等诸多方面。
在艺术领域中主要是指后现代主义的思维形态。
解构就是意味着突破原有的系统，打开其封闭的结构，排除其本原和中心，消除其二元对立。
另一方面意味着将瓦解后的系统的各种因素暴露于外，看看它隐含着什么，排除了什么，然后使原有因素与外在因素自由组合，使它们相互交换、相互重叠，从而产生一种无限可能性。
我们所熟悉的模仿再现的模式，即写实性绘画对现实自然结构的模仿，是他律的。
重构性的形式语言，其所遵循的创作观念是“形式自律”和“主观创造”。
它可以满足艺术家的创造欲望，充分释放艺术家的创造潜力，发挥艺术家的自主创造力，在作品中将自然形象解构，重新组织画面结构，建构一种非写实的全新的艺术形象，这对于艺术创作来讲有着十分重要的现实意义。
二、简化是重构画面的重要途径▲减法的过程在现实对象中所呈现的因素常常是多方面的，包括点、线、面、外形、光影、质感等，绘画写生中的解构就是对客观物象的简化与抽离。
其中简化是必然的方法手段，就是把物象复杂多样的外部形态组织在一个单纯统一的结构程序中，使自己要传达的意图用最明确的方式表现出来。
抽离，就是将隐含在对象中纯粹的形式结构因素抽取和分离出来。
这里的解构是要将形式元素从自然形态中抽离出来，用简化的方式加以表现。
其实，早在解构、重构的观念被提出之前，就早已出现类似解构与重构的形式。
比如中国的龙的形象就是将现实世界里的很多动物的形象进行解构删减，只将其寓意强势的、美好的部分重构在一起，这样全新的龙的形象便产生了。
中国龙的形象具备了鹿角、虎眼、狮鼻、牛耳、鹰爪，就这样新的和谐形象诞生了，并被赋予了超越现实非凡的意义。
当然，这是一种无意识的解构与重构。
在这里简单地讲，解构就是把原结构解体肢解还原成每个局部的基本原始单位，重构就是把原结构解体肢解还原成每个局部的基本原始单位重新组合，构成一个全新的、不同于以前的新物体结构。
高二【美术(人教版)】纯粹的构图(解构与重构)-教学设计
围内的图像组织方式起到非常重要的影响，同时也对建筑、服装、家具、平
面设计等有深远的影响。
3
1.探讨构图的本质是平衡，学生通过拼贴和绘画的实践活动得出结论。
新 构图的平衡不能被打破。
课
教师归纳：画面中每个物象都应呈现其特有的分布状态。画面中
5
讲
解 每个形状、位置与方向都有着重要的关系，任何内容都不允许有任
纸
的 马 蒂5 斯
6
何改动的状态。抽象绘画并不是作者的肆意而为，而是遵从客观物
象的简化与抽离。
传统的绘画产生了怎样的影响出发，探讨纯粹的构图。学生通过观看、识别和解读艺术作
品，理解构图的本质，形成图像识读素养;通过讨论和交流，培养审美判断素养;通过对多个
画派的学习和创意实践，以及课后小结，培养创意实践和文化理解素养。
教学重点：理解构图的本质是平衡，理解结构主义在绘画中的意义。
教学难点：学生通过学习解构与重构知识，用自己认为理想的方式组织画面，加强对构
以蒙德里安《红色的树》为例，到《灰色的树》，再到《蓝、灰和粉红色的
构成》，运用线与色的创作，实现了纯粹的形象解构与重构。 归纳：蒙德里安从具象艺术中逐渐提炼的物体，实现了纯粹的形象
解构与重构
5.技法点击栏目展示了对发动机的解构与重构的过程，有向大师杜尚学
习和致敬的影子。与杜尚的作品《从楼梯上走下来的裸女》有相似之处。
作
业
7.作品展示，教师点评。同学们完成的作品，非常不错，都有从自己独特
评 的视角出发，达到了构图均衡的效果，为他们的作品点赞。 价
通过本课的学习，你们有哪些收获呢?
