中外美术鉴赏论文
中外名画鉴赏论文
凡高自画像的美学分析20世纪的艺术史研究，处在一个方法不断变革的文化语境中，一件艺术作品历久弥新，不但需要它自身具有艺术价值，也在于能够有不同的解读方法赋予它以丰富的意义差异。
这种差异彼此之间不是互相否定和排斥的，而是相互补充和参照，形成一个召唤思想的整体。
当然，艺术多元化特征自身性质也决定了这一点。
当代艺术史家从各种不同的角度、不同的领域对艺术进行多层次多维度的研究，其中比较著名的艺术史分析方法有：形式主义美学分析法、图像学方法、结构主义和解构主义（后结构主义）分析法、新马克思主义分析法和精神分析学方法等等。
这些新方法层出不穷，日新月异，大有“乱花渐欲迷人眼”之势。
不过，方法论本身并不具有本体意义，人们是要通过新的方法抵达被遮蔽的艺术本体，揭示艺术本体的深层内涵，从而展示出人本然的处境和存在的意义。
诚然，要洞悉一件艺术品的艺术本体，还需要创作者和观者拥有一定的独创性认识，这依赖于他们的学识和美学修养，它可以反映一个人的社会、政治、经济甚至性的观念。
此外，观者观赏一件美术作品的时间和空间，也是解读一件艺术品的重要参照。
凡高，19世纪后期印象主义代表性画家，他从1886年至1890年艺术成熟期自画像作品多达四十几件，这在自画像艺术史上无疑是突出的，同时，也因凡高对现代艺术产生的重大影响和受到现代社会的普遍关注。
因此选取这一题材作为参照具有一定的价值。
1.形式主义分析法形式主义分析者他们认为，形象出自线条、形态和色彩上观察到的一点，再进一步讲，是出自线条、形态和色彩排列的美学效果。
凡高1887年的《戴草帽的自画像》，用这种观念来分析凡高的这幅自画像时，我们就能注意到：整幅画面都是明亮的黄色，纯色面积较大，无论人物和背景，黄色是基本的色调，画家用明确的红色线条勾勒出人像的轮廓，人像旁用粗略且不规则的蓝色短线条交代出背景。
即有一定的视觉真实感，又有很强烈的平面效果。
凡高说：“我始终固定一个位置作画，注意掌握画中最本质的东西，然后在轮廓线所限定的每块空白处填满色彩。
美术鉴赏论文——中西艺术差异
中西艺术比较探析摘要：东西方巨大的文化差异导致了以油画为代表的西方绘画和以水墨画为代表的中国绘画除在材料及工具的使用上的差异外，在创作方法和审美观念上也存在根本性的不同。
中国传统建筑注重环境气氛的营造意境含，追求和谐统一；西方古典建筑体现了人与自然对立的“人神合一”的宗教观念。
关键词：绘画音乐建筑雕塑园林异同现状1．中国传统艺术与西方古典艺术的差异及根源总体来说，中国传统艺术是写意的--注重的是人与自然的关系，反映的大多是自然在人心里的感受。
绘画多写意，音乐重感受，书法写胸臆，舞蹈讲合一；西方古典艺术是写实的--注重的是对自然的重现，反映的大多是自然的真实情况或运行理论。
绘画多写实，音乐重和鸣，舞蹈表情绪。
而这种区别与中西哲学的差异有关。
中国的哲学思想是以中庸谦和为主，把天人合一，物我两忘推向极致；西方哲学主要是来源于希腊的数学和几何的逻辑思维，重视对事物的客观认识，概念化推理演绎剖析事物，推崇物我对立。
所以，中国艺术以含蓄的手法来表现自己，西方艺术多以夸张的手法来表现自己。
中西方绘画之差异分析。
东西方巨大的文化差异导致了以油画为代表的西方绘画和以水墨画为代表的中国绘画除在材料及工具的使用上的差异外，在创作方法和审美观念上也存在根本性的不同。
西方绘画由于受到古希腊亚里士多德“摹仿说”的理论影响，故西方绘画一般重形似、重再现、重理性；而整中国画注重的是情感表现，注重“以形写神”，“气韵生动”。
创作方法上西方绘画重写实、以块面塑造形体、强调焦点透视；中国绘画重写意、以线造型、追求打破时空界限的散点透视。
此外，中国画讲究将诗、书、画、印有机地组合在一个画面上，从而形成中国画独特的内容美和形式美。
中国传统建筑与西方古典建筑之差异分析。
中西建筑文化的不同，从根本上应理解为中西文化传统的不同。
一般认为:中国文化重人，西方文化重物;中国文化重道德和艺术，西方文化重科学与宗教;中国文化重融合、统摄，讲究并存与一体性，西方文化重不同时代的独特精神，凸显各种流派的个性特质等等。
