现代音乐教育知识
教案音乐知识点总结大全
教案音乐知识点总结大全一、基础知识1. 音乐的定义和分类音乐是人类用声音和乐器演奏的艺术形式，通过节奏、旋律和和声来表达情感。
音乐可以根据形式、风格、目的等不同分类，常见的音乐形式有器乐、声乐、交响乐、民族音乐等。
2. 音乐的元素音乐的元素包括节奏、旋律、和声、节拍等。
节奏是音乐中的时间感，旋律是音乐中的主要旋律线索，和声是由不同音高组成的音乐声音的合奏，节拍是音乐中的拍子感。
3. 音乐的历史音乐的历史可以追溯至古代，人类早期的音乐是通过口头传统的形式进行传播，随着社会的发展，音乐逐渐演变成为一种具有特定形式和结构的艺术表现形式，产生了许多不同的音乐流派和风格。
4. 音乐的形式与结构音乐通常由不同的乐章或乐段组成，形成不同的音乐形式和结构，常见的音乐形式有奏鸣曲、交响曲、协奏曲等。
二、乐理知识1. 音符和音程音符是音乐中表示音高和音长的符号，音程是两个音高之间的距离，音符和音程是乐谱中最基本的元素。
2. 调性和调式调性是音乐中的音高组合的排列和规律，调式是依照特定的音程和音符来排列音高的体系。
3. 和弦和和声和弦是由两个以上音符组成的音高排列，和声是不同音符或和弦之间的关系和对位。
4. 节奏和拍子节奏是音乐中的时间感，拍子是音乐中的基本节拍单位，包括整拍、半拍、四分音符、八分音符等。
5. 谱号和调号谱号是乐谱中用来表示音高的符号，调号是用来确定音乐的调性的符号。
6. 对位法和和声学对位法是一种用来指导和声组织的规则方法，和声学是对声音结构和音乐和声的研究。
三、音乐理论知识1. 音乐的形式和结构音乐的形式和结构是指音乐作品中不同乐章和乐段之间的组织和关系，包括重复段落、变奏段落、过渡段落等。
2. 和声学和对位法和声学是指音乐中不同音符和和弦之间的关系和对位，对位法是指音乐中声部之间的对位和关系。
3. 音乐的分析和解读音乐的分析和解读是指对音乐作品进行分析和理解，包括对音乐的形式、结构、调性、旋律、和声等方面进行分析和研究。
音乐常识知识
音乐常识知识音乐是人类最古老的艺术形式之一，它能够传递的情感和表达的意义跨越语言和文化的障碍，因此深受人们的喜爱。
如果要深入探究音乐，需要了解一些音乐常识知识，下面将对此进行详细介绍。
一、音乐元素音乐由许多基本元素组成，包括旋律、和声、节奏和音色。
它们共同构成了音乐的结构和质感。
1. 旋律旋律是音乐的基本元素之一，它是由一系列的音符组成，行成有规律的音乐段落。
旋律可以产生出听众的感情共鸣，是音乐中最常被听众记住的部分。
2. 和声和声是指多个不同的音乐声部在同一时间演奏出来的组合效果。
和声有丰富的形式和变化，它能够增强旋律的意义，产生出更为高级的音乐效果。
3. 节奏节奏是音乐的重要元素之一，它是指音乐中的强弱节拍的变化。
节奏可以将音乐分为不同的段落，控制着音乐的速度与韵律。
一个好的节奏能够让音乐更加有感染力，让听众更容易产生共鸣。
4. 音色音色是指不同乐器演奏同一音符时的声音的特质。
音色可以让听众感受到音乐的情感色彩，也可以让乐曲更加富有个性。
二、音乐类型音乐可以分为很多种类型，每种类型有着不同的特点和风格。
这里列举一些常见的音乐类型：1. 古典音乐古典音乐是指那些源自欧洲古典音乐传统，存在至少有一个世纪的音乐形式。
古典音乐通常采用乐谱编写，具有曲式严谨、演奏精良的特点。
2. 流行音乐流行音乐也被称为流行歌曲，是指能够赢得大众广泛喜爱的音乐。
流行音乐通常较为简单易懂，节奏明快，歌词情感直接。
3. 摇滚音乐摇滚音乐是诞生于二十世纪五十年代的一种音乐类型，它具有高亢的音色和强烈的节奏，通常表达着青春活力和对社会现实的反叛。
