论艺术的精神

《论艺术的精神》读后感瓦西里·康定斯基[俄国](Wassily Kandinsky,1866-1944): 现代艺术的伟大人物之一.现代抽象艺术在理论和实践上的奠基人.他在1911年所写的《论艺术的精神》、1912年的《关于形式问题》、1923年的《点、线到面》。

1938年的《论具体艺术》等论文，都是抽象艺术的经典著作，是现代抽象艺术的启示录摘要：1987年，由中国社会出版社出版的《论艺术的精神》是查立译，腾守尧校对的，是李泽厚的美学译文丛书中的一册。

此书收集了康定斯基的四篇论文，即：《论艺术的精神》、《点、线、面》、《关于形式的问题》和《论具体艺术》其中，《论艺术的精神》与《点、线、面》是比较著名的，也是康氏的美学理论精华《论艺术的精神》素有“现代绘画的启示录”之称。

本文是作者暑期读书计划中的一篇读书笔记。

从《论艺术的精神》的总体架构、知识内容以及对设计的帮助上做出了一定的理解和自我诠释。

在康定斯基的《论艺术的精神》中，艺术完全由一个具有着亚裔血统欧洲人用“精神”的力量释放包围——艺术，在伟大的20世纪显现出了它前所未有的内在力量，被无数注重人性的艺术家和理论家重新解读与创造。

从这本书的总体风格来看，书中弥漫着沃林格尔对艺术表现的本质解释以及20世纪整个思想文化氛围下的尼采、叔本华等所提倡的自我意志的含混氤氲，这是把二元论作为世界观的典型体现，并且也是康定斯基的抽象绘画创作的思想源泉及理论基础。

自康德起，艺术就不断地寻找它自律的道路，像现代人寻找个人位置一样，艺术在欧洲经历了几百年的注重“写实”的探索之后，逐渐的开启了新的方法道路。

“为艺术而艺术”的口号，不但深刻影响了19世纪的法国文坛，同样在艺术领域里掀起了轩然大波。

直到20世纪，抽象主义作为主导艺术之一“决定着我们这个世纪的面貌”（米歇尔.瑟夫）叔本华在《康的哲学批判》一书中作了这样的描述“我们生活于其中的可见世界幻觉的产物，是一种骗人的巫术，一种把视觉幻想和空间加以比较所产生的无根基、即无自身本质的外观，这个可见世界是一层环绕着人类意识的浑浊的迷雾，它是那种同时是错误和真实的东西，这种东西人们可以在说他不存在的同时说他是存在的。

”康定斯基在欧洲19世纪末20世纪初的思想文化产生着巨变的背景之下，追求精神自由，强调内在力量的作用，成为了《论艺术的精神》的原动力与理论出发点。

第一篇论艺术的精神论艺术的精神，是康定斯基的最重要的理论文献之一，这篇文章分为了概论与绘画两个部分。

概论中用引言、运动、精神转折点与金字塔四个小部分解释了他对于艺术品、艺术家等的定义与互动把艺术的过程与变化归结到精神的作用并以一种运动的方式把这个过程展现给读者。

