草间弥生
草间弥生代表作品
草间弥生代表作品草间弥生是日本著名的艺术家，以其独特的风格和作品而闻名于世。
她是后现代艺术的先锋之一，将自己的创作理念注入到各种艺术形式中，包括绘画、雕塑、装置艺术等。
本文将重点介绍草间弥生的代表作品，并分析其中蕴含的艺术思想和表达方式。
1.《斑点无限宇宙》《斑点无限宇宙》是草间弥生最著名的作品之一，也是她的代表作之一。
该作品展现了草间弥生常见的图案和主题元素，如斑点、圆点和线条。
这些元素不仅仅是作品的装饰性元素，更是反映了草间弥生对时间和空间的思考。
通过无数的斑点连接在一起，创造出一种视觉冲击力和无限延伸感，使观者产生身临其境的感觉。
2.《无限镜屋》《无限镜屋》是草间弥生另一个广为人知的代表作品。
这个作品是一个装置艺术作品，观众可以进入其中，并通过无数的镜子和荧光灯创建出一个看似无限延伸的空间。
这个作品强调了草间弥生对个体与整体关系的思考，以及对真实与虚幻之间边界的模糊和探索。
3.《薄暮之花》《薄暮之花》是草间弥生的一个系列作品，包括绘画和雕塑。
这个系列作品以花朵为主题，草间弥生将花朵的形象进行了抽象和变形，使其呈现出独特而神秘的魅力。
通过暗淡的色调和扭曲的线条，草间弥生创造出一种像梦幻般的氛围，使观者在欣赏作品时产生一种超越现实世界的感受。
4.《希望之塔》《希望之塔》是草间弥生在2010年创作的一件大型雕塑作品。
这个作品由无数个闪亮的铜制元素组成，高达12米。
草间弥生表示这个作品象征着希望和愿望，通过巨大的规模和反射光线的效果，传达出一种鼓舞人心的情感。
观者可以进入作品内部，与之互动，感受到其中所蕴含的力量和动能。
5.《无限堂》《无限堂》是草间弥生的另一个装置艺术作品，它以一个无限延伸的房间为形式。
这个作品通过无数个重复的线条和圆点创造出空间的错觉，使观者感觉自己置身于一个无边无际的空间中。
草间弥生通过这个作品传达了对时间和空间流动性的思考，以及对现实世界和超现实世界之间关系的思索。
通过以上几个代表作品的介绍，我们可以看到，草间弥生的艺术作品充满了独特的视觉语言和艺术表达方式。
草间弥生作品永恒的爱的讲解
草间弥生作品永恒的爱的讲解草间弥生（Yayoi Kusama）是一位日本著名艺术家，她的作品涵盖了绘画、雕塑、装置、表演艺术等多个领域。
她的创作特色独具，极具辨识度，尤其在绘画和雕塑作品中，她擅长运用波点图案和镜子元素，展现出令人着迷的视觉效果。
在她的作品中，永恒的爱情是一个反复出现的主题，充满了她对生活中的美好事物的向往。
草间弥生作品的特点在于其极具辨识度的视觉风格。
她善于运用波点图案、线条、色彩和镜子等元素，创作出充满奇幻色彩的艺术作品。
这些作品富有张力和动感，仿佛具有生命力，让观众沉浸在一个充满奇幻和梦幻的世界中。
在她的作品中，永恒的爱情主题贯穿其中，体现出她对爱情的渴望和向往。
在草间弥生的作品中，永恒之爱是一个重要的主题。
她笔下的爱情不仅仅是浪漫的甜蜜，还包括了痛苦、挣扎和执着。
在她的眼中，爱情是一种复杂的情感，既美好又残酷。
这一主题在她的作品中得到了淋漓尽致的表现，让观众能够感受到爱情的力量和激情。
草间弥生作品《永恒的爱》是一幅极具代表性的绘画作品。
画中以波点图案为基础，描绘了一对紧紧拥抱的恋人。
草间弥生运用色彩和线条的交织，展现出恋人之间强烈的情感纽带。
