布尔迪厄论摄影——摄影的社会定义
摄影的概念及其特征
摄影的概念及其特征摄影科学作为艺术之花，有其独特的艳丽和芬芳。
从宏观世界到微观世界，从人类社会到个人生活，从伟大的人物到刚出生的娃娃，从自然生态到人所创造的一切，从地球到外星空间，总之从科学到艺术，从生产到生活，摄影记录下一切可能记录的瞬间真实的信息。
由于摄影是用视觉形象和画面形式展现内容、表达思想感情，所以摄影能为人类为个人，为当代更为后世留下珍贵的资料，无价的艺术和永久直观的纪念。
一、摄影的概念摄影通常是指：手持相机（运用科学技术手段），在现场，对准真人实景（真实的内容）进行取景拍摄（对画面作艺术结构），再加工成照片，把视觉形象用画面形式再现出来。
从摄影的概念，可认识拍摄的过程。
拍摄由两个步骤——拍摄（记录影象）到加工（再现影象）来完成。
这一过程从机理上讲：拍摄——加工是信息的连续转换；也就是把被摄影物的视觉信息通过镜头转化为光学信息，按了快门，经过光化反应在底片上形成浅影变成感化信息，到此只是记录了影像，还要经过再度转化信息（冲洗——印放）才能在照片上再现视觉信息。
从创造角度看，摄影创作的过程是连续的。
明确地说，按了快门不算数，非得拿出照片才能评定成败、好坏。
因此，摄影在机理上要严防信息损失，摄影在创作上应力求锦上添花。
只有从立意开始，整个摄影过程每个环节都不失误，才能获得成功。
由于近代科学技术的蓬勃发展，“摄影术”、“摄影机”才随之应运而生。
摄影诞生于科学，发展于科学，并广泛地应用于科学。
因此说摄影是科学。
同时，摄影也是艺术，因为它体现了的审美意识，发挥了创作手段的审美功能，创造了作品的审美价值。
摄影一身兼带着科学、艺术两种奇幻夺目的风采，悄悄地登临于辉煌的艺术殿堂之上，令人为之目瞪口呆。
法国的大画家安格尔叹为观止地说：“摄影术真是巧夺天工，我很希望能画到这样逼真，然而，这可能是任何画家也难以做到的”。
但摄影术与摄影艺术有着不同的本质属性。
摄影这种工具手段，由于使用的性质、目的不同，往往表现出不同的特点。
《论摄影》读书笔记
《论摄影》读书笔记《论摄影》读书笔记当细细品完一本名著后，想必你一定有很多值得分享的心得，需要好好地就所收获的东西写一篇读书笔记了。
那么我们该怎么去写读书笔记呢？以下是小编为大家收集的《论摄影》读书笔记，供大家参考借鉴，希望可以帮助到有需要的朋友。
最初以为这是一本谈论如何拍摄出好作品的教学书，结果发现桑塔格在书里论述了相当深邃的内容、探讨摄影甚至是很多现代文化的本质。
很有趣，但是读起来特别累，每页都有无穷多的思考看法在里面，认真看起来真的特别慢，算是我看得最慢的一本书，也是近几年读的最认真的一本，依然感觉只领略到了十分之一，还是想把这些收获或者说看法写下来，有可能出现相当多的错误或者与作者不符的观点，也实属正常情况了。
标题用的是本书的第一个章节标题，柏拉图理想国的洞穴是作者开篇提到并用来诠释后来内容的一个出发点。
作者说相机的每次使用都包含一种侵略性，我思考许多，结合论述，我认为的这个侵略性是指摄影师处于自己的立场角度用相机拍下被拍摄的事物的一个瞬间，对于被拍摄的事物是一种侵略，因为拍摄是对于被拍摄对象的一种窥视挖掘，被拍摄对象的一瞬间由相机拍出有可能得出完全不同角度的看待。
摄影拍出来的照片每个人会不一样，照片带有拍摄者的印记，似乎又能从侧面说出拍摄的侵略性。
