天津音乐学院考研复习资料 西方音乐史 名词解释
西方音乐史名词解释
西方音乐史名词解释西方音乐史是指西方世界中音乐的发展和演变的历史。
以下是一些与西方音乐史相关的重要名词解释：1. 古典音乐(Classical music)：古典音乐是指源自欧洲古典主义时期的音乐，大约从18世纪中期到19世纪末期。
它以它对称、和谐、对位法和较为规范的音乐形式为特征，作曲家包括贝多芬、莫扎特和海顿等。
2. 巴洛克音乐(Baroque music)：巴洛克音乐是指大约从17世纪后期到18世纪初期的音乐，它以装饰性复杂、宏伟和宗教意义为特点。
巴赫和韦瓦第是巴洛克音乐的代表作曲家。
3. 浪漫音乐(Romantic music)：浪漫音乐指19世纪音乐的风格，它强调个人情感、唯美主义和自然的表现，同时也注重对乐器的技术和音色的探索。
肖邦和舒伯特是浪漫音乐的代表作曲家。
4. 声乐(Vocal music)：声乐是指以人声为主要演奏工具的音乐形式。
在西方音乐史中，在中世纪和文艺复兴时期，宗教圣歌和合唱曲是最重要的声乐形式。
5. 交响乐(Symphony)：交响乐是指由管弦乐团演奏的四个乐章的大型乐曲。
贝多芬、莫扎特和海顿写作了许多重要的交响乐作品。
6. 管弦乐(Orchestral music)：管弦乐是指由管弦乐团演奏的音乐。
它包括弦乐器、木管乐器、铜管乐器和打击乐器等不同类别的乐器。
7. 协奏曲(Concerto)：协奏曲是指由独奏乐器和管弦乐团共同演奏的音乐作品。
独奏乐器与管弦乐团之间的对话和竞技是协奏曲的特点。
8. 轻音乐(Light music)：轻音乐是指通俗音乐，常常用于娱乐和放松。
它包括爵士乐、流行音乐和电影配乐等多种风格。
9. 篇章(Motif)：篇章是音乐中的一个小节或乐句，其被重复使用以创造主题或主要动机。
10. 复调(Polyphony)：复调是指多个独立的声部同时演奏，它是巴洛克音乐中的一种特色。
11. 调式(Tonality)：调式是指西方音乐中音乐中心音和音乐结构的关系。
西方音乐史名词解释
1、清唱剧由宣叙调、咏叹调、重唱与合唱组成的宗教声乐套曲，16世纪末诞生在教堂的祈祷厅里，采用宗教题材，用拉丁语或意大利语演唱。
罗马作曲家卡瓦里埃利1600年写作的《灵魂与肉体的表现》常被称作第一部清唱剧，卡里西米为现代清唱剧的形式确立做出重要贡献，亨德尔创作了大量优秀的清唱剧，代表作有《以色列人在埃及》、《弥赛亚》和《犹大·马加比》。
2、康塔塔由宣叙调、咏叹调、重唱组成的歌曲套曲，诞生在17世纪初的意大利，最初是在室内演唱的世俗单声部歌曲，由几组宣叙调和咏叹调交替，独唱为主。
康塔塔传入德国后，成为路德派教堂音乐的重要形式，大量运用众赞歌写作，泰勒曼和巴赫都创作了路德教堂康塔塔年集。
3、受难曲根据《圣经》中四部福音书关于耶稣受难的记述而谱写的音乐体裁，形成于4世纪，巴洛克时期的受难曲呈现“清唱剧受难曲”的特点，在德国发展蓬勃，泰勒曼、马特松等人都创作过此类作品，最杰出的代表作是巴赫的《马太受难曲》。
4、抒情悲剧17世纪法国作曲家吕利创作的歌剧类型，多根据悲剧大师高乃依及歌剧脚本作家泽诺的悲剧谱写而成，融合了独唱宣叙调和咏叹调、合唱以及芭蕾，代表作有《伊西斯》、《阿西斯与加拉蒂亚》等。
5、组曲1750年前后指一组用同一调性写作的舞曲乐章，其前身是16世纪琉特琴或键盘乐器中成对或成组的舞曲。
