歌唱艺术的“声音概念”
声乐演唱方法和风格
2. 特点：⑴传统的民族唱法：声音听起来很甜美，吐字清晰，气息讲究，
音调多高亢。 ⑵民族新唱法：民族新唱法主要是在继承我国民族传统唱法的 基础上，借鉴了美声唱法的特点，经过不断的实践，不断的总结出来的 一种完美的唱法。
3. 歌唱时下巴放松，不压喉咙。 4. 吐字的唇舌动作与自然的语言相比较为夸张，在“开放”的状态下 “宽”出来。 5. 在口形要求上，是“横”的，声音的位置靠前，使声音得以充分展现。
6. 声带的张力较小。
7. 强气息的支持和运用，这是感情表现和一切方法技巧的前提和支柱。
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声乐演唱方法和风格
美声唱法（欧美传统唱法） 民族唱法（特指中国民族唱法） 通俗唱法（欧美通俗唱法）
美声唱法
Bel conto意为完美的歌唱。它的起源可以追溯 至17世纪的意大利的佛罗伦萨，而“美声唱法” 这一术语的使用则始于19世纪中期。
演唱方法上，分竖唱法和横唱法。
欧洲声乐艺术的学派和风格
意大利学派：热情奔放 法国学派：清澈不拘 德国学派：严谨典雅 俄罗斯学派 ：灰暗松散
在演唱方法上，追求具有强烈光亮度的“声 音集中点”。 重视口、鼻、胸式、胸腹式呼吸的协调、深 沉，强调气息的支持，要求自然放松。 强调共鸣的作用。
西方美声学派的代表人物
18世纪以来有曼努埃尔· 加西亚（西）、弗朗西斯（意）、 乔凡尼· 关培尔蒂父子（意）、都普列（法）、 布伊（法）、斯布里尔（法）、威廉· 莎士比亚（英）、 莉丽· 雷曼（德）等。
关于小孩歌唱表演后感想
关于小孩歌唱表演后感想自从我们班的孩子参加了少年宫学习活动，我受到了强烈的感染，受益匪浅，收获颇多，以下谈谈自己的一点体会和感想:小学生主要以童声为主，音色比较清亮，声音清脆男女生声音区别不大。
小学生天真活泼选择的歌曲最好也轻松活泼，如何选择适合的歌曲，如何训练小学生的歌声，发挥小学生的声音特点是门非常深的学问。
合唱是一门高雅的艺术，它不仅能培养学生的语言表达能力，音乐表现能力，还能增强学生的文化底蕴和群体意识，集体观念以及团体协作的能力。
可以说，它既能培养小学生的艺术情操和文化素质又能垃圾学生的良好道德品质。
小学生的合唱由简到繁可以分为:齐唱，轮唱（卡农训练)，二声部，甚至还有三声部四声部不过小学阶段接触较少。
1、齐唱合唱训练最重要的演唱方式，其实是齐唱，并且一定要唱到非常整齐的地步。
直到齐唱可以唱得很稳之后，才是真正可以开始训练合唱的时候。
如果带到一个合唱基础不佳的班级，可以给他们练习很多齐唱的歌曲，慢慢地，声音也开始变美了，并且也习惯在简单的单一声部歌曲中同时聆听别人的声音，这时就可以开始进行合唱训练了。
2、轮唱训练:轮唱是非常好的合唱训练，原因是:(1）所有人都唱同样的旋律，不必因为自己唱的旋律和别人不同而分散注意力;(2）轮唱的形式只是前后错开一个或两个小节，在不同的时间唱相同旋律，因此就形成了复音音乐;唱的人享受自己的拍子与节奏和别人不一样，但自己打的拍子又要和别人一样，这是最基本的训练。
(3）做轮唱训练时，不太需要指挥，只要打拍子就好，因为打的是共同的拍子，这也是大家一起歌唱最基本的要求，将共同的拍感培养出来，然后共同的旋律也让他不会分心，老师只要在钢琴按着极为简单的和弦，经过一段时间的训练后，将会发现小孩子的合唱能力，已经被培养得很好了。