文章用极大篇幅描写阿布斯，阿布斯拍摄的是人们通常意义所说的怪异的恐怖的题材，猎奇性很强，阿布斯不是偷窥而是与所被拍摄的人进行交谈，在两方互相了解后再进行正常地拍摄，阿布斯说对于大家都拍的题材不感兴趣，同时书中也有论述在说被拍摄的对象，相比正常的人们来说，似乎贵族上层和底层贫苦大众更容易受到摄影师的青睐，这我自己也有类似感觉，大家喜欢拍摄一些与自己生活相隔较远的东西，从这些照片中再提取出独特的美，从这点来说，照相摄影确实有窥探探索侵略的意味。
相机又有独特特质，特别能够记录时间的忧伤，无论我们看老照片，还是看建筑风景过去的样子，或是我们自己年少时的照片，里面都蕴含着时间的流逝，照片中的那个时刻已经被定格住，而时间不会停止，让人感伤。
布尔迪厄名词解释
布尔迪厄名词解释
布尔迪厄是法国著名的社会学家、哲学家和文化批评家，他是当代法国最具国际影响力的社会学家之一。
他的理论贡献主要集中在社会学、人类学、文化研究等领域。
布尔迪厄提出了场域理论，该理论是布尔迪厄研究社会问题和解释社会现象的基本方法。
场域可以被定义为在各种未知之间客观存在的一个网络，或一个构型。
布尔迪厄把场域规定为各种未知的客观关系网络，根据场域进行思考就是从关系的角度进行思考。
布尔迪厄认为，场域制约着资本，根据资本的总量和结构，行动者被分配到场域不同位置。
反过来，资本也制约着场域，资本界定了场域内行动者的位置。
此外，布尔迪厄还提出了惯习概念，该概念是布尔迪厄在《实践理论大纲》中提出的另一个重要概念。
惯习是一种持久且可转化的性情系统，它扎根于各种生成性结构（因而也是分类性结构）的循环之中，而这些结构是在运用区分原型的感知和运动图式的特定逻辑中形成的。
布尔迪厄的理论对于理解社会现象、文化现象和人类行为具有重要的意义。
他的理论不仅在法国产生了深远的影响，也在全球范围内产生了广泛的影响。
摄影理论简史（一）
摄影理论简史（一）什么是照片？摄影又是什么？回答这些看似简单的问题，即什么是媒介的问题，似乎是对它加以理论化所必需的基础。
某种东西的理论，目的就是要提供一整套包括万象、普遍概括的特性和功能——某种东西如何以及为何发挥作用。
但是回答“什么是照片？”这个疑问，并不在于描述人所共知又无所不在的一个对象，就是罗兰·巴特（Roland Barthes）所谓“一个轻盈透明的外壳” (1)，我们往往透过它看去，就能获得有关这个世界的信息。
这就要描述历史上偶然出现的一系列工艺，即在某个时候构成了一幅照片和摄影的实践。
但我们怎么可能一口气把摄影说完，一点儿没有问题地把各种实物和实践，包括达盖尔法银版照片、卡罗法照片、35毫米照片、宝丽来照片、数字照片等等，都纳入到一个以理服人的理论模式中呢？针对它们在材料上的根本差异而言(2)：闪着光泽并且极易损坏的达盖尔法银版照片，是一种直接的、不可重复的工艺的产物，为了保护而被压在一块玻璃和金属衬边下，这就成为其物理寿命的组成部分。
其内容原本是横向颠倒的影像，通过在镜头前摆上一面呈一定角度的镜子，这种颠倒才得到了矫正；可是拍摄镜子中的拍摄对象，并没有形成被拍摄者的直接影像，而是其反射的影像。
我们无法说这幅独特的照片就是外面那个世界的指示符号（index），也就是接近它所再现的对象，除非我们澄清了这只是接近镜子中的反射。
遑论批量复制（这是摄影理论中的又一个关键术语），因为达盖尔法银版照片是独一无二的、原创的、不可重复的影像。
与之形成对比的，是威廉·亨利·福克斯·塔尔博特（William Henry Fox Talbot）几乎同时的卡罗法照片，引入了纸上负正工艺（一张纸上负相，一张纸上正相）以及瞬时性、抗褪化、可复制性，更不用说还有经济上能够负担得起。