4. 电子音乐电子音乐是由电子声源创造出来的音乐，通常利用计算机和数字合成器生成声音。
它往往充满了未来主义和科技感，是现代流行音乐中的一种。
三、音乐理论音乐理论是研究音乐的基本规律和结构的一门学科，它包括音乐历史、音乐科学、音乐教育等方面。
在学习音乐理论时，需要了解一些基本概念：1. 音高音高是声音的高低程度，是音乐的基本要素之一。
小学音乐教育的基本知识点
小学音乐教育的基本知识点音乐是人类共同的语言，是一门强调感知、表达和创造的艺术。
在小学音乐教育中，培养学生的音乐素养、审美能力以及节奏感和音乐表达力是非常重要的。
本文将介绍小学音乐教育的基本知识点，并解释其重要性。
一、音乐的基本要素音乐的基本要素包括：旋律、和声、节奏、节拍、音高、音色和强弱。
学生应该学会通过这些要素识别不同的音乐作品，理解音乐的表达方式，并能够用自己的语言进行音乐的描述和分析。
1. 旋律：旋律是音乐中最为核心的要素，它是由一连串有机的音符构成的。
学生应该学会分辨不同的旋律，并能够模仿和创作简单的旋律。
2. 和声：和声是由两个或多个音符同时发声形成的。
通过学习和声，学生可以培养对和音的敏感性，学会感受不同和声的效果和情感表达。
3. 节奏和节拍：节奏和节拍是音乐中时间的组织方式。
学生应该学会辨认不同的节奏和节拍，并能够通过身体表达出来，比如拍手、跺脚或者跳舞。
4. 音高：音高是音乐中的高低，通过学习音高，学生可以培养对音高变化的感知能力。
5. 音色：音色是音乐中不同乐器和声音的特点。
学生应该学会分辨不同的音色，并能够用适当的词汇进行描述。
6. 强弱：强弱是音乐中音量的变化。
学生应该通过练习掌握如何控制声音的强弱，并能够感知和理解音乐中强弱的表达。
二、音乐的基本表达方式音乐是通过声音来表达情感和意义的艺术形式。
在小学音乐教育中，培养学生的音乐表达力是非常重要的。
1. 音乐的情感表达：学生应该能够感知和理解音乐中所表达的情感，并能够用适当的方式来表达情感，比如通过音乐朗诵或歌唱。
2. 音乐的意义表达：学生应该学会理解音乐作品的意义，并能够通过自己的语言和表情来描述。
三、音乐的欣赏和评价在小学音乐教育中，培养学生的音乐欣赏能力和评价能力是非常重要的。
这可以通过以下几个方面来实现：1. 音乐欣赏：学生应该学会主动欣赏不同类型的音乐作品，并能够形成自己的欣赏品味。
2. 音乐分析：学生应该学会分析音乐作品的结构、曲式、和声关系等，从而更好地理解音乐的内涵。
音乐教育基础知识
音乐教育基础知识音乐是人类文明的重要组成部分，也是一门跨学科的艺术形式。
通过音乐教育，人们能够培养自己的音乐能力、提高艺术修养，同时还能促进智力发展和情感表达。
本文将介绍音乐教育的基础知识，包括音乐的元素、音乐教育的目标和方法，以及音乐教育的重要性。
一、音乐的元素音乐由一系列元素组成，包括旋律、节奏、和声、音色和表情。
了解这些元素对于理解音乐的构成和表达是至关重要的。
1. 旋律：旋律是音乐中最基本的元素之一，是由一系列音符组成的音乐线条。
旋律可以是高低起伏的，也可以是平稳流畅的，对于音乐的情感表达起着重要作用。
2. 节奏：节奏是音乐中的时间感，通过一系列有规律的音符和休止符的排列来构成。
节奏决定了音乐的节奏感和韵律感，是音乐中的动力来源。
3. 和声：和声是由不同音符同时奏响形成的音乐效果。
和声可以增加音乐的层次感和丰富度，使音乐更加丰满和饱满。
4. 音色：音色是音乐中不同乐器或声音的特征。
音色可以使音乐更加具体和生动，也可以产生不同的情感效果。
5. 表情：表情是音乐中的情感表达，通过演奏者的技巧和感觉来表达音乐的情感。
表情使音乐更加动人和感人。