在这幅作品中，她以浪漫的笔触表现了永恒之爱的美好，让观众感受到了爱情的力量。
草间弥生作品的价值在于她对艺术的独特见解和对生活的深刻感悟。
她的作品既有独特的视觉冲击力，又充满了寓意和情感。
在她的一生中，她对爱情的理解和追求始终如一，这使得她的作品具有很高的艺术价值。
同时，她的作品也为观众提供了一个思考和感悟人生的窗口，让人们更加珍惜生活中的美好时光。
总之，草间弥生的作品以永恒的爱情为主题，展现了她对生活的热爱和向往。
她的作品具有独特的艺术风格和深刻的情感内涵，为观众带来了一场视觉和心灵的盛宴。
在欣赏她的作品时，我们不仅能感受到爱情的美好，还能体会到她对生活的执着和坚持。
草间弥生
向天空呼喊
它蓝色的影子变得透明
拥抱虚幻的阴影
云升
பைடு நூலகம்
眼泪的声音淹没玫瑰的色彩
我变成石头
不是在永恒的时间里
而是在蒸发的瞬间
又斑
叫点
她是
波她 点的
经
女标 典
王志 。，
所
形 象
以
很
多
人
10
这 是 她 近
年 的 作 品
有她特色的大南瓜系列
蘑菇系列
1991
草 间 弥 生
约 年 作
纽
草间弥生不仅仅 在绘画领域有所 作为，更在雕塑， 服装，公共艺术 等等方面表露出 她过人的才华和 异于常人的思想。
怪婆婆—— 草间弥生
简介
草间弥生（1929年3月22日－）被称为日 本现存的经典艺术家，出生于日本长野县 松本市，在1956年移居美国纽约市，并开 始展露她占有领导地位的前卫艺术创作， 现居住在日本东京。她曾与当代卓越的艺 术家如安迪·沃荷（Andy Warhol）、克勒 斯·欧登柏格（Claes Oldenburg）、贾斯 培·琼斯（Jasper Johns）一起联展。
重复性的圆点对于草间弥生与其被当作她与世界沟通的途径，不
如说是一种治疗。1929年生于日本本土的草间是一个孤独的孩子，在
幼年时代她就对现实生活视域中的圆点充满兴趣。镜子，圆点花纹，
生物触角和尖端都是草间弥生后来作品中重复出现的母题，她对斑点
的迷恋源自幼年患有神经性视听障碍，这场疾病使她看到的世界仿佛
带有浓厚圆点草间风格的服饰，并开始贩卖许多艺术商品。
草间也算是日本当代作家之一，自她在1978年回到日本定居之后，陆续出版了含
自传在内有10几本书籍。除了前面生平提到的几本重要小说之外，还包括了《圣马克
草间弥生的名词解释
草间弥生的名词解释草间弥生（Yayoi Kusama）是一位享誉国际的日本艺术家，以其独特而引人注目的创作风格而闻名于世。
她的作品涵盖了绘画、雕塑、装置艺术和行为艺术等多个领域，被认为是具有前卫意识和深刻内涵的艺术代表之一。
本文旨在对草间弥生的艺术创作、主题和艺术家本身进行名词解释，以帮助读者更好地了解和欣赏她的作品。
一、无限的重复与斑点草间弥生以无限的重复与斑点而闻名。
在她的绘画和装置艺术中，斑点元素常常占据中心地位。
草间弥生对斑点的痴迷始于她童年时期的幻觉经历，在那个时候，她感受到了自己与周围世界的融合。
斑点在她的作品中被无限地重复，创造出一种混沌与秩序相融合的视觉冲击力。
这种重复与斑点的图案不仅在艺术创作中得到体现，也延伸至衣物、家具和环境装饰等方面，构筑了一个无与伦比的宇宙。
二、草间式的自我过程消解草间弥生在艺术创作中特有的自我过程消解是其作品的核心主题之一。