小
我们了解到 20 世纪抽象绘画的诞生，大大推进了绘画的发展。同时，
艺术作品分析
艺术作品分析艺术作品是一种独特的表达形式，通过艺术家的创造力和想象力，传达出深刻的情感、思想和观点。
本文将通过对一件具体艺术作品进行分析，探讨其艺术形式、主题和观众的可能解读。
首先，让我们来分析这件艺术作品的形式。
这件作品采用了绘画的形式来表达艺术家的创意。
绘画通常使用颜料、画笔等工具，在画布上或其他媒介上创作出形象、色彩和纹理等元素。
此外，该作品以抽象表达形式为主，与传统的写实绘画形式有所不同。
抽象主义追求表达情感和内在精神，注重形式和色彩的自由解构。
因此，我们可以观察到这件作品中的形状模糊、色彩丰富、线条自由流动，给人一种抽象的感觉。
其次，让我们探讨一下这件艺术作品所传达的主题。
艺术作品的主题往往是艺术家对生活、社会、哲学或个人情感的思考和表达。
通过观察这件作品，我们可以注意到一些重要的元素和符号。
例如，作品中出现了大量的弯曲线条和交错的几何形状，这可能代表着动态和变化。
此外，作品中使用了大胆和鲜明的色彩，例如红色、蓝色和黄色，这些颜色可能与情感、能量和对比有关。
此外，观察作品的整体构图和布局，我们可以推测出艺术家可能试图表达一种对生活的抽象理解，或者传达一种情感或情绪。
最后，我们考虑观众对这件艺术作品的可能解读和审美体验。
艺术的意义和价值往往是主观的，不同的观众可能会有不同的理解和感受。
对于这件抽象艺术作品来说，观众可能会有各种各样的观点和解读。
一些观众可能会从形状、色彩和线条中感受到一种与自然和谐的美感，而另一些观众可能会将其与个人情感和经历联系在一起，产生共鸣。
此外，一些观众可能会试图从作品中寻找一种隐含的象征意义或文化内涵。
总之，观众的解读是多样且个人化的，这也是艺术作品的魅力所在。
综上所述，艺术作品是一种独特而多样化的表达形式，通过形式、主题和观众的解读共同构建一种美学体验。
通过对一件艺术作品的形式、主题和解读进行分析，我们可以更好地理解艺术家的创作意图，并从中获得更深层次的思考和感受。
小学美术《构图分析方法》教案
1.理论介绍：首先，我们要了解构图的基本概念。构图是指在画面中合理地组织线条、形状、色彩等元素，使之形成和谐、有节奏的画面。它是美术创作中不可或缺的一部分，能够有效提升作品的艺术效果和感染力。
2.案例分析：接下来，我们来看一个具体的案例。这个案例展示了构图在实际中的应用，以及它如何帮助我们解决问题。
三、教学难点与重点
1.教学重点
-构图基本原则：对称、均衡、对比、重复等是本节课的核心内容，教师需详细讲解并举例，使学生理解其在构图中的作用。
-对称：如轴对称、中心对称，强调画面的整齐与和谐。
-均衡：分为静态均衡和动态均衡，讲解如何使画面元素在视觉上达到平衡。
-对比：大小、明暗、色彩等对比手法，增强画面的视觉效果。
二、核心素养目标
本节课的核心素养目标主要包括：培养学生对美术作品的审美感知能力，通过分析不同的构图形式，使学生能够感受到作品的美感；提升学生的美术创新能力，鼓励他们在构图实践中尝试新方法，形成个人独特的艺术风格；加强学生的美术表现力，通过掌握构图技巧，使学生在创作中更准确地表达自己的思想情感；提高学生的美术鉴赏能力，学会评价和分析他人作品中的构图优点及不足，培养批判性思维。这些目标与新教材要求相契合，旨在全面提升学生的美术学科核心素养。
小学美术《构图分析方法》教案
一、教学内容
本节课选自小学美术教材《构图分析方法》章节，主要包括以下内容：构图的基本原则，如对称、均衡、对比、重复等；常用的构图形式，如直线式、曲线式、放射式、框架式等；构图中的空间处理，如何利用空间关系使画面更具层次感；构图中的色彩搭配，探讨色彩在构图中的作用及其搭配方法。通过本节课的学习，学生将掌握构图的基本方法，培养他们在绘画过程中主动运用构图知识，提高作品的艺术表现力。
美术作品说明用文字解读艺术之美
美术作品说明用文字解读艺术之美艺术无疑是一种独特而美妙的语言，通过艺术作品，艺术家用各种形式的表达手法，将内心世界与观察世界的能力融入其中，向观者传递无声的情感和思想。
然而，对于大多数人而言，并非每一件艺术作品的深刻内涵都能轻易理解。
因此，文字解读艺术作品的作用变得至关重要。
本文将以文字说明的方式解读一幅抽象艺术作品，揭示艺术之美。
1. 背景介绍这幅抽象艺术作品创作于20世纪初，由著名艺术家XXX创作。