德国作曲家弗洛贝格尔确立了阿勒曼德—库朗特—萨拉班德和基格四乐章舞曲组曲的题材形式，对巴赫和亨德尔的键盘组曲有极大影响。
法国作曲家库伯兰的羽管键琴组曲包含8—15首小曲，多带有描绘性标题，如“恋爱中的夜莺”、“蒙妮卡姐妹”等。
6、宣叙调大型声乐戏剧中的一种歌唱方式，音调和节奏都与语言紧密结合，又称“朗诵调”，16世纪末起源于佛罗伦萨作曲家佩里的歌剧，17世纪以后广泛用于歌剧、清唱剧、康塔塔和其他教堂声乐中。
18世纪后，宣叙调分为“清宣叙调”和“有伴奏宣叙调”两种，前者节奏自由快速，以键盘乐器简单伴奏，后者富于表情，用管弦乐伴奏。
西方音乐史名词解释
一：真实主义歌剧：19世纪末，音乐家们以真实主义文学为鉴，向现实生活索取题材，以下层小人物作为歌剧的主人公，以他们生活作为舞台表现的中心，产生了真实主义歌剧。
从某种意义上讲，真实主义歌剧的产生是意大利人对瓦格纳乐剧的一种反抗。
真实主义歌剧具有后期浪漫主义音乐的特征，它反对歌剧采用虚幻的神话题材，也反对篇幅无限制地扩展以及音乐的重蚀繁杂的夸张，主张取材与现实生活，特别是描写社会底层的小人物，力求简洁明快的手法，组织起强烈的戏剧场面。
真实主义歌剧也具有局限性，它侧重对现实生活作直观的反映，没有触及社会矛盾的本质，与真实主义文学相比还缺乏思想深度。
真实主义歌剧的出现，以它的真实和朴质，动人的的特点以及浓厚的民族风格，有力地抵抗了瓦格纳的影响，使意大利歌剧重新走上了传统之路。
（代表人物：普契尼，马斯卡尼）。
二：无终旋律，是德国音乐家瓦格纳在他的乐剧中采用的一种音乐手法。
在以这种音乐手法所写成的戏剧中，音乐没有咏叹调、宣叙调的之分，自始至终不停向前发展。
声乐富有朗诵性，在叙述的同时也带有抒情性，这种不间断连贯发展的乐剧音乐形式被称为“无终旋律”。
三：交响曲：是器乐体裁的一种，是管弦乐队演奏的包含多个乐章的大型（奏鸣曲型）套曲。
交响曲的前身是巴洛克时期的意大利歌剧序曲(sinfonia)，18世纪上半叶作曲家们采用意大利歌剧序曲的快—慢—快结构谱写管弦乐作品，并将其称为交响曲。
从此，交响曲逐渐取代了巴罗克风格的乐队协奏曲，成为音乐会中主要的器乐形式。
四：交响诗（symphonic poem）：一种单乐章的标题交响音乐，脱胎于19世纪（1 850年）的音乐会序曲，强调诗意和哲理的表现。
交响诗的形式不拘一格，常根据奏鸣曲式的原则自由发挥。
交响诗是一种自由形式的单乐章的标题交响音乐，它的前身是音乐会序曲。
交响诗在构思上，或体现一个哲学思想，或体现一种诗的意境，或和一定的文学题材相联系。
交响诗创始于十九世纪中叶，创始者是匈牙利作曲家李斯特。
西方音乐史名词解释
名词解释1、标题音乐：以文字或标题阐明作品思想内容的器乐作品。
其渊源可上溯至16 世纪以前，19 世纪上半叶因欧洲浪漫派音乐家的提倡而盛行。
标题音乐的名称也因此产生。
重要作曲家有柏辽兹、李斯特等。
它比没有标题的音乐表现力更尖锐、生动、易于被广大群众所接受，因而在器乐作品中占有很重要的地位。
2、动机：音乐术语。
通常指主题中一些富于个性的音调。
它是音乐机构中最小的单位，每个动机必须有一个或一个以上的重音、两个或两个以上的乐音。
它是主题音乐的核心，是主题或乐曲发展的基本素材。
3、幻想曲：一种含有浪漫色彩而无固定曲式的器乐叙事曲。
原指一种管风琴或古钢琴的即兴独奏曲。