二、音乐教育的目标音乐教育的目标是培养学生对音乐的理解和表达能力，培养学生的音乐兴趣和艺术修养。
通过音乐教育，学生可以获得以下几个方面的发展。
1. 音乐技能：音乐教育培养学生的音乐技能，包括音乐素养、音乐听辨能力、音乐演奏和表演能力等。
这些技能可以帮助学生更好地理解音乐并自如地表达音乐情感。
2. 情感表达：音乐是一种情感的表达方式，通过音乐教育，学生可以学会用音乐来表达自己的情感和思想。
音乐可以让学生更好地认识自己，发掘自己的潜力。
3. 艺术修养：音乐是艺术的一种形式，通过音乐教育，学生可以培养自己的艺术修养，提高审美能力和文化素养。
音乐教育可以帮助学生更好地欣赏和理解音乐作品。
4. 综合发展：音乐教育是一门综合性的学科，它涉及到音乐、文学、历史、美术等多个领域。
音乐常识知识点总结
音乐常识知识点总结音乐是人类社会的一种重要文化形式，它可以传达情感、表达思想，是人们生活中不可或缺的一部分。
音乐可以激发人们的情感，带来快乐和愉悦，也可以带来思考和启发。
在日常生活中，人们经常接触到各种各样的音乐，但对音乐的认识和了解往往停留在表面，对于音乐常识的深入了解显得尤为重要。
本文将针对音乐常识的一些重要知识点进行总结和概述，帮助读者更好地了解音乐，增进对音乐的认识和欣赏。
一、音乐的定义和分类1. 音乐的定义音乐是指由声音和时间组成的艺术形式，它通过声音的组织和排列来表达情感、情绪和思想。
音乐可以是歌曲、器乐曲、合唱曲等形式，它可以通过演奏、演唱、创作等方式进行呈现。
2. 音乐的分类音乐可以按照不同的标准进行分类，包括演出形式、音乐流派、音乐类型等。
根据演出形式的不同，音乐可以分为器乐音乐和声乐音乐；根据音乐流派的不同，音乐可以分为古典音乐、流行音乐、民族音乐等；根据音乐类型的不同，音乐可以分为交响乐、民谣、流行曲等。
二、音乐的元素和表现形式1. 音乐的元素音乐主要包括旋律、和声、节奏和音色等元素。
旋律是音乐中主要的歌唱部分，它由一系列音符组成，具有一定的旋律轮廓和情感表现力；和声是多个音符同时发声所形成的和声音，它可以增加音乐的厚度和韵味；节奏是音乐中的重要元素，它能够给音乐增加动感和活力；音色是音乐中特有的音响特征，不同的乐器和声音具有不同的音色特点。
2. 音乐的表现形式音乐可以通过演奏、演唱、作曲等形式进行呈现。
演奏是指音乐家通过乐器演奏音乐作品；演唱是指歌手通过歌唱技巧演绎歌曲；作曲是指音乐家创作新的音乐作品。
此外，音乐还可以通过录音、电子合成、舞蹈等形式进行表现。
三、音乐的发展历史和流派特点1. 音乐的发展历史音乐的历史可以追溯到古代文明，各种不同形式的音乐随着人类社会的发展不断繁衍和演变。
从古代的民歌、器乐到中世纪的宗教音乐、文艺复兴时期的古典音乐，再到现代的流行音乐和电子音乐，音乐在历史长河中不断发展和创新，形成了多种不同的音乐流派和风格。
音乐知识考点整理
音乐知识考点整理音乐是一门博大精深的艺术，它以声音为媒介，通过旋律、节奏和和声等元素表达情感和思想。
对于喜欢音乐的人来说，了解一些音乐知识是必不可少的。
本文将整理一些常见的音乐知识考点，帮助读者更好地了解音乐。
一、音乐的基本元素音乐的基本元素包括旋律、节奏、和声和音色。
旋律是音乐中最基本的元素，是由一系列音符组成的音乐线条。
节奏是音乐中的时间感，包括拍子、节拍和速度等。
和声是由多个声部同时进行的音乐元素，它能够丰富音乐的层次感。
音色是音乐中不同乐器或声音的特点，也是区分不同乐器的重要标志。
二、音乐的分类音乐可以按照不同的标准进行分类。
按照音乐的形式，可以分为器乐音乐和声乐音乐。
器乐音乐是指以乐器演奏为主的音乐，如交响乐、协奏曲等；声乐音乐是指以歌唱为主的音乐，如歌剧、合唱等。
