组曲的概念
赵季平《第一交响乐》曲式分析及与传统奏鸣交响套曲的比较
赵季平《第一交响乐》曲式分析及与传统奏鸣交响套曲的比较作者：常晓英来源：《音乐时空》2015年第07期摘要：所有的作品都是建立在一种结构之上进行创作和发展的，这就是作品的曲式。
所谓“曲式”，就是写作乐曲的一种格律，使具有某种固定曲式的乐曲具有比较规整的形态，利于聆听者理解与欣赏。
曲式结构是一个作品的框架，是作者为了表达思想情感而用的一种逻辑结构。
本文分析了赵季平《第一交响乐》的曲式结构，并与传统奏鸣交响套曲做了比较。
关键词：曲式结构传统奏鸣套曲发展矛盾一、赵季平《第一交响乐》曲式分析赵季平第一交响乐的三个乐章都是在传统曲式结构的基础上建立的，以下从几个方面分析作品的曲式结构。
第一乐章：曲式结构为奏鸣曲式，分为引子、呈示部、展开部和再现部四个部分。
具体分析见表格1：“奏鸣曲式”是一种大型曲式，是奏鸣曲主要乐章常用的一种结构形式。
它包含几个不同主题的呈示、发展和再现以及特定的调性布局。
由于它通常用于奏鸣曲的第一乐章，并常用快板速度，所以也称为奏鸣曲第一乐章形式或奏鸣曲快板形式。
这种曲式不仅用于奏鸣曲中，也用于室内乐、协奏曲、交响曲等大型音乐作品的相应乐章。
此外在序曲、交响诗等作品中也常见到。
通常所说的奏鸣曲式，是指维也纳古典乐派时期由三个部分组成的奏鸣曲式。
它的结构由“呈示部”、“展开部”与“再现部”三大段依序组成。
在赵季平的《第一交响乐》的第一乐章中，也是按照“呈示部”、“展开部”与“再现部”三大段依序组成的。
只是作者在“呈示部”之前写了一个27小节之长的引子，是由颤音琴和管弦乐齐奏交叉进行的。
第一部分是呈示部，包括主部、副部和结束部。
只是主部与副部的调性关系不像古典作品一样存在主属调性，作者没有延续古典奏鸣曲式的传统，是因为在现代的作品当中，调性游移是很常见的作曲技法，很少有守调的思维，所以现代用奏鸣曲曲式结构写成的作品很少延续古典奏鸣曲的调性回归思想。
第二部分是展开部，也称自由幻想部。
主要乐思在不同的调性上加以发挥，也可以是不同乐思的交替出现，在此作品中，可以将展开部分为两个部分，都是用新材料展开的。
中国音乐史名词解释
名词解释：1.学堂乐歌：学堂乐歌是随着新式学堂的建立而兴起的歌唱文化，一般指学堂开设的音乐(当时称唱歌或乐歌)课或为学堂歌唱而编创的歌曲。
2.儿童歌舞剧：我国近代音乐家黎锦晖创立的一种旨在教育儿童的载歌载舞的演剧形式。
代表作有《可怜的秋香》、《麻雀与小孩》、《小小画家》等。
黎锦晖的儿童歌舞剧创作在中国歌剧发展史上有着启蒙性的重要意义。
此外，以形象的艺术形式对儿童进行富有成效的教育，在中国教育史上有着开拓性的作用。
3.沈心工(1870-—1947),原名沈庆鸿,字叔逵,笔名心工,上海市人.我国近代学堂乐歌的主要作者,著名的音乐教育家. 1897年考入上海南洋公学师范学堂,1902 年东渡日本进东京弘文学院学习,同年在东京留学生中组织了音乐讲习会, 研究乐歌的创作,1903年回国任教原校,后担任附小校长.1911年任该校校长, 1922年兼任大学训育主任.先后编创了许多学堂乐歌作品和《学校唱歌集》等.是我国学堂乐歌的最早编写者. 1947年病逝于上海.4.