不过纸张纤维往往透过印相显现出来，模糊了细节，让影调变得朦胧，使它成了精度稍差的记录，拉开了与经验世界的距离，而不是揭示肉眼无法看见的细节。
对摄影的认识
对摄影的认识摄影是一种通过光线将图像记录在感光材料上的艺术形式。
它不仅仅是一种纪录现实的手段，更是一种表达情感、传递信息和记录历史的方式。
随着科技的不断进步，摄影已经成为了人们生活中不可或缺的一部分。
本文将从摄影的定义、发展历程、分类、技术和艺术等多个方面来探讨对摄影的认识。
一、摄影的定义摄影是指利用光线将物体投射到感光材料上，形成可见图像并固定下来的过程。
这个过程包括曝光、显影和定影三个步骤。
曝光是指将物体所反射或发出的光线通过透镜聚焦后投射到感光材料表面，使其产生化学反应；显影则是指在暗室中使用显影剂将暗示出来但未呈现出来的图像显现；定影则是指在暗室中使用定影剂，使已经呈现出来但未固定下来的图像固定在感光材料上。
二、摄影的发展历程1.早期摄影：早期人们使用暗箱将物体投影到感光材料上，形成最早的摄影图像。
这种摄影方式被称为“钨蓝法”。
2.胶片摄影：在19世纪末期，人们开始使用胶片来取代感光玻璃板。
胶片摄影技术的出现使得摄影变得更加方便和实用。
3.数码摄影：20世纪90年代，数码摄影技术开始崭露头角。
数码相机的出现使得拍照更加方便、快捷和实用。
三、摄影的分类1.按照拍摄对象分类：人文类、自然类、建筑类等。
2.按照拍摄目的分类：新闻类、广告类、艺术类等。
3.按照拍摄手段分类：传统胶片相机、数码相机等。
四、摄影的技术1.曝光控制：曝光是指光线通过透镜聚焦后投射到感光材料表面，使其产生化学反应。
曝光时间长短和光圈大小都会对曝光量产生影响，因此需要合理控制曝光时间和光圈大小。
2.对焦技巧：对焦是指将物体的清晰图像投射到感光材料上。
对焦需要根据拍摄距离和镜头焦距来进行调整。
3.构图技巧：构图是指将拍摄对象放置在画面中的位置和大小。
合理的构图可以使照片更加生动、有趣和有吸引力。
五、摄影的艺术1.光影：光影是指在照片中使用光线和阴影来表现对象的形态、纹理和层次感。
2.色彩：色彩是指在照片中使用不同颜色来表现对象的情感、氛围和主题。
《论摄影》评论整理
《论摄影》照片在教导我们新的视觉准则的同时，也改变并扩大我们对什么才值得看和我们有权利去看什么的观念。
照片篡改世界的规模，但照片本身也被缩减、被放大、被裁剪、被修饰、被窜改、被装扮。
它们衰老，被印刷品常见的病魔缠身；它们消失；它们变得有价值，被买卖；它们被复制。
相机伴随家庭生活。
摄影成为家庭生活的一种仪式之时，也正是欧洲和美洲工业化国家的家庭制度开始动大手术之际。
拍照是核实经验的一种方式，也是拒绝经验的一种方式——也即仅仅把经验局限于寻找适合拍摄的对象，把经验转化为一个影像、一个纪念品。
旅行变成累积照片的一种战略。
就像窥淫癖一样，拍照至少是一种缄默地、往往是明白地鼓励正在发生的事情继续下去的方式。
拍照就是对事情本身、对维持现状不变（至少维持至拍到一张“好”照片）感兴趣，就是与只要可以使某一对象变得有趣和值得一拍得无论什么事情配合——包括另一个人的痛苦和不幸，只要有趣就行了。
一张照片既是一种假在场，又是不在场的标志。
所有这些对照片的驱邪物式的使用，都表达一种既滥情又暗含神奇的感觉：都是企图接触或认领另一个现实。
照片不会制造道德立场，但可以强化道德立场——且可以帮助建立刚开始形成的道德立场。
虽然一件事件本身，恰恰意味着有什么值得拍摄，但最终还是意识形态（在最宽泛的意义上）在决定是什么构成一次事件。
在事件本身被命名和被界定之前，不可能有事件的证据，不管是照片还是别的什么的证据。