按照音乐的风格，可以分为古典音乐、流行音乐、民族音乐等。
古典音乐是指欧洲古典时期的音乐，具有严谨的结构和复杂的和声；流行音乐是指大众喜闻乐见的音乐，具有简单易懂的旋律和节奏；民族音乐是指各个民族特有的音乐，具有独特的风格和表达方式。
三、音乐的历史发展音乐的历史可以追溯到人类的早期文明。
最早的音乐是通过人类的喉咙和手掌打击身体等方式发出的原始音乐。
随着时间的推移，人类开始制作乐器，并创作更加复杂的音乐。
古希腊和古罗马时期是古典音乐的发展时期，这个时期的音乐注重和声和结构。
中世纪的宗教音乐和文艺复兴时期的宗教合唱是古典音乐的重要组成部分。
巴洛克时期的音乐追求华丽和装饰性，而古典时期的音乐则更加注重简洁和对称。
19世纪的浪漫主义音乐强调个人情感和表达。
20世纪以后，音乐的发展呈现多样化的趋势，包括现代音乐、爵士乐、摇滚乐等。
四、音乐的乐谱和乐器乐谱是音乐的书写系统，用来记录音乐的旋律、节奏和和声等元素。
乐谱包括五线谱和简谱两种形式。
五线谱是最常用的乐谱形式，它通过五条平行的线和四个间隔来表示音高。
简谱是一种简化的乐谱形式，它用数字和符号来表示音高和节奏。
音乐教育知识点
音乐教育知识点
音乐教育是培养学生音乐素养和音乐能力的一种教育形式。
以
下是一些音乐教育的重要知识点：
1. 音乐基础知识：音乐的基本元素包括旋律、节奏、和弦和音色。
学生需要研究音符、音阶、节拍等基本概念。
2. 音乐历史：学生应了解不同时期和地区的音乐发展，包括古
典音乐、民族音乐等。
他们可以研究著名作曲家和音乐作品，以扩
展他们的音乐视野。
3. 声乐技巧：学生可以研究正确的呼吸和发声技巧，以及唱歌
的基本技巧。
这将帮助他们在歌唱和表演方面取得更好的成绩。
4. 乐器演奏：学生可以选择自己喜欢的乐器进行研究和演奏。
他们需要研究基本的乐器知识和技巧，并掌握演奏技巧和乐曲解读。
5. 音乐欣赏：学生应该学会欣赏各种类型的音乐，包括古典音乐、流行音乐和民族音乐。
他们可以研究分析音乐作品和音乐表演，以提高自己的音乐鉴赏能力。
6. 创作和表演：学生可以研究音乐创作和表演的技巧，包括作曲、编曲和指挥。
这将激发他们的创造力和表现力。
7. 音乐教育理论：学生可以研究音乐教育的理论和方法，了解
音乐教学的原理和实践。
这将帮助他们成为一名优秀的音乐教育者。
音乐教育旨在培养学生的音乐情感、审美能力和艺术表现力。
通过研究音乐，学生可以享受音乐的美，提升自己的综合素质和创
造力。
小学音乐基础知识大全
小学音乐基础知识大全
1. 音乐的定义
音乐是一种通过声音和节奏来表达情感和创造美感的艺术形式。
2. 音乐的要素
音乐由多种要素组成，包括：
- 音调：音乐的高低音调，决定了音乐的音高。
- 节奏：音乐的有规律的时间间隔和持续时间，决定了音乐的
节奏感。
- 节拍：音乐的基本单位，决定了音乐的节奏和节奏的分配。
- 旋律：音乐的连续音符排列形成的音序，给人以旋律感。
- 和声：音乐中不同音调同时出现的组合，创造和谐的声音效果。
3. 音乐符号
音乐符号用来表示音乐中的音调、节奏、节拍等要素。
常见的
音乐符号包括：
- 音符：代表特定音高和持续时间的图形符号。
- 谱号：放在五线谱的起始位置，表示乐谱中的音高。
- 节拍符号：用来标记节拍的符号，包括上拍和下拍。
4. 乐器
小学音乐常见的乐器包括：
- 钢琴：以弹拨琴弦发声的键盘乐器。
- 小提琴：以拉弦发声的弓弦乐器。
- 笛子：以吹气发声的管乐器。
- 鼓：以击打发声的打击乐器。
5. 音乐节日
- 春节：传统的中国农历新年，人们在节日期间会演奏各种音乐表演。
