艺术风格学读书笔记
艺术风格学读书笔记 沃尔夫林这本书就是研究艺术的风格。他要做的不是价值判断,而是风格分类。下面请欣赏关于艺术风格学读书笔记，希望你们喜欢! 我读的版本是1987年辽宁人民的老版。 顾名思义，沃尔夫林这本书就是研究艺术的风格。他要做的不是价值判断，而是风格分类。而在风格分类的背后，他关注的其实是艺术家观察方式的变化，明确地说，是他们观察及创作所用的图式的变化。这也是风格分类的理据。在分析文艺复兴和巴洛克时期的艺术的区别时，沃尔夫林提出了五对概念，分别是线描和图绘、平面和纵深、封闭的形式和开放的形式、多样性的统一和同一性的统一、清晰性和模糊性。他考察了15世纪到17世纪的艺术史，从文艺复兴和巴洛克时期的绘画、建筑、雕塑形式中抽绎出五对概念，并说明了这些概念本身的流变以及它们与具体的艺术形式的对应关系。 从治史上来说，沃尔夫林受到了进化论，黑格尔循环论的影响，同时多多少少也可以见出兰克的影响。“史学家不应该问‘这些作品是怎么影响我这个现代人的’，并用这个标准来评价它们的表现内容，而应当去认识这个时代有什么样的形式可供选择。这样就将得到一种根本不同的解释。”沃尔夫林并不单纯指出艺术形式的转变，而是把这种转变与民族精神、时代精神联系起来，认为是一个时代中的民族在视觉上的才能，它的形式感对艺术形式产生了影响。沃尔夫林姑且把文艺复兴和巴洛克在价值对比上悬搁起来，而对形式中的构图、明暗、色彩等诸要素间的紧张关系进行极为细致的分析。画家的个人风格体现在哪怕最小的一撮树丛、一根树枝中，形式感的全部要素都体现于此，这就要求我们进行细致的观察。 线描和图绘 西方绘画在16世纪是描画的，而到了17世纪则是图绘的。两者并不截然分立，16世纪的绘画中已经有图绘的倾向和形式上的突破，而17世纪也有许多描画的追求的例子。只是从16世纪到17世纪，从线描到图绘的视觉上的调整不可逆地发生了。线描风格是按线条观察事物的，图绘风格则是按块面观察的。具体地说，线描通过轮廓线明晰地勾勒出物体的的边界，坚实、清晰，给人以安全感，仿佛可以去触摸这些边界。沃尔夫林解释道：“用一条均匀清晰的线条来描摹一个形体仍然具有从物质上领会的成分。眼睛的作用同摸索物体的手的作用相似。”而图绘则仅仅植根于眼睛之中并且仅仅打动眼睛。可以理解为图绘风格中，受明暗的支配更加多，线条塑形的作用减弱了，而眼睛不再盯着线条而是注意画中那些小斑点，或沉浸在整个团块的运动、迷蒙的光晕中。不过沃尔夫林在这里给出从触觉到视觉的绘画变革似乎跳跃地较快。所谓的主观的观看态度，图绘风格绘画中的视觉形状“对眼睛来说看上去真实”，沃尔夫林是这么说的：不同的画所需要清晰地观察的距离是不同的。事物像霍尔拜因在肖像画里追求金匠的小装饰极为细致，而哈尔斯有时就把一个花边衣领画成一道白光。“除了眼睛在对整体作一总的观察中所得到的感觉以外他不想再增添什么。”所以观看一些图绘风格的画时，近距离观察已经没有什么意义，我们不必诉诸触觉，所画的物体与实物也没有什么比较的可能性了，“没有单独的哪一笔可以被确确实实地理解”，必须退到远处观察总体的运动感觉。 眼睛的观察能力受到不同风格绘画的影响，也具备了用不同的方式去感知事物的能力。沃尔夫林把一些画题本身所具有“入画”的性质提取出来，也就是单个的形体被卷入到更大的范围中以营造一种全面运动的印象。我之前翻译的罗莎琳·克劳斯的文章里，她也谈到入画的问题，不过她的旨趣在于讨论原件与副本之间的关系。她援引了1801年出版的《约翰逊词典补遗》列出的入画这个术语的六种释义： 根据《补遗词典》，入画的释义为：1）愉悦眼睛之物；2）以奇异性著称；3）由绘画的威力触动想象力；4）在画中得到表现；5）担负一个关于一幅风景的好的主题；6）适合从中提取出一幅风景。 