照片证据绝不能构成——更准确地说，鉴定——事件；摄影的贡献永远是在事件被命名之后。
但是，重复看影像，也会使事件变得更不真实。
照片的伦理内容是脆弱的。
但在大多数人使用照片的场合里，它们作为信息的价值与作为虚构作品的价值是一样的。
照片本身不能解释任何事物，去不倦地邀请你去推论、猜测和幻想。
如果形容说，人们患上了摄影强迫症，大概是不会错的；把经验本身变成一种观看方式。
拍照就是赋予重要性。
与前民主时代的美术作品不同，照片似乎并不对艺术家的意图承担义务。
如何学习摄影解读
如何学习摄影一、什么是摄影？●照相≠摄影●“照相”简言之：就是把被照的像貌照下来便可以了，主要做记录作用。
●摄影(photography)——本意为光画，即用光作画。
“摄影”是对光影的再现、通过摄影作品来表现出拍摄人对社会、生命、自然的情感。
摄影是摄影师通过镜头的方式来表达自己的内心世界。
这不但要求拍摄者对基本技术的掌握、还要有一个好的修养。
●照相是用眼睛看世界，而摄影是用心看世界。
●“摄影是最简单的，又是最难的艺术。
”二、评价好照片的三项基本原则：（1）一个鲜明的主题一副好照片要有一个鲜明的主题（也可以称为题材）。
或是表现一个人，或是表现一件事物，甚至可以表现一个题材的某个情节。
主题必须明确，使大众一眼就能看出的出来。
好照片要显示出主题是什么——我们称为第一原则——并且确保让大众一目了然。
这是拍照片必须树立的一个基本目标。
对于真正的佳作，不仅要有明确的一般性主题，还要有表现普遍性的主题。
谢海龙《大眼睛》《全校师生》（2）一个突出的重点一幅好的照片要有一个能吸引注意力的主体。
被摄主体可能是一个人、一件物品，或是一群人、一组事物，把观察者的目光吸引、集中到最主要的事体上。
布列松《苦难的眼睛》（1948年南京）卡特《丘吉尔》（3）画面简洁明了三、观察你周围的世界（1）推荐网站：中国摄影在线、中国摄影师、色影无忌、新摄影、蜂鸟网、ＰＯＣＯ摄影时光网、豆瓣土豆、优酷（2）推荐杂志：《摄影之友》、《摄影世界》、《中国摄影》、《人像摄影》、《大众摄影》《看电影》摄影—人类视觉的延伸一、摄影术的诞生▪摄影术的诞生和发展依赖于两个因素：（1）人们对影像信息记录和传播的需求（2）物理学、化学、电子学等现代科学技术的迅速发展1、涅普斯（法国）日光蚀刻法世界上第一幅照片的成功拍摄者技术未公开▪1822年，法国涅普斯将一种印刷用的沥青涂在金属版上，然后把涂有沥青的金属版置于暗箱中（“日光蚀刻法”）拍出了世界上的第一张照片《餐桌》，曝光时间长达12小时。
论摄影的读书笔记
论摄影的读书笔记
论摄影的读书笔记
人类无可救赎地留在柏拉图的洞穴里，老习惯未改，依然在并非真实本身而仅是真实的影像中陶醉。
照片是一观看的语法，更重要的，是一种观看的伦理学。
摄影行业最辉煌的成果，是给了我们一种感觉，以为我们可以把整个世界储藏在我们脑中——犹如一部图像集。
拍摄就是占有被拍摄的东西。
它意味着把你自己置于与世界的某种关系中，这是一种让人觉得像知识，因而也像权力的.关系。
第一次被异化的例子现已臭名昭著，人们习惯把世界简化为印刷文字。
这种异化催生了浮士德式的过剩精力，并导致心灵受摧残。
但这两者又是建造现代、无机社会所需的。
相较于摄影影像而言，印刷这一形式在过滤掉世界、在把世界变成一个精神物件方面，似乎还不算太奸诈。
摄影影像对一个人或一次事件的描写，无非是一种解释。
摄影影像似乎并不是用于表现世界的作品，而是世界本身的片断，它们是现实的缩影，任何人都可以制造或获取。