她通过融入自己的身体和思想，并将其转化为作品表达出来，试图消解自我与世界之间的界限。
她的艺术作品中常常出现镜面、反射或者人形等元素，这些元素有时代表着自我反思，有时又代表着无限的重复和扩张。
草间弥生的艺术作品不能被简单地归类于“自传式艺术”，而是一种深度的探索与审视，旨在突破惯常的观念框架，揭示和挖掘潜意识中更深层的内在世界。
三、自然与宇宙的融合草间弥生的作品与自然界和宇宙空间的融合成为了她独特的艺术风格之一。
她的装置艺术中常常以无穷无尽的点状元素或线条元素构建出一种与自然景观相似却又超越自然的空间体验。
通过艺术家个人的审美观点，她将自然和宇宙的元素与自身的创作概念相结合，在观者面前展示出一个独特而未知的视觉世界。
同时，草间弥生也通过作品表达对大自然、宇宙的崇敬和畏惧之情，使观者更加深入地思考自然与人类之间的关系。
四、对社会和性别问题的持续关注除了创作风格的独特，草间弥生的作品也常常与社会和性别问题相关。
她的部分作品探讨了日本社会对女性的歧视和限制，以及现代社会中个体与集体之间的矛盾与冲突。
草间弥生的著名作品
草间弥生的著名作品草间弥生是日本当代艺术家，以她独特的创作风格和作品而闻名于世。
在她的艺术生涯中，有许多著名的作品，其中包括《无限之镜》、《南瓜》和《彩色圆点》等。
《无限之镜》是草间弥生最著名的作品之一。
这件作品是一个装置艺术品，由一个小房间组成，房间内的所有表面都镶嵌着镜子。
当人们进入房间时，他们会看到无尽的反射，仿佛整个空间都延伸到了无限远处。
这个作品传达了草间弥生对无限性和无边界性的追求，同时也让人们思考自身在宇宙中的微小与无限。
《南瓜》是草间弥生的另一件标志性作品。
她对南瓜的痴迷可以追溯到她童年时期在农村长大的经历。
草间弥生用各种媒介和形式表达她对南瓜的喜爱，包括绘画、雕塑和装置艺术。
她将南瓜作为一种象征，代表着生命的力量和生长的希望。
草间弥生的南瓜作品通常以鲜艳的颜色和奇特的形状呈现，给人一种活力和喜悦的感觉。
《彩色圆点》是草间弥生的又一经典作品。
她经常使用圆点元素来装饰自己的作品，这些圆点有时是黑色的，有时是彩色的。
草间弥生认为圆点代表了宇宙的能量和连接一切的力量。
她将圆点放置在各种媒介上，包括绘画、雕塑和纺织品。
草间弥生的彩色圆点作品给人一种愉悦和活力的感觉，同时也传达了她对生命和宇宙的热爱。
除了这些著名作品外，草间弥生还有许多其他令人印象深刻的作品。
例如，《火焰》是一件用彩色绳子编织而成的装置艺术品，象征着热情和能量的释放。
《星云》是一幅绘画作品，展示了宇宙中繁星点点的景象，让人感受到宇宙的神秘和无限。
《水晶宇宙》是一件透明的雕塑作品，呈现出晶莹剔透的效果，象征着清澈和纯净。
草间弥生的作品不仅在日本国内广受赞誉，也在国际艺术界享有盛誉。
她的独特创作风格和富有创意的作品吸引了无数观众的目光。
草间弥生用她的艺术作品传达了对生命、宇宙和无限的思考和追求，同时也让人们感受到艺术的力量和魅力。
她的作品不仅是艺术，更是一种对生命和美的探索和表达。
无论是在画廊展览还是公共空间中，草间弥生的作品都能给人带来独特的艺术体验和思考的空间。
草间弥生的南瓜赏析
草间弥生的南瓜赏析草间弥生（Yayoi Kusama）是一位享誉世界的日本艺术家，以其无限重复的图案和装置艺术而闻名。