其中，奇异性就是沃尔夫林谈到的“这个形象包含的和事物的通常形式有关的惊奇的成分越多，它的入画价值就越高”。在他看来，入画成为了图绘的观看方式的一个预备阶段。 在图绘中，形体并不是不可辨别，只是它突出了块面的结合，引进了一种运动。另外，光在以线描为风格的丢勒的画中是物体的附属物，在巴洛克的图绘风格中，光已有了独立的生命力。在古典风格中，永久的形式是被强调的，相比之下外表的变化显得没有独立的价值。但是后古典风格的构图就被布置在“各种画面”中。在建筑上，图绘的观看方式意味着不在某个视点穷尽物体的特性。图绘风格为了能够造成运动的幻觉，形体必须相互挨近，缠绕，融合。这在北方的线条中也有一致的体现。北方的线条与意大利不同，不孤立、纯粹，而是相互缠绕，呈现团束、网状，明暗早已结合在它们自身的图绘的生命之中。 平面和纵深 沃尔夫林在介绍16世纪的平面构图原则是，举了达·芬奇《最后的晚餐》和拉斐尔《捕鱼奇迹》两幅画，很直观、清楚。人物之间都有一定的间隔，被单独排列开来，眼睛左右来回捕捉前景的人群。以纵深为构图原则的鲁本斯、凡·戴克等人就通过增强人物形象的运动抵消了平面。而在伦勃朗的《乐善好施者》里，画家尽一切努力不让人物在平面中排成一行。 观测点的远近会使画面的纵深具有不同的效果。丢勒的《圣杰罗姆》和维米尔的《音乐课》是很精彩的一组对比：“展开的空间被展示为一条有最显著的纵深运动的走廊”。 另一组清晰的对比是蒂耶波洛的《最后的晚餐》和达·芬奇的《最后的晚餐》。前者的人物形象没有在平面中结合为一体。在右边一组门徒与后面基督的纵深紧张关系中，平面要素被削弱了。 沃尔夫林在这里做了一点重要的说明：“作为我们各章的标题的几对概念，当然是同时起作用的——它们是一株植物上不同的根系，或者换句话说，在各种情况中完全是同一回事，不过从不同的观点来看罢了。”这是我们把握这几对概念在形式分析中的关系的一个依据。 封闭和开放 巴洛克艺术虽然不能回避在绘画框架内的视觉完整性这一点，但是它避免图画空间和图画内容的任何明显的一致性。此时，形式的重要成分不是构架，而是把不断地运动带到画面中来。 论及雕塑时，沃尔夫林指出：“任何一个独立的雕像都有其建筑的根基。雕像的底座，与墙壁的关系，空间的方向——所有这些都是构造的特征。现在在雕塑中出现了某种类似于我们在绘画中注意到的图画内容与图画框架之间的关系的东西。雕像摆脱了壁龛的影响。它将不承认在它后面的墙壁是一种约束力，而且雕像中的构造的轴线越不清楚，它与各种建筑背景的关系就越紧张。” 巴洛克艺术取消了文艺复兴艺术的那种在平静与活力之间的平衡、饱和，比例倾向于更加不安定，产生了一种热烈的紧张的艺术效果。 多样性的统一和同一性的统一 沃尔夫林打了个比方：多样性和同一性好像是两个容器，现实的内容被捕捉到这两个容器中并获得形式。这一“容器说”在书的结论部分也提到，看来是沃氏的一个基本观点：“我们不要忘记我们的范畴只是形式——是理解的形式和表现的形式——因此它们本身没有任何表现的内容。在这里这只是一个让明确的美能够显现的图式的问题，而且这是一个容器的问题，在这个容器中各种自然的印象能够被捕捉和保存。” 古典艺术通过使各个部分成为独立的自由的组成部分来达到统一，而巴洛克则取消了各部分一致的独立性以利于更同一的总体母题。早期艺术中出现的被抑制的印象是因为各个部分被处理得过于松散，显得混乱不清，它们的接合方式不是有机的。古典形式便是有机地把各个部分结合起来，又使整体中的部分独立地起作用。而巴洛克则“总是想回避或者隐蔽纯粹的水平线和垂直线的会合。我们不应该再有一个接合的整体的印象：各个组成部分，无论是床上的华盖还是一个使徒，总是被融合于支配画面的总体运动之中”。 古典艺术具有从容、明白的特质。虽然其出发点是整体，是形式的完美、稳定，但它并不考虑第一印象。