论油画色调审美

论油画的色调与审美

【摘要】由于油画色彩所具有的丰富性和力度感，因此常被人们形容为绘画中的交响乐。的确，善于运用好油画中的色调，既能表现对象丰富的色彩变化及整体气氛，又能以色抒情、以色传神，达到形、色、神浑然一体的效果。画家们对不同色调的运用，不仅表达了他们各自不同的情感，同时也给予了人们以不同的审美感受。

【关键词】油画；色调；意境；审美

调子原是从音乐中借用来的一个术语，是指各音对主音的倾向性，以及各音间的相互关系决定调式的特征。不同的调子可以表现出不同的情绪，例如，古曲《春江花月夜》和《十面埋伏》由于情调上的不同表现，产生出两种截然不同的效果，前者给人以宁静、轻柔、朦胧的情调，而后者呈现出的是一片紧张激烈的战争场面，给人以不同的美的感受。

在油画色彩中，调子是指在一定的光源的笼罩下，各个固有色不同的物体带有同一色彩倾向，就叫调子或色调。它可从色相上、明度上、纯度上、冷暖上进行区分，并可产生出各种不同的色调，如红色调、亮色调、鲜色调、暖色调等。不同的色调还能表现出不同的情绪，比如，大红色调的热烈、兴奋；亮调子的淡雅、华丽；浊调子的含畜、朴素；冷调子的清新、舒畅。不同的画家擅用不同的色调来表现对象，比如，毕加索根据表现不同时期、不同对象的需要，就产生出“蓝色时期”“玫瑰红时期”“黑人时期”，分别运

油画色调审美浅谈

油画色调审美浅谈内容摘要：油画色彩中对色调的表现，是一个关键性的环节，它对营造画面的气氛、抒发情感、表达思想，起着重要的作用。同时，色调的成功运用还能启迪人们对自然的思考、联想，引发画家创造出优美的意境，给人以较高的审美感受。关键词：油画色调意境审美由于油画 - 内容摘要：油画色彩中对色调的表现，是一个关键性的环节，它对营造画面的气氛、抒发情感、表达思想，起着重要的作用。同时，色调的成功运用还能启迪人们对自然的思考、联想，引发画家创造出优美的意境，给人以较高的审美感受。关键词：油画色调意境审美由于油画色彩所具有的丰富性和力度感，因此常被人们形容为绘画中的交响乐。的确，善于运用好油画中的色调，既能表现对象丰富的色彩变化及整体气氛，又能以色抒情、以色传神，达到形、色、神浑然一体的效果。纵观油画，我们可以列举出许多大师成功地运用色调表现意境的例子，如波提切利、透纳、柯罗、列维坦等。画家们对不同色调的运用，不仅表达了他们各自不同的情感，同时也给予了人们以不同的审美感受。一、色调美与画面整体的关系调子原是从音乐中借用来的一个术语，是指各音对主音的倾向性，以及各音间的相互关系决定调式的特征。不同的调子可以表现出不同的情绪，例如，古曲《春江花月夜》和《十面埋伏》由于情调上的不同表现，产生出两种截然不同的效果，前者给人以宁静、轻柔、朦胧的情调，而后者呈现出的是一片紧张激烈的战争场面，给人以不同的美的感受。在油画色彩中，调子是指在一定的光源的笼罩下，各个固有色不同的物体带有同一色彩倾向，就叫调子或色调。它可从色相上、明度上、纯度上、冷暖上进行区分，并可产生出各种不同的色调，如红色调、亮色调、鲜色调、暖色调等。不同的色调还能表现出不同的情绪，比如，大红色调的热烈、兴奋；亮调子的淡雅、华丽；浊调子的含畜、朴素；冷调子的清新、舒畅。不同的画家擅用不同的色调来表现对象，比如，毕卡索根据表现不同时期、不同对象的需要，就产生出“蓝色时期”“玫瑰红时期”“黑人时期”，分别运用了忧郁的蓝色调、诙谐的粉红色调、粗犷的黑色调来表现下层人民的荒凉与悲伤，传达了画家对平民深深的同情和关注。又如，法国印象派画家莫奈也是一位创造色调的大师。他坚持户外对景写生，善于捕捉光色气氛和瞬间印象，他经常面对同一景物按不同时间、季节、光线的变化而随时调换画布，并对同一对象作出了准确的记录，他画了《草垛》《鲁昂教堂》等系列组画，每组都多达30多幅，且每一幅都能表现出了不同的色调和情绪。例如，我们可以从2004年来我国展出的《印象派画展》中看到两幅不同的《鲁昂大教堂》，其中一幅《鲁昂大教堂》用的是冷色调，在亮灰

美术教育油画专业有关的毕业论文

美术教育油画专业有关的毕业论文《浅析油画创作对美术教育的启发》摘要：油画历史源远流长，具有强大的生命力，在现代美术教育中，由于油画创作的内容丰富多彩，由于科学技术的不断进步，油画在材料和内容方面都有了很大的提高，可以给儿童带来对美好事物的体验。在美术教育中，兴趣的培养具有重要作用，幼儿时期是兴趣培养的重要阶段。在此基础上对儿童的想象力和创造力进行开发也是至关重要。本文主要针对油画创作对美术教育的启发来进行探讨和研究。关键词：油画创作;美术教育;想象力;创造力 0 引言随着人们思想的开放，对于儿童的教育不再保守，让孩子们根据自己的喜好来进行学习，提倡自主的教学。在儿童幼年时期就要逐渐培养他们的兴趣，不同阶段的儿童所培养的目标也不尽相同，我们应根据儿童的不同时期心理、生理上的变化来调整他们对油画的学习。在油画的创作过程中，可以培养儿童的想象力、创造力、动手能力以及审美能力，进而全方位的帮助儿童塑造健全的人格。不同年龄段的儿童审美观和心理特征各不相同，因此，在美术教育的启发上也略有差异。 1 婴儿期――开发思维婴儿期阶段的儿童才刚开始接触这个世界，开始学习人类的各种行为，也是儿童大脑发育的最佳时期，这个时期是其学习的最好时机。这个年龄段的儿童在美术教育中，油画创作的作用主要是开发思维而不是让他们系统的学习油画知识，父母可以在家里的客厅以及孩子房间等地方多悬挂一些积极健康的油画作品，尽量多用一些色彩鲜亮的图画来吸引孩子们的注意力，让他们自己去观察、学习、感受不同的油画作品，同时父母要多与宝宝进行交流。根据不同油画作品内容，来对孩子进行教育和引导，让孩子们能够自己辨认出作品的内容，从而锻炼儿童对油画的观察能力和理解能力;引导孩子用自己的方式将所看到的东西表述出来，进而锻炼儿童的语言表达能力。 2 幼儿期――培养兴趣幼儿期的儿童在智力上发育是十分快的，他们的记忆力也相当好，而且语言表达能力也逐渐变好，甚至有些儿童已经开始变得越来越伶牙俐齿，然而实际上，他们的思维发展还不够成熟，只能片面地感受生活。我们应该采取一种娱乐性的教学模式去引导他们，可以与儿童一起画画、涂鸦，在与他们玩耍的时候潜意识的培养他们对绘画的喜爱，这样对孩子在绘画方面的天赋和潜力方面的开发都具有很大的作用。兴趣的培养对于儿童智力的发展起到了极其重要的作用。这个时候儿童大部分时间是在幼儿园接受教育，让他们使用复杂的油画工具和绘画手法显然对于这个时期的儿童还不合适，因此，幼师应该在课堂教学的时候多准备一些简单的、受儿童喜爱的油画创作元素