十八世纪末叶起，成为独立的器乐曲，莫扎特、贝多芬、舒伯特等均有钢琴幻想曲。
格林卡运用俄国民间音乐写成的管弦乐曲名为《卡马林斯卡亚》幻想曲。
4、主导动机：音乐术语，也称“主导主题”，适用于浪漫派中期在大型音乐作品如歌剧、舞剧、标题音乐中，用以象征某一特定人物、境界、概念等音乐动机或主题。
如柏辽兹《幻想进行曲》中的“情人”主题；里姆斯基——柯萨科夫《舍赫拉查达》中代表讲故事的女主人公的主题；穆索尔斯基《展览会上的图画》中的“漫步主题等都属于主导动机。
其含义与所谓“贯穿音调”、“固定乐思”相仿。
5、随想曲：原指十七、"十八世纪时一种复调风格的键盘乐曲。
十九世纪以来，指一种富于幻想的即兴器乐曲，如帕格尼尼、门德尔松、勃拉姆斯的钢琴随想曲。
某些随想曲与幻想曲并无严格区别，如柴可夫斯基的《意大利随想曲》。
此外，还有专供小提琴技巧练习的随想曲6、狂想曲：一种技术艰深具有史诗性的器乐曲。
原为古希腊时期，由流浪艺人歌唱的民间叙事诗片段，十九世纪初形成器乐曲体裁。
其特征富于名族特色或直接采用民间曲调，如李斯特的19 首《匈牙利狂想曲》，拉威尔的《西班牙狂想曲》等。
7、舞剧：是一种以舞蹈为主要表现手段，又综合音乐、美术、文学等艺术形式，来现特定的人物和一定戏剧情节的舞台表演艺术。
西方音乐史名词解释
一、简答题：1.古希腊的音乐理论成果——（1）音程和音节理论：毕达哥拉斯是西方第一个以理论方式来说明和解释音乐现象的人，他认为宇宙和谐的基础是完美的数的比例，音乐与宇宙天体存在类似，因此音乐可以很好的说明宇宙现象，他认为八度、五度、四度是完美的协和音程，因为他们具有最简单的数量的比例关系。
（2）四音音列：阿里斯多赛诺思音乐理论的最核心内容之一是四音音列，古代关于旋律、音阶调式的理论都建立在四音音列的基础之上。
分为：自然音列、变化音列、更细微划分的四音音列。
（3）完整的音列体系分为两种：大完整音列体系和小完整音列体系。
（4）调式：以氏族部落命名的七种调式—副多利亚、副弗里几亚、副利第亚、多利亚、弗里几亚、利第亚、混合利第亚，以多利亚为核心。
（5）记谱法：以字母和符号分别用于记写歌唱和器乐的演奏，除了有表示音高的记号外，还有表示引得长短和停顿休止的记号。
2. 格利高利圣咏的横向扩展——附加段和继叙咏。
①附加段是在原基础之上进行附加或插入新的材料，兴于9、10世纪。
附加位置：圣咏前或中。
附加手段：歌词或旋律。
附加目的：对原圣咏内容进行说明、解释。
②继叙咏是产于9世纪左右的圣加尔修道院。
在“哈里路亚”的花唱旋律上附加歌词，最后脱离了哈里路亚的一个独立形式。
诺特克是继叙咏的创造者。
曲式为a,bb,cc,dd……n.16世纪后，大部分继叙咏被禁用于罗马天主教礼拜仪式。
3. 格利高利圣咏的纵向扩展——①奥尔加农：产于9世纪是西方最早的复调音乐，以格利高利圣咏为固定调。
分为：平行奥尔加农—在上方或者下方加上一个平行五度或四度的声部；自由或反向奥尔加农—两个声部以同音斜向开始，进入四度音程后开始平行，最后结束汇合于同音；花唱（华丽）奥尔加农表现出流动和富于变化的装饰性格，复调的两个声部表现出即兴和自由特征，没有明显的节拍特征，活跃、华丽的上声部与下方缓慢、静止的圣咏声部形成鲜明的对比；有量奥尔加农—运用六种节奏模式，都为三拍或六拍。
西方音乐史,名词解释