她的作品多样化，涵盖绘画、雕塑、装置艺术、表演艺术等多个领域。
而在她的作品中，南瓜成为了一个重要的符号，被她多次用于不同的艺术创作之中。
在这篇文章中，我们将对草间弥生的南瓜作品进行赏析，探讨其背后的意义和艺术价值。
草间弥生的南瓜作品可以追溯到上世纪80年代，当时她开始使用南瓜这一形象作为艺术创作的主题。
南瓜在日本文化中具有丰富的象征意义，被视为幸福、繁荣和长寿的象征。
而草间弥生以其独特的艺术手法，赋予了南瓜全新的意义和表现形式。
在草间弥生的作品中，南瓜常常被呈现为巨大的雕塑，以及在绘画和装置艺术中的形象。
她以各种不同的材料和技巧，将南瓜呈现出丰富多彩的形态，有时是鲜艳的色彩，有时是无限重复的图案。
这种多样化的表现形式，使得南瓜成为了草间弥生作品中的一个重要符号，代表着她对幸福、生命和自然的独特诠释。
草间弥生的南瓜作品中，最为著名的是她的雕塑作品《南瓜》系列。
这一系列作品以巨大的南瓜雕塑为主，通过其夸张的形态和明亮的色彩，展现出了南瓜的力量和生命力。
这些南瓜雕塑常常被放置在户外或者展览空间中，与观众产生互动，给人以强烈的视觉冲击和情感共鸣。
草间弥生通过这些作品，传达了她对自然界的敬畏和对生命力的赞美，同时也借此表达了对幸福和和平的向往。
除了雕塑作品，《南瓜》系列也包括了一些绘画和装置艺术作品。
在这些作品中，草间弥生常常运用无限重复的图案和形态，将南瓜呈现出一种梦幻般的状态。
她以独特的艺术手法，将南瓜与自然、生命和宇宙联系在一起，呈现出一种超越现实的美学境界。
这些作品不仅仅是对南瓜形象的再现，更是草间弥生对于世界的理解和对于生命的思考。
草间弥生的南瓜作品，不仅仅是艺术创作，更是一种对生命、自然和宇宙的探索。
她通过南瓜这一形象，表达了对幸福、繁荣和和平的向往，以及对生命力和自然界的敬畏。
草间弥生的装置艺术与当代审美
草间弥生的装置艺术与当代审美草间弥生（Yayoi Kusama）是一位享誉世界的日本装置艺术家，她以其独特的创作风格和对无限重复形式的追求而著名。
她的作品涉及绘画、雕塑、装置艺术等多个艺术形式，引发了当代审美的广泛讨论。
草间弥生的作品充满了无限的想象力和独特的审美观。
她常常使用大量的重复形式，如圆点、线条等元素，创造出视觉上的冲击和共鸣。
这种无限重复的形式给人一种无边界、无限延伸的感觉，让人感受到时间和空间的变幻。
这种审美观念与当代社会的快节奏、多变的特点相契合，引发了观者对于生活、时间和空间的思考。
草间弥生的作品中最为著名的要数她的“无限镜屋”系列。
这些装置艺术作品以镜子为基础，通过反射和重复的效果，创造出一个看似无限延伸的空间。
观者置身其中，会感受到自己的存在被扩大和放大，同时也会感受到自己的存在被消解和模糊。
这种对于个体和整体的关系的思考，使观者对于自身的存在和环境的关系有了新的认识。
草间弥生的作品还常常涉及到对于身体的探索和表达。
她的作品中常常出现大量的圆点，这些圆点仿佛是细胞的象征，代表着生命的力量和能量。
通过对于身体形象的重复和扩散，她试图表达出对于生命和存在的追问。
这种对于身体的探索和表达，使观者对于自身的身体感受和存在感有了新的认识。
草间弥生的作品还常常与自然界有着紧密的联系。
她常常使用鲜艳的颜色和有机的形状，创造出一个充满生机和活力的世界。
她的作品中常常出现花朵、草坪等自然元素，这些元素代表着生命的力量和自然的循环。