马蒂斯绘画中的色彩观

浅谈马蒂斯绘画中的色彩观

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浅析马蒂斯绘画中的色彩观摘要：在艺术发展到"东西方会合"的大时代背景下，选择野兽派领袖马蒂斯为代表，以分析、对照具体作品为方法，从画面形式层面，具体从色彩方面剖析这位画家作品中所蕴含的具有东方意味的情趣，以展现东方意味在他画面中的具体运用或表现。关键词：亨利·马蒂斯；平面性；东方艺术；色彩观亨利·马蒂斯（Henri Matisse 1869~1954）出生在法国勒卡托-康布雷齐（诺尔省），是法国野兽派的先驱，与立体主义的毕加索一起被视为20世纪法国画坛上的两位最重要的艺术家。1892年，马蒂斯报考巴黎美术学院，落第后被著名象征派画家莫罗看重，收入自己的画室。这位导师竭力鼓励学生们根据各自的爱好，去发展自己的个性绘画。他教导学生，为抵制学院主义，不要单纯地满足于经常去博物馆，也要向街头或者到大自然中去作画。莫罗的"在艺术上，你的方法愈简单，你的感觉就愈明显"这句格言，对他启发最大。① 他从后印象派画家中得到启示，大胆发展塞尚的"艺术是一种和自然平行的和协体"这个思想，并从凡高那跳动的笔触中得到狂热表现的力量，也从高更东方色彩的运用中取得表现的方法，马蒂斯以崭新的面貌出现在美术界。在经过了几种风格的尝试之后，他于1905年前后最终确立了自己的绘画风格。他的画色彩对比强烈，线条粗犷有力，画面线条狂野，富有装饰趣味，成为有影响的现代派画家。他的油画、壁画、雕塑、素描、版画、剪纸等领域取得了令人瞩目的成就。作为野兽派的代表人物，马蒂斯继往开来，但那看似极其概括简单却又神秘的色彩，精致、提炼，究竟有何深度呢？一、马蒂斯绘画产生的时代背景 1、时代背景。19世纪末，欧洲的资本主义社会工业化大生产迅速发展，这种工业革命的变革，不但改变了人们的生活方式，而且给人们的观察和思维方法带来了变化。20世纪初，以反叛传统为特点的西方现代派绘画的出现，但从艺术本身来看，也是艺术发展的必然结果。西方传统的写实艺术已经多次复兴，整个体系已经比较完善，几乎无人能有新的建树。事物的极度发展往往会导致衰退或者变异，西方现代艺术走向了相反的道路：由再现走向表现、由写实走向写意。于是改变了对自然物象的摹仿与再现，开始注重主观情感的表现。科学的发展也使得追求客观物象视觉真实效果的西方传统绘画受到了危机；照相机的发明可以把客观景物十分快捷并且真实无遗地重现出来，以客观再现为主要目的的西方传统绘画，无法与照相机抗争，而到主观色彩更加强烈的领域寻找出路，因而笔触、线条、色彩、光等，都成为画家一直用来表达情感和情趣的手段。 2、东方艺术的影响。19世纪以来，西方艺术家从工艺美术之国--日本选择工艺性重于绘画性，装饰性重于写实性的浮世绘等艺术。这种选择也导致了西方文艺复兴以来的最重大的文化革命--现代主义扬弃写实主义传统。所以早在1891年，法国批评家在谈到日本主义的时候就指出："试图无视这个影响者，看不清现代艺术革命的起源，注定会犯这种过失，忽略形成今天样式的本质要素。同时，在艺术历史中，也注定会对具有决定性重要意义的实例视而不见。"事实上，这种影响，与古希腊，罗马对文艺复兴的影响具有同样的意义。东西方文化的交流，大量的东方艺术品、非洲艺术、中世纪艺术涌入欧洲，给欧洲艺术家以许多启发，审美价值也在悄然地发生着变化。"绘画不

什么是油画色调图文稿

什么是油画色调集团文件发布号：（9816-UATWW-MWUB-WUNN-INNUL-DQQTY-

什么是油画色调它的重要性是什么 1：色调油画离不开油色，但不是单纯意义上用油色画的。油画离不开素描，但油画也不等于素描加上颜色。五百年来的油画历史，展现出它在色彩上的基本特点和规律--条件色的规律。这是传统油画色彩技巧的精华和特征。而条件色规律的第一个关键问题是色调问题。西方对条件色、色调规律的发现与运用约开始于十五世纪文艺复兴时期。以后逐渐深入普及，以致形成了他们传统的观察方法。这不只体现在他们的油画、儿童画中；在诗中以及小说中也都有所表现。色调的提炼取舍，不是主观编造。正确的提炼取舍，必须能传达物象色调的精神。这就要做到准确、鲜明、生动、自然。色调不准，把早晨画成了黄昏，就失真。失去了所画对象的具体性、特殊性。不鲜明，虽有特点但不突出，画面效果就"温""弱"，似是而非，含糊不清。不生动，就呆、死、缺乏生命力。不自然，就做作。 2：色调的掌握和运用 (1) 定色调色调要统领全局，定调应在落笔之前。是暖、是冷是明、是暗是黄、是绿画前应胸有成竹。尤其难在冷暖、明暗等分寸的掌握。分寸的掌握来自观察、写生、记忆。如阴天的天光、阳光，中午阳光与日光灯的光，三者全是白光，而三者又不能同时出现。难于在同一