黄自(1904-—1938),字今吾,江苏沙川,我国现代作曲家,音乐教育家.1916年入清华学校,1921年开始学习钢琴,1922 年开始学习和声,1924 年赴美国留学,入欧伯林大学学心理学,1926年学习音乐理论,作曲和钢琴. 1928年转入耶鲁大学继续学习音乐,1929 年创作交响序曲《怀旧》并获学士学位并回国.1930年任国立上海音乐专科学校作曲教授兼教务主任.其创作的题材,体裁丰富多样,作品风格典雅精致,旋律简洁流畅,结构工整严谨,并为我国培养了一批具有较高专业水平的音乐家。
他创作的音乐作品，属于我国30年代高水平音乐创作。
作为当时中国最高学府“国立音专”，即“学院派”主要代表人物之一，及时“国立音专”的光荣，也是中国音乐的骄傲。
代表作有《怀旧》、《都市风光幻想曲》、《长恨歌》、《思乡》。
5.《黄河大合唱》是我国人民作曲家冼星海于1939年创作的一部具有杰出影响的大合唱.作品以黄河为背景,热情地歌颂了中国人民坚强不屈的战斗意志,歌颂了具有悠久历史的伟大祖国,描述了在抗日战争前后黄河两岸人民生活的巨大变化,痛述了日寇的残暴和人民所遭受的沉重灾难.最后又以惊人的笔墨勾画出一幅幅中国人民纷纷起来保卫祖国,反抗日寇侵略的壮丽情景.充满了激动人心的情感力量和雄伟浑厚的气魄,成功地反映和歌颂了中国人民如火如荼的爱国热情,是中国音乐史上一部里程碑式的大和唱作品。
协奏曲名词解释
协奏曲名词解释协奏曲是一种独奏乐器与多种乐器相互竞奏的乐曲形式，近代又发展成为各乐器组轮流单独演奏的大型管弦乐曲。
从历史上看，欧洲音乐中， 17世纪时在意大利和法国等地就已经产生了这种形式的器乐套曲。
协奏曲发展至今有很多种不同类型的特点。
现代协奏曲的雏形是17世纪的前奏曲和托卡塔以及稍晚的前奏曲和赋格，即巴赫的组曲。
16世纪是古典协奏曲的成熟期，器乐形式日趋成熟，风格高雅，曲调和声写作精致华丽。
如亨德尔的《水上音乐》、巴赫的《勃兰登堡协奏曲》、海顿的《军队》和《告别》、莫扎特的《g大调第三十交响曲》、舒伯特的《降E大调钢琴协奏曲》、肖邦的《降B小调第四号钢琴协奏曲》等。
协奏曲，这个名称是音乐史上的一个著名的概念，它源于奏鸣曲的协奏部分。
原指奏鸣曲式的小步舞曲，后发展为一件独奏乐器与管弦乐队竞奏，再加上一件独奏乐器与乐队竞奏的套曲。
协奏曲常见的有小步舞曲、圆舞曲、波尔卡、进行曲、托卡塔、赋格曲等等。
协奏曲和交响曲一样都属于大型器乐套曲。
交响曲中常包含几个不同的乐章，而协奏曲则由主奏乐器和伴奏乐器共同完成，两者各有自己的独立性。
在组成方面，协奏曲的编制通常比交响曲庞大，除了独奏外，还需要有重奏（双小提琴）、合奏（一般是弦乐器）。
而交响曲则只有独奏部分。
交响曲以后的浪漫时期，协奏曲逐渐演变为带有声乐的小步舞曲，即通常所说的“交响音乐”。
19世纪初，音乐家已在创作协奏曲了，但直到古典时期结束也没有发展出广泛流传的曲式和规模。
后来的交响曲通常都由一个乐章组成，规模比协奏曲更庞大，交响曲中乐章数目的增多和交响曲规模的扩大，使得交响曲成为大型器乐作品。
交响曲的出现标志着器乐艺术发展到一个新的阶段。
古典时期的协奏曲较早期协奏曲而言，结构更复杂，篇幅更长，因此协奏曲有“音乐之声”的美称。
协奏曲最早用小提琴来演奏，是维也纳古典乐派的一种乐器组合，并且在一开始就具备了“协奏曲”的雏形，在维也纳古典乐派后期，协奏曲真正的开始形成。