中外艺术论文
中外艺术，不管是古代还是现代，两者差异非常明显。
从音乐、建筑，再到绘画舞蹈以及其他艺术表现形式，中国艺术与西方艺术都十分突出地表现出自身独特的艺术特质。
但它们却也相融在一起，在区别中，它们更加紧密的联系在一起。
由于中外文化观念的差异，中外艺术在各自的发展方面也有许多不同之处。
一、中国绘画艺术与西方绘画艺术的差异及根源在绘画方面，东西方巨大的文化差异导致了以油画为代表的西方绘画和以水墨画为代表的中国绘画除在材料及工具的使用上的差异外，在创作方法和审美观念上也存在根本性的不同。
西方绘画由于受到古希腊亚里士多德“摹仿说”的理论影响，故西方绘画一般重形似、重再现、重理性；而整中国画注重的是情感表现，注重“以形写神”，“气韵生动”。
创作方法上西方绘画重写实、以块面塑造形体、强调焦点透视；中国绘画重写意、以线造型、追求打破时空界限的散点透视。
此外，中国画讲究将诗、书、画、印有机地组合在一个画面上，从而形成中国画独特的内容美和形式美。
在绘画方面，中西方在题材方面都有宗教题材。
不过，中国以宗教题材的话只有版画和油画，只占绘画中的一小部分，而且画的是佛教题材中的飞天、罗汉、佛祖及佛教故事，如明代版画《北藏经》。
而西方国家很多画都以宗教为题材，内容主要是《圣经》里面的故事，主人公为耶稣和圣母玛丽亚，如奇马布埃的《圣母子》和乔托的《逃亡》埃及等。
中国文人画家大部分画国画，以山水画、花鸟画为主，用的材料是纸张、墨汁等，如明代“吴门四家”之中的沈周华的《庐山高轴图》、陈淳的《花卉册》等。
西方画坛则以油画为主，还画素描，用的材料则是亚麻布、油画颜料、素描纸、铅笔等。
中国画以写实和写意为主，注重形神兼备，如许巍的《杂画图卷》则是写意画中的代表。
西方则注重光线、色彩与空间感，注重塑造事物的体积感，如乔尔乔纳的《沉睡的维纳斯》在形体、色彩、柔和的线条和景色的层次上都达到了高度的统一。
中国在这一时期人物画发展比较缓慢，由仇英、陈洪绶等杰出画家，名作有仇英的《修竹仕女图》、《人物故事图册》等。
美术鉴赏论文有背景清明上河图的意义
由《清明上河图》谈美术鉴赏的意义一、对中国画的认识首先我想说对于我们建筑学来说，对国画的认识是更有裨益的。
各类的中国画首先给人一种意境美和音乐美，在使人在了解画的同时，也得到审美能力的锻炼。
在着我就谈一下自己对中国画的认识，我觉得了解中国画首先应该了解中国画的产生，发展及其内在精神。
山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。
山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了。
初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。
他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。
西方美术欣赏鉴赏相关论文
西方美术欣赏鉴赏相关论文西方美术欣赏是高校美术专业的重要课程，对于提高学生的综合素质发展创造力有着重要的意义。
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西方美术欣赏相关论文篇一：《试论中西方美术的融合与当代工艺美术》工艺美术的创作初衷是对艺术的感悟，基本点在于美，这一点与传统艺术(包括绘画)的出发点是一样的。
无论什么形态的美，它必定是包括着人们美好的愿望。
形态的多样性使工艺品更具广泛的市场与发展空间，艺术的创造来源于生活的各个角落，任何东西都有可能成为一件艺术品。
用艺术的眼光来创造工艺品，是人们物质生活和精神生活提高的表现，也是人们喜爱艺术的愿望，艺术对于社会、对于人的成长起着非常重要的作用，体现了人们的精神面貌。
在西方美术中，注重绘画材料与工具的多样性及绘画材料与写实观念的紧密结合，体现了它的科学性。
强调对客观事物的真实再现，描绘自然界中一切事物的真实情况。