3、二声部练习二声部是在重唱训练相同旋律能够轻松掌握的前提下的下一步骤。
练习的方式，是先让所有人都唱第一部，然后让所有人都唱第二部。
接下来分成两群，分别唱不同声部，然后再对调唱不同声部。
声乐课程教案
声乐课程教案声乐教案第一章歌唱的发声原理一、教学目的：使学生明确歌唱的发声原理应包括气息的运动轨迹、发声咬字部位的重心以及共鸣腔体的正确打开和运用。
二、教学方法：讲解、示范、启发式教学。
三、教学重点：1．指导学生体会正确呼吸方法2．指导学生正确的咬字状态四、教学难点：让学生明确如何找到歌唱呼吸的对抗力与咬字的重心所形成的歌唱平衡的协调，并形成循序渐进的良好歌唱习惯。
五、教学教具：钢琴、多媒体设备、谱架、音响六、教学过程：（一）简单扼要地介绍歌唱的发声原理：呼吸原理：腹式呼吸法，体会自然叹气时小腹的收缩力及腰部四周的扩张力。
运用共鸣腔体全身歌唱的原理：感受和体会打哈欠时的自然状态找到共鸣腔打开的感觉。
(2)实际操作培训1．歌唱发声中的发声训练；(1)—‖U……………………(2)12︱32︱1—‖U……………………(3)—‖U……………………(4)‖UOUOUO训练要求：(1)练习速度：中速稍慢。
(2)同无声的呼吸练习结合起来，启发学生用叹气时的感觉使气息支持发声。
(3)同打开喉咙(打哈欠的状态)的练习相结合。
(4)喉头稳定，喉头肌肉放松，元音清晰准确，声音平衡连贯。
(5)练习4，由U过渡到O母音时，喉、咽腔打开的状态不变，只是嘴由小圆形张开得稍大些。
培训方法：(1)教师示范，提出要求，讲解练习要点；(2)学生逐条做发声练习，教师随时指导；2.初级歌曲的使用，比如书明号123。
(1)作品分析：《花非花》曲调优美，形式短小，连前奏在内，只有10小节。
白居易的诗给人以朦胧感，黄自的音调更好地表现出这种意境。
白居易的《花非花》节律规整，奇丽缠绵，为千古传颂之佳作，而黄自的音调则完美地再现了原作的意蕴，该曲不愧一首短小而精美的艺术歌曲，通过研究，增强学生的美感体验，培养学生欣赏美的能力。
歌曲承继了诗的意境，节奏平衡，旋律委婉，含蓄，带叙述性。
结构为四句体单乐段形式。
第一句的动机，强调“非花”的“非”字，后半句上四度模进，再强调“非雾”的“非”字，一开始就描绘出这覆盖着一层薄纱的意境。
美声唱法-吉利的歌唱六大要素
吉利的歌唱六大要素吉利是继卡卡鲁索之后最杰出的男高音歌唱家。
他一生忙于演唱、录音、摄片，很少进行教学和写作活动，除了一些访问记之类的记载外，他在凯萨里所著《心的歌唱》一书中，作为序言发表了《学唱入门》（Introductory Lesson）一文。
在该文中，他坚持古代美声学派的传统，强调了六大要素：1、坚持母音要纯净母音不纯，是由于有喉音、鼻音等错误发声的干扰所致，因为“错误的声音的发出，必定伴随着有错误的生理动作的原因”。
坚持母音的纯净性，就是坚持发声的正确性，也就是字正才能腔圆。
2、先想好再唱他说：“在发一个音之前，先要在思想上把它成型，并赋予它适当的色彩、音色和表情。
”也就是通常所谓的“先想好了再唱”。
换句话说，也就是要先形成正确的声音概念，正确的发声的条件发射，然后让这些概念条件反射，自动地来调节，平衡人体的发声器官来发声和歌唱。
声乐教学的目的，就是要通过有意识的学习，而达到下意识的或半意识的自如歌唱。
按吉利的话来说，每一个人的“说话和歌唱只是有声音的思想；讲话时没有人想有意识地去摆弄嘴、舌和上颚的动作。