海洋与辛巴德的船(交响组曲《舍赫拉查德》选段)-苏少版八年级音乐下册教案
海洋与辛巴德的船（交响组曲《舍赫拉查德》选段）-苏少版八年级音乐下册教案一、教学目标1.了解交响组曲《舍赫拉查德》的基本情况。
2.了解音乐元素中的旋律、节奏、和弦等概念。
3.学习演奏《舍赫拉查德》中的曲目，掌握指法、节奏等基本演奏技巧。
4.培养学生对音乐的欣赏能力。
二、教学重点1.了解交响组曲《舍赫拉查德》的配器、旋律、节奏等基本情况。
2.学习《舍赫拉查德》中的曲目，掌握演奏技巧。
3.培养学生对音乐的欣赏能力。
三、教学难点1.学生对旋律、节奏和和弦的理解。
2.掌握弦乐、木管、铜管等乐器的演奏技巧。
四、教学过程设计第一节：课前导入（5分钟）讲解《舍赫拉查德》的背景、作者、演出情况等基本情况，通过视频和音乐的形式来介绍这个音乐剧。
第二节：乐曲分析（10分钟）让学生对《舍赫拉查德》中的曲目进行听辨，了解配器、旋律和节奏等基本情况。
同时将《海洋与辛巴德的船》分段进行分析，使学生对这一曲目有更深入的了解。
第三节：演奏练习（30分钟）根据学生的乐器进行分组，进行《舍赫拉查德》中的曲目的演奏练习。
让学生掌握基本的演奏技巧。
第四节：整合练习（10分钟）将学生分组进行演奏，通过合奏让学生更好地协调，增强团队合作意识。
第五节：音乐欣赏（15分钟）让学生通过音乐剧的形式进行欣赏，进一步加深对《舍赫拉查德》的理解。
第六节：课后作业（5分钟）让学生完成《舍赫拉查德》中的曲目的演奏练习，并制定合适的复习计划。
五、教学资料及工具1.教师用PPT展示。
2.学生用乐器。
3.《舍赫拉查德》的音乐剧。
4.录音设备。
六、教学后记通过这一堂课的教学，学生们对《舍赫拉查德》有了更深入的了解，掌握了基本的演奏技巧，同时也提高了对音乐的欣赏能力。
在课后，学生积极完成了作业，制定了适合自己的复习计划，课堂效果良好。
音乐知识
绪论关于曲式与作品分析：1、定义：曲——即乐曲；式——即样式、形式。
曲式就是指音乐作品的样式，也可以说是音乐作品的结构形式。
2、名称：曲式与作品分析——Musical Form and Analysis＝MFA。
3、目的：既然课程的名称是“曲式与作品分析”，学习这门课程，一方面要让学生从这门课程中学习曲式的基本原理并掌握各种范型；另一方面，要让学生最终能从曲式入手，通过分析，实现对音乐作品的全面把握和深入理解，并在此基础上，加深对各自专业的促进（表演者能从中获得诠释音乐的依据，理论专业者能从中把握评研音乐的标准，作曲专业者能从中学习创作手法）。
第一章音乐的基本材料——音乐语言正像诗歌用语言文字，图画用线条、色彩，建筑用砖头、石块等构成一样，音乐的构成，也有它自己的特殊材料，就是音乐语言。
音乐语言也被称之为音乐构成的基本要素，包括①旋律线；②节奏；③节拍；④和声、复调、调式调性⑤速度；⑥力度；⑦音区、音域；⑧音色；⑨演唱（奏）法；⑩织体等。
音乐语言构成了音乐表现的基本手段。
第一节、旋律摘要：（旋律的重要性及定义．．．．主要包括旋律的外形、隐伏骨架和高潮。
）．．．．．．，旋律的分析要点一、有关旋律1、从旋律的重要性来说，它是“音乐的灵魂”；从它总是横向的流动这一特性来说，它是“乐音运动的轨迹”；从它与纵向音高的相互关系出发，它是“它是和声的表层”，从欣赏的角度入眼，它是“音乐作品的外观轮廓”或是“音乐情感的直接体现”。