巴洛克则转变了这种观念。 清晰性和模糊性 从文艺复兴艺术到巴洛克艺术，画面绝对的清晰性逐渐转变为相对的清晰性。按照沃尔夫林的说法，运动的、印象主义的风格，由于其本性的关系倾向于模糊性。他提到一种比较现代的思考方式：“霍尔拜因完全意识到事物并不以他的画中的样子呈现于自然之中，物体的边缘不是以他所描绘的那种一致的清晰性被看见的，他还意识到对实际观察来说，刺绣品，珠宝，胡须，等等的个别的形状或多或少地看不见了。”对于霍尔拜因来说，唯一的美在于绝对的清晰。其后的巴洛克艺术则对不明确的、可动的外貌产生兴趣，眼睛在半明半晦中发现了某种魅力，沃尔夫林举了伦勃朗的例子。在《圣母之死》里，笼罩着床的光，飘浮在床上的云团，这幅画以生动的明暗为特色，个体的形象被吞没了。而在伦勃朗成熟期则趋于单纯，但仍不可被视为向着16世纪复归。鲁本斯的《背十字架》给人留下了深刻的印象，用肩扛十字架的士兵，在母题的意义上似比基督更重要显眼。这种母题的模糊性到了后来的巴洛克艺术家那里基本上还是清晰地，只是总体面貌上变得不可思议得模糊。 结论 “观看并不是一面一成不变的镜子，而是一种充满生气的理解力。这种理解力有其自己内在的历史，并且经历过了很多阶段。”沃尔夫林形式分析的目的就在于从这种理解力的历史中找出一个规律。在结论部分，他提出了不少重要的艺术史问题。 艺术史的发展并不简单地是一种新风格对旧风格的承继，而是艺术家所用图式——包括这种图式背后的民族精神，或曰一个时代中某一民族在形式感，在知觉能力上的趣味变迁——的发展。发展，始终是沃尔夫林这一派艺术史家所秉持的观点。而发展所经历的不同阶段是不可逆的，因为每个阶段都有它们所依赖的当时的环境、民族精神，呈现的是一种螺旋式的运动，不存在复归到前时代的问题。当然，明确的分期并不是艺术史家要做的，因为旧的形式中已经孕育了新的形式。艺术史也可以被视为一部形式的发展史，“可视的世界对于眼睛来说被结晶于某些形式上”，“绘画的模仿是从装饰发展来的——作为再现的设计图案过去是产生于装饰的——这种关系的后效应已经影响到整个美术史。”沃尔夫林由此也把艺术史解读为一部装饰史。 沃尔夫林在本书每章的最后一节都要强调某一时期的艺术史渗透着该时期的民族个性、民族才能的特点。因而就归结说，在艺术家身上发生的偶然事件受到他的民族在视觉
关于美术的读书笔记
关于美术的读书笔记在阅读关于美术的书籍时，我仿佛走进了一个五彩斑斓又深邃神秘的世界。
每一本书都像是一位经验丰富的向导，引领我去探索美术的无穷魅力和奥秘。
美术，这个词涵盖了广泛而丰富的内容。
从古老的洞穴壁画到现代的抽象艺术，从精美的雕塑到充满创意的装置艺术，美术以其多样的形式展现着人类的创造力和想象力。
在一本介绍绘画历史的书中，我了解到了不同时期绘画风格的演变。
古代的绘画往往注重对宗教和神话主题的描绘，以细腻的线条和庄重的色彩来表现神圣和庄严。
而在文艺复兴时期，画家们开始更加注重对人体结构和比例的准确把握，追求真实和立体感。
达·芬奇的《蒙娜丽莎》就是这一时期的杰出代表，那神秘的微笑和细腻的笔触至今仍让人着迷。
到了印象派时期，画家们则更加注重捕捉瞬间的光影和色彩变化，莫奈的《日出·印象》让我们仿佛能感受到清晨那柔和的光线和清新的空气。
除了绘画，雕塑也是美术领域的重要组成部分。
雕塑作品以其立体的形态和质感给人带来强烈的视觉冲击。
古希腊的雕塑强调理想的人体美，线条流畅，比例和谐；而现代雕塑则更加注重创新和表达个性，材料的运用也更加多样化。
在阅读中，我还深刻体会到了美术与文化、历史的紧密联系。
美术作品往往是特定时代和社会的反映，它们承载着当时人们的思想、情感和价值观。
例如，古埃及的金字塔和壁画不仅展示了其高超的建筑和绘画技艺，更反映了古埃及人对生死和宗教的信仰。