他们自己会自动调节”。
“从从一个母音过渡到下一个母音，重要的是从思想上去做。
”“当思想的根据是正确的时候，生理部分就会以同样的准确性，相应正确地反应和调节。
我，首先是在思想上建立我的歌唱。
”“完全必须预先在心理上想到所希望，或即将发出的母音。
” 3、保持声音的连贯吉利指出：“当必须在同度音或某个音程上作母音变换时，为了避免口内形状和声音结构的任何突然和粗暴的改变，其动作必须是平稳的。
”“也就是在口咽腔中，对每一个母音所进行的形状变换是如此轻微，以致只要想到稍微改变一点点，就足以产生所需要的生理效果，这就是连贯地歌唱的秘诀。
” 4、音色变化他说：“一个正确平衡的发声机能能准确地教育着歌者本人，使他知道可以或不可以把自己的声音…开放‟、…集中‟或…关闭‟（变圆）到什么程度，而不至于成为喊叫。
花腔女高音声乐艺术
花腔女高音声乐艺术内容摘要：花腔技巧的掌握必须经过一个系统的、科学的、有步骤的和持之以恒的训练及天长日久的积累过程，方能达到出神入化的境界。
花腔女高音，人称声乐金字塔顶端的云雀。
她以美妙、清澈、银铃般的音色，平滑、匀净的声音线条，华丽、灵巧的花腔技巧和超人声的极限音域为特点，在歌唱的众多声部中鹤立鸡群、独领风骚。
关键词：花腔女高音嗓音技巧声乐作品柔韧性华彩乐句训练花腔女高音（coloratura soprano）在艺术的歌唱中属于抒情女高音最纤巧、最灵活的声部，是女高音中最高而轻盈的一种唱法。
花腔女高音有着繁花似锦的灿烂音色和优美的嗓音，并有令人咋舌的超高音，一般高音可达f3，能够在宽广的音域中自如地表现华丽、妩媚的音乐色彩；花腔女高音的演唱特点是擅长唱弹跳、快速的歌曲或乐句；她的技巧表现为华丽而快速的音阶进行式、分解和弦式、同音反复式和宽阔音程的顿挫跳进，包括各种装饰音，如断音、颤音、顿音、滑音、回音等。
尽管花腔女高音的音量和力度并不是很大，但细若游丝般的声音轻灵、清澈、亮丽、利落，可以穿透各种声部和庞大的交响乐，飞扬到剧场的每个角落，震撼人心。
无疑，花腔艺术是“贝尔康托”的典范和精髓，人们不得不为古今中外的歌唱家们的超凡的艺术才华和演唱功底所折服。
据此，本文将阐述它的发展历程及其训练实践。
一、花腔艺术的历史渊源花腔技巧，产生于美声唱法的黄金时代——17、18世纪阉人歌手（Castrati）的盛极时期。
音乐史学家潘察基（1840—1904）曾这样感叹道：“什么样的歌唱家啊！你可以想象这种声音，它既有长笛的甜美又有人声的温暖、平和。
这声音又轻松又连贯，像一只云雀飞越天空，陶醉在它自己的飞翔中；向上又向下，同样的轻松，同样的连贯，没有丝毫用劲的迹象或者取巧、变花招的破绽。
这种声音能把情感的音讯立即转变成音响，使人的灵魂驾着情感的翅翼升入无尽的苍穹。
”演唱技巧上有着很高成就的阉人歌手盛行了近两个世纪之久，由于当时歌剧中的许多角色只能由阉人歌手来承担（男童阉割后造成音质的变化来代替女声），他们既不同于假声男高音和高男高音，也不同于京剧中男唱女的旦角，阉人歌手具有比女子的声带更短、更薄的声带，同时又拥有男声的优势——呼吸器官、胸腹的肌肉、肺活量——一个强有力的呼吸支持，因而他们能唱出既高又灵巧的声音，无需用假声便能发出悦耳的类女声，其特点是音域宽广，力度与灵活并存；他们凭着娴熟、高超花腔技巧称霸乐坛，其代表人物：Folignato、Caffarelli、Farinelli、Senesino、Bernacchi、Caccini等等。