所以，旋律非常重要。
2、定义：第一、“狭义的”旋律仅指横向音高或旋律线，也就是说它只指“音高”而不指“音长”。
在单独分析音乐的音级、音高、音列等因素时，“旋律”就取这种所指。
第二、“广义的”旋律是指包含了“音高”和“音长”这两个方面，也就是通常所说的“曲调”。
当分析需要和节奏、节拍或织体等因素相联系时，旋律就取这种意义。
二、旋律分析的要点1、旋律的外形广义的旋律是一个有机体，包含有音高、节奏、调式、调性、音域、音区等多种要素，但是为了分析的目的，单从旋律的外形来看，我们必须把旋律中的其它要素抛开，仅从旋律自身运动的价值——音高运动的相互关系予以透视。
复三部曲式
4、和声、调性：引进新调性，调性较稳定 ，有一个中心调 5、调式：与两端部分形成对比。“小调部 分”“大调部分” 6、在速度、力度、音色、节拍、织体等方 面与两端部分形成对比 7、写法：三声中部的内部对比不大 听觉分析：柴科夫斯基《四季》中的《八月 －收获》
柴.《八月-收获》第一乐部主题
第二讲：复三部曲式的中部类型
一、复三部曲式的三声中部的特点 二、复三部曲式的插部的特点
复三部曲式的三声中部（呈示型 中部）的特点：
1、在奏鸣曲套曲中，常用于小步舞曲和谐 谑曲乐章，是世态风俗性乐章 2、主题上：引进新主题，与第一乐部形成 鲜明的对比，主题材料比较统一,比较平静 和稳重，两端与中部的对比通常是动与静的 对比； 3、结构上：常为三段结构、二段结构或乐 段，结构完整，段落分明，收拢性终止；
复三部曲式的基本结构复三部曲式的基本结构1第三乐部再现第一乐部第一乐部多为三段或二段曲式结构2中部与两端部分形成对比曲式结构很灵活一段二段三段等思考
第一讲：复三部曲式的概述
一、复三部曲式的概念 二、复三部曲式的基本结构 三、复三部曲式的第一乐部 四、复三部曲式的分类
复三部曲式
一、复三部曲式的起源： 古组曲和大协奏曲中两首题材相同的舞曲的 交替 二、概念：是按照三部性结构原则组合而成 的曲式，包含三个部分，其中至少有一个部 分是大于乐段的结构。
4、和声：不稳定，变化频繁； 5、调性：不稳定，转调频繁，有时整个插部 没有一个中心调； 6、结束时通常会有起连接作用的段落来准备 再现； 7、写法：内部变化较大（因调性、和声多变 引起的）。听觉分析：柴科夫斯基《四季》中 的《六月－船歌》 ，二者的差别已逐渐消失
感性认知下的音色叙事——以《达芙妮与克罗埃》第二组曲为例
暖。整个《群舞》热情激烈，色调浓烈，所有乐器展现其独特的色彩。
当音乐材料不断展开时，管弦乐的表现力得到很好的发挥，通过不同乐
器的组合对比、节奏与力度的不断变化，使欢乐的气氛达到了高潮。 二、感性认知下的音色叙事
《达芙妮与克罗埃》 第二组曲
所谓音色叙事，是作曲家如何用音色来描述音乐，更进一步来说，就是通过丰富多彩的 音色成就一个音响事件。勋伯格 1911 年在他的《和声学》一书中，提出了“音色旋律”的 概念，“是指把变化的音色用于一个音高层次或不同音高的作曲方式。它表明在一条旋律线 中，音高之间明显带有音色设计的进行方式，作曲家在其中暗示了一个单一音高的音色的转 移，能够像在旋律进行中一样被人们感受到，因而音色在作品中可以作为结构因素。”a 这与 音色叙事在某种程度上有些相似，都是强调以音色为主导的结构依据。