时间内比较，只能在记忆中进行比较。这就要有大量写生观察作基础才能奏效。 (2) 色调的统一两种或两种以上的色调同时出现时，每一色调自身必须统一。也就是同一色调中的各个局部色彩必须统一于这一基调之中。如《卢昂大教堂》亮面细部色彩是很丰富而有变化的，但它却不花。而且远看只觉得它是教堂的实体而不是色块堆砌，如果迷醉于细部色彩的丰富性，而忘了整体色调的统一性，结果既失去了色调也失去了色彩，留下的不过是五彩缤纷的颜料而已。更重要的是几种色调之间也应有主有次，并和谐统一于整体色调之中。如《卢昂大教堂》的画面，总色调是由三种色调组成：一是教堂亮面的暖黄色调。二是冷溯组成的兰天和教堂受大光影响之暗面。三是教堂门楣朝下的部分受地面暖色影响，形成冷中带暖的色调。三者之间有主调（教堂亮面）有辅调二和三。主调决定了全局的总色调与辅调相对比又相衬托，相互影响又相互渗透。你中有我，我中有你。既有局部的细微变化又统一于整体色调之中。对油画家来说，掌握色调自然变化的规律和技巧，能够准确、鲜明、生动自然地描绘对象及其色调的特征，做到以色传神已是不容易的了。但高超的艺术家，绝不能以此为满足。应更进一步追求更高的境界。 3：色调与感情画家眼中的物象是画家对物象的形象感觉和认识。画家眼中物象的色调也不是自然对象色调的翻版。而应是作者感情的形象表

美术学毕业论文浅谈风景油画的表现方法

浅谈风景油画的表现方法风景油画描绘的对象大都是自然景物，因为使用的创作材料是油画材料，所以称作风景油画。在古典油画当中，风景一般都是为人物作陪衬的。随着文艺复兴运动的兴起风景油画登上了历史舞台，它独立作为一种绘画题材出现了，并且发展迅速。首先从风景油画的分类谈起，按照时间特点，我们可以把它分为古典风景油画和现代风景油画两大类；按照表现手法来分，我们可以把它分为写实风景油画、印象风景油画、和抽象风景油画这几类；按照地域来分的话，我们可以把它分作欧洲风景油画、俄罗斯风景油画、荷兰风景油画、地中海风景油画和托马斯风景油画这几个板块；如果从表现的内容出发的话，我们又可以把它分为森林风景油画、高山流水风景油画、田园风景油画和名胜古迹风景油画等类别。风景油画的笔触可以表现为蹭、摆、揉、扫、拖、点等类型。蹭指的是用油画笔的根部首先接触画面，然后逆向推动笔触，使画面留下并不流畅的感受，从而营造出特殊的视觉感受和质感。逆锋行笔，笔触苍劲有力，适合表达一些植物的茎杆或者坚硬的物体，比如树枝、石头等。摆和蹭用笔方向相反，顺锋行笔，给人以流畅、顺滑、轻快之感，比较适合表达柔软的材质，比如水。揉是一种没有固定方向性的用笔方法，可以是单色，也可以是多色的混合，通过揉合产生自然的混合变化，从而使色彩和明暗对比达到一种微妙的变化感，可以作渐变和衔接作用。扫通常是将两个临近的色块进行衔接，以降低它的生硬感，达到和谐统一的效果。我们可以用干净的油画笔对两个颜色使用扫的笔触，也可以在油画笔上均匀的或者适当的蘸取部分颜色扫来扫去，产生丰富的层次效果。拖和摆的运笔方向比较相似，但不同的是拖使用的力道要比摆轻很多，轻轻的握住画笔，使它是经过画面时留下坎坷的笔触效果。

古典油画技法

古典油画技法(宾卡斯油画的透明画法) .

透明画法是宾卡斯先生的主要授课内容之一。他对透明画法的讲授并没有做一套从头到尾的完整技术示范，他自己也认为他所示范的一些透明画法已不再是绝对精确的古典模式，而只是他个人对这种传统技术的研究成果。一幅作业的开始：一幅艺术品的开始并不是在画家举笔落墨之时，而是从画家观察对象，选择绘画表现手段、工具以及材料时就已经开始了，所以完成一幅作品的全过程应包括选择表现内容和准备工具材料两项内容。这两个最初的绘画步骤对于整幅作品的完成起着不可忽视的作用。正因为如此，它们应该引起我们的重视。油画通常画在布、板或纸上。每种材料都有其独特的美感，利用和表现这种美感是画家的水平所在。画布：纯亚麻布、棉布和混纺布。画布中最佳者莫过于纯亚麻布，它作为油画布已经具有久远的历史。国产亚麻布质量较好，可选用。但混纺亚麻布不适于作画，因为不同质地的纤维收缩程度不同，作品表现的油画色会因纤维的收缩差异出现龟裂。另外好的棉布也属油画布中的佳品。眼下商店出售的现成的油画布由于制作工艺水平的局限极易出现问题，如龟裂、脱落等。我们应该提倡艺术家自己刷制画布，因为它是你的绘画过程中的一个有机部分。绷画布：绷画布时应注意四点。第一，买来的亚麻布用之前要用水洗去胶质；第二，不要绷的太紧，像鼓一样，而是绷的即要紧又要有弹性。太紧，布眼会被扯大，对涂胶层以及将来的绘画过程都有影响，太紧也会导致