严谨的比例，光线的变化，空间以及色彩的表现。
通过绘画的过程找寻事物的特征并逐步进行科学的研究，形成完整的，科学的绘画语言，创造真实的“理想之美”。
“艺术的使命在于用感性的艺术形象的形式去真实”(黑格尔《美学》)。
中国美术早期则深受儒家、道家文化的影响。
“礼之用，和为贵。
先王之道，斯为美;小大由之。
有所不行，知和而和，不以礼节之，亦不可行也”(《论语·学而》)，“淡然无极而众美从之”(《庄子·养生主》)，强调抒发主观意志，以主观的思想来控制情感，从美好的一方面来净化内心世界。
塑造理想的人格，从而达到人与社会，人与自然的和谐之美。
通过所要描绘的具体对象表达自己内心感受，以咏物来寓志，借景抒情，形成中国美术特有的“意境”。
讲求“气韵生动”，不求形似但求“传神”，(明·徐渭)“须得书意，转深点画之间皆有意”(东晋·王羲之)，把主观的情感和客观的景物相融合，通过画面上的“物”与“意”即“书”成为一个整体，形成“诗、书、画”一体的特有表现形式。
美术论文鉴赏优秀3篇
美术论文鉴赏优秀3篇美术鉴赏论文篇一从《瑞鹤图》谈美术鉴赏的意义经过这一段时间美术鉴赏课的学习，我想从一幅花鸟画，《瑞鹤图》简单谈一下美术鉴赏的意义。
那么要谈美术鉴赏的意义，首先我们要知道什么是美术鉴赏。
了解了什么是美术鉴赏，下面就要说说美术鉴赏的意义。
既然是鉴赏美术作品，那美术鉴赏的意义就首先是美术作品的意义。
而美术作品的意义又分为本身意义及延伸意义。
其本身意义就是说我们看到一件美术作品时所获得的美感和愉悦感。
拿《瑞鹤图》来说，此图绘彩云缭绕之汴梁宣德门，上空飞鹤盘旋，鸱尾之上，有两鹤驻立，互相呼应。
画面仅见宫门脊梁部分，突出群鹤翔集，庄严肃穆中透出神秘吉祥之气氛。
此幅一改常规花鸟画构图的传统方法，将飞鹤布满天空，一线屋檐既反衬出群鹤高翔，又赋予画面故事情节，此在中国绘画史上是一次大胆尝试。
绘画技法尤为精妙，图中群鹤如云似雾，姿态百变，无有同者。
更为精彩之处，天空石青满染，薄晕霞光，色泽鲜明，鹤身粉画墨写，睛以生漆点染，顿使整个画面生机盎然。
卷后为徽宗瘦金书题记及诗，款“御制御画并书”，签押“天下一人”，观其书风，健笔开张，挺劲爽利，侧峰如兰竹，媚丽之气溢出字里行间。
看到此图后，我们为之一震。
一片生机跃然纸上。
我们在看图的同时，也得到了美的享受。
这就是其本身意义。
北宋政和二年上元之次夕（即公元1112年正月十六日），都城汴京上空忽然云气飘浮，低映端门，群鹤飞鸣于宫殿上空，久久盘旋，不肯离去，两只仙鹤竟落在宫殿左右两个高大的鸱吻之上。
引皇城宫人仰头惊诧，行路百姓驻足观看。
空中仙禽竟似解人意，长鸣如诉，经时不散，后迤逦向西北方向飞去。
当时徽宗亲睹此情此景兴奋不已，认为是祥云伴着仙禽前来帝都告瑞，国运兴盛之预兆，于是欣然命笔，将目睹情景绘于绢素之上，并题诗一首以纪其实。
但“祥瑞之兆”却难以挽回衰败的国运，此后第十五年，即公元1127年，金兵攻陷都城汴梁。
宋朝军民纷纷起来抗击金兵，金人自知无力吞下这个腐朽然而却十分庞大的仅仅通过一幅画，我们就了解到这么多的历史文化知识，我们的文化底蕴、艺术和文化素养得到极大提高。
中外美术史论文
长安大学建筑学院中外美术史论文浅谈中国山水画与古典园林姓名：XX班级：XX学号：XX指导教师：XX浅谈中国山水画与古典园林作者：XX摘要一个时期的艺术会渗透到这个时期的方方面面，例如园林的营造艺术，凡属风景式园林或多或少地都具有“画意”，都在一定程度上体现着绘画的原则。
中国画与中国园林有着不解之缘，中国古典园林史表明，山水画与山水园林关系非常紧密，历代的文人、画家参与造园蔚然成风，不少园林作品直接按某个画家的笔意，某种流派的画风来造园，以画论代园论指导园林设计的手法屡见不鲜，长时间的发展而形成了“以画入园，因画成景”的传统。
现在将从两者的关系，从立意，构图，空间布局等方面的共同点来阐述山水画渗透于中国古典园林中。
分析美术与园林，两者之间的联系。
正文一.中国山水画的演变历程山水画的出现历史悠远，山水画始于魏晋南北朝，真正发展于隋唐。