除上述各段的音色叙事外，整体上另给予笔者一种“油画感”的感性认知。所谓油画， 以其丰富的色彩变化、厚重的层次对比闻名。欣赏者对油画的第一印象便是其厚重且鲜艳的 色彩涂抹在画板上，能够在平面上创造一个“立体空间”来表现出质感。油画为了追求视觉 上的和谐，其表现层次的方法一般是从暗颜色开始作画，接着用中间颜色去盖压暗色，然后 用浅色盖压中间色，最后用最亮的颜色盖压浅色，往往油画的亮色常常画的最为厚重。所以 绘画油画的过程，也是从模糊的虚像逐渐到实像的过程。
审美判断也可以说是感性判断，即在临响中主体对音响客体有直觉性判断，这是感性 体验提升到感性认知的第二个过渡阶段。吴佳认为：“音乐审美判断是音乐审美的最终结果， 是主体对结构化审美体验反思之后的认识。”
假如说德彪西的音乐是富有意境的水墨画，那么拉威尔的音乐就是一幅浓墨重彩的油 画。随着音响的逐渐推进，可谓是绘画油画的过程，即由虚到实的过程。从配器上看，前半 部分作品以木管乐器主导，铜管乐与打击乐器比重所占不大，个别乐器另外要求加上弱音器
曲式分析
• 大多第二部分较长，有展开的特点 • 反复与终止 • 实例分析
• 第五章 单三部曲式 • 单三部曲式？ • 并列单三、再现单三。
• 第一部分为乐段，其它两个部分可能是乐段或相当于乐段 的规模。
• 并列单三的三部分对比不大。
• 再现单三是再现单二的中段（成为“中部”）、再现句（ 成为“再现段”）的扩大化。
• 第五章 单三部曲式 • 对中部和再现部不同的处理形成了不同的类别。 • 有再现单三部：展开性中部、对比性中部。
• 中部的结构特征：调性、和声、长度（等长、小于、多数 大于第一部分）、属准备。
• 再现部：准确再现、变化再现、动力再现。
• 再现部结构特征：结构、和声、调性、长度（等长、扩充 、减缩）。
是更主要的方面。
• 复三部曲式分类：“三声中部”“插部”。 • 二者的同：都是新材料。 • 二者的异—— • 三声中部：形成独立完整的曲式结构，和声调性稳定。 • 插部：不构成完整的曲式，具有自由展开的特点，调性和
声更不稳定。 • 兼有三声中部与插部特点的中部。
• 再现部：准确重复、变化再现、减缩再现。
• 提前再现、延迟再现、假再现。 • 有再现的单三部的引子、结尾。
• 单三部与单二部的区别： • “第二部、单三部中间型曲式”。
• 贝多芬第二钢琴奏鸣曲Op.2 No.2第二乐章开始部分属于“ 中间型”偏单二部曲式。
• 贝多芬第十钢琴奏鸣曲Op.14 No.2第三乐章谐谑曲开始部 分属于“中间型”更接近于单三部曲式。
• 再现部：完全再现或变化再现，单二、单三、减缩为乐段
• 用途：独立曲式、套曲的一个乐章（奏鸣曲、交响套曲中 间乐章）
中考音乐知识点全部总结
中考音乐知识点全部总结一、音乐基本概念1. 音乐的定义音乐是由一定的旋律、节奏和声音组成的艺术表现形式，是人类表达情感、思想和审美追求的重要手段。
2. 音乐的特征音乐具有旋律、节奏、和声和音色等特征。
旋律是音乐中最基本的元素，是由一系列不同高低音的音程组成的。
节奏是音乐中的时间感和强弱变化，是音乐形成的基础。
和声是不同音符合奏时所形成的音响效果。
音色是乐器或人声的特有音质。