美声声乐学习教案
美声声乐学习教案物质文明与精神文明不断发展的当代社会，声乐艺术越来越受到人们的普遍热爱和追求。
美声声乐的教育需要建立在基本功的反复训练和基础巩固上，在坚实声乐技巧基础的同时，也需重视非声乐技巧的训练，努力实现多角度、全方位的美声声乐教学。
一、关于美声的概念美声唱法起源于意大利，是18世纪意大利流行的一种歌唱方法，到19世纪达到完美阶段，有一套科学的训练方法，欧美各国一致认为是一种正统的歌唱方法，是歌唱技巧的完美体现。
他要求歌唱者的气息从下腹的位置发出，要求三个共鸣区构成一条管状通道，形成良好的共鸣，要求声音从头的上部自由地放出来（头声）以获得明亮而圆润的声音。
美声唱法在演唱中强调共鸣腔体及声音的位置，要求气息下沉，声音位置要高（时刻把位置挂在头上），发出的声音比较圆润、浑厚、柔美，擅长抒情，音*变化比较丰富，演唱作品的艺术*较高，技巧较复杂。
美声唱法一般被称为最为科学的发声方法，因为它的历史悠久，很多的标准与规则都已经有机形成。
另外，美声唱法当中还有六部之分，每个部的划分都非常的严格且明确，包括了声部与声区之分、要求母音一致、吐字清楚、声音连贯、声情并茂以及要具有良好的音乐素养等等，这些要求是每一个学习美声的人都必须要做到的。
二、正确音乐观的培养和树立美声的声乐教学首先要培养的就是学生在音乐观上的正确*。
声乐学习是建立在优美动听声音的赏鉴能力这一基础之上的，通常意义上而言，此处优美动听的声音由器乐以及声乐等部分组成。
器乐以及声乐二者存在一定区别，器乐具有很强的客观*，受客观因素限制，虽然其演奏过程中所发生的变化多种多样，然而其发音同基本的演奏效果是固定不变的，由此而言，器乐具有客观的固定*。
相对而言，声乐却有很大不同，其由人体器官发声而产生，演唱过程在很大程度上需要以歌唱者的感觉为支撑，且易受到个体体征、情绪等多元素的影响和限制。
因此，从某种角度而言，声乐具有抽象的多变*。
人体内部的相关发声部位，如声带、咽喉、口鼻、胸腔等，不同部位的配合发声各不相同，个体器官的生理构造也都存在很大差别，加之神经等的影响和干预，赋予了声乐千变万化的特点，使其较难被歌唱者所掌控，演唱过程中具有很大比例的主观及多变*，在多种因素的综合影响之下，声乐的演唱较难实现预想效果或臻至完美。
声乐生理学与声学基础
声乐生理学与声学基础一、声学基本知识歌唱的发声与物体的发声相同，是遵循声学基本规律的物理现象。
要懂得歌唱发声的科学原理，需要对声学知识有一定的了解。
（一）声音的产生自然界声音的形成来源于物体的振动。
物体在外力作用下，沿着直线或曲线往复运动称为振动。
振动须具备两个条件：一是声源，二是动力源。
被振动的物体为声源，亦称振源体。
作用于物体的力称为动力源。
乐器的发声就是在具备上述二个因素的条件下产生的。
打击乐的振源体是被打击物体的界面，动力源为打击。
弦乐器的振源体是琴弦，动力源来自弓与弦的磨擦；管乐器的振源体是哨片或吹奏者的嘴唇，动力源来自吹奏者的气流。
发声体在外力作用下发生振动时，会以一定速度在媒介质（气体、固体、液体）中传播，称为声波。
声波在空气中传送到人耳（在15·C 的条件下，传送速度为340米/秒），激起听觉器官的反应，从而引人的听觉感受，人就听到了声音。
物体有规律的周期性振动，发出的声音有固定频率，听起来悦耳，称为乐音。