隋朝时期，从创作的题材来看，出现最早的是人物画，最初描绘山川风光是作为人物画补景出现的，现在能看到最早的山水画是隋代展子虔的《游春图》，到了秦汉时期，着重描绘劳动生活的场面，统治阶级士大夫文化开始占主导地位；到魏晋时期，山水画逐渐有了意境，不再是具象的东西，也开始出现适中的真意深情。
山水画的发展，首先表现在隋代和唐初的大兴土木工程即宫殿、台阁的大量建筑上。
在设计建筑的时候，便要绘制大量的山水背景，出现了李思训、吴道子、王维等人。
唐末、五代、宋初产生了“百代标程”、“照耀千古”的大山水画家，如孙卫、荆浩、李成、范宽、董源等等，都是前无古人，后启来者的大画家。
这段时间的大山水画家多位是隐士，他们的山水画成就特别高。
隐遁山林的画家，自然以山水为主，所以北方的人物画、花鸟画不是特别好，而山水画出名。
他们都成功地刻画出北方地区山密浑厚、势壮雄强的特色，称北方画派。
其实五代宋初时期的南方山水画成就也不低，南唐的大山水画家董源、卫贤、赵干等成绩很高。
由于南唐的群臣都是文学和艺术上的能手，所以南唐绘画，诸如花鸟、人物、山水都达到了很高的成就。
美术鉴赏论文——《蒙娜丽莎》
唯美微笑之《蒙娜丽莎》姓名：***专业:市场营销（品牌管理与推广）班级：61132P学号：182012 年11 月30 日唯美微笑之《蒙娜丽莎》关键词：蒙娜丽莎、达．芬奇、卢浮宫、疑问、猜测摘要：（1）《蒙娜丽莎》是文艺复兴时代画家达.芬奇所绘的丽莎.乔宫多的肖像画。
它代表达芬奇的最高艺术成就。
它融于美术，光学，对传统绘画技巧的创新于一身，洋溢了文艺复兴时期对新事物的追求和探索，因而被世代传颂。
（2）蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。
于美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。
就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。
自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。
正文：蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。
世上有很多人都在研究《蒙娜丽莎》，同时也有百部书籍来介绍她，然而她终究是个不解之谜。
时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。
蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。
人们常常惊叹：列奥纳多，这个拥有上帝一样的智慧的人，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。
就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，完美的将美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。
因而人们过分的喜爱她，无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。
人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。
多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。
有人说这幅艺术作品是一个不朽的传奇，与其说是个传奇不如说是一个令人追求的神话，它虽然与与达·芬奇有着密切的联系，但在更多的程度上来说这完全是后人制造的。
神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀。
如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。
中外绘画作品欣赏期中论文