3. 音乐的功能音乐有情感表达、艺术鉴赏、身心放松、文化传承等功能。
二、音乐的类型和流派1. 音乐的类型音乐可以根据演唱方式、演奏方式、内容和功能等进行分类，包括古典音乐、流行音乐、民族音乐、爵士音乐等。
2. 音乐的流派音乐的流派是指在特定历史、地域和文化环境下形成并传承的音乐风格，包括巴洛克音乐、古典音乐、浪漫主义音乐、民谣音乐、摇滚乐等。
三、音乐的基本元素1. 旋律旋律是音乐中最基本的元素，是由一系列不同高低音的音程组成的。
旋律的形成需要遵循一定的旋律规律，如音程、音符的连续性和跳跃性等。
2. 节奏节奏是音乐中的时间感和强弱变化，是音乐形成的基础。
节奏可以分为快慢、强弱、平稳和不稳定等。
3. 和声和声是不同音符合奏时所形成的音响效果。
和声的结构和进行需要遵循特定的和声规则和进行法则。
4. 音色音色是乐器或人声的特有音质，不同乐器和不同人声都有特殊的音色。
四、乐理知识1. 音高和音名音高是声音的高低度，有相对音高和绝对音高之分。
音名是表示音符高低的记号，包括C、D、E、F、G、A、B等。
2. 音程音程是两个音符之间的距离和高低关系，通常分为完全音程、纯音程、大、小、增、减等音程。
3. 音符和节拍音符是表示音长的符号，不同音符的形状和位置代表不同音长。
节拍是音乐中的时间单位，可以分为拍子、拍号和小节。
4. 节奏记号和节拍法节奏记号是表示节奏和音长的记号，包括拍号、附点、连线、休止符等。
节拍法是用来规定小节结构和节奏格局的规则和方法。
人音版六年级下册第6课神奇的印象第一课时教学设计
重点：培养学生对音乐作品《彼得与狼》组曲中《小鸟》和《猫》乐段的情感体验和音色辨识。
难点：引导学生运用音乐元素创作心中画面，提升音乐创新思维能力。
解决办法：
1.对于重点，通过多次聆听、分析讨论和教师讲解，帮助学生理解不同乐器和音色在音乐中的表现力，加强对音乐情感的体验。
2.针对难点，采用情境创设和启发式教学方法，鼓励学生运用所学的音乐知识，如旋律、节奏、和声等，进行音乐创作。同时，组织学生进行小组合作，互相借鉴、交流，共同克服创作过程中的困难，提高音乐创新能力。
过程：
各组代表依次上台展示讨论成果，包括主题的现状、挑战及音乐创作方案。
其他学生和教师对展示内容进行提问和点评，促进互动交流。
教师总结各组的亮点和不足，并提出进一步的建议和改进方向。
6.课堂小结（5分钟）
目标：回顾本节课的主要内容，强调音乐作品《彼得与狼》组曲中《小鸟》和《猫》乐段的重要性和意义。
过程：
2.音乐基础知识：乐器与音色
-木管乐器
-弦乐器
3.音乐案例分析：《小鸟》和《猫》乐段
-情感表达
-音色运用
4.学生小组讨论：音乐创作
5.课堂小结：总结与反思
板书设计应条理清楚、重点突出、简洁明了，以便于学生理解和记忆。
重点题型整理
4.学生小组讨论（10分钟）
目标：培养学生的合作能力和音乐创新能力。
过程：
将学生分成若干小组，每组选择一个与音乐创作相关的主题进行深入讨论。
小组内讨论该主题的现状、挑战以及可能的音乐创作方案。
每组选出一名代表，准备向全班展示讨论成果。
5.课堂展示与点评（15分钟）
目标：锻炼学生的表达能力，同时加深全班对音乐作品的认识和理解。