噪音，又称杂音，是由许多不规则的声波重叠而成，是一种和成波。
风雨声、爆炸声、机器声等，都是噪音。
（二）声音的特性在声学概念中，声音有如下四种特性：1．音高发声体振动，从离开原位到回到原位的时间称为振动周期。
单位时间内的振动周数称为频率。
频率的多少决定音的高低。
频率多，音就高，频率少，音就低。
频率的单位叫赫兹（Hz）——即发声体每秒内的振动周数。
乐音体系中的每个音均有固定的频率，如标准音的频率为440赫兹——即振动数为440次/秒。
2．音量发声体振动，从原位到离开原位的最大值叫做振幅。
振幅的大小取决于使物体振动的外力。
在物体弹性范围内，振幅与外力成正比。
外力越大，振幅越大。
振幅决定音的强弱，即音量。
振幅越大，声音越强，音量越大。
反之，声音弱，音量小。
3．音色不同发声体所发出的声音具有不同的个性与色彩，构成音色。
音色是由于发声体振动形式及波纹的曲折不同而构成。
发声体振动的形式决定基因和泛音之间的关系。
歌唱课程总结报告范文(3篇)
第1篇一、引言随着我国音乐教育的普及，歌唱课程已成为各级各类学校艺术教育的重要组成部分。
本学期，我参加了为期八周的歌唱课程学习，通过系统的学习，我对歌唱艺术有了更深入的了解，现将课程学习总结如下。
二、课程概述1. 课程背景歌唱是人类表达情感、传递信息的重要方式，也是音乐教育的重要内容。
本课程旨在培养学生对歌唱艺术的兴趣，提高歌唱技能，增强音乐素养。
2. 课程目标（1）掌握基本的歌唱技巧，包括呼吸、发声、共鸣等。
（2）学会欣赏和分析不同风格、不同类型的歌曲。
（3）提高音乐素养，培养审美情趣。
（4）增强团队合作精神，提高人际交往能力。
三、课程内容1. 呼吸与发声（1）呼吸：学习腹式呼吸、胸腹式联合呼吸等，提高呼吸控制能力。
（2）发声：掌握正确的发声方法，包括喉部放松、口腔打开、共鸣腔体运用等。
2. 歌曲演唱（1）民族歌曲：学习演唱具有代表性的民族歌曲，了解民族音乐风格。
（2）流行歌曲：学习演唱流行歌曲，了解流行音乐特点。
（3）古典歌曲：学习演唱古典歌曲，了解古典音乐风格。
3. 歌唱技巧与表现（1）歌曲处理：学会分析歌曲旋律、节奏、和声等，进行恰当的处理。
（2）情感表达：通过歌曲演唱，表达歌曲所蕴含的情感。
（3）舞台表演：学习舞台表演技巧，提高舞台表现力。
4. 团队合作与交流（1）合唱：学习合唱技巧，提高团队协作能力。
（2）交流与分享：分享歌唱心得，互相学习，共同进步。
四、学习心得1. 呼吸与发声是歌唱的基础通过学习呼吸与发声，我认识到歌唱艺术并非仅仅是声音的输出，更是一种内在情感的抒发。
掌握正确的呼吸与发声方法，是提高歌唱水平的关键。
2. 歌曲演唱需要技巧与情感在演唱歌曲时，既要掌握技巧，又要表达情感。
只有将二者相结合，才能使歌曲更具感染力。
3. 团队合作与交流是歌唱艺术的魅力所在合唱作为一种团队演唱形式，需要队员之间的默契配合。
在合唱过程中，我学会了如何与他人合作，提高了团队协作能力。
4. 持之以恒是歌唱艺术的发展之路歌唱艺术并非一蹴而就，需要长时间的积累与练习。
歌唱乐理知识点
歌唱乐理知识点歌唱是一门艺术，需要掌握一定的乐理知识才能更好地演绎歌曲。
本文将介绍一些与歌唱相关的乐理知识点，帮助大家更好地理解歌唱技巧。
1.音符和节拍：在歌唱中，音符和节拍是非常重要的概念。
音符表示音乐的音高和音长，而节拍则决定了歌曲的节奏感。