颜色层龟裂；第三，画布须钉得平整，纤维的纹路要平直，不能扭曲，扭曲的纹理（尤其是粗画布）会破坏作品表层的肌理美感；第四，钉子间距以四公分为宜。涂胶：（1）胶层的调治：涂胶是绘画过程中的极重要的一环，也是作品的第一层结构。（注意：透明画法要求胶层为白色，以便于形成色层的透明折光效果）（2）涂胶：第一遍和第二遍胶要以稀薄为佳。第二遍要待第一遍干后再涂。涂是画布要平放，同样，涂毕也要平放晾干。第三遍胶要略厚于前两遍，干后可用刮胡刀修整。如用砂纸打磨，磨后要上一遍稀薄的胶以防吸油。有时因刷的胶太多，或因画布网眼太大，背面会出现漏胶现象，以往大家都不予以注意，宾卡斯先生强调说，这种现象能是画面吸油程度不一,并导致油画曰后局部损坏，如出现这种情况可做如下处理：先用海绵将漏出的胶吸去，再用画刀将余者刮掉即可。绘画工具：（1）画笔：这方面有两点值得注意。A.画笔与绘画的技巧语言、肌理、画面的气势有着密切的关系，正如我们认为不同的依托材料有不同的美感那样。不同样式、不同毛锋产生的绘画效果。单一的画笔不会产生丰富色彩的用笔和笔触效果。B.国产毛笔是很好的画笔，毛锋较挺健的可以充当非常好的油画笔。在西方，类似中国毛笔形制的油画笔有很多种。

浅析梵高油画作品中的色调表现

浅析梵高油画作品中的色调表现学生姓名：王若雷指导老师：张宛生摘要:文森特·梵高是荷兰后印象派代表画家，19世纪最卓越的艺术大师之一。其作品极具特点，不论是技法、抒发情感、表达主旨、还是用色方面都有独特的表现特征。文章先简要说明梵高的成就，油画的特点，以及梵高著名的一些油画作品分析其油画中不同色调的运用，画面中不同色调的内涵及内心世界的变化等一系列画面中由色调的对比，互补展现出的内心活动。他在创作中自由抒发内心感知得到启发，形成了不同的绘画流派。关键字;文森特·梵高;后印象派;色调;影响力色彩与人们的日常生活息息相关，在西方造型艺术里，色彩总是给人们一定的联想。在西方绘画中，画家们经常赋予色彩寓意深奥的象征意义和个性鲜明的情感意味。文森特·梵高是继伦勃朗后荷兰最具影响力的画家，也是19世纪最卓越的艺术大师之一。他和高更、塞尚齐名，同被称之为“后印象派三杰”。梵高在色彩色调上有着他独特的一面。梵高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他曾说“颜色不是要达到局部真实，而是要启示某种激情”。因此在他的作品中色调成为了画面的主宰。梵高，一位用牺牲自己成就艺术的狂人。他的一生只有短暂的37年，他的绘画生涯只有10年，而与他这些短暂坎坷的人生历程中那些不平凡的对比—他创造了一个全新的丰富且绚烂的绘画类型。他还大胆创新，在广泛学习伦勃朗等前辈画家的基础上，吸收了印象派色彩方面的经验，并且受到东方艺术的感染。在此要提到日本版画。从日本版画中梵高吸取的很多。形成了自己独特的艺术风格，创作出很多热情洋溢的生活激情。梵高的绘画作品由早期的压抑暗淡发展到后期作品充满明亮希望瑰丽，进而逐渐成熟的艺术大师风格。其次，他吸收了印象派的精髓，却反对纯客观的描绘，提倡事物的象征意义和实质。他借助绘画来表达艺术家的主观情感和见解，使作品具有独特的风格。梵高是用心作画的大师，是现代艺术的重要先驱，法国野兽主义，德国的表现主义以及20世纪初出现的抒情抽象主义等，都从他在创作中自由抒发内心感知得到启发，形成了各自不同的绘画流派。一梵高油画作品的成就梵高富有独特创新的油画作品，大多是在他生命最后的六年创作完成的，许多色彩艳丽富有生命力作品的诞生都包含梵高极大的内心波动和不同的心理状态。在这里提到最有名的作品当属《向日葵》这幅画。对他本人而言这种花是表现内心及思想最佳的题材。梵高一共画了11幅《向日葵》，

美术专业毕业论文参考选题

陕西师大远程教育学院函授生美术专业毕业论文参考选题一、《国画专业》 1．论“四王”与“四僧”的异同。 2．论赵孟颊对元四家的影响。 3，现代意识和审美观念的时代特点。 4．中国画的思维方式和表现语言体系所包涵的现代意识及其理念结构。 5．意境和生活与人生的深层关系。 6．书法、笔墨的形式美与人生情慷的契合点。 7．境界、语言、形式的完美结合是东方审美观念的最高理想8．东西方造型艺术的异同点。 9．长安画派今昔谈。 10．论中国画的市场问题(价值规律)。 11．浅谈书法临古与创新的关系。 12．逸乎以神游，谈然而心欢—从郭熙的绘画中透视其人生境界。 13．工笔画对其他画种及其工艺的借鉴。 14．读白石老人浅谈书法对绘画的影响。 15．论陈子庄绘画之笔墨·技法与意境的关系。 16；浅析弘仁山水画艺术特色和艺术思想。 17．石涛人生与书画—浅析《画语录》。 18．浅谈写生在山水画学习中的重要性。

19．浅谈八大山人写意“鸟”的造型。 20．由《落花诗贴》看唐寅山水画与书法的关系。 21. 浅谈王履《华山图序》—师法自然。 22. 浅谈沈周花鸟画的艺术成就以及对后世的影响。 23. 顾恺之人物画当中“形神”关系的浅析。 24. 浅析陈老莲人物画艺术风格。 25. 绚丽的瑰宝---朱仙镇木板年画。 26. 论临摹在中国画学习中的重要性。 27. 赵孟頫的仕元心态对其绘画思想的影响。 28. 探析徐渭诗书画中的意境美。 29. 徐渭艺术个性探究。 30. 从“眼中之竹”到“手中之竹”谈绘画创作。 31.浅论吴道子的艺术成就及其影响。 32.文徵明山水画意境浅析。 33.对写景山水画创作样式探略。 34.论山水画教学中写生的重要性。 35.赵孟頫“书画同源”论对文人画发展的作用与影响。 36.浅谈国产水墨动画的中国韵味。 37.试剖析徐渭绘画艺术形成的背景。 38.“线描”——在传统工笔人物画中的重要性。 39.浅谈黄公望的作品以及后世的影响。 40.传承与创新--浅析傅抱石笔墨当随时代。二、《油画专业》