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组曲（suite）
几个具有相对独立性的乐章,在统一艺术构思下,排列、组合而成的器乐套曲。
早期组曲 组曲是最古老的器乐套曲形式，源于对比性舞曲的组合。早在14世纪，
舞会里即盛行一慢一快的对比性舞曲的组合。16世纪初,琉特演奏家仿此以1首庄严
的2拍子舞曲与 1首轻快的3拍子舞曲联合成套。例如在法国、德国及英国,通常采
用舞曲帕凡-加亚尔德的组合，在意大利，则采用帕萨梅佐－萨尔塔雷洛的组合（见
舞曲）。此外，许多作曲家还各自按自己的艺术构思,进行各种组合的试验。从当时
编纂的琉特曲集中,经常可以发现3个或更多舞曲的组合形式。
组曲作为音乐体裁的名称，最早见于1557年，但其结构形式长期变化不定。其
典型形式公认是由萨克逊键盘作曲家J.J.弗罗贝格尔定型的。1650年流行的组曲形
式常由阿勒芒德-库朗特-萨拉班德3种舞曲构成,弗罗贝格尔也按此创作了不少组曲。
嗣后,吉格插入组曲,有时置于库朗特之前,有时置于其后。弗罗贝格尔死后,1693年，
他的组曲曲集出版，其舞曲排列的次序，被公认是古典组曲型式的楷模。
古典组曲是按阿勒芒德－库朗特-萨拉班德-吉格的次序排列构成，间或冠有前奏
曲和插入布雷、加沃特、小步舞曲等乐曲，有时甚至插入特性曲及标题小曲。各乐章
均使用同一调性，都以二段式写成，每段各自反复演奏 1次。当时许多著名的作曲
家，如英国的H.珀塞尔、法国的F.库普兰、意大利的A.科雷利、德国的J.S.巴赫及
G.F.亨德尔等,都创作了不少组曲,其中以巴赫的《英国组曲》及《法国组曲》最为著
名。
当时还有一种芭蕾组曲，其类型及数目随舞剧性质的不同而有所差异。这一形式
始于J.-B.吕利，由1首序曲及1组舞曲组成，后人称之为序曲。巴赫曾仿此写了4
首乐队组曲，亦称序曲。
1750年后，奏鸣曲、交响曲及协奏曲崛起，引起作曲家的兴趣，组曲渐趋衰微。
但当时流行的一些弦乐曲，如小夜曲、遣兴曲、嬉游曲等也由多乐章组成，亦具组曲
的性质。古典乐派的大师们大都作有这类乐曲。现代组曲 19世纪70～80年代，现
代组曲兴起。这类组曲亦由若干不同体裁、不同性格、不同调性的乐曲集合而成，大
致可分5类：
①集锦式组曲。由配剧音乐、舞剧、歌剧、电影音乐或配乐朗通等音乐中选出若
干乐曲辑成，如G.比才的《阿莱城姑娘》组曲、E.格里格的《彼尔·英特》组曲、柴
科夫斯基的《胡桃夹子》组曲等。
②独立的标题性组曲。如Н.А.里姆斯基－科萨科夫的交响组曲《山鲁佐德》、
G.霍尔斯特的《行星》组曲等。
③特性曲组曲。由19世纪出现的各种特性曲及标题小曲组成，如R.舒曼的《狂
欢节》、柴科夫斯基的《第三管弦乐组曲》(1884)等。
④民族风格的组曲。随19世纪民族意识的高涨而产生，如德沃扎克的《捷克》
组曲、Н.И.佩科的《摩尔达维亚》(1950)等。
⑤仿古组曲。这类组曲，19世纪已有，至20世纪，因受新古典主义思潮影响，
更为突出，如格里格的钢琴组曲《霍尔堡时代》、M.拉韦尔的《库普兰之墓》、P.
欣德米特的《1922》等。
中国的近代组曲，始见于20世纪30年代。作品有：马思聪的《缓远组曲》、丁
善德的钢琴组曲《春之旅》、李焕之的《春节组曲》、瞿维的交响组曲《白毛女》、
吴祖强的舞剧《鱼美人》组曲、蒋祖馨的钢琴组曲《庙会》等。