通过对于自然界的表达，她试图唤起人们对于环境保护和生命尊重的意识。
草间弥生的装置艺术作品不仅仅是艺术品，更是一种思考和探索。
她通过对于时间、空间、身体和自然的表达，引发了观者对于当代社会和个体存在的思考。
她的作品不仅仅是视觉上的享受，更是一种思想和情感的碰撞。
她的作品与当代审美的关系密切，引发了对于艺术与生活的边界和关系的思考。
草间弥生的装置艺术作品在当代艺术界产生了广泛的影响。
日本怪婆婆 草间弥生
日本怪婆婆---草间弥生一、摘要草间弥生——这个名字听起来相当古典和优雅,但是任何看到其作品的人都会得到截然不同的感受----无穷无尽的圆点和条纹，艳丽的花朵重叠成海洋，混淆了真实空间的存在，只有阵阵眩晕和不知身处何处的迷惑。
重复性的圆点对于草间弥生与其被当作她与世界沟通的途径，不如说是一种治疗。
1929年生于日本本土的草间是一个孤独的孩子，在幼年时代她就对现实生活视域中的圆点充满兴趣。
镜子，圆点花纹，生物触角和尖端都是草间弥生后来作品中重复出现的母题，她对斑点的迷恋源自幼年患有神经性视听障碍，这场疾病使她看到的世界仿佛隔着一层斑点状的网。
于是她开始画这些斑点，它们像是细胞，种族，分子，那些生命最基本的元素，草间弥生把它们看成是来自宇宙的和自然的信号。
“地球也不过只是百万个圆点中的一个。
”她用它们来改变固有的形式感，在事物之间刻意地制造连续性，来营造一种无限延伸的空间，置身其中的观众无法确定真实世界与幻境之间的边界。
二、关键词圆点、补捉网、条纹、重复、疾病、恐惧、幻觉三、正文草间弥生Yayoi Kusama——战后从亚洲崛起的极富影响的艺术家。
她的艺术实践非常广泛：绘画、拼贴画、雕塑、表演、电影、装置、小说、诗歌和音乐。
草间弥生的创作被评论家归类到相当多的艺术派别，包含了女权主义、极简主义、超现实主义、原生艺术（en:Art Brut）、普普艺术和抽象表现主义等。
但在草间对自己的描述中，她仅是一位“精神病艺术家”（obsessive artist）。
从她的作品中可以看到，她企图呈现的是一种自传式的、深入心理的、性取向的内容；草间所用的创作手法则有绘画、软雕塑、行动艺术与装置艺术等。
她十岁患病导致幻听幻视。
她认为网状结构象征富有生机的生命本质。
她是日本最伟大的当代艺术家之一。
我们接受了伟大的马克思主义教育，认为世界是由物质构成的。
而草间弥生的世界观里（或许对她来说并不存在世界观，而是我们强加之的名词解释）世界是圆点所构成的。
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花朵、圆点、南瓜，没人看见草疯长草间弥生1929 年生于日本长野县松本市一户富裕家庭，家族经营种子生意一百多年。
“当时温室还很稀有，但我们家就有6间，常常会有学校带学生来参观。
我家算是资产阶级，会赞助当地画家，可是一旦我想要成为画家，那又另当别论。
”10岁那年，她用铅笔画了一个安静、忧郁的小女孩，这是她的童年写照。
“我很小的时候，经常带着素描本跑去家里的采种场玩。
那里有一大片槿花，我会坐在花圃里胡思乱想。
某一天，一朵朵槿花像人一样摆出不同表情开始和我说话，它们的声音越来越大，大到我的耳朵开始痛。
”为了抵抗幻觉带来的惊恐，她拿起了画笔，画了许多张牙舞爪类似花朵的植物，后来做得越来越庞大。