日课，弥撒，记谱法，经文歌，拉丁歌曲，方言歌曲，新艺术，兰迪尼终止式，勃艮第地区的音乐，文艺复兴，人文主义，威尼斯乐派，通奏低音，清唱剧，康塔塔，受难乐，协奏曲，喜歌剧，艺术歌曲，标题性序曲，交响诗，无词歌，夜曲，日课：基督教教仪活动的一类，是修道院规定每一僧人每日必做的“功课”。
主要内容包括祈祷、诵经、唱赞美诗等。
弥撒：是天主教的一种宗教仪式，用面饼和葡萄酒表示耶稣的身体和血来祭祀天主记谱法：古希腊记谱法在中世纪失传，最早的中世纪记谱文献见于9世纪的圣加尔修道院。
僧侣规多总结的四线谱为五线谱的形成作出了重大贡献。
经文歌：欧洲中世纪和文艺复兴时期演唱解释《圣经》的复调合唱歌曲。
“克劳苏拉”是经文歌的前身拉丁歌曲：大约11世纪拉丁歌曲开始盛行，拉丁歌曲以拉丁诗词作为歌词，开始或许与宗教活动有某些联系，后来逐渐与世俗音乐活动融合。
拉丁歌曲有孔杜克图斯、戈利亚德歌剧方言歌曲：中世纪欧洲各个国家地方语言的歌曲，最早的方言歌曲称“英雄业绩歌”，是以民间说唱形式诵唱。
还有法国游吟诗人、德国的恋诗歌手新艺术：14世纪初，法国音乐在各方面出现的一些新的现象，标志着新艺术音乐革新的开端。
但人们习惯称整个14世纪法国和意大利音乐为新艺术兰迪尼终止式：13—15世纪，作品的收束在上声部音阶七级音与主音之间插入六级音，被称为“兰迪尼终止式”。
(六度到八度终止式的变化处理)???勃艮第地区的音乐：文艺复兴早期出自欧洲北方第一代作曲家叫勃艮第地区乐派。
勃艮第宫廷音乐家流动性很大，音乐带开放性的“国际性”。
勃艮第依次不具有民族、国家的含义，更多的是一个时期的地理文化。
勃艮第乐派主要有三大代表人物：英国的约翰·邓斯泰布尔，法国的纪尧姆·迪费，法国的吉尔·班舒瓦文艺复兴：是一场资产阶级在思想文化领域领导的反封建文化运动。
1300至1650年。
文艺复兴一词是法文，愿义为“再生”。
从狭义上，文艺复兴是一场意在回复古代哲学和艺术价值的运动，然而文艺复兴的成就很快就超过了古希腊、罗马的影响范畴。
西方音乐史名词解释(全)
西方音乐史名词解释(全)名词解释勃艮第乐派15世纪开文化艺术先河的是一批欧洲大陆北方的作曲家，西方音乐史上把文艺复兴早期出自欧洲北方的第一代作曲家称为勃艮第作曲家。
勃艮第乐派的体裁是：弥撒曲、经文歌、尚松。
尚松：是14世纪~16世纪以法国的世俗诗歌谱写的复调歌曲的概称。
勃艮第时期的尚松是以清新优雅为特点。
吟游诗人：并不是街头卖艺的流浪汉，大多是贵族骑士，在法国南部和北部出现了许多吟游诗人，他们有的自演自唱，有的作词谱曲，有别人演唱。
他们拿着乐器，在王宫和贵族家中吟诗歌唱，内容主要是：爱情，享乐和道德风尚的题材。
法国游吟诗人：游吟诗人：12世纪法国出现的世俗音乐家，中世纪方言歌曲更重要成就体现于法国游吟诗人的歌曲。
游吟诗人的构成：包括宫廷贵族、骑士阶层，还有下层有才华的诗人音乐家。
游吟诗人的歌曲题材：以爱情题材为主“宫廷之恋”的题材非常流行。
特点：特罗巴杜尔反映出教会和世俗旋律风格影响，大多是单声的，常加上乐器伴奏，即兴地弹唱。
历史上第一个特罗巴杜尔，是阿坤廷公爵纪尧姆九世。
他是作诗和唱歌的能手。
帕里斯特里纳帕莱斯特里纳是宗教改革时期的一位重要的音乐家。
他在罗马天主教音乐原则的限制下，继承吸收佛兰德乐派的复调技巧，创作出一种具有独特美学意义的复调合唱风格。