美术不仅是一种艺术形式，更是一种表达和沟通的方式。
艺术家通过作品传达自己的内心世界和对社会的观察与思考。
观众则通过欣赏作品与之产生共鸣和对话。
一幅好的美术作品能够触动人心，引发人们的情感共鸣和思考。
同时，美术对于个人的发展也有着重要的意义。
学习美术可以培养我们的观察力、想象力和创造力。
通过观察周围的世界，我们能够发现美的细节和独特之处；通过想象，我们能够创造出属于自己的艺术形象和故事；而创造力则让我们能够突破常规，以独特的方式表达自己。
艺术作文之艺术类读书笔记
艺术类读书笔记【篇一：美术读书笔记】《美术，另一种学习的语言》读书笔记人大附中朝阳学校曹晓娇最近看了一本是一个美国教育学家科汉盖纳著的《美术，另一种学习的语言》一书。
虽然这本书我只读了一半，但是先进的教育理念和有趣的教育方法已经让我对自己所教的学科有了新的认识。
边读边想，触发了许多感想，并记录了下来，限于我本人学力，有些地方可能不是非常妥帖，好在有感而发，对于严密的逻辑关系也就不讲究深入细致的推敲了。
一、让你的指尖对你说，你并非总是需要语言—本书主要观点摘要。
综观美术教育的发展历史，里德与罗恩非德的工具论与纳艾斯与克里的本质论成为了两种主要派别。
持本质论观点者，强调科目中心，注重通过严谨的美术学科内容的设置来实现美术教育价值，工具论观点者则更强调美术的教育功能，如创造力的培养，他们重视教育过程，但忽视创作效果。
通览全书，我个人以为《美术，另一种学习语言》这一本书的观点从属于工具论，即主张通过美术实现教育价值。
这种观点我们很清楚地可以从书中探讨的主要内容上看出。
本人当然认同这种观点，引用“让你的指尖对你说，你并非总是需要语言”这句话也是再次强调美术教育的重要性。
该书分三章，主要内容主要有：第一章美术与儿童，涉及课堂中的美术活动与儿童美术的本质两个课题，主要探讨美术在学校教育中的作用以及美术为什么是学生在发展、个性、情绪、交流上的一种有效途径。
第二章美术与学习，主要探讨美术能否有助于以及如何有助于学生了解自我，提升学生的学习思维，培养学生学习观察以及了解自身及他人的情感。
第三章美术与学校，主要探讨美术与其他课程结合的可能性，有利于美术学习的学校环境如何布置，美术教学评价的方法，与家长交流的方法以及美术在帮助少数民族、贫困儿童、非语言儿童、富裕儿童、天才儿童、障碍儿童发展上的作用。
如果再作具体一些的阐述话，又可细化为以下内容。
（一）通过美术教育能更好了解儿童，也能促使学生理解自己，发展自信“艺术提供了理解儿童的思想和情感的一种方法。
关于美术的读书笔记
关于美术的读书笔记美术，这个充满魅力和创造力的领域，一直以来都吸引着无数人的目光和心灵。
在阅读了相关的美术书籍后，我对美术有了更深层次的理解和感悟。
美术，它不仅仅是一幅幅挂在墙上的画作，也不只是一件件摆在展厅里的雕塑。
它是一种表达方式，是艺术家内心世界的呈现，是对生活、对自然、对人性的观察与思考。
通过线条、色彩、形状和质感，艺术家们能够传达出情感、理念和价值观。
在书中，我了解到了不同的美术流派和风格。
印象派以其对光线和色彩的独特捕捉而闻名，莫奈的《日出·印象》让我仿佛置身于那个清晨的港口，感受到了阳光洒在水面上的瞬息万变。
而后印象派则更加强调艺术家的主观感受和内心表达，梵高的《星夜》中那旋转的星空和浓烈的色彩，仿佛是他内心激情与痛苦的宣泄。
还有现代主义美术，它打破了传统的艺术规则和形式，追求创新和实验。
毕加索的立体主义作品《格尔尼卡》以独特的视角和破碎的形象，展现了战争的残酷和人类的痛苦。
而抽象表现主义则将情感和潜意识通过抽象的形式表现出来，杰克逊·波洛克的滴画让我感受到了自由和力量的迸发。
美术作品的创作过程也是一个充满探索和挑战的旅程。