从簪花仕女图论谢赫六法对中国绘画的影响谢赫（公元479—502年）中国南朝齐梁间画家，绘画理论家。
事迹不可考。
善作风俗画、人物画，著有《古画品录》，为我国最古的绘画论著。
评价了3世纪至4世纪的重要画家。
提出中国绘画上的“六法”，成为后世画家、批评家、鉴赏家们所遵循的原则。
《古画品录》首先提出绘画的目的是：“明劝戒，著升沉，千载寂寥，披图可鉴。
”这就是指出了：通过真实的描写收到教育的效果。
这一理论认识的出现是进步的现象。
他提出绘画的“六法”是：一、气韵生动，二、骨法用笔，三、应物象形，四、随类赋彩，五、经营位置，六、传移模写（或作“传模移写”）。
“气韵生动”是指表现的目的，即人物画要以表现出对象的精神状态与性格特征为目的。
顾恺之的关于绘画艺术的言论，以及魏晋以来人们对于人物的鉴赏评论所一致强调的人的精神气质的生动的表现。
这些言论是谢赫提倡“气韵生动”的根据。
“骨法用笔”主要的是指作为表现手段的“笔墨”的效果，例如线条的运动感、节奏感和装饰性等。
从古代画论中可见古代画家和评论家对这一点的重视。
“应物象形、随类赋彩、经营位置”是绘画艺术的造型基础：形、色、构图。
“传移模写”是学习绘画艺术的方法：临摹，也是复制的方法。
关于临摹，古代有很多不同的技术，是一个画家所必须熟悉的。
由此可见，“六法”是古代绘画实践经，提高为理论的。
关于“六法”，过去存在着若干混乱的看法。
或有意的加以神秘化，例如说：五法可以学，而气韵只能先天的。
或者用气韵生动否定其余诸法的必要性，而流为形式主义的掩护。
或者把“六法”当作创作实践的技法，用以证明古人的写实技法已达到很高的水平。
诸如此类混乱的看法，都有待用历史观点加以澄清。
谢赫的“六法论”之重要，乃在于他作了这一整理集中的工作。
虽然“六法”之间的正确的科学的逻辑的关系没有完全明确起来，然而由于反映了绘画艺术发展的一定阶段上完整的认识，而此认识既肯定了根据对象造型的必要性，也提出了理解对象内在性质的重要性，同时也指出笔墨是表现对象的手段。
美术鉴赏论文：齐白石的书画特色
美术鉴赏论文：齐白石的书画特色XXX是我国传统书画技法的继承者，他通过对生活的深入观察并加以提炼，形成了自己独特的艺术风格，对传统绘画的发展做出了卓越的贡献。
其中，XXX的草虫画是他绘画的一个重要表现形式。
他在绘画中一直运用精细工笔和粗笔写意两种画法，其中精细工笔类的变化不大，但粗笔写意类的变化非常丰富。
这种现象适应了齐白石个人风格的产生和发展。
齐白石草虫画的表现形态有工笔的、小写意的、大写意的、工写结合的等，其在齐白石绘画中的主体位置往往是艺术表现的灵魂。
XXX的绘画作品中，龙以虾、蟹、鸡雏最为精炼，被公认为“三绝”。
据说他一直在案头的水盂里蓄养长臂青虾，每日数次进行细心观察或写生，认真研究虾的体态结构和活动规律，对虾的前进后退、急游缓泳、戏斗跳跃等等了然于心。
他数十年如一日地进行实践探索，终于总结出一套能充分发挥生宣纸的特点，恰如其分地掌握用笔、用墨、用水，既表现出虾体透明质感，又表现了须、臂弹性力度的成熟技法。
这是画家对生活和艺术的热爱高度融合的结晶，也体现了中国民族绘画最优秀的历史传统。
XXX的代表作——虾，画上有重要的三段变法。
第一阶段是如实画来，写实，宗法自然，更像写生；第二阶段最重要，虾身主体简化为九笔，其中包括双眼、短须、长须、大钳、前足、腹足、尾和一笔深墨勾出的内腔。
这种结构是齐白石虾的重要风格。
第三阶段是画上的墨色不均一，笔先蘸墨，然后用另一支笔在笔肚上注水，把虾的“透明”画了出来，XXX的虾一下子就活了。
XXX的虾由生活中的六段成了画纸上的五段，这包含了一个极重要的艺术原理：一定是五段的虾，在比例上在画面上摆出合理，最好看，最美。
终于，五段由六段中飞腾了起来。
这个飞腾非常重要，非常伟大，因为五段是艺术的真实，是一种超越，是一种非常，是比真实还美丽的璀璨，这就是XXX变法的深刻。
XXX一定试验过，六段不成，四段也不成，非五段不成；于是，五段便成了艺术的必然，也衍生了一个有普遍艺术规律的美学原理。