浅谈色彩情感在现代油画创作中的表现论文

浅谈色彩情感在现代油画创作中的表现论文浅谈色彩情感在现代油画创作中的表现论文 1油画创作中色彩的基本概况 1.1色彩情感表现的基本内涵 1.2色彩与人之间的关系 1.3色彩在油画情感表现中的重要性 1.4色彩的情感传达方式阿尔艾姆曾经对色彩作出这样的评论：“大脑中的许多秘密都是通过人们的眼睛表现出来的，眼睛是对外部信息进行首次加工的重要场所。它对外界存在的客观对象进行加工之后，重新构建各种不同的视觉概念以及情感体验。”因此，对于色彩的情感传达是一个复杂的转化过程。在创作油画的过程当中，色彩所带来的一系列情感表现强烈地凸显了创作者的主观意味。只有在外部的事物对其大脑产生刺激的时候，在大脑当中存储的潜在的意识才被慢慢地释放出来，于是这些促使创作者混合了自己与客观事物，从而与欣赏对象产生了共鸣。从而我们也可以将其理解为情感体验主要是通过人们对色彩的视觉体验所感受出来的一种情感表现。 2油画创作中色彩的表现特征 2.1色彩情感的表现具有强烈的主观性特点油画创作当中色彩所表现的主观性主要指的是创作者在创作过程当中依据个人的主观思维进行分析判断的结果。这些特点主要体现在以下几个方面： 2.2色彩情感表现中的象征性及装饰性特点

装饰性色彩不仅能够对生活当中的小物件进行装饰(如各种瓷器表层)，而且还能够对建筑的外观以及一些公共艺术进行独特的展现，而且在油画创作中能更充分地表现其装饰性的特点。在后印象主义、野兽派等不同的画派当中，油画的创作通常融合了东方的绘画手法。将比较简单的色彩通过重新组合、构建，再运用线条对这些大面积的色块进行分割、变形，使夸张的色彩之间形成鲜明的对比，从而展现出特殊的装饰性特点。例如，在克里姆特的绘画作品《接吻》当中，整幅画面采用大量的金色色调，在服饰上则采用镶嵌暗语的色彩进行表现，既凸显绘画者的思想情感，又起到很好的装饰效果。 3色彩情感在中国油画创作中的表现 3.1情感色彩在中国绘画史上的演变情感色彩在中国绘画史上出现相对较早，起初，中国的画家采用泼墨的形式进行绘画，利用色彩与空白之间的组合，从而表现出画面的意境。到了20世纪80年代的时候，中国的画家开始逐渐将自己的个人意识以及对生活的体验融入油画当中。这时候中国油画的表现也不再是传统上的一种技艺展示，或者是单纯的对生活事物进行再现的形式。绘画者逐渐摆脱了条框的束缚，摆脱了阶级性和时代上的局限性，从而进入了解放思想、百家争鸣的绘画时代。 3.2中国现代油画中色彩情感的表现模式在中国的现代油画创作当中，当打破一些客观的条框的限制后，色彩表现的主要功能性特点则演变成了一种“审美性”。这种转变从而使中国现代油画创作中色彩情感演变成对客观事物的美的升华，在某种程度上奠定了创作者拥有的自由、主体的创作地位。在现代中国油画的创作过程中，画家要表现的一些主观上的情感和思想，又或者是对一种抽象性思想进行艺术展现的时候，都需要借助于色彩和线条来进行实现。因此，对于目前中国举办的许多绘画展览中，去强调色彩来展现绘画者思想的形式占据了很大的比重。因此在许多作品的画面上，相对简化了内容，而加强了色彩对画面的重新组合和表现，以此更好地体现创作者的思想感情色彩。

油画色彩过渡技法(图文)

色彩过渡就是让画面颜色彼此之间均匀融合，就不会产生明显的分界。一般用于制造画面柔和的效果，例如，深蓝色的天空从深到浅的自然渐变、云朵自然柔和以及肖像画亮部和暗部微妙变化等。制造这种效果最便捷的“工具”就是手指。达，芬奇是层次渲染技法（技法的名称来源于意大利语sfumato，有模糊的意思）中一个很典型的代表，他经常用手指揉擦来达到色彩和色调之间的相互融合和过渡。是否让颜色产生混合，以及它们？昆合程度的多少，都取决于你所运用的笔法和你所表现的内容。一个追求丰富细节和柔和色调的艺术家，一定会在他的画面上制造出大面积平滑细腻的色彩渐变。相反，一个喜欢粗犷概括绘的艺术家，也不会lL画面上的颜色之间产生过多细腻的渐变。大多数情况下，产生过渡混合的颜色彼此都是相近色，因为它们通常会是一个对象里邻近区域的颜色，而它们的混合会产生一种中间色，让对象的色彩变化看起来更自然。如果色彩之间的混合产生了一种全新的颜色，那么这样的混合效果就会让画面显得很不自然，例如，蓝色不能和黄色融合，因为在两色交叠的部分会出现绿色（除非你恰好需要这样的效果）。 1. 靠近地平线的海水颜色是深灰蓝色，但是靠近海岸区域的颜色要浅很多。这里要分别用两支画笔逐个将两种颜色仔细调出来。 2. 拿第三支画笔来调出用两种原色组成的中间色。两种颜色的混合用量基本相等。

3. 将三种颜色都铺在画面上，但先不要让将它们相互重叠，要确保颜色之间没有交叠痕迹。天空的部分已经完成了，接下去通过混合颜色，让海面产生出柔和色彩渐变。 4. 用一支干净的笔，在画之前蘸上最深和次深两种色调的颜色，从上到下的顺序进行z字形涂抹。层次之间互相混合，使它们相邻的地方形成斑驳粗糙的混合色带。大海的中间的前景部分也运用同样的手段进行描绘。画笔越大混合的效果就越粗糙，所以如果使用细小的画笔就可以绘制出非常柔和的效果。