艺术家需要有敏锐的观察力，能够捕捉到生活中的细微之处，并将其转化为艺术语言。
同时，他们还需要具备扎实的基本功，包括绘画技巧、色彩理论和构图能力。
但更重要的是，要有独特的创造力和想象力，能够突破常规，创造出新颖而有意义的作品。
美术作品不仅仅是视觉上的享受，更是一种文化的传承和社会的反映。
从古代的洞窟壁画到现代的街头艺术，每一个时代的美术作品都承载着当时的社会、政治、经济和文化背景。
例如，中世纪的宗教绘画反映了当时宗教在人们生活中的重要地位，而文艺复兴时期的作品则体现了人们对人文主义的追求和对古典文化的复兴。
美术教育在培养人的创造力、审美能力和综合素质方面也起着重要的作用。
通过学习美术，我们可以学会用不同的视角去观察世界，培养对美的感知和欣赏能力。
中国艺术精神读书笔记
中国艺术精神读书笔记中国艺术精神读书笔记“中国艺术精神”是一本古老的哲学巨著，汇集了中国古代传统文化中艺术理念和审美观念。
这本书深刻地表达出一种独特的中国艺术精神，被誉为“中华文化的经典之作”。
“中国艺术精神”的内容由艺术理论、哲学思想、审美观念以及艺术实践等五部分组成，旨在通过对艺术的审美、艺术的理论、艺术的形式和艺术的实践等方面的深刻细腻的探讨来展现中国艺术精神的历史文化底蕴及其独特的审美观念。
首先，“中国艺术精神”重视艺术理论。
它认为艺术理论是“人类对美的理解”，“对艺术形式的追求”，“对艺术表现力的思考”和“对艺术实践的指导”。
它把艺术理论作为艺术实践的基础，认为艺术理论和艺术实践是相辅相成的，并且要求艺术家在理论思考的基础上进行艺术实践，以此来拓展艺术的审美范畴。
其次，“中国艺术精神”强调艺术的形式。
它认为艺术是一种实践和体验，是一种美学追求和思想实践。
它强调形式的重要性，认为艺术形式应该体现出艺术实践的真实性和独特性，并有利于艺术实践的深入发展，从而使艺术实践变得更加有趣和实用。
此外，“中国艺术精神”还重视艺术实践。
它认为艺术实践是一种精神活动，是一种创造性的实践行为，是一种审美思维的发展和深化。
它要求艺术家要把艺术理论和艺术形式融入到艺术实践中，以此来实现艺术理论和艺术形式的发展。
最后，“中国艺术精神”指出艺术审美有其独特性。
它强调艺术审美是一种独特的审美观念，是一种对艺术实践及其结果的审美思考，是一种追求艺术审美本质的不断努力。
它提出，艺术审美必须以中国传统文化和社会实践为基础，且需要不断地追求艺术的审美本质，才能使艺术实践及其审美观念获得更好的发展。
总之，“中国艺术精神”是一本古老的哲学巨著，其内容涉及了中国古代传统文化的艺术理论、哲学思想、审美观念以及艺术实践等方面，深刻地表达出一种独特的中国艺术精神。
它强调艺术理论、艺术形式和艺术实践的重要性，并且指出艺术审美有其独特性。
通过对“中国艺术精神”的阅读，我们可以深入地了解中国传统文化的艺术理念和审美观念，从而更好地发掘艺术的审美本质，促进艺术实践的发展。
最新的艺术读书笔记5篇
最新的艺术读书笔记书中部分观点早已不适用当下社会，但书中弗洛姆对爱的思考是我们每个人一生都会经历的思考过，下面为大家精心整理了一些关于艺术读书笔记，欢迎阅读，希望对你能够提供帮助。
艺术读书笔记1小说的核心。
什么是小说的核心或是价值所在。
昆德拉在这本书中讲了这样一句话：小说诞生于幽默精神。
一个不会笑、没有幽默感的人是进入不了小说的国度的。
“人类一思考，上帝就会发笑。
”这句犹太的谚语，在阅读之前我一直不能理解。
人要活着，想要深刻有意义的活着，怎能不去认真思考世界呢，只有通过思考才能透过纷繁浩瀚的表面慢慢理清世界本身的思路。
可是昆德拉告诉我这个世界存在本身并不是一个唯一或是必有一个定论。
我们所能积极寻求的只是对于世界的一种理解。
我们能做到的只是把握存在的某个方式。
论断是愚蠢的。