作为一位宗教音乐作曲家，他一生服务于教堂，写了大量弥撒曲和经文歌，其中的《马赛路斯弥撒》等作品得到教会的承认，成为罗马天主教音乐的典范。
作品多为四至六个声部的无伴奏合唱。
其中清晰的声部缓缓而动，主调与复调相结合。
听来和谐、庄重、虔诚，成为宗教无伴奏合唱音乐的典范。
帕莱斯特里纳的学生和他的音乐风格的追随者，后来形成了盛极一时的罗马乐派。
格里高利圣咏（格里高利圣咏）成为影响最大的教会音乐流传至今。
特点：格里高利圣咏是吸取了（古代东方），（古希腊）以及（民间音乐）的特点而形成的是（无固定节拍），（无乐器伴奏）的（单音）音乐，内容选自（圣经），用（拉丁文）演唱，为（宗教礼仪音乐），分为（弥撒）和（日课经文），共1600曲以上。
西方音乐史名词解释
西方音乐史名词解释(共4页)--本页仅作为文档封面，使用时请直接删除即可----内页可以根据需求调整合适字体及大小--名词解释：1、Gregorian chant 格里高利圣咏。
罗马教会使用的圣歌，节奏自由松散，旋律庄严朴素，用纽姆符号记谱，内容上以罗马传统圣经为基础，又融合了高卢因素的礼拜仪式和圣咏，有独唱、齐唱、交替歌唱和应答轮唱等多种形式。
早期的圣歌是单声部的。
2、 Organum奥尔加农。
西方有记载的最早的复调音乐。
最初的Organum只是圣咏的一种演唱方式，即在歌唱圣咏的同时，歌唱另一被称为Organum 的附加声部，是一种简单的二声部歌唱。
３、Discantus 狄斯康特。
12世纪宗教音乐的演唱方式。
当定旋律声部也用节奏模式来组织时，上下声部常常会构成几乎同时进行的、音对音的对位织体，这种织体写作被称为discantus风格。
４、Motet经文歌。
13世纪指上方声部有独立歌词的复调声乐曲。
（最典型的是三声部，上文是法文歌词，下方是拉丁文圣咏）５、16世纪Madrigal16世纪意大利的牧歌。
文艺复兴时期重要的世俗音乐体裁。
它是以著名诗人的诗歌谱写的复调歌曲。
作曲家对歌词的处理反映了人文主义精神对音乐的影响。
６、Choral众赞歌。
16世纪经过宗教改革的礼拜歌曲，是新教的礼仪音乐，由马丁·路德倡导全体会众用本国语同唱。
众赞歌的音乐不再是错综复杂的复调体，而是简朴、明朗的和声体。
７、Chanson尚松。
15～16世纪的尚松泛指所有的世俗复调歌曲。
文艺复兴时期的Chanson强调曲调合于诗歌的韵律，节奏鲜明轻快，多为四声部织体。
８、Recitative宣叙调。
音高和节奏随着歌词的抑扬顿挫而变化，音域不宽，音调简单，介于说白与旋律之间的吟唱，是一种仿效古希腊悲剧的单声音乐风格。
９、Cantata康塔塔。
Baroque时期的大型声乐体裁，是由一系列的宣叙调、咏叹调、咏叙调、二重唱和合唱组成的声乐套曲。
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奥尔加农：奥尔加农是西方最早的复调音乐，最早记载于9世纪末。
最初是圣咏的一种演唱方式，即在歌唱圣咏的同时歌唱另一被称作奥尔加农的附加声部，这种简单的二声部歌唱被称为奥尔加农。
奥尔加农包括平行奥尔加农，和进一步发展的华丽奥尔加农。
平行奥尔加农：平行奥尔加农是奥尔加农的一种形，最早记载于9世纪末。
它的上方声部是圣咏旋律，是主声部，附加声部以相距四度或五度的距离平行于主声部。
这种以两声部以四度或五度平行移动的奥尔加农被称为平行奥尔加农。