在学习歌唱前，我们需要了解不同音符的时值以及如何根据节拍来配合演唱。
2.音阶和音程：音阶是一组按照特定规律排列的音符，可以用来演唱或演奏。
常见的音阶有自然大调音阶和自然小调音阶。
了解音阶的构成和各个音符的音程关系，有助于我们准确地找到正确的音高。
3.和声：和声是指同时发出两个或更多音符产生的音乐效果。
在歌唱中，和声可以增加歌曲的层次感和丰富度。
了解和声规则以及和弦的构成，可以帮助我们更好地理解歌曲的和声部分，并在演唱时更好地把握节奏和音准。
4.节奏和韵律：节奏是歌曲中时间的分割，是歌曲中的脉动。
了解歌曲的节奏结构和不同的韵律模式，可以帮助我们更好地掌握歌曲的节奏感，使演唱更加生动有力。
5.动态和音色：动态是指音乐中的音量变化，包括强音和弱音。
音色则是指不同乐器、不同嗓音类型或声部的音质特点。
在歌唱中，合理运用动态变化和掌握不同音色的运用，可以使演唱更加丰富多彩。
6.咬字和发音：歌唱中的咬字和发音对于歌曲的表达非常重要。
清晰准确的发音可以使歌词更易于理解，同时也能更好地传达歌曲的情感。
在歌唱时，要注意每个音节的发音并注意口型的变化，以达到更好的发音效果。
7.声音呼吸和控制：声音呼吸是指歌唱过程中的呼吸控制和运用。
掌握正确的呼吸方法和合理的呼吸断点，可以帮助我们在演唱时更好地掌握气息流动和声音的持久性。
总结起来，歌唱乐理知识点包括音符和节拍、音阶和音程、和声、节奏和韵律、动态和音色、咬字和发音，以及声音呼吸和控制。
通过学习这些知识点，我们可以更好地理解歌曲，准确地演唱，并提升自己的歌唱技巧。
希望本文对大家学习歌唱乐理知识有所帮助。
韵味是民族声乐艺术的灵魂
韵味是民族声乐艺术的灵魂作者：郑钰韵来源：《环球市场》2018年第16期摘要：歌唱是人们表达思想感情的一种重要的艺术形式，是音乐与语言相结合的艺术。
歌唱艺术包括了发声技巧与多种表现手段的运用两大要素。
韵味则是这两大要素的综合运用和集中体现，是歌唱中所有感人的和美好的东西的集中表现。
在民族声乐中，韵味更有着十分突出的地位，可以说，韵味是民族声乐艺术的灵魂。
本文试图从韵味的概念。
韵味的形成，以及为何把握和运用韵味提高演唱效果等方面，对这一命题进行具体的论述。
关键词：韵味；民族声乐韵味一词，原本是用来评论诗词声韵魅力的词语，后来被广泛地引用到了戏曲、音乐、舞蹈、美术，戏剧、影视等各个门类的艺术形式中。
用于声乐艺术，指的是歌唱中最动人、最感人至深的，美妙谐和动听的声音和滋味。
歌唱艺术的韵味，很难用语言确切地表达清楚。
它是歌唱者通过歌声把内心的感受和对生活的体验传达给听众，激起他们的感情，引起他们的共鸣，从而达成的一种心灵感应。
这种感应往往只能神领而不易言传。
韵味不同于风格。
风格指的是一个时代、一个民族或一个人的文艺作品所表现的主要思想特点和艺术特色，是事物内在精神和外在面貌特征相统一的体现。
不同风格的作品有着不同的韵味，不同韵味的作品又对不同风格的形成产生一定的影响。
在歌唱艺术中，演唱者内在气质特点和演唱特色构成了不同的演唱风格。
在不同的演唱风格中，又蕴含着不同的演唱韵味。
这种韵味，由于演唱者的气质和技巧水平的不同而有所差异。
在我国传统的民族声乐艺术中，韵味是对演唱者的一个重要的美学要求。
是对演唱水平的一个重要的衡量标准。
在一个民族内，不同的人群，不同的文化背景，不同的艺术修养，对韵味的要求会有很大不同，对韵味的感受也有很大差别。