所以昆德拉说：小说是作为上帝笑声的回声，是个体想象的天堂，在其中没有一个人拥有真理，所有人都有权被理解。
想象死亡。
什么样的小说才能带领人进入一种完全想像的境界。
轻飘飘或是沉甸甸。
头脑与身体完全断开。
亮着昏黄灯光的夜色下的斗室成了天堂。
小说总是在讲着死亡或是与死亡有关的体验。
在死亡的入口或是边界，传达那种不可言达的经验。
人生很无奈，活在没有经验的世界之中。
我们无从寻找到世界的真理，甚至越来越难以了解自己。
在这一新的处境之上建立起新的艺术，即小说的艺术，昆德拉如是说。
存在。
存在是什么?存在属于人类可能性的领域，所有人类可能成为的，所有人类做得出来的。
存在即是意味着存在的可能性。
昆德拉认为每一部小说都在试图回答同一个问题：人的存在是什么，它的诗性在哪里?正是因为只作为可能性的存在的存在，小说的世界里充满了乐趣。
想象力。
小说家肆意的想象。
拥有明净的，消除了滞碍的头脑。
“一个真正小说家的特征：不喜欢谈自己”。
希望自己从来不存在过，被历史删除而不仅是遗忘。
小说家只渴望人们记住的只是他印出的书。
正是因为存在只是一种可能的状态，无法把握世界的真理，无法把握自身的真理，小说说明不了任何问题，甚至于写作者也是陌生的。
从风格到画艺的读书笔记
从风格到画艺的读书笔记为了迅速读完这本书，在家里泡了一周，每天穿最舒服的衣服，毫无束缚的投入知识的海洋。
因为对西方绘画艺术的喜爱，当关注到东方文化时，第一个想了解的实际上就是中国画。
而比起西方绘画，中国画的绘画艺术门槛高到令人望而生畏。
本来想先读高居翰的《中国绘画史》，以为以西方人的角度去理解中国画会降低这个理解的门槛，看了几页，却发现对我而言这种方式完全不得要义。
故而转向台北故宫博物院院长出身的石守谦先生的这本书，妄图从中华文化的历史脉络中理出一个清晰的中国绘画史发展脉络。
内容上讲，这本书并不是一部完整的中国绘画史，他仅是一个文人画探讨的论文集，按照时间的顺序，也能连接成一个比较完整的文人画发展历史脉络。
而他也根本上解答了我最不熟悉的，也是最想了解的所谓中国画的“画意”之所在——即是一个连接着历史背景、作家生平经历和个人性格的融合统一的整体，以及这三股力量呈其不同作者的独特性，而终究要阐述的同一种带有明确阶级与身份识别功能的中式义理逻辑，即追求一种天人合一的内在境界。
读过这本书，对我来说最大的收获反而不是了解历史或者对绘画的解读知识，而是一种温润客观的史观，他既不排斥风格对厘定绘画史的重要作用，也能以充满理解的基调去分析历史的推移和逝去，看似冰冷的理智，却充满在规律关注之下的恳切关怀。
这本书确实不是一本一般意义上的中国绘画史普及读物，如果有对绘画史的全面了解，可能会对很多细节和风格及画意的对比有更深的了解，如果能对易学体系发展的历史也有了解，也能更深刻的理解作者对画意的剖析。
他的长处在于能够迅速建立起文人画的思想和精神体系，而作为中国人，这个体系的理解于我们而言并没有太大的隔阂。
也正是上面的原因，下一本书一定是高居翰这本中国绘画史，带着上一本书的精神内核，我终于敢以风格之标尺为工具，去看看中国画从单纯的艺术形式角度由古至今的脉络。
艺术设计类读书笔记
艺术设计类读书笔记【篇一：设计类读书笔记】本科毕业设计(论文)读书报告（读书笔记）学院：艺术学院课题名称：广西南宁市东方外国语学院片区景观规划设计专业(方向)：环境艺术设计班级： 09-09学生：梁艳梅指导教师：黎勇日期： 4.27日期： 2013 年 04 月 28日日期： 2013 年 04 月 30 日日期： 2013 年 05月 01 日日期： 2013 年 05月 06 日【篇二：《创意100-设计师必懂的100个设计创意》读书笔记】chapter 1独特创新思维001 创意来源于仔细观察002 创意是一个有趣的故事判断创意是否成功的其中一个重要标准，就是它能否让人觉得有趣，并引导人们展开相应的联想。