植物主题在她的创作中延续，反映的就是她对童年的回忆。
然而，她的精神疾病和对绘画的兴趣，遭到母亲的无视和嘲讽。
在母亲看来，草间弥生所谓的幻觉都是胡说八道，画画更不是富家女应该做的事，她毁掉了草间弥生的画布，罚她和工人一起干活，还经常把她关起来打骂。
“母亲常跟我说，没生你就好了，还打到我几乎失聪。
我经常离家出走，晚上站在街头希望过往的车辆结束我的生命，我曾企图卧轨自杀，但那时的我太小太轻，风太大，我的身子飘了起来。
”草间弥生的父亲是入赘到她母亲家的，他的放荡生活导致妻子歇斯底里。
“每次父亲出去找情人，母亲都叫我去跟踪，我在冬天的寒风中流鼻水，一边发抖一边走，由于年纪小，我一下就被父亲甩掉了，结果回到家，母亲又对我大发雷霆。
在这惨淡的家庭里生活，只有画画能让我清醒。
”1941年，积年累月的战争扩大演变至太平洋战争阶段，大约这时候，草间弥生患上了神经性视听障碍，她经常出现幻觉，看到的世界仿佛隔着一层斑点状的网，“身边出现薄纱一样的灰色帐幕将我盖住”。
强烈的恐怖感让她的精神接近崩溃，于是她开始画这些斑点，自那以后，圆点成了她作品中的标志性图案，她把它们看成来自宇宙和自然的信号，“地球也不过只是百万个圆点中的一个。
”1948年，19岁的草间弥生进入京都市立美术工艺学校。
“我一点都不喜欢古板且保守的学校。
老师什么也不教，只要我们拼命把图画得精细，我实在受不了，大部分时间都在逃课自己作画。
而且，我也很讨厌京都那种给画家排名，或者是搞师徒关系之类的麻烦事。
”逃课期间，她住进山里打坐冥想，画了不少“和人头一样大”的南瓜，“日本人用‘唐南瓜小子’来批评长得很丑的男人，或者用‘南瓜长眼鼻’形容人又矮又胖，感觉南瓜的形象并不太好，但南瓜的外型实在太可爱了，我完全无法抗拒。
南瓜这种形状，最吸引我的地方是它脂粉未施的大肚子，还有它强大的精神安定感。
我和南瓜对坐着，就像达摩面壁10年那样，我可以花一整个月画一个南瓜，甚而废寝忘食。
”由于逃学过多，京都的美术学校准备将她开除，于是她返回长野老家，“当时我非常清楚，如果想在艺术上走得更远，必须逃离日本这个封闭的地方。
我必须越过家乡这座高山，才能触摸到外面的世界。
”1955年，26岁的草间弥生在旧书店发现了美国女画家乔治亚•欧姬芙的作品。
在一位懂英文的堂兄帮助下，她写信给欧姬芙寻求帮助。
“虽然我在远方，我在艺术道路上才刚起步，我还是恳请您为我指路……”深受感动的女画家给她回了信，表示愿意在美国推荐她的作品。
两年后，她拿到了前往美国的签证，离开之前，母亲给了她100 万日元，告诉她永远不要踏入家门。
“我到美国后，即使穷到快要饿死，也没有再去求她。
”临走时，草间弥生在家外河堤上毁掉了数千件画作，“我一把火全烧了，就是想和当下生活告别，并且激励自己，一定要画出更好的作品，我就是抱着这个觉悟前往美国的。
”无限的网，阳具挺立“千船会”1957年11月28日，草间弥生带着60件和服与2000件画作前往美国。
“当时携带外汇出国有很多限制，我把那100万日元换成了美金，把这些钱缝进洋装、塞入鞋尖，我还想着卖掉那些画能够换钱过活。
”刚到纽约时，她住在一个禅僧经营的留学生宿舍，3个月后搬入一个阁楼。
“纽约的生活太恐怖了！专注的学习生活一天天过去，口袋里的美金一天天用光，最后，我陷入了贫穷的谷底。