在世界上，不同的国家，不同的民族，对韵味的感受和要求也有很大区别。
但是有一点是共同的。
那就是所有人都需要通过歌声这个桥梁，把自己生活中酸甜苦辣的体验和感受，通过想象和联想抒发出来，引起更多人的共鸣。
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歌唱艺术的“声音概念”
【摘要】“声音概念”即指演唱者对声音的感悟和认知，也就是说，演唱者在头脑中要把抽象的、无形的声音转识为具体的、有形的东西，让声音变的有形象。
在学习演唱的过程中，首先要具有明确的“声音概念”，演唱者才能够正确区分声音，以及分析不同声音的个性与共性，从而有效地掌握声音的本质。
正确地认识客观的发声方法，努力探索其内在的规律与原则，树立正确的“声音概念”，对演唱者来说是至关重要的。
【关键词】声音概念；声音形象；主观效果；客观效果；模仿学习
在歌唱艺术领域里，“声音概念”是被普遍使用的一个定义。
要想学好声乐演唱，首先必须建立正确的“声音概念”，它是声乐学习进程中的参照物。
“声音概念”的正确与否，将会对声乐学习产生直接的影响。
所谓“概念”，是指人们对事物本质的认识。
概念是随着实践和认识的发展，始终处于运动、变化和发展的过程中的。
这种发展的过程是原有概念内容的逐步递增和累积，也是新旧概念的更替和变革。
在歌唱艺术中，正确地认识客观的发声方法，努力探索其内在的规律与原则，树立正确的“声音概念”，对演唱者来说是至关重要的。
我国已故声乐教育家沈湘先生曾经说过的：“好的声音概念是非常要紧的。
教唱的最终目的，就是要改变学生的声音概念。
教唱的全过程就是不断改变学生声音概念的过程”。
这句话渗透出的意思就是：学生学习声乐，就是通过教师教学和演唱实践，在学生的头脑中建立符合规律的、正确的声音概念。
1 “声音概念”正确与否的重要性
“声音概念”即指演唱者对声音的感悟和认知，也就是说，演唱者在头脑中要把抽象的、无形的声音转识为具体的、有形的东西，让声音变的有形象。
树立正确的“声音概念”就是让演唱者对正确规范的声音形象具有审美认知，并对不规范的声音同样具有辨别纠正能力等。
比如，对各声部的声音特点，包括音质、音色、声音的走向等等，都要有正确的思维路线，并把这种认知清晰的反映在自己的脑子里。
这里所说的正确规范的声音形象只能说是一个相对而言的概念，因为在全世界范围内，无法明确评定哪一位歌唱家的歌唱发声是最优美的，比如我们在讨论美声唱法中花腔女高音优美的声音形象时，会在总结琼·萨瑟兰、爱狄塔·格鲁贝罗娃、迪里拜尔、曹秀美等著名歌唱家的发声特点的基础上，认为美声唱法中花腔女高音的正确规范的歌唱声音形象是运腔自如且行腔轻巧、高音圆润透亮而富有穿透力和弹性的声音。
在学习演唱的过程中，首先要具有明确的“声音概念”，演唱者才能够正确区分声音，以及分析不同声音的个性与共性，从而有效地掌握声音的本质。
在现在的声乐教学中，“概念”的运用有着极其重要的意义，树立良好正确的声音形象和
概念，对学生学习声乐有着现实的指导意义和积极的辅助作用。
确立了正确的声音概念，就等于找到了歌唱前进的方向及明确的目标，学生便也懂得了什么样的声音是美好的，是符合科学歌唱要求的，是自己要努力获取和实现的声音。
所以，若想在专业学习上取得好的成绩，除了声乐老师的正确指导和学生自己的刻苦勤奋以外，最主要的就是建立正确的“声音概念”。
声音概念是在声乐学习的过程中逐步培养建立起来的。