浅谈油画风景的色调表现

浅谈油画风景的色调表现摘要：油画之所以能够几百年兴盛不衰, 在于它所产生的那种独特的、迷人的、复杂微妙的色调。而画家无论是在进行写生或创作的过程中, 无不像在哺育自己的孩子一样, 投入大量的情感: 有强烈的、有温柔的、有粗犷的、有细腻的、有深沉的、有豪放的……这些情感伴随着色调一起溶入作品的诞生过程中, 使每一幅油画作品都有一种能表达画家思想、情感和意志的情调。情调与色调的融合, 恰恰是画家对生活的理解和个人感受的体现。关键词：油画风景；色调；情感；意境；一、色调的含义色调不是指颜色的性质，是对一幅绘画作品的整体色彩评价。一幅绘画作品虽然用了多种颜色，但总体有一种倾向，是偏蓝或偏红，是偏暖或偏冷等等，这种颜色上的倾向就是一幅画的色调。通常可以从色相、明度、冷暖、纯度四个方面来定义一幅作品的色调，一幅画有明确的色调，红调子这就是从色相的角度来说；暗调子是从明度来说；暖调子是从冷暖来说；灰调子是从纯度来说。另外还有一种较少使用的定义方法：如果一幅画的明暗对比很强烈，就叫长调子，如果明暗对比弱就叫短调子，其他介于中间的就叫中调。总之，色调是指画面整体的趋势，而不是纠缠于其中的细节，如果作品没有一个统一的色调，就会显得杂乱无章。二、油画风景中不同的色调表现方式

（一）、单一色相变化调和的色调表现单一色相的变化调和的配色方法源远流长，如原始人类在洞穴石壁上用土红、黑等单色描绘各种动物及生活用具，后世有些画家还沿用于壁画、装饰性绘画及工艺美术，但多给予新的形式和更强烈的表现力。东山魁夷的《蓝色的峡谷》，是用色相轮中蓝色相作为整幅画的色调，运用蓝色的明暗度、饱和度和冷暖的变化表现出充满画面的、并列着的杉树林的壮观。蓝色树冠像层云般重叠，杉树林的远近也被压缩了，笔直向上的树干巧妙地安排着，构成整幅画面单纯明确的蓝色调，似乎送来了音乐般的树林的歌声。在这蓝色的和声中，给予我们幽静、深邃的联想。留给观众整体的色彩印象，色彩的艺术感染力更集中，更明确。他的《白马森林》、《春雪》、《雪原谱》等许多作品都是采取了单一色相的变化调和的色彩创作方法。 (二)、邻近色调和的色调表现即由色相轮中相接近颜色的配合而形成的色调，邻近色调和的色彩关系在生活中广为应用，如在室内色彩设计中大多数采用邻近色调和的配色效果。塞尚对色彩的观察、研究和表现，形成了自己新的色彩结构，运用色相轮中的色轮角里的邻近色推移的配色方法，即在色相轮中以某一个颜色与它相邻色或某一个颜色与它左右相邻的颜色形成的色轮角，一般不超过90度角（该色和另外一色中间相隔一个色相而形成的色轮）。塞尚在冷色域里选择了以蓝为中心往冷色过渡至绿，往暖色至紫一组邻近色；在暖色域里以橘色为中心往冷色趋向

油画专业开题报告doc

油画专业开题报告篇一：论文开题报告(美术) 滨州学院毕业设计（论文）开题报告题目《乡村》创作中平面化油画语言的应用系（院）美术系年级 XX级专业美术学班级 09美术本3学生姓名学号指导教师职称滨州学院教务处二〇一三年三月开题报告填表说明 1.开题报告是毕业设计（论文）过程规范管理的重要环节，是培养学生严谨务实工作作风的重要手段，是学生进行毕业设计（论文）的工作方案，是学生进行毕业设计（论文）工作的依据。 2.学生选定毕业设计（论文）题目后，与指导教师进行充分讨论协商，对题意进行较为深入的了解，基本确定工作过程思路，并根据课题要求查阅、收集文献资料，进行毕业实习（社会调查、现场考察、实验室试验等），在此基础上进行开题报告。

3.课题的目的意义，应说明对某一学科发展的意义以及某些理论研究所带来的经济、社会效益等。 4.文献综述是开题报告的重要组成部分，是在广泛查阅国内外有关文献资料后，对与本人所承担课题研究有关方面已取得的成就及尚存的问题进行简要综述，并提出自己对一些问题的看法。 5.研究的内容，要具体写出在哪些方面开展研究，要突出重点，实事求是，所规定的内容经过努力在规定的时间内可以完成。 6.在开始工作前，学生应在指导教师帮助下确定并熟悉研究方法。 7.在研究过程中如要做社会调查、实验或在计算机上进行工作，应详细说明使用的仪器设备、耗材及使用的时间及数量。 8.课题分阶段进度计划，应按研究内容分阶段落实具体时间、地点、工作内容和阶段成果等，以便于有计划地开展工作。 9.开题报告应在指导教师指导下进行填写，指导教师不能包办代替。 10.开题报告要按学生所在系规定的方式进行报告，经系主任批准后方可进行下一步的研究（或设计）工作。篇二：毕业论文开题报告(美术)

油画色彩的情感表达

油画色彩的情感表达色彩是油画的主要表现手段和重要语言，同时又具有非凡的艺术表现力和独立的审美价值。在油画发展过程中，色彩是艺术家用来表达内心情感和思想内涵的一种重要途径。本文分析了油画创作中不同的情感表达与色彩运用之间的关系，以对当前我国油画创作的实践有所启发。不同的色彩会对人的情绪产生不同的影响，面对不同的颜色人们就会产生冷暖、明暗、轻重、强弱等不同心理反应。蓝色、绿色、紫色经常能给人一种寂静、凄凉的感觉，而橙色、黄色、红色则能给人以一种温暖、灿烂的感觉。艺术家往往借助色彩来表达自己的情感情，对于色彩的运用不仅反映出艺术家深厚的文化底蕴和丰富的理论知识。色彩作为绘画中一个特别重要的元素，其包括明度、纯度和色相三个要素。我们普遍认识到色彩可以影响人类的情绪，如蓝色和绿色能够让人平静，而红色、黄色和橙色则能够让人兴奋……色彩可以让人产生一定的联想，也是艺术家表达情感的重要手段。由于每个人对色彩的认识感知程度不同，所以相同的色彩语言变化对不同的个体产生的情感作用也存在差异。康定斯基说：“色彩对人的有机体产生巨大的作用，并且直接影响着精神。” 凡.高是表现主义的奠基人，他不仅从大自然中获取色彩而且把自己被大自然感动的情感色彩表现在画面中，使画面中的色彩具有很强的表现性。他的代表作《向日葵》，以饱满的黄色调，展现了艺术家内心激荡着的无尽的热情。那一团团金灿灿的向日葵，不仅表现出艺