每天要找东西吃，想办法对付画布、画具的账单，解决移民局的护照问题，工作室的窗户随它去破，捡了一块坏掉的门板当床睡，毯子也就一条，每晚冷到肚子痛，完全睡不着，只好爬起来继续画画。
”她在工作室立起巨大的黑色画布，大到不踏上梯子就够不着边，她在上面用纤细的笔触画满数百万个圆点，完全不留空隙地编织起一面白色之网。
“惠特尼美术馆举办征选那天，我背了这张比自己还要高的画，沿着纽约市中心大马路走过44个街区。
惠特尼美术馆现在很前卫，不过那时风气还很保守，像美术馆馆长那种没用的家伙怎可能了解我的作品？结果正如我所料，我落选了。
我又得背着那个榻榻米一样大的画作，走过44条马路回去。
”1959年10月，草间弥生携这幅黑底白面的《无限的网》等5件作品，参加下城区第10街布拉塔画廊“纯色执念”年轻艺术家群展，她的圆点受到纽约知名评论家的注意，唐纳德•贾德成为第一位买她作品的人，并在《艺术新闻》中给予高度评价：“草间弥生是一位极具原创性的画家，这5件白色巨幅作品，无论概念还是形式上都是前卫而有力的。
”《纽约时报》评价：“她的作品完全排除个人情绪，以一种偏执的重复令人感到迷惑。
”重复性的圆点对于草间弥生而言，既是她与世界沟通的途径，也是一种治疗。
这些视觉特色都来自她的幻觉，她认为这些点组成一张无限的网，让她“从自己的位置，度量宇宙的无限”。
“我的生命也是一个点，是亿万粒子中的一点。
斑点和网眼的诅咒，拉上魔法的帘幕，用一种肉眼看不见的神秘力量将我包围，我把一切都押在圆点上，想要跟历史造反。
”由于精神疾病的影响，草间弥生将极度重复扩展到雕塑和装置艺术领域。
有趣的是，这竟引领了未来美国波普艺术的潮流。
“1961年左右，画布上的那张网越来越大，最后涌出画布，蔓延到桌椅、地板和墙上……” 1962年10月，草间弥生在格林画廊的联展上首次发布软雕塑作品：一张刷白的扶手椅和一张八角长椅，上面覆满阳具型的突起物。
那次联展后，这间开张才一年的画廊成了纽约举世闻名的波普艺术发源地。
“如果有人问我，为何一开始创作软雕塑会做成阳具的形状，那是因为我对其恐惧。
我非常害怕性行为和男性生殖器，怕到要躲进壁橱里发抖。
所以我要拼命制造这些形状，让自己处于慌乱的核心，把惊惶变成熟悉，以此进行自我治疗。
”1963年年底，草间弥生举办了“千船会”个展，展厅内，密密麻麻的白色阳具突起物爬满一艘真实比例、全长10公尺的小船，周遭所有墙壁和天花板则封上999张这件作品的单色印刷海报。
站在阳具挺立的“千船会”展厅，人们淹没其中，晕眩出神。
安迪•沃霍尔来到展览现场，惊叫道：“哇！弥生，这，是什么东西？简直太棒啦！”安迪•沃霍尔类似形式的展览“牛首交错”出现于1966年，草间弥生多次指出，“这明显就是在重复或者模仿我当年‘千船会’的创作手法。
”“自恋庭院”，裸体乍现“大部分美国人认为日本女人就像温室里的花朵，所以当我看到草间弥生的作品时，真是耳目一新！她强悍有力，简直就像一台创作能量和艺术成就的发动机！”纽约评论家、《艺术之声》总编戈登•布朗曾将草间弥生比作“执念艺术的领航者”。
1965年，草间弥生受邀前往欧洲，她一身猩皮黑衣，艳红紧身裤搭配靴子，奇装异服的打扮夺走了所有人的目光。
这年年底至1966年，她留在米兰，筹备威尼斯双年展作品。