华丽奥尔加农：华丽奥尔加农是奥尔加农的进一步发展，形成于约12世纪。
随着复调音乐发展，奥尔加农声部从下方声部转到上方声部，并越来越表现出流动和富于变化的装饰性格，形成花唱式的华丽奥尔加农复调风格。
复调的两个声部表现出即兴和自由特征，没有明显节拍特征，活跃、华丽的上方声部与下方缓慢、静止的圣咏声部形成鲜明对比。
孔杜克图斯（复调）：孔杜克图斯是12、13世纪流行的体裁形式，既可以是单声歌曲，也可以是复调形式。
复调孔杜克图斯不依赖圣咏，以自创的旋律为基础，一般为二至四歌声部，三声部最常见，织体特点类似于第斯康特，但更规整，每个声部节拍基本相同。
每个声部都有相同的唱词，采用拉丁文，歌词属于规整的格律诗体。
内容涉及宗教或政治、道德、历史等世俗事务。
第斯康特是一种复调音乐形式，形成于12到13世纪。
是音对音的织体形态，运用节奏模式，乐曲整体上显示出分句的特征，这与奥尔加农即兴式的松散结构有很大差别。
弥撒：弥撒产生于6世纪左右，9- 10世纪逐渐演化成一套比较定型的礼拜仪式。
在音乐上具有重要的意义，是天主的教会最重要的崇拜仪式。
弥撒分为专用弥撒和常规弥撒两大类。
专用弥撒随年历的不同时节歌词内容发生变化。
常规弥撒歌词一般发生变化。
五个部分为：慈悲经、荣耀经、信经、圣哉经、羔羊经经文歌：经文歌形成于13世纪，是在克劳苏拉基础上发展而来的复调歌曲。
二声部的克劳苏拉上方声部本来无歌词，13世纪中叶，上方声部添加了歌词，就形成了经文歌。
经文歌通常为三个声部，复歌词，歌名由三个声部自上而下第一个词构成。
最低声部是定旋律声部（《有些人忌妒——爱情伤害人心——慈悲经》）。
特点为：三个声部的经文歌上方两个声部最初是拉丁歌词，与宗教有关，后来出现了法文歌词，形成了复歌词现象，由于加入方言歌词，经文歌内容逐渐世俗化，从礼拜活动中分离，在世俗社会流传开来。
新艺术：由14世纪法国诗人、主教、音乐家维特里提出。
盛行于14世纪上半叶的法国，人们通常用新艺术来指整个14世纪法国和意大利的音乐。
新艺术与13世纪“古艺术”相对。
这一时期是变革与守旧、创新与维护传统之间的冲突。
特点是大量音乐创作与礼拜活动相分离，音乐创作空前世俗化。
作曲家把宗教复调技巧与世俗语汇相结合探索各种新的音乐形式。
导致了新的记谱方式、新的对位音响和等节奏技法等一系列变化。
等节奏：是一种旋律与节奏的组合形式。
，14世纪的新艺术中广泛运用，实际是克劳苏拉中固定旋律声部组合节奏型扩展，更加复杂、也具有更多技术条理。
技术特征是：在低声部利用固定音列、固定节奏周期性反复出现。
使经文歌建立于一种统一的逻辑结构。
固定旋律叫克勒，固定节奏称为塔里。
新的对位音响：变化音在10世纪出现，当时为了避免三全音协和效果而使用，14世纪则多使用于复调音乐的终止，在终止时旋律临时升高，以小二度上行结束，产生新的音响效果，也为后世调性思维的形成产生重要影响。
新的记谱方式：“古艺术”代表弗朗科有量记谱法体系，将分为长拍、短拍和次短拍，是三分法的完整拍划分。
也包括了二分法的不完整拍划分。
新艺术音乐家穆利斯和维特里提出新的记谱原则，增加更小的时值，并突出二分的不完整拍的地位。
马肖：14世纪法国新艺术最重要代表人物。
创作体裁包括经文歌、弥撒，及世俗歌曲。
他的经文歌重视等节奏技术的运用，晚期经文歌附加“对应持续声部”，以四声部取代了通常的三声部织体。