第一部分概论“所以一件艺术作品的形式有不可抗拒的内在力量所举，这是艺术中唯一不变的法则。

一件优美的作品是内涵和外表统一和谐的结果：换句话说，一幅画是个精神有机体，他像一切物质有机体一样，是由很多部分组成的。

”艺术的原动力来自于强大的精神力量，这种力量积极向上、催人奋进。

在作者对人类自身的认知中，灵魂与肉体紧密相连，它通过各种感觉媒介产生印象。

演绎了欣赏艺术品的整个过程：感情（艺术家的）——>感受——>艺术作品——>感受——>感情（观赏者的）。

在这里，整个过程包含了几个概念：艺术家的感情，感受1，艺术作品，感受2，观赏者感情。

整个过程似乎揭示了作者的理论主旨：精神至尚。

艺术品的形式应该“内在的，所以它孕育着希望和未来。

”艺术作品包含着艺术家的灵魂，艺术家是“能够描绘一切事物的人。

”抽象的论述和高亢的基调铺垫了艺术精神的“运动”，精神生活所代表的“巨大的锐角三角形”，也许也是康定斯基绘画思维的产物，又也许是他抽象成果的宣言符号。

这个巨大的三角形需要冲破的，不仅仅是旧的“怎样表现”的向上的物理运动，同时在内部的形式里也有着层出不穷的关于艺术与艺术家的稳定结构。

随着三角形的运动，内部的结构似乎在一个临界状态开始动荡，带着摇摇欲坠和呼之欲出的惊悚，人类的精神终于出现了康定斯基所认知的“转折点”。

在“精神的转折点”一节中，蕴含着批判的影子，康定斯基提出了他对于时代思想混乱的出路及自己的艺术理论基础：通神学，并把人们的注意力转向了内心。

他标榜了布莱维斯基夫人的理论把梅特林克与瓦格纳作为了例证的典型从象征与重复的文学手法与结构等发掘了艺术精神的表现形式。

在他所引证的伟大的艺术家之中，有音乐家和印象主义、野兽派和立体主义画家，但无一不都指向了他所旨在阐明的艺术的内在精神力量即向上的，冲破传统追求自由的状态。

在“金字塔”一节中，充满了康定斯基近乎豪迈的对艺术的展望“‘自我分析’可以把每门艺术和其他艺术区分开来，它们之间的相互研究使他们的内在努力重新结合。

每门艺术均有其独有的力量，这是无法相互替代的。

最后，各门艺术的独有力量可以相互配合，而这种配合终将导致我们现在可以展望的一门新的艺术——真正史诗性的（monumental）艺术。

”第二部分绘画绘画是《论艺术的精神》中的第二个部分。

这个部分可以看成是第一部分的理论实践。

绘画是康定斯基在三十而立之后才开始追求和耕耘的艺术形式。

在这部分里，显然是康定斯基在此之前的，对于艺术的无尽热爱和探索的一个总结性的结晶成果。

这个部分分为以下几个小点：五色彩的效果，六形式和色彩的语言，七理论，八艺术家和艺术作品，九结论。

看康定斯基的画，我们不难理解这部分所诠释的内容，像他提倡的“感觉”一样，我们用内心的情感去感受他的画：丰富、跳跃的色彩，绚丽的、仿佛又节奏的音乐感……在这部分或者描述或者解释的理论中就能更深的了解作者所言的理念。

艺术是发自于人类的需要，绘画“色彩和谐统一的关键最终在于对人类心灵有目的的启示激发；这是内在需要的指导原则之一。

”而内在需要原则成为了超脱于非本质的、普遍存在和唯一纯粹的艺术标准和原则。

在第一部分中，康定斯基对于“金字塔”的理论揭示了他所理想的史诗性的艺术。

音乐和绘画的紧密联系必会使绘画在抽象性上发展，最终达到绘画构成的境界。

在“形式和色彩语言”中，有种种神秘的质感，那种说不清道不明又蛊惑着抽象艺术蠢蠢欲动的情愫围绕着心理学和形而上构成了“纯粹结构形式”最终提出了“数是各类艺术最终的抽象表现”理论。

“凡是由内在需要产生并来源于灵魂的东西就是美的。

”艺术家要具有的三大责任：1）他必须发挥出自己的天才；2）他的行为、情感和思想与常人一样，但他却必须用他们创造出一个精神境界，这精神境界要么情节纯净，要么掺进了杂质；3）他的行为和思想是创作的素材，他们将会对他创造的精神境界发生影响。

从这种互动式的纲领下，似乎隐含了康定斯基对于现代艺术的理解。

在最后的“结论”中，康定斯基表明了他的观点：“我们正在迅速临近一个更富有理性、更有意识的构成的时代，在这个时代中，画家们将自豪地宣布他们的作品是‘构成的’——这是与他们根本解释不了的印象主义者的主张相对而言的，宣布他们的艺术来自于灵感。