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布迪厄：摄影的社会定义布迪厄是法国的社会学家，以其实践理论而闻名，也算是近些年来在中国比较“火”的学者之一，他的主要著作现已有中文译本。
以下转载的是布迪厄关于摄影的一篇小文。
选译自其《摄影：一种中产趣味的艺术》（Photography:A Middlebrow Art, Blackwell Publishers and Stanford University Press, 1990）一书，译者朱国华、范静哗。
在这篇文章中，布迪厄从影像受众的角度出发，分析了社会中约定俗成的秩序对影像传统的支配。
有兴趣的朋友们不妨一读，我觉得很有启发。
摄影的社会定义@皮埃尔•布迪厄朱国华范静哗译艺术模仿自然摄影术从本质上被预设为满足一些基本上是外加于它的社会功能，如果我们对这种预设的方式和原因的质疑是合法的（正如我们下面即将这样做），那么，实际情形仍然是：摄影的种种社会性使用，显示为对各种使用的客观可能性的系统性的（亦即连贯的、可理解的）选择，决定了摄影的社会意义，同时这些使用也被后者所定义。
模仿艺术的艺术因此通常认为，摄影可被视为精确性和客观性的典范：“任何艺术品都反映了其创造者的人格，”《法兰西百科全书》如此写到：“摄影感光板并不阐释，而只是纪录。
其精确性和逼真性不容置疑。
”但是，要想证明这一社会表征只是基于偏见的虚假证据实在是太容易了；实际上，摄影捕获的只是任意选择下的现实的一个方面而已，因而也只是摄取某个摹本的一个方面；在客体的全部特质中，所保留下来的只是某一瞬间、某一视角下呈现的视觉特质；这些特质转变成黑白二色，一般上按比例缩小并总是在一个平面上显示出来。
换句话说，摄影是一个约定俗成的系统，按照透视原理（或甚至根据某一视角）表现空间，根据黑白变量表现体积和色彩。
摄影之所以被认为是对于可见世界完全现实、客观的纪录，是因为它（就其根源而言）被指定的社会性使用被认为是“现实的”、“客观的”。
[1] 并且，如果它直接将其“无句法的符号交流”、[2] 简言之作为一种“自然的语言”的面貌直接地呈现于大众，它就更加如此，因为它从可见世界所做出的选择，在逻辑上与15世纪以来一直主导欧洲的世界表征方式完全一致。
正如皮埃尔•弗兰卡斯特尔（Pierre Francastel）所观察的那样：摄影术作为一种机械录制影像的方式，其条件与视界大致类似；它使我们能看见的并不是传统视象的真实特性，而是与此相反的系统的特性：至少在镜头制造以及只使用单镜头的条件下，照片的拍摄即使在今天也是起着经典艺术视界的功能。
照相机提供了独眼巨人而非普通人的视界。
我们也知道，对于与我们不真实但有点艺术性的视界不相符的一切纪录，我们都会系统地加以清除。
比方说，我们不会近距离拍摄大楼，因为这样的摄录与传统的正韵法原理（laws of orthometry）并不对应。
试试看拿广角镜对着一座哥特式教堂耳堂通道的中心，再观察你所看到的非同寻常的映象。
试图将广角镜聚焦于哥特式教堂交叉的左右两翼的中心，就会注视你将会获得的特别档案。
你将会看到，所谓的“常规视角”只是选择的视角，世界的面貌远比我们所想象的要丰富得多。
[3]普鲁斯特对于摄影术令人窘迫的力量所做的解说非常美丽，这是日常实践被剥夺的力量：照相机的最新用途，可以让我们经常从近处看到的，象塔一样高大的房屋，全部倒伏在一座教堂脚下，使同一些建筑物象军队的一个团操练那样，时而排队，时而分散，时而密集，把刚才还相距很远的比阿斯塔教堂的两根柱子紧紧地靠在一起，让近在眼前的萨吕特教堂变得远在天边，使一个桥洞、一个窗孔、一丛置于前景的色彩强烈的树叶成功地出现在暗淡晕阴的背景上，展现出广阔的视野，使同一个教堂依次换上其他所有教堂的拱孔。