弥撒《圣母弥撒》，第一次把常规弥撒的各个段落视为一个整体来统一构思。
他的世俗歌曲注重高声部旋律的表现作用。
复调歌曲主要采用叙事歌、回旋歌和维勒莱。
兰蒂尼：14世纪法国意大利作曲家。
音乐创作主要是世俗歌曲。
他的音乐创作以甜美、抒情见长，不追求复杂技巧。
兰蒂尼终止是六度到八度的终止式变化处理，体现了兰蒂尼的独特风格个性。
节奏发展：中世纪初期，节奏自由无规律，以歌曲的长短韵律为基础。
约11-12世纪出现了节奏模式。
13世纪弗朗科在有量记谱法中提出了三分法划分完整拍，节奏符号包括长拍、短拍和次短拍，并提出了二分法的不完整拍划分。
14世纪维特里和穆里斯提出新的记谱原则，增加更小的音符时值，突出二分的不完整拍的地位。
随着经文歌创作的复杂化，开始对等节奏技术进行探索，即定旋律声部采用固定旋律和固定节奏周期性出现的形式，使经文歌的逻辑结构统一。
记谱法发展：中世纪最早采用纽姆谱，及在歌词上方标注指示上升或下降的符号，纽姆谱产生于8世纪，9世纪普遍使用。
但只能够提示歌唱者回忆以学会的旋律，而不能告诉人陌生的音乐。
为了便于记忆，抄写者常将同一音高反复出现的音水平高度对齐，导致了线的运用，一线谱开始线上表示f，后来在上方加上第二根线，表示c的位置，11世纪线谱得到广泛运用，规多在前人基础上总结出四线谱，为五线谱形成做出重大贡献。
意大利牧歌：16世纪的意大利牧歌是文艺复兴时期的一种重要的世俗音乐体裁，它是以较高水准的诗歌为词谱写的歌曲。
意大利16世纪的牧歌与14世纪的牧歌在音乐体裁风格上它们并没有直接联系。
形式上，16世纪的意大利牧歌是一种通谱体歌曲，歌词多为单段，韵律自由，可以是主调风格，也可以是模仿式复调。
常采用绘词法。
分三个时期，早期牧歌多为四个声部，主调风格，融入少量复调风格，以弗罗伦萨、威尼斯、罗马为中心，代表作曲家维拉尔特。
中期牧歌以五声部居多，以威尼斯为中心，代表作曲家罗勒，他的创作富于个性的探索，。
晚期牧歌中心是罗马，已经发展为高度精致的音乐作品，代表作曲家，蒙特威尔第等。
半音化的牧歌：半音化的牧歌出现于晚期意大利牧歌，代表作曲家杰苏阿尔多，他的晚期作品进行极端化半音风格的试验，使16世纪牧歌创作半音和声达到顶峰。
伴随着变化的和声，他经常使用剧烈变化的织体节奏，造成神经紧张性的强烈效果。
代表作《我将悲惨地在痛苦中死去》蒙特威尔第：牧歌创作体现了16世纪末17世纪初牧歌风格的急剧变化。
他前期继承和发展了罗勒的牧歌传统，而且已经显露出高超技巧，主调与复调完美地结合，和声富于表现力。
蒙特威尔第不仅关注歌词的表现，还有作品整体的戏剧化。
他的第五集牧歌富于宣叙性的旋律风格，其中最后的六首牧歌采用了通奏低音，第七集则多是带伴奏的独唱、二重唱和三重唱。
法国尚松：15世纪，尚松是法文歌曲，但风格是法-弗兰德的。
16世纪20年代，法国作曲家发展出一种具有鲜明民族特性的、从词到曲都是典型的法国风格的尚松，它们被称为“法国尚松”或“巴黎尚松”。
法国尚松有和声式写法、复调模仿写法、含有复调因素的主调写法。
题材广泛。
雅内坎（16世纪30、年代法国尚松作曲家，）以出色的描绘性尚松闻名。
他的尚松题材新颖，如社会事件、自然风光、风俗生活等。
写法包括和声式写法、复调模仿写法、含有复调因素的主调写法风格不拘常规，肢体运用灵活，采用绘声手法表现战争、鸟鸣、叫卖等。
德国新教众赞歌：背景：16世纪的宗教改革将音乐改革作为重要部分。