- 圣诞节：西方传统节日，人们会唱圣诞歌曲庆祝节日。
- 元旦：新年的第一天，人们会举办音乐会和演出庆祝新年的到来。
6. 音乐教育
音乐教育在小学教育中占有重要地位。
通过音乐教育，学生可以培养音乐素养、音乐表达能力和审美能力。
以上是关于小学音乐基础知识的简要介绍，希望对你有所帮助！。
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现代音乐教育知识论现代音乐本文标题据赵ｆēｎｇ@①观点由辑录者所加。
(一)音乐教育担负有传授知识的任务，学生必须具有多方面的广博的知识，包括对具有混乱思想的现代主义音乐的知识也应有所了解。
当然，学习知识也应采取批判的态度，而不了解当然也就无法批判。
在音乐艺术问题上，特别还有个流派、风格、体裁等问题，学生对历史上的和当代的一些流派、风格、体裁等必须有所了解。
(注：《音乐教育事业的胜利》，写于20世纪50年代末或60年代初。
见《音乐与音乐家》第225～226页。
中国文联出版公司出版，1988年11月第一版。
)(二)有人说音乐也要“现代化”。
说真话，我弄不清这是指的什么?音乐要表现“现代人”的思想感情和美学趣味?这是无可非议的，自古以来的音乐大多如此。
因为“现代人”生活方式的改变，就要改变音乐题材、体裁、样式……?这就要分析一下了。
音乐要按照“先锋派”路子走?这问题更复杂了，“先锋派”不是一家，哪一种是“真正老王麻子”?在金钱至上、竞争第一的垄断资本主义社会，作曲者处于一种前所未有的社会动荡中，“宫廷乐队”没有了，“仆从制服”和“年金”也没有了，任何乐队都要靠各种各样赞助人，期望更多的“基金会”来捐助，作曲家较之他们的前辈们，处于一种更为与社会相脱离、与社会相敌对的地位。
文化教育也有两极分化，严肃音乐和“流行音乐”成为真正的“代沟”。
作曲家在一种接近绝望的心情下走向“自我发掘”的“新”路，回头一看，古典乐派、浪漫乐派、国民乐派……的技法也不适用了，商业化的“流行音乐”通过广播、电视占领了绝大多数家庭的起坐间，也占了大多的舞台和歌榭，听众变了，他们生活节奏快了，视野前所未有的广阔了，人们的思想更活跃也更复杂了。
一句话，生活方式和心理状态变了。
传统的道德准则、价值观点、美学趣味……崩溃了，最敏感也最脆弱的作曲家不能不在这种既反感又无助也无望的心理状态下各找各的“新”路。
“新”的才过了一夜又变成旧的了。
于是花样翻新、挖空心思地独出心裁，找科学、找技术，也找“心理分析学”和形形色色的“新”学问，找神秘主义，找理性思辨或者反理性主义，……这不正是西方中、小资产阶级出身的新一代，面对西方垄断资本主义物质文明、精神文明的急剧变化和压力的窒息下所作的必然的反应么?(注：见《人民音乐》1983年第2期《旁听交响音乐创作座谈会有感》。
)(三)现代主义或先锋派，是一个十分庞杂的概念，它代表着很多立场、观点、方法截然不同的小派别。
有些派别昙花一现，有些派别则变化到和原来的主张迥然不同，有些派别的主张和自己的实践并不总是一致的，有的承认现实主义文艺的一般原理，有的只承认自己主观思辨的体系……对之作出详细分析是很困难的。
但他们都有两个共同的特点：一是对资本主义世界的迷茫、焦虑、不安、失望甚至绝望；一是对传统音乐价值的时而尊重时而怀疑，甚至对传统音乐的一切采取断然否定的态度，只求自辟蹊径。
因而，对这个种文化现象不能简单的肯定和否定，要作非常艰巨的分析、研究工作。
比如，从表现主义走向十二音体系又回到自己独特道路的亨德米特(1895—1963)，能够称得上是所谓“现代主义”开山祖师之一，他便经历了上述三个不同的创作时期，而他的主张也不是我在上述对“现代主义”的概述中尽能包括的。