术家对生活的热切渴望与不懈追求，而且宣泄着艺术家对生命的狂热体验与无限冲动。在画中，绘画作者所表现出的色调与观赏者的情绪联系在一起，当这些颜色及绘画技巧与观赏者产生共鸣时，观赏者就会感受到艺术家的情绪和情感。马蒂斯是野兽派的创始人和主要代表人物，他以单纯而强烈的色彩而著名。他认为艺术创作中色彩的选择应根据自身的生活体验、对生活的感受观察，以及情感表达的需要。马蒂斯说：“奴隶式的再现自然，对于我是不可能的事。我被迫来解释自然，并使它服从我的画面的精神。色彩的选择不是基于科学，我没有先入之见的运用颜色，色彩完全本能地向我涌来。”在作品《红色中的和谐》中，马蒂斯运用对比色来描绘整幅画，桌布和墙面的红色，与天空的蓝色和草地的绿色形成鲜明的对比。他在桌布和墙面上用蓝色的花纹把水平的面和垂直的面区分开。这些色彩表现出画家自我情感的释放及自身的体验。塞尚的色彩不追求对客观事物的真实再现，他是在真实描绘自然色彩的基础上加入了自己的主观色彩。在色彩的运用上，塞尚说：“按照自然来画画，并不是意味着摹写客体，而是主观色彩的印象。”其代表作《坐在红扶手椅里的塞尚夫人》，在表现手法上，塞尚不是用传统的光影来表现质感，而是采用色彩与形体的结合，达到一种画面的平衡与和谐。总之，色彩的魅力在于它的以色传情。色彩是艺术品的灵魂，在实践中要根据情感表达和审美对象加以灵活运用。色彩语言的表现既需要艺术家对色彩本身有敏锐的感觉，又需要对色彩进行创造性地概

油画色调审美浅谈论文

油画色调审美浅谈论文油画色调审美浅谈论文内容摘要：油画色彩中对色调的表现，是一个关键性的环节，它对营造画面的气氛、抒发情感、表达思想，起着重要的作用。同时，色调的成功运用还能启迪人们对自然的思考、联想，引发画家创造出优美的意境，给人以较高的审美感受。关键词：油画色调意境审美由于油画色彩所具有的丰富性和力度感，因此常被人们形容为绘画中的交响乐。的确，善于运用好油画中的色调，既能表现对象丰富的色彩变化及整体气氛，又能以色抒情、以色传神，达到形、色、神浑然一体的效果。纵观油画，我们可以列举出许多大师成功地运用色调表现意境的例子，如波提切利、透纳、柯罗、列维坦等。画家们对不同色调的运用，不仅表达了他们各自不同的情感，同时也给予了人们以不同的审美感受。一、色调美与画面整体的关系在油画色彩中，调子是指在一定的光源的笼罩下，各个固有色不同的物体带有同一色彩倾向，就叫调子或色调。它可从色相上、明度上、纯度上、冷暖上进行区分，并可产生出各种不同的色调，如红色调、亮色调、鲜色调、暖色调等。不同的色调还能表现出不同的情绪，比如，大红色调的热烈、兴奋；亮调子的淡雅、华丽；浊调子的含畜、朴素；冷调子的清新、舒畅。不同的画家擅用不同的色调来表现对象，比如，毕卡索根据表现不同时期、不同对象的需要，就产生出“蓝色时期”“玫瑰红时期”“黑人时期”，分别运用了忧郁的蓝色调、诙谐的粉红色调、粗犷的黑色调来表现下层人民的荒凉与悲伤，传达了画家对平民深深的同情和关注。又如，法国印象派画家莫奈也是一位创造色调的大师。他坚持户外对景写生，善于捕捉光色气氛和瞬间印象，他经常面对同一景物按不同时间、

油画的基本要素

油画属于视觉艺术，构成油画作品最基本的视觉要素有形体、线条、明暗、质感、空间与色彩。一幅成功的油画依赖于画家对构成油画最基本的视觉要素的全面掌握和熟练运用。独具匠心的油画作品则是对基本要素中某些要素突出的运用，从而形成了许多油画家独特的个人风格。形体是油画最基本的要素，它包含形状和体积两个方面。形状是指物象外部的空间特征，体积是指物体的三度空间形态。在描绘客观物象时，形体具有很强的表现性，要求画家善于把握物象的形态与特征，对物体具有敏锐的视觉反应能力以及深刻的表现能力，能发现并挖掘隐藏在形体深处的表现价值和审美意味。线条是油画造型的主要手段，人类最早描绘自然物象就是从线条开始的。它是绘画艺术中不可取代的视觉要素，变化莫测的线条体现着画家对生命的情感体验。垂直挺拔的线条庄严、崇高，有永恒之感；水平线带给人平静、安宁、距离乃至死亡的情感；斜线富有张力、运动、不安和危险感；曲线则表达飘逸、柔情、浪漫的情绪；十字线静穆而庄重；不规则线条苦涩忧伤、躁动不安。明暗分黑、白、灰三大调子，它也是绘画最基本的表现手段。丰富的明暗色调能够把物体的形状、空间和质感生动鲜明地表现出来。从细致刻划到强烈对比，明暗色调创造出了丰富的视觉画面。明亮的色调平和而爽朗，灰暗的色调沉重而神秘。黑白交织体现着画家的主观情感世界。质感在写实油画中，是一个非常重要的表现要素，它能在感官上给人以满足和愉悦，能使人产生抚摸的欲求。正因为质感能对视觉产生强烈的刺激，从而引起人的兴奋和冲动，所以写实油画一直受到世人的偏爱。在现代绘画艺术中，质感的观念发生了很大的变化，不仅是对物象的逼真描绘，同时又是所用材料本身质地的不同表现。画面的对视性和趣味性丰富了视觉语言，增强了画面本身的精神性。空间是绘画艺术在二维画面上产生的视觉纵深度。画面空间并非现实空间，是对现实空间的摹仿，是画家运用线条、明暗、色彩创造出来的虚幻空间，是人的视觉情感中产生的距离空间。大小、高低、虚实、冷暖都能让人产生空间感。在现代绘画中，画家更多地运用色彩创造画面空间。色彩与明暗是不可分割的，明暗关系就是通过色彩明度体现的。调颜色不能只考虑色彩的明暗，缤纷的世界是由色彩构成的，色彩就是生命。然而视觉对色彩的感知因人而异。一方面有色弱色盲者，另一方面人的主观情感能直接影响视觉对色相、冷暖的敏感度，以及人对不同色彩的好恶。主观色彩形成了画家各自不同的色彩面貌。