德国宗教改革在音乐上最重要的成果是会众的赞美诗，即众赞歌。
众赞歌主要是单声部的，分节歌的形式，虽然采用有量记谱法，但音符时值基本一致，偶尔随歌词有所变化，句尾音的停顿长短不一。
歌词全部是德文，包括创作诗作、旧诗、德国圣歌，还有的是以世俗歌曲填入宗教的歌词。
马丁·路德亲自写了许多众赞歌词，其中《坚固堡垒》成为德国新教精神的战歌。
瓦尔特的歌集中出现两种多声部众赞歌的风格。
一种是复调对位的一类众赞歌的发展使这种德国的新体裁融入了法—弗兰德的音乐风格之中；另一种是四部和声的主调和声织体，它保持了众赞歌简洁、质朴和明了的特征。
换词歌：是众赞歌中的一个重要组成部分。
从中世纪后期以来，一首声乐作品保留原有的曲调而填入新词，一般是以世俗的歌词取代宗教歌词或反之，便称为换词歌。
在德国宗教改革时期，以宗教歌词取代世俗歌曲中的歌词的做法尤为普遍。
分开的合唱队：16世纪，威尼斯音乐家发展了一种“分开的合唱队”，即复合唱的风格，唱诗班和乐队被分成几组，安排在教堂里相对的两侧长廊，两侧还各有一个管风琴，作曲家的复合唱风格的作品，以分开的合唱队交替演唱与一同合唱等各种对比手法开拓了独特的具有空间立体感的音响效果。
这种复合唱风格在威尼斯得到充分发展，A.加布里艾利特别是G.加布里艾利的复合经文歌使这种风格得到充分的发展，采用三个、四个甚至五个合唱队。
帕莱斯特利那：是16世纪文艺复兴时期，意大利“反宗教改革”音乐的典型代表，是罗马乐派代表人物。
“由于世俗因素的渗入而败坏了教仪音乐的纯洁性；复杂的复调音乐使歌词含混不清”。
教会内部开始了改革运动，通常被称为反宗教改革运动。
帕莱斯特利那的创作主要集中于宗教音乐部领域，作品弥撒曲、经文歌、意大利语歌词的宗教牧歌和世俗歌曲。
帕莱斯特利那风格建立在对位、模仿、旋律进行、协和与不协和等一系列原则基础上的一种复调无伴奏合唱风格。
作品织体以四声部居多，各个声部的人声旋律平静庄重，以级进为主，跳进较少，三度以上的跳进后必反行。
旋律线拱形的起伏舒缓均衡。
帕莱斯特利那回避半音化风格，坚持采用自然音的调式音阶。
低音与上面的声部多构成三度和五度或三度和六度的和声音程。
尽量避免在不协和音上长期停留。
绘词法：是以音乐对一个词或一个句子进行音画式的表现，此种方法在文艺复兴后期和巴洛克时期被大量使用。
威尼斯乐派：是文艺复兴时期意大利重要音乐流派，代表作曲家有A·加布里艾利和G·加布里艾利。
以圣马可大教堂为中心，出现了分开的合唱队，即复合唱的风格。
“巴洛克”词源：来源于葡萄牙文，指形状不规则的珍珠，最早用于建筑。
音乐史指1600——1750年。
歌剧的产生与发展：a、歌剧的前身是古希腊戏剧，歌剧的产生于1600年左右的佛罗伦萨，与“卡梅拉塔”社团的活动有直接关系。
第一部歌剧是《达夫妮》。
史上第一部歌剧是《达夫尼》，脚本是利努契尼的田园剧，佩里用戏剧风格完成。
结构特点是歌剧开始时总有一个序幕，戏剧情节基于古希腊神话和罗马神话。
在紧要关头总是由神帮助解决困境。
音乐上以独唱为主，最后总以合唱结束。
第一部完整保留下来的歌剧是《尤丽迪茜》由佩里和卡契尼作曲、利努契尼作脚本。
这部歌剧包括一个序幕和五个场景b、蒙特威尔奠定了歌剧的模式：他的歌剧开始使用乐队伴奏，开始强调音乐性、旋律性，突出音乐的美感。
宣叙调比例较小，大量运用牧歌、单声歌曲、咏叙调。