我觉得，照相也和接吻一样，能使一个我们认为具有确定外表的东西变化出千姿百态，而每一个新姿态都和原来的姿态一样合适，因为它们各有一个同样是合理的透视角度。
[4]普鲁斯特在另一个地方则描述了那些“自然风景和城镇的精彩照片”，它们可以提供一个熟悉的事物所呈现的奇特形象，这个形象与我们司空见惯的不同，奇特然而又是真实的，因此对我们来说倍加引人入胜，因为这个形象使我们惊异，使我们走出了常规，同时又通过唤起我们一种印象使我们回归到自己。
例如，这些“精采”摄影中的某一帧，体现了远景的一个规律，给我们看的是我们的城市中司空见惯的某一大教堂，却从精心选择的一个点上来拍摄。
从那个点上看，它似乎比房屋高出三十倍，而且与江边成突角，实际它与江边距离很远。
(译按：上一段与此段均选自《追忆似水年华》中文版相关段落) [5]在这些“神奇的”照片与普通照片之间是否差距巨大，正如透视作为一门现实科学与作为一种“幻觉”技术之间距离巨大？[6] 普通的摄影者根据他或者她所看见的样子摄取世界，也就是说，所依据的观看世界的逻辑从过去的艺术借用其典范与范畴。
[7] 当图片利用真实技术的可能性，只要稍微摆脱普通摄影术和视界的学院气，就会引起惊奇。
这是因为，可见的总只能是可读的，总体社会环境中的主体总是诉诸于某些读解系统，这些读解系统中最常见的是一些支配大众摄影的、关于如何复制真实现实的规则系统；面对最特别的图片，摄影爱好者所解码的形式总是属于某一摄影传统的，例如对于质料的研究；另一方面，如果疏忽一些典范的美学规范，如缺乏一个能与形式发生有意义连接的前景或令人能注意到的背景（例如棕榈树表现异国情调），那么，即使不招致完全彻底的拒绝也会阻抑人们的理解和欣赏。
但是大众摄影的整个悖论是在其时间维度中显示出来的。
作为对于可见世界的直接切入，摄影术所提供的手段将日常感知中紧凑的立体现实消解成无穷无尽稍纵即逝的平面轮廓，像梦境中的意象那样，为的是捕捉诸种事物在相互位置中绝对的独一无二的瞬间，为的是把握（如瓦尔特•本雅明所示）感知世界那些因为稍纵即逝而无法感知的方面，为的是捕捉此在的荒诞之中的人性姿态，这种此在是由“盐柱”所构成的（译按：盐柱的典故源于《圣经》，罗德之妻不听劝告，回头看了一眼上帝所毁灭的城市，当下自己即化为盐柱）。
事实上，与所有人的期待刚好相反，日常实践似乎决心要剥夺摄影困扰人的力量，而远非将摄影的特殊使命视为捕捉关键瞬间——在这些瞬间中，可靠的世界丧失了平衡；大众摄影使现实暂时化，因而消除了消解现实的偶然性或任何表象。
[8] 只有捕捉到从时间流中分裂出的庄严瞬间，只有将静止不动的人捕捉到永恒的平面中，才会失去侵蚀的力量；当一个行动呈现为一种形态时，它便总是将一个本质的、“不动的、”超越时间的运动具体化，将一个姿势的平衡或优美具体化成它所蕴含的社会意义一样永恒；挽手站立的夫妇所表现的意义，如果换一个姿势，则与梵蒂冈中卡托和鲍西亚携手的意义相同。
在日常美学的语言中，正平面描绘意味着永恒（与景深相对），时间性因正平面描绘而被重新引入，而平面意味着存在或本质，亦即不受时间影响。
[9] 于是，农民依照拜占庭镶嵌画人物排列的布置和姿态，摆姿势照结婚照，也就摆脱了摄影将事物暂时化而使它们去现实化的那种了力量。
可见世界约定俗成的秩序因为支配着整个图像传统，并进而支配了对世界的整个感知，所以它会因为将自身铭刻在自然性的全部表象中而吊诡地终结。