他的主张也有发展和变化，同他的作品也有发展和变化一样；用他形之于笔墨的“主张”也不能解释其全部的音乐，因为这仅仅某一个发展过程中的“主张”，亨德米特在其著名的论文《作曲家的世界》及其他的论述中陈述了他自己对音乐艺术的看法，和他早期的见解无疑是不同的。
不妨摘出几段作为例证：“交流”。
即使音乐就象我们在实践上所示，它(指音乐)的语言倾向于抽象化，但它是作者与他的音乐的直接需要者之间交流思想的形式。
作曲家在能够做到在直接需要者的要求和他的才能之间达到相互了解是再好也没有的了，这要求他们无需言喻而被理解，这才能让其直接需要者得到满足而又充满智慧和诚实。
这是亨德米特的“音乐基本原理”的第一点。
我们发现，他的追随者和后继者们与他的主张有着多么大的差别，还不是昭然若揭么!亨德米特的第二点原理是“技巧”。
“所有建立起来的音乐理论必然与音乐实践相关，作曲家必须具有的训练是乐器演奏和谱写音乐的过程一起经由持之以恒的实践体验。
体验达到通晓，特别是经过一批一批的实践直至得心应手的境界”。
他的第三点原理是“调性”。
音乐的调性对于亨德米特就象地心引力定律对于物质世界一样是理所当然的，想要忽视它不但是无效而且是导致混乱的。
在音阶的十二个音里，各种可能的音程组合有安排得很自然的关系，它们相互之间和与基本中心调性间的关系都是这样的。
在所有音乐创作中，这种自然的关系必须遵守(1948年他的《玛丽亚的生涯》的修订是这个理论的实践成果。
修订前后的不同之处就在于改变了声乐的线条，使旋律与和声配合得更加紧密，总体结构有其明确的调性之间的相互关系，它符合其表现和象征的意图)。
这两点主张，和其有的后继者们有着多么大的分歧，更是显而易见的了。
他的第四点主张——“象征”。
对于他可能是重要的，对于我们剖析现代派技法关系不大，但在音乐思想上是重要的。
1940年之后，亨德米特日益接受这样的思想。
即音乐作品里各种符号安排的式样应该是象征性的，它象征的是全人类在道德和心灵里更高的状态——有意识地回到圣·奥古斯汀和其他人阐述过的中世纪的教义。
这种教义的最充分的例证是他的作品《世界的和谐》。
歌词是他自己写的，涉及的是十七世纪初天文学家凯普勒生涯和思想。
亨德米特把凯普勒的1619年的天文著作《世界的和谐》的题目和思想作为这个歌剧的名字。
这种思想在某种意义上讲，是中国汉代以后“天人交感”的变种，音乐和宇宙运行的规律一样在于“和谐”。
上述这个思想要实行分析得用很多的篇幅，我们能够暂不涉及。
我这里摘出一些段落，其目的在于说明都笼统地称之为“现代派”的这个流派，其中不同时期不同主张的流派是非常不同的，有时是相对立的。
比如说，传统是“训练的基础”呢，还是必须弃之如敝屣?对“调性”是应视作自然、生理、听觉、习惯的基础，还是应该置“调性”于不顾——象有些序列音乐的主张者那样?音乐是作者思想、情感的表现(称它“交流”也罢)，还是音乐根本不表现任何东西?总来说之，被称为“现代派”或“先锋派”的音乐有时是绝然对立的东西，是良莠不齐的混合体，对之不能简单地、笼统地全部加以肯定或全部加以否定。
但从其思想根源来说，它是资本主义发展到垄断资本主义时期，知识分子彷徨、苦闷、失望思想的反映，这个些东西我看是不能接受的。
但其中也不乏有用的成份，是金沙并陈。
我们对之只能作沙里淘金的工作，不能全部地肯定甚至照搬。
鲁迅先生是主张“拿来主义”的，但对人家“送来”的东西“要使用自己的脑髓，放出眼光，自己来拿”!要“自己来拿”就要有所取舍，即取其精华，弃其糟粕。
而且还要看到，其思想体系乃至具体技法，大多是不应“拿来”的部份。