为回报一位朋友帮她在米兰设立工作室，她送给对方“一个长满阴茎的行李箱”。
1966年6月，草间弥生“非法”参加了第33届威尼斯双年展。
那件名为《自恋庭院》的环境装置，用1500个塑胶制的镜球，铺满展馆前的绿色草坪。
“当时我以一颗球1200里拉（约两美元）的价格在现场出售，想要批判艺术界太过商业化，可是这种和观众互动的表演，震惊了威尼斯双年展的策展单位，他们以‘艺术品不该像热狗或冰激淋那样叫卖’的理由禁止我的行为。
”在被双年展组委会请出去后，她穿着金色和服摊开双臂躺在1500个镜球中间，风头超过了所有参展艺术家。
近30年后，草间弥生独自代表日本参加1993年威尼斯双年展，日本政府为她专设主题馆，以此向这位前卫女王致敬，她在国际上的艺术地位得以重新确立。
尽管当年“千船会”展览轰动一时，但那时的草间弥生未被纽约主流艺术圈认可，财务上仍深陷困境。
1967 年，当得知无法获得预期的展出机会，她开始自己演出，那标志性的圆点蔓延到千奇百怪的物体表面之后，又铺展到现场行为表演的裸体之上。
“在华尔街的纽约证交所旁，4个裸女正随着鼓手敲出来的节奏扭动着，草间弥生在律师的陪同下，正向她们裸露的身体上喷着蓝色的波尔卡圆点。
警察迅速驱散了他们。
”1968 年，草间弥生疯狂组织裸体集会，她化着浓妆，穿着自己改制的怪异服装，依傍“自由女神”像，或在中央公园，带着一群男女浩浩荡荡脱光，然后在他们身上画画。
每个观众需付两美元“门票”。
借此行为艺术，她迅速成为美国媒体追逐的对象，“猛烈”、“神秘”、“嬉皮女王”、“全能创作者”……各种名号纷至沓来。
“我的出现每次都违反10到15条美国法律。
在大众面前做爱、燃烧国旗这种事，说严重很严重，可这种思考方式本身就是一种刻板印象，虽然我去的地方一定有警察跟去，但我还和往常一样平静，我身旁总是跟着一大群嬉皮给我当保镖，同时还有五六位法律顾问。
”草间弥生在美国的十几年，正值波普艺术兴盛期。
多年后，当评论家们重新梳理她的创作历程时，把草间弥生式的疯狂归位于复杂的社会环境：“那是一个‘嬉皮’横行的时代，草间弥生很快意识到这个国家正在流行什么，他们抗议越战、吸食毒品、崇尚性解放、追逐东方神秘，寻求外来宗教的庇护。
很多人开始以打破常规为生，一些人因此变得富有、出名。
”在格林威治村，安迪•沃霍尔和草间弥生两间工作室离得很近，因为非主流的公众形象差不多，两间工作室在纽约分庭抗礼，吴越同舟。
“我在自己的工作室是女王蜂，身边聚集的全是长得好看的男同性恋，安迪那里也聚集了一大堆漂亮的女模特，我们彼此互相竞争，看对方到底可以聚集多少俊男靓女。
安迪是个好对手，我和他很熟，他刚起步还没成名时就给我打过电话：‘我想用你身上画有圆点、卧姿全裸的那张照片来做丝网印刷，你觉得怎样？’”我已到达天堂在纽约期间，美国艺术家约瑟夫•柯内尔的出现给草间弥生的人生增添了浪漫色彩。
柯内尔是美国著名艺术家、雕塑家和实验电影先锋人物。
“第一次见到他时，他穿着一件奇怪的外套，我被吓坏了，以为自己见到的是一个幽灵。
”两人相识于1962年，根据草间弥生的描述，他们“在毫无概念的状况下相遇”。
那天，草间弥生的经理人来找她，让她穿得漂亮点，去见个奇人。
“根据她的说法，那是个超级怪人，平日不和人来往，过着隐士般的生活。
无论艺术经理人多想要他的作品，他都不卖，除非他们带着漂亮的女生去见他。