我们面临的是一个有意识的创造的时代，绘画中的这种崭新的精神正与思维携手并进，正在迈向一个伟大精神的纪元。

”不得不说，这是构成主义的宣言，抽象艺术的先锋理论之作“有人说，艺术是时代的产儿。

但是这种艺术，只能艺术地重复那些以被同时代人清楚地认识了的东西。

所以它没有生命力，它仅仅是时代的产儿，无法孕育未来。

这是一种被阉割了的艺术。

它是短命的，那个养育它的时代一旦改变，它也就立刻在精神上死亡。

除此之外，还存在着一种继续发展的艺术，它同样也发源于当代人的感情，然而它不仅与时代交相辉映，共鸣回响，而具有崔人醒悟，预示未来的力量，其影响是深远和广泛的。

”我们常讲：“艺术要反映时代精神”，康定斯基固然也没有否定艺术作品的时代感，但就艺术与时代的关系，他的认识却更加深入了一层。

在中国摄影界，一些人对于“艺术作品的时代感”的理解，还不能完全摆脱极左思潮的套路，这势必会对艺术创作产生一定的误导作用，进而使艺术作品丧失个性，沦为权力和时尚的标语口号。

在《精神》一书中，像以上这样的，关于艺术宏观方面的精辟昭示还有很多，而且在今天仍然没有过时，并完全适用于摄影艺术。

康定斯基对于平面造型语言基本元素（诸如点、线、形状、色彩、构成等）的精细研究，占据了《精神》一书的很大篇幅。

对于缺乏平面造型语言基础训练的一些艺术摄影家来说，这一部分尤其值得仔细品读。

即使你不想涉足抽象摄影，同样会从中受益的。

因为对于视觉基本元素的研究，是所有视觉艺术创作的基础。

这个基础薄弱，将使你永远与“艺术金字塔”的顶部无缘。

下面不妨让我们引上几段康定斯基关于色彩的论述，看看能否作为彩色摄影中处理色彩的根据：“如果人们持久注视着任何黄色的几何形状，它便使人感到心烦意乱。

他刺激、骚扰人们，显露出急躁粗鲁的本性。

随着黄色的浓度增大，它的色调也愈更尖锐，犹如刺耳的喇叭声。

黄色是典型的大地色。

它从来没有多大深度。

当它掺入蓝色而偏向冷色时，就会像我们前面所说的那样，产生一种病态的色调。

如果我们用黄色来比拟人类的心境，那么它所表现的也许还不是精神病的抑郁苦闷，而是其狂躁状态。

一个疯子总是漫无目标到处袭击别人，直到他精疲力尽为止。

换个比方：黄色使我们回想起耀眼的秋叶在夏末的阳光中与蓝天融为一色的那灿烂景色。

”那么黑色呢？“黑色的基调是毫无希望的沉寂。

在音乐中，它被表现为深沉的结束性的停顿。

在这以后继续的旋律，仿佛是另一个世界的诞生。

因为这一乐章已经结束了。

黑色像是余烬，仿佛是尸体火化后的骨灰。

因此，黑色犹如死亡的寂静，表面上黑色是色彩中最缺乏调子的颜色。

它可以作为中性的背景来清晰地衬托出别的色彩的细微变化。

这一点上，它与白色也不一样，如何颜色，只要跟白色相调和，就会变得混浊不清，仅剩下一丝微弱的共鸣。

”“蓝色是典型的天空色。

它给人最强烈的感觉就是宁静。

当蓝色接近黑色时，它表现出了超脱人世的悲伤，沉浸在无比严肃庄重的情绪之中。

蓝色越浅，它也就越淡漠，给人以遥远淡雅的印象，宛如高高的蓝天。

蓝色越淡，它的频率就越低，等到它变成白色时，振动就归于停止。

在音乐中，淡蓝色象是一支长笛，蓝色犹如一把大提琴，深蓝色好似倍大提琴，最深的蓝色可谓是一架教堂里的风琴。

”以上只是《精神》中对于抽象视觉元素最通俗浅显的论述，若想获得更系统的了解，也只能去看书了。

总之，《精神》是很值得仔细读来的一本书。

因为不是宏篇的纯理论专著，使得从事创作的艺术家们尤其喜欢它。

同时我也相信，此书同样会使从事艺术摄影的人受益非浅的－－即使你对抽象艺术及抽象摄影不感兴趣。

二、《精神》及其作者中文版的《精神》是李泽厚先生主编的“美学译文丛书”中的一本，由查立先生翻译，腾守尧先生校对，中国社会科学出版社出版。

该书共收集了康定斯基的4篇论文－－《论艺术的精神》《点．线．面》《关于形式问题》《论具体艺术》，其中以前两篇最为著名。