整幅作品采用鲜明的色块和流畅的线条，借鉴了立体主义和未来主义的表现方式，以展现人类面对现代工业社会的不安和迷茫。
2. 色彩运用作品中运用了大胆而鲜明的色彩，如红、蓝、黄等。
这些色彩充满活力，表现出作者对生命的热情和激情。
同时，色彩的对比与碰撞营造出一种戏剧性的效果，使整幅作品充满了动感和张力。
3. 线条表达线条在这幅作品中扮演着重要的角色。
艺术家运用了流畅而曲线的线条，使得整幅作品产生了一种流动感和节奏感。
有些线条像流水一般穿梭其中，有些则形成了有机的结构和图案。
这种线条的组合，给人一种动态、变化和解构的感觉。
4. 主题阐述这幅作品无疑传递了现代社会的冲突与压力。
鲜明的色彩与扭曲的线条表达了人类在现代化过程中的不安和不确定感。
同时，作品中的构图和形式探究了人类与技术的关系，暗示了科技进步给社会带来的种种挑战。
5. 情感联结通过使用抽象的形式和表现手法，艺术家将自己的情感与观者的情感相连接。
观者可以在作品的色彩、线条和形状中，找到自己的情感共鸣。
这种情感的交流，拉近了观者与作品之间的距离，使人们对艺术作品产生更深入的理解和感受。
6. 个人解读每个人对艺术作品的理解都可能有所不同，因此，我个人对这幅作品的解读也有自己的见解。
我认为，这个作品传达了对现代生活方式的反思和质疑，艺术家通过抽象的手法表达了对现代社会中人类角色和自我认同的困惑。
作品中的色彩和线条表达了个体与大众之间的紧张关系，启发了人们思考自身在现代社会中的处境。
解构素描模版
解构素描模版
素描是绘画艺术中的一种基础技法，它通过简单的线条和阴影来表现物体的形
态和结构。
解构素描模版则是在传统素描技法的基础上，通过对物体形态和结构的重新理解和重新构建，以达到更加抽象和有趣的效果。
解构素描模版的创作过程并不是简单的模仿现实物体的外形，而是通过对物体
进行分解和重新组合，使得原本的形态和结构被重新演绎和重新诠释。
这种创作方式不仅能够挑战传统的艺术观念，还能够激发艺术家的创造力和想象力。
在解构素描模版的创作中，艺术家可以选择各种不同的物体作为创作对象，比
如水果、建筑物、人物等等。
通过对这些物体的形态和结构进行重新分析和重新构建，艺术家可以创造出极具个性和表现力的作品。
解构素描模版的创作不仅仅是一种艺术表现方式，更是一种对现实世界的重新
思考和重新构建。
通过这种创作方式，艺术家可以打破传统的束缚，挑战观众的审美观念，从而引发更加丰富和深刻的思考。
总的来说，解构素描模版是一种极具创造力和想象力的艺术创作方式，它不仅
能够丰富艺术作品的表现形式，还能够引发人们对现实世界的重新思考和重新理解。
希望更多的艺术家能够尝试这种创作方式，为艺术世界带来更多的新鲜和有趣的作品。
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论美术作品的形式解构
内容摘要：文章论述了美术形式在艺术作品中的重要作用, 说明了审美形式在美术创作中的独立性，从某种意义上说，“形式”触及到了现代美术的情感“意味”。
关键词：形式意味符号学
所谓“形式”就是指物体的形状、色彩等感性外观。
在美术作品中，它主要指形状、线条、构图、轮廓、音韵，节奏旋律等感性外观。
我们可以从两个方面理解它的意义：首先，从艺术构成性的角度看，“形式”是美术的基本性因素。
对任何美术家而言，如果不能将现实及其头脑中的意象、理念通过一定的形式表现出来，艺术品就不可能形成，所以说形式是构成美术作品的最基本的要素。
罗丹的雕塑、毕加索的画，正是“形式”将艺术品元素组织成一个完整的整体，使他们的艺术具有无限的生机和无穷的魅力。
画家用线条、色彩来构思创作，雕塑家要把他脑中的意象实际体现出来，就必须依靠体积、结构、块面、比例、轮廓、尺寸等雕塑形式因素为媒介。
苏珊·朗格说：“一切艺术都是创造出来的表现人类情感的知觉形式。
”美
术首先是以它的形式结构存在，并以此种存在方式为知觉感知。
在美术作品创作中，人们常将颜色、线条、构图、尺寸、音响、舞姿、动态等表现手段称为形式，美术家运用独特的形式来进行艺术创作，从而使得这门艺术具有独特的美学特性和艺术特征。
在上世纪20年代初，罗杰·弗莱将绘画形式具体归纳成几个方面
的因素，即线条的节奏、团块、空间、光影、色彩、比例、尺寸、肌理、结构等因素。
形式主义批评家罗杰·弗莱关注“触及到我们的眼睛”的东西，即“作品本身”。
他将艺术作品本身及其形式视为一个能够激发人的美感的有机整体。