我们可以根据主题设计出具有故事性的画面，让人不仅被眼前的这一幕所打动，还能据此联想到在这之前或之后的有趣场景，进而产生更加浓厚的兴趣来了解相应的信息，达到宣传的目的。
idea：具有故事性的创意让人情不自禁地参与进来，加强互动，更容易留下深刻的印象。
003 旅行中的创意旅行是难得的收集创意的好机会，我们可以用拍立得相机随时记录有趣的事物，做成一本拼贴的旅行笔记；在速写本上画下今天所品尝的地方美食，并进行文字介绍，制成一本美食集锦；沿途将花朵、叶子夹在本子里；绘制特色小店的专属地图；到当地邮局购买明信片寄给自己??idea：别再做无聊的观光客，换种方式记录你的旅程，会有很多有趣的创意闪现。
004 餐桌上的创意我们每天都要面对餐桌进食，这个再熟悉不过的地方也有无限的创意。
食材的造型、色彩和摆盘的造型等因素都可以是灵感的来源。
除了食物，我们也可以把原本不属于餐桌的食物放进了进行创意，会带来截然不同的视觉和心理感受。
005 美术中的创意美术所涵盖的范围很广，主要包括绘画、雕塑、工艺、建筑四大门类，为创意提供了无穷无尽的源泉。
不同门类的特点可以穿插运用，例如：将绘画中的绚烂色彩应用到雕塑中，将建筑的构成感运用到平面设计中。
中国艺术精神读书笔记
竭诚为您提供优质文档/双击可除中国艺术精神读书笔记篇一：中国艺术精神读书笔记中国艺术精神读书笔记在中西文化相互碰撞，中国传统文化面临危机的背景下，徐复观先生写了《中国艺术精神》一书，系统地指出中国传统的艺术精神及其对现代人生的启示。
他在此书中对儒道两家思想在传统艺术人生形成过程中的地位与作用做了深入研究。
这本书一共十章,前两章分别论述了儒家孔子与道家庄子各自所代表的艺术精神,其余八章均为论述绘画艺术及其所蕴涵的中国艺术精神。
整部著作以第二章为总纲领,重在探讨庄子为艺术而艺术的“纯艺术精神”,其结论是中国绘画艺术是由庄子哲学一路开导而出。
所谓艺术精神，就是指一种艺术独自具有的、内在的品质或气质，更或说是蕴涵一种文化的根本理念。
谈及中国的艺术精神，徐复观先生就其中国艺术精神是庄子精神的论述具体在本书中有所阐述：庄子之所谓道，落实于人生之上，乃是崇高的艺术精神；而他由心斋的工夫所把握到的心，实际乃是艺术精神的主体；由庄子所显出的典型，彻底是纯艺术精神的性格，而主要又是结实在绘画上面；老、庄思想当下所成就的人生，实际是艺术的人生；而中国的纯艺术精神，实际系由此一思想系统所导出；当庄子从观念上去描述他之所谓道，而我们也只从观念上去加以把握时，这便是思辨的形而上的性格。
但当庄子把它当作人生的体验而加以陈述，我们应对这种人生体验而得到了悟时，这便是彻头彻尾的艺术精神；庄子所追求的道，与、艺术家所呈现出的最高艺术精神，在本质上是完全相同；对儒家而言，或可称庄子所成就为纯艺术精神。
徐复观先生提出的这些观点，让我耳目一新，为我理解中国艺术精神提出了一条比较重要的路线。
徐先生从文化的角度来研究艺术，将艺术作为与道德、科学相并立的三大文化支柱之一。
他认为艺术最能体现出一个全整个体所具有的修养和所达到的人生境界，同时也是修身养性的手段。
中国传统艺术成就蔚为大观，而其中体现的艺术精神来讲，就是由道德而艺术，在世界中安顿内在自我进而达到与外在社会秩序和谐的一种力量和超越精神。
艺术作文之艺术学概论读书笔记
艺术学概论读书笔记【篇一：学习艺术概论的心得体会范文】学习艺术概论的心得体会范文通过一学期“艺术概论”的学习，张老师对艺术学的课程内容以理论结合实际进行了详细的讲解，全面介绍了艺术特征、艺术起源、艺术地位以及艺术创作、艺术作品和艺术鉴赏的主要特征，尤其是从文化角度带领我们学员对五大艺术门类进行了深入的探讨，涉及中外古今许多著名艺术家与优秀艺术作品，内容丰富、例证详实，熔“知识性、理论性、启发性和趣味性”于一炉，有助于提高我们学员的审美水平、艺术修养，以及对于艺术作品的鉴赏能力。