浅析抽象油画色调

浅析抽象油画色调论文摘要：油画之美，主要是色彩之美，而色彩之美，关键是要看如何掌握和运用色调。色彩在形式上具有十分突出的重要地位。自上个世纪20年代出现第一幅抽象油画以来，抽象油画逐渐成为西方画坛的主流，在表达感情方面，色调在抽象油画中发挥着更为重要的作用。论文关键词：抽象油画；色调；感情油画作为世界性的大画种，几百年来产生了大量辉煌的杰作，有着长久的艺术魅力。油画艺术语言的构成不外乎形与色两个基本因素。和别的画种比较起来，油画具有色泽鲜明、色域宽阔、表现力强等特点，对油画来说，色彩在形式上具有十分突出的重要地位，油画色彩的表现力，主要取决于画面的总的色调给人的视觉作用。因此，色调处理是油画色彩处理的关键所在。一幅油画的成败如何，很大程度上取决于艺术家对画面的色调处理。抽象绘画还是近几十年的事情，本文就探讨一下色调在抽象油画艺术中的重要作用，以及怎样处理、运用色调这一形式语言来使作品具有艺术效果和感染力。色调是客观存在的，在大自然中一切物体皆有色彩，普通的人能看见色彩，但不一定能看到色调，色调的形成是由于光的作用，光线照射在不同物体上，笼罩着一定明度、色相的光源色，使各个物体带有同一色彩倾向，就形成了色调，它在一幅画中起着色彩支配作用，色调的种类很多，从色相分有红调

子、兰调子、黄调子；从色性来分有冷调子、中间调子、暖调子；从明度分有亮调子、灰调子、暗调子。调子的确定一般以光源色来定，或者是画面中占大面积色彩的基调来定。一幅油画色调不统一会产生色彩“花”，会影响画面的艺术魅力。色调要富于韵律感，使色彩达到“多样的统一”，给人以调和的印象。色调的调和是从色彩的三属性，即色相、明度和纯度三个方面通过艺术处理和加工而求得变化和统一的。几百年来，油画色调的处理，随着油画技法的进展、科学的进步以及人们欣赏习惯的变化而发生变化。古典油画几乎是清一色的棕褐色调子，自从印象派开始，发现了条件色的规律，就使画面色调丰富多彩起来。油画色调的调和大约有邻近色的调和、单一色的调和、对比色的调和。使用单一色调的和色调的画面看起来非常统一。如美国抽象派绘画大师罗斯科的晚期作品，基本上是全黑的色调，仔细看，会有些微妙的变化，巨大的深色画面是一种虚无，是一种悲壮，是通向每个人心灵深处的镜子，这种效果只能是智慧的结晶，有人说罗斯科的作品像一棵巨大的树，有一种神秘的美丽，这一点得到了充分的证明。在这黑色的和声中，留给观者的是整体的色彩印象，色彩的艺术感染力更集中、更明确。领近色调和的色调方法为许多画家所运用。19世纪以前的欧洲古典油画，一般都运用这一方法。后期印象派画家高更有许多幅描绘塔希提岛生活的精彩油画，画面一般都使用黄、红、褐、赭石再配以少量的补色。对

光线在油画中的运用与表现

光线在油画中的运用与表现摘要：光影是油画的主要的艺术语言之一，适当而巧妙地光影强弱的处理，可以简洁明快地传达画面形象中细腻幽微的心理意蕴，表现种种情感情绪及深层心理的空间深度。艺术家往往也把光影明暗的处理作为表达个人情绪，着意使画面获得更强烈的感染力，给观者以强烈的视觉冲击。光线是美术作品的重要表现因素，光刺激人们的眼睛，为视觉揭示出客观世界的时空变化，使宇宙间的一切物象有了可视性。关键词：色调；线条；光影；象征性色调的基础是光，如同我们所经验到的。光，不是一种物质，通常是看不到的。只有当光呈现事物的物质性时，如以光束、光线的闪烁或者光突然变化的形式，我们才能意识到它是某种光，不仅仅是它通过它对其他事物的影响而有的东西。学习绘画，色调是需要掌握的绘画造型元素之一，而这涉及一种不同形式的知觉能力的形成，即知觉优先性的普遍次序被颠倒的一种形式。色调变化并不是那种其内部具有优先性且色调消失在里面的东西，它们引起注意，同时它们背后并通过它们似乎还附属存在某种东西。因此，这种知觉与日常生活中的知觉全然不同。这就产生了一个问题：画家学习了解的色调光谱是某种一直存在于那里的东西吗？还是它们只是通过他（她）对它们的知觉才产生的呢？对知觉的常识性了解，就是我们看到的事物的真实面貌。我们所看见的事物就在那里，独立于我们，睁开我们的眼睛，我们就可看见它本来的样子。因此，当渐渐看见他以前没有见过的色调光谱时，画家就将逐渐意识到某种早已在那里的事物，他只是以前没有意识到它。这意味着我们经验的世界，其本身并不受我们所影响。然而，我们只是需要去观察、去注意，我们确定事物的方式影响我们所看见的事物，我们观察窗前的某些物品，窗外闪耀着耀眼的光芒，在光的照耀下，这些物品就变成了浮雕。接下来，如果我们眺望窗外的光，新的主导色调值要明亮得多，所以我们的眼睛适应了一种新的色调光谱。突然窗前的所有物品都笼罩在阴影中，被色调吞没，因为它们的位置全都在光谱的一端，所以对视觉来说有融聚在一起的倾向。因此，我们在世界所经验到的、没有单一的光谱，没有单一范围的色调值，而是随着改变我们观看事物以及观看事物的方式而改变色调的完整范围。我们所识别为相同物品的东西，能够在差异很大的色调光谱内看到，每一种色调都极大影响着它的现象性质。如果可见世界本身独立于我们的话，我们所有的知觉就会是一致的。我们已经了解，画家通过逐渐意识事物色调品质或关系所获得的那种认识与日常生活的认识大相径庭。对于画家来说，色调的产生就像一种启示：我们周围的世界看起来不一样、光无处不在、新奇的感觉非常明显、一切都是有差别的。对事物的在自身性的感受减少了。随着每一个位置的变化，它们看似都有所不同，