罗杰·弗莱
认为，真正的画家不受理性认识和实际价值的影响，而是用儿童一样的眼睛表现世界。
中国的美术批评也注重形而上的“神韵”，注重作品形式中的韵律与节奏，宋代苏轼就提出了著名的论断：“论画以形似，见与儿童邻。
”
早在2000多年前，亚里斯多德就强调了“形式”的作用，他指出一切事物的成因有4种：材料因、形式因、创造因和动力因。
“形式因”就是赋予质料以形式，使事物由潜能转化为事实。
他揭示了这样一个真理：形式在美术的构成中具有无穷的、神秘的魅力。
在西方绘画史上这一点表现得更为明显，每一位艺术大师都以其独特的形式表达着他对世界、人生以及艺术的理解。
如毕加索，他始终以令人惊叹的勇气和智慧进行自我超越，不断进行着形式的创造和革新，正是在形式上的不断探索和超越，毕加索的艺术才得以常新。
美术的形式不仅使艺术成为可能，而且美术形式的点、线、面、色彩、节奏等都具有独立的美学意义，形式具备自身的美学特质。
中国的文人画等经典艺术之所以面临改革的景象，原因之一就是它们已成熟为一种“范式”。
在中国画中，朴拙浅淡的线条，墨色淋漓的色彩，它本身就意味着某种淡远素朴的情怀或豪迈放达的情感。
美术形式处在不断变迁、演化的过程中，形式使得艺术多姿多彩，同时它又使人们形成了特定的、程式化的审美习惯。
其实无论形式如何发展变化，它对艺术发生作用的方式不外两种：一是有机形式，一是抽象形式。
用柏拉图的话说，
就是相对形式和绝对形式。
形式的审美意味，不只表现在它使人的感官得到愉悦，还表现于在移情的作用下，虽然它本身是纯粹的形式结构，但这结构可以具备生命形式，阿恩海姆将这种现象称为“异质同构”，即感知形式表达出的内容与心理情感产生同构，因而具有情感力量。
从这一角度说，纯粹形式美的意味，是离不开社会性的心理情感的，它表面上是感官的愉快，其实质是情感心理的积淀。
形式的美感是感官上的愉悦，但每一种形式，都蕴含着一定时代历史的审美文化的趣味。
西方巴洛克、洛可可的美术形式风格，都与当时的时代审美风尚分不开，社会“通过艺术形式层、诉诸感知，构造着时代社会的心理本体，同时，反过来说，这一时代的社会心理情感本体，也就凝练地呈现在艺术作品的形式感知层中”。
正是因为形式本身蕴含着一个时代的文化风格的审美意味，美术家在追求纯粹形式美感的同时，必须努力增加它的历史文化内涵，使形式的美感更隽永深沉。
随着各门艺术的发展，美术形式越来越引起美学家和艺术理论家的注意，早在上世纪初，意大利美学家克罗齐就讲过，艺术是人类最基本的语言形态。
从上世纪30年代开始，美国哲学家苏珊·朗格创立了哲学符号学。
苏珊·朗格给艺术下了个定义，她认为：“艺术是人类情感的符号形式的创造。
”艺术是表现人类情感的符号形式。
英国著名艺术理论家克莱夫·贝尔在他产生了很大影响的《艺术》一书中，提出了“艺术乃是有意味的形式”的论点，成为世界各国美学界最流行的口头禅。
他说：“在各个不同的作品中，线条、色彩以某种特殊方式组成某种形式或形式之间的关系，激起我们的审美感情。
这种线、色的关系和组合，这些审美感人的形式，我称之为…有意味的形式‟。
…有意味的形式‟就是一切视觉艺术的共同性质。
”
从某种意义上说，贝尔深刻地触及到了现代美术的情感“意味”和“形式”之间的微妙关系，这种关系是难以言说的，因此，贝尔也只能将之归于一种神秘主义的原因。
在塞尚、毕加索、康定斯基的画里，我们都能领会到一种动荡不安的激情。
在形式背后，隐晦地表露出他们对人生、世界的看法。
“有意味的形式”是西方现代美术的特征，这种“意味”已经揭示出现代美术形式的原理。
它或许指美术家所要表达的哲学观念，或某种瞬间的激情，或仅仅是无意识表达，但它决不是草率的胡乱涂抹，也不仅仅只是让形式给人带来视觉上的新潮感。
形式本身的确蕴含着生命力，蕴含着整个宇宙的生命之道。
这种“有意味的形式”，在中国的绘画和书法中表现得非常明显。
中国山水画的形式是抽象简洁的，“逸笔草草，不求形式”，中国画的笔墨本身就体现出画家的人生情趣和宇宙意识。
从中国画的笔墨中，我们可以领会到一种虚无的人生境界和对“道”的诠释，这也许就是“有意味的形式”。
参考文献：
[1]苏珊·朗格著《艺术问题》. 滕守尧、朱疆源译，中国社会科学出版社，1983年版。
[2]李泽厚著《美学三书》.安徽文艺出版社，1999年版。
[3]彭吉象著《艺术学概论》.北京大学出版社，1994年版。
（发布时间:2009-01-22）。