日常实践并没有动用摄影术的全部可能性以颠倒这种秩序，而是使摄影术的选择服从于对世界的传统视界的范畴和典范。
因此，摄影能够显示为对最忠实于这个传统视界中的世界的纪录，亦即显示为最客观的纪录，也就不足为怪了。
[10] 换句话说，因为摄影的社会性使用是从摄影的各种使用可能的场域中作出的一种选择，而这些使用可能的结构是按组织世界的日常视界的范畴而建立的，所以摄影影像可被视为是对现实的精确、客观的再现。
假如“自然模仿艺术”这句话为真，那么自然而然地，对艺术的模仿应该显示为对自然的最为自然的模仿。
在较深的层面上，只有以天真现实主义的名义，人们才能将对于真实世界的某种再现视为现实主义的，这种再现之所以具有客观的表象并非因为与事物的现实本身的一致（因为这种一致只能通过社会条件制约下的感知形式来传达），而是因为它与界定其社会性使用的内在语法的规则相一致，符合对于世界的客观视界的社会定义。
当社会为摄影提供了现实主义的担保的同时，它只不过是在一种同义反复的确定性中确认着自身，也就是，当反映真实世界的某个影像忠实于它对客观性的表征时，它就真的客观了。
[11]粗鄙的趣味在普通人看来，摄影术是对真实世界最完美忠实的再现，究其原因，产生摄影的技术客体的社会形象与摄影的社会性使用无疑是同等的。
实际上“机械之眼”的完善就是根据对客观性和美学完美的通俗表征而实现的，这种表征的界定标准则是相似性和易读解性；正如西蒙顿（M. Gilbert Simondon）所述，仪器的崇拜者和毁谤者往往都承认，一个仪器的复杂程度与其自动化的程度是成正比的。
[12] 然而，出于同样的理由，因为艺术创造被通俗地再现为辛苦劳作，摄影行为无处不与这种通俗观念相抵触。
没有艺术家的艺术还是一种艺术吗？无庸讳言，摄影并未实现工人阶级的艺术理念，亦即其模仿理念的程度并没有达到像现实主义绘画那样对再现进行生产。
许多受调查者感到并表达出了他们眼中使摄影行为与绘画行为分开的差异；既然一个人所要做的一切只是简单地揿一下按钮，便能释放出作为照相机本质特征的客观智能，那么似乎并非有什么照片是不可拍摄的，或者说甚至没有哪张照片不是已经以一种虚拟状态存在着；因为这一事实，人们便希望照片通过被摄物体、通过拍摄时所做的选择、甚至在照片的最终用途中获得其正当性，这种用途会驱除人们下面这些话所反映出的认为拍照只是为了拍照，是无用的、不正当的、资产阶级的：“这是浪费胶卷”或者“你得有胶卷来浪费啊”；“我敢发誓，有的人真的不知道他们的时间该怎么用”；“你得有空余时间才能做那种事；”“那是资产阶级的摄影”。
与此相反，静物即使并不常见，也是画家易于获得认可的主题，因为对于现实简单、成功的模仿预示着艺术的难度，于是也验证着技艺的精湛。
这导致了对机械再生产的态度上的某些矛盾。
机械再生产借助其毁灭性的努力，冒险剥夺着作品的价值；而价值正是人们力图授予作品的东西，因为它符合一个完整的艺术品的标准。
这一矛盾越发尖锐突出，因为艺术品，尤其在未被圣化之前，总是引起被蒙骗的恐惧。
免遭蒙骗的最可靠保证是艺术家的诚挚性，这种诚挚性是根据艺术品所需的付出、牺牲来衡量的。
摄影术置身于美术系统内部，其含混的处境除了导向其它矛盾之外，还可以导致作品的价值与生产该作品的行为的价值之间的矛盾，作品价值所实现的美学理想仍然是最为普及的。
但是这一矛盾只是在关于摄影的艺术价值的（常常是故弄玄虚、惺惺作态的）问题中才会变得明显。
这个矛盾既没有促使工人阶级改变附加于照片影像上面的东西，也没有促使人们关注一个萦回在美学家脑际的问题的答案。