学生要在教师的帮助下，建立一个正确的声音概念，对“正确规范的歌唱声音形象的审美认知”和对“科学的歌唱方法和自然发声基本原理的正确理解”，是我们在学唱过程中树立正确声音概念的关键所在。
对于演唱者来说，如果声音观念模糊、形象不清晰，那么在追求声音上也就会很盲目，即便具备了好的演唱条件，也不可能得到完美的应用和发挥。
“声音概念”对了，在学习的道路上自然就达到事半功倍的效果；反之，则会遇到很多困难，很可能会事倍功半。
就像有些演唱者，他们不知道什么样的声音是好的，什么样的声音是不好的，那肯定也不知道自己该唱出什么样的声音，在这种模糊的声音状态下，他们的演唱就会或多或少的存在问题，导致歌唱费力不通畅。
因此，建立正确的声音概念对于歌唱者而言是至关重要的。
2 “声音概念”之主观和客观的关系
所谓主观，是指自我意识，它是相对客观而言的。
正确的声音概念是对“美好声音”的一种主观反映。
由于概念本身是主观对于客观的反映，客观的声音虽然是一样的，但是由于主体的不同，所形成的主观反映也就随之发生了变化。
要想建立正确的声音概念，首先要对歌唱声音有一个科学的认知，也就是要对声音听觉主观和客观辩证统一的理解。
歌唱者的声音通常显现两种效果：一种，是主观效果，即歌唱者在演唱时，通过自己的耳朵听到的声音效果；另一种，是客观效果，即歌唱者在歌唱时，观众所听到的声音效果。
这两种效果是有明显差别的。
仅凭主观听到的声音来作为判断声音好坏的依据，很可能会出现偏差。
比如，有时演唱者在演唱时，主观听觉判断自己的声音很不错，而客观上则分析有问题；反过来，客观上听着很好的声音，演唱者却觉得接受不了。
这种现象就是演唱者自身的“声音概念”不够明确造成的。
歌唱的声音是一种抽象的、无形的东西，所以在声乐学习的过程中，演唱者只能凭借听觉和想象来判断分辨声音的好坏，但由于声音的主观效果和客观效果有一定的差别，如果过于主观，忽视了客观的反映与评价，就会陷入自我欣赏的误差。
所以，要想学好专业，演唱者就必须尊重客观，应在认识声音有主客观区别的基础上，努力将主客观统一起来，以听众的声音审美要求为主，用客观的声音形象来指导歌唱的主观思维。
3 模仿有助于建立正确的“声音概念”
在声乐学习的过程中，模仿是一个非常重要的环节。
尤其在声乐学习的初级阶段，模仿可作为建立和完善正确声音概念的重要途径。
在模仿的过程中，演唱者能在不知不觉中建立起一个相对稳定的声音概念，并且在这种状态下熟悉与掌
握一些演唱技法。
现在的声乐教学中，教师也引导学生进行模仿学习，通常会让学生多听多看，最好是到现场亲自感受优秀歌唱家高质量的声音，在这样的听与看的过程中，不自觉的积累声音信号，对声音产生一种良好印象，就会树立起一种正确的声音形象。
模仿学习可以让演唱者从中受到熏陶，更好的找到正确的歌唱状态。
值得注意的是，在课堂教学过程中，教师多采用的是示范教学，给学生以直接的声音灌输，就一定要注意范唱的准确性，否则会导致学生最终形成不理想的声音概念。
声音概念在演唱与教学中，是靠人的大脑对声音的识别和判断来逐步建立起来的。
每个人的声音概念都有可改变性，可以依据个人的对声音的审美需求有不同的追求。
在模仿的过程中，必须将一些正确的声音信息存储在大脑记忆中，用这些信息结合自己掌握的发声技术来演绎属于自己的歌唱。
总之，要想学好歌唱，就必须建立正确的声音概念。
这样才能让我们的歌唱道路越走越宽，让歌唱艺术更具魅力！。