鲁迅先生说得好：“总来说之，我们要拿来，我们或要使用，或存放，或毁灭……不过首先要这人沉着、勇猛、有辨别、不自私，没有拿来的，人不能自成为新人，没有拿来的，文艺不能自成为文艺。
”我认为，关键在于胆识，有拿来的胆识，有辨别的水平。
有胆有识，乃真勇者，二者缺一，或为莽汉或为尾巴而已。
(注：见《人民音乐》1983年第2期《旁听交响音乐创作座谈会有感》。
)(四)近年来有部分青年音乐作曲学生，在一定水准上热心于姑且称之为“先锋派”的一些作曲技术问题。
被称之为“先锋派”的并不是一个统一的思潮，仅在一点上是统一的，即大多醉心于改革和创新，但其主张、思想、观点是有很大的差异的。
其中绝大多数有一个共同的我认为我们不能接受的观点，即对“传统”的背离。
“传统”应称之为人类音乐实践的积累。
其中很多社会学、心理学甚至物理学的因素是不能抛弃的。
抛弃传统和背离生活一样，这样的音乐是不会有什么积极结果的。
这也是这些流派中很多“派”此起彼伏、昙花一现的根本原因。
因为离开人类千百年的音乐实践的传统，抛开传统的习惯的心理的审美习惯，甚至离开一定的物理学的基础来侈谈革新和创新，无异是无源之水，无本之木(我不反对在特定的目的下，借鉴其有益的、有效的某些手法)。
但不能笼统地总体地予以接受。
因为，缘木是不能求鱼的。
(注：见《音乐与音乐家》第292～293页。
)(五)近些时候，音乐界的同志们有机会接触到一些二十世纪以来，特别是第二次世界大战后的一些新的作曲技法，这无疑是非常必要的。
作为一种世界性的文化现象，即使为了开阔眼界，我们也需要对它有所研究，有所了解，有所借鉴。
所以，少数作品借鉴了这些新技法，只要用之得当，也是应该肯定的。
但是，我们知道，二十世纪以来一般被称之为“先锋派”的新的技法，是一个非常庞杂的派别，其中有铿锵有力的可贵的创新，也有苍白无力的主观的臆想，正象对待一切历史上的文化遗产一样，必须由表及里，去芜存精地批判学习和借鉴，不能仅仅因为它是“新的”就一律肯定。
有人说，欧洲古典作曲技法已经被前人挖掘殆尽了，因而必须引用这些新的技法才能实行新的创造。
这种说法则就失之极端了。
古典技法，或者具体地说基于调性概念上的古典乐派、浪漫乐派的手法，是否已经全部挖掘殆尽了呢?我想引用一段普罗柯菲耶夫的名言，他在《旋律会不会枯竭》一文中说：“我们写一支旋律，能够从任何一个音开始，也能够选择任何一个音作为第二个音，其中包括向上一个八度和向下一个八度的每一个音。
向上一个八度有十二个音，向下一个八度同样有十二个音，如果再加上开始用过的那个音(旋律中是能够重复用音的)，那么我们安排第二个音时就有二十五种可能，在安排第三个音时就有25×25=625种可能。
我们现在设想一个旋律，不要太长，就算八个音吧，二十五同二十五能够连乘六次，也就是二十五的七次方，这就将近60亿种可能……。
”这段话虽然讲的是旋律，我想对于和声、复调手法、织体手法……都是适用的。
所以，我们说基于调性概念上的古典技法远远没有被挖掘尽，相反，在创造上还大有驰骋的广阔天地。
当然，解放以来，我们的音乐创作在技法上过多地局限在古典乐派，在美学上过多地局限在浪漫乐派、民族乐派的原则的框框之中，所以适当地、有目的地引用一些新的技法以适合新的创作上的需要，无疑是十分准确的。
甚至能够说，我们在管弦乐创作的领域，过多地局限于浪漫学派和民族学派的美学原则之下，已经成为我们进一步发展管弦乐创作的束缚。
但是，我们也不能从一个极端走向另一个极端，对一切新技法都无原则地顶礼膜拜，非“新”不可，非“新”不要，“新”的就一定是“好”的。
一般说，二十世纪以来的新的作曲技法并不是一个很单纯的文化现象，各种流派之间，其主张差异之大是很明显的，但他们根本的出发点虽然都标榜是在力求创新，力求走前人们所没有走过的道路。