通过对“艺术概论”课程的学习，相信自己的艺术修养和艺术鉴赏能力会不断得到提高!1、掌握相关的学科基础理论知识，对于学好艺术概论有至关重要的作用。
哲学、美学、心理学、社会学、伦理学等学科与艺术密切相关，掌握这些学科基础理论知识，可以互相沟通，相得益彰。
同时对加深对艺术理论理解的深度和广度具有十分重要的意义。
2、广泛涉猎各种艺术门类，获取丰富的艺术实证资料，以避免艺术理论的枯燥无味。
艺术是一个十分繁复的领域，包括文学、绘画、音乐、舞蹈、建筑、雕塑、工艺、戏剧、影视等，甚至包括今天刚兴起的网络艺术、游戏艺术。
3、理论联系实际，是学好艺术概论的根本法则。
理论来源于实践，其生命力在于对人的实践行为的概括和指导。
理论如果不联系实际，就是教条，不但无益甚至有害。
艺术理论可以帮助我们更加精辟地理解专业课所讲授的内容，提高我们对生活的艺术感悟力;反过来，较高的艺术感悟力对于提升我们的艺术理论水平，促进我们对艺术现象的理论思考具有十分重要的意义。
而通过艺术概论课程的学习，我才真正对艺术有所了解。
我选修艺术概论这门课主要是想通过该课程的学习来提升自己的艺术欣赏水平，结合所学专业来进一步提高自己的专业水平。
【篇二：设计概论学习心得】《设计的魅力》———读设计学概论有感设计学类144 储筠尧设计概论是一门综合性的，多学科相互交叉，艺术，科学与技术相互融合，具有整体的科学表现特征的新兴艺术类学科。
艺术读书笔记范文4篇_其他范文
艺术读书笔记范文4篇1.细心观察，为总结评价提供真实素材。
在教学过程中，教师只有做有心人，面向全体，分层观察，做到心中有数，总结评价时才能言之有物，具有针对性，收到实效。
2.留足时间，使总结评价得以课内完成。
为取得评价效益，首先要有足够的时间作保障。
一般来说，总结评价所用的时时，少则2—3 分钟，多则3—5 分钟，一节课如能做到总结评价完成，布置作业后，就铃响下课，效果最佳，也最受学生的欢迎和赞赏。
3.把握要点，让总结评价内容具体而全面。
很多人都同意这个公式：智力因素+非智力因素=人才。
因为制定教学目标要考虑它，设计教学程序要考虑它，所以总结评价时更不应忽略它。
(1)在智力因素方面，要对知识结构进行总结评价。
通过归纳总结，进一步揭示规律，使知识得到升华。
(2)在非智力因素方面，要对学生的学习习惯、思维品质等进行鼓励性评价。
4.方法灵活，使总结评价取得最佳效益。
课堂总结评价，没有固定的模式，应形式多样，方法灵活，不拘一格。
一般要按总结评价的几个方面，遵循评价原则，采取学生自评、1/ 8互评、师生共评，多向信息交流等方式方法，目的在于把个别的优点和长处化作集体共有的精神财富。
总结评价搞好了，会使全体学生在认知和情感领域，都能在原有的基础上得到不同程度的提高，造成一个爱集体、爱学习、团结互助的好学风，并使学生优秀的个性心理品质生动活泼、主动积极、全面和谐地得到发展。
《班主任工作艺术一百例》读书笔记艺术读书笔记范文（2） | 本人曾多次翻阅此书，起先只是随意乱翻，因为我觉得班主任工作是件十分累人的‚差事‛是什么让李老师能一干50年半个世纪不变呢，我当时很难想象，像是在寻找答案似的我拜读了这本书，当然后来被吸引于一则则有趣而富有实效的案例，读后颇感李老师育人手法之高超。
渐渐读全了，愈发感受到了一种真正的育人思想蕴含其中，这是教育的精华、生命所在。
读罢《班主任工作艺术一百例》，书中列举的许多案例，拨开了我教育中的许多迷雾，也使我更多地品尝到了成功育人的滋味。