波点女王—草间弥生
草间弥生,波点女
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草间弥生,波点女
作者：燕子
来源：《中国校外教育·美术》2010年第08期
波点对于大家并不陌生,而真正掀起波点之潮的大师是一位日本前卫女艺术家——草间弥生。
从40年代起她就开始创作波点艺术画,以波点和蜘蛛网的无限延伸交织,创造出各式各样的装饰艺术,同时配合她最喜欢的南瓜宝宝,就算是线条简单,也绝对是潮流艺术之最。
除了画画,草间弥生还是一位雕塑家、作家、电影制片人以及时装设计师,风格一贯保持前卫,就连她自己的衣着打扮也称得上是一门前卫艺术。
关于草间弥生的创作机缘,要从她10岁的时候说起。
在那个年纪她患有神经性视听障碍,开始被大量的幻觉困扰,但也是拜这场疾病所赐,她看到的世界仿佛隔了一层网,它们像细胞或者分子,又或者是那些生命体的基本元素体。
也就是那个时候她开始画铅笔画,而脑中经常浮现的给她灵感的就是这些波点。
在她看来,所有的这些都来自于幻觉,地球也只不过是来自众多原点中的一个。
草间弥生的艺术就是改变这些原点的固有形式,在事物之间刻意地制造连续性,来营造一种无限延伸和具有动态感的空间。
这些点组成了一面巨大的捕捉网,仿佛诠释了草间弥生的
生命与思维现状。
从她的身上我们看到幻觉也是创造力的源头,而其所创造出的艺术会更具有
震撼力。
现在的波点艺术已经被生活化了,在公共场所以及衣、食、住、行中都能找到波点艺术的
影子,而这已然是一种生活艺术的享受!。
日本前卫艺术女王草间弥生——以“点”绘世界
关注 。 １ ９ ６ ６ 年（ ３ ７ 岁） ， 草间弥生 用灯泡和镜子创作出作 品 《 无限的爱》
（ Ｌ ｏ ｖ ｅ Ｆ ｏ ｒ ｅ ｖ ｅ ｒ ） ， 这个以反战为主题 的作品让她在 纽约艺 术界一举成
表现形式 对传统 艺术提 出挑战 ， 他们试 图消解艺 术与流行文化之 间的 名 。 在 纽约 期间 ， 草 间弥生不 仅在艺 术 上取得 了不凡的 成绩 ， 她 还积 界线 ， 开启了前卫艺术发展的新篇章 。 在纽约的这批 年轻的前卫艺术家 极参加 反战 活动 ， 期 间她 邂逅 了美 国著名当代 艺术 家约瑟 夫・ 康 奈尔
中， 有一位来 自日本 的奇女子， 她以 圆点为创作 母题 ， 镜子 是她 装置艺 术中最 常使用 的道 具 ， 她甚至以暴露 自己的身 体来实 践她 的行为艺 术，
（ Ｊ ｏ ｓ ｅ ｐ ｈ Ｃ ｏ ｒ ｎ ｅ ｌ ｌ ， １ ９ ０ ３ ～ １ ９ ７ ２ ） ， 两 人相依 生活直至１ ９ ７ ２ 年（ ４ ３ 岁） 康奈 尔离世 。 １ ９ ７ ３ 年 （ ４ ４ 岁） ， 经受不 住痛失爱 侣打击的草 间弥生远离 了纽
约艺术 家、 评论家和公众 的视野 ， 回到了日本。 １ ９ ７ ７ 年（ ４ ８ 岁） ， 草 间弥
生 自愿住进 了新 宿精神病 疗养院 ， 之后她 的作 品开 始逐渐 回到 绘画和 雕塑 上来 ， 布满 圆点的南瓜 系列作品是 她这一时期最 具特色 的代表作
品。 １ ９ ９ ３ 年（ ６ ４ 岁） ， 草 间弥生代 表日本参加威尼 斯双年 展， 日本政 府为
这就是后来闻名于世 的日本当代著名前卫艺术家 草间弥生 。 草 间弥生的 创作涉及前 卫的行为艺术 、 装置艺术 、 雕塑 及绘画艺术等 多方面领 域，
草间弥生的前卫人生
草间弥生戴着一系列耀眼的光环：可以与安迪·沃霍尔匹敌的波普艺术领袖、作为纽约前卫艺术先锋人物的亚洲女子、1966年独自代表日本参加威尼斯双年展……但这位被认为是最伟大的日本在世的艺术家的女人，却因作品中透露出的诡异气质和疯狂想法被贴上了一些另类的标签：“日本怪婆婆”、“精神病艺术家”、“话题女王”……而她的生活和行为方式更是如此：与世隔绝、语出惊人、在精神病院里生活了三十几年……起点：日本松本市草间弥生的生平颇具传奇色彩。
1929年，草间弥生出生在日本长野县松本市的一个富裕家庭。
但是，由于父亲的放荡生活和离家出走导致家庭分裂，母亲患上了歇斯底里症，这一切让草间弥生自幼形成了与众不同的孤僻性格。
从10岁起，她患上一种精神性视听障碍疾病，看到的世界都被波点笼罩。
“我看到的世界仿佛隔着一层圆点状的网，于是我开始尝试把这些斑点画下来。
”这样的体验成为其创作的最初元素，让她创作了大量以镜子、圆点花纹、生物触角和尖端为母体的超现实主义作品。
青年时草间弥生就读于日本长野县松元女子学校，毕业后到京都市立铜驼工艺美术高等学校主修日本画。
1951年，其绘画作品《彷徨的梦》入选日本第二届创作奖。
草间弥生说，她之所以痴迷于圆点和反复使用重复图像是因为她的精神疾病，而这样的精神疾病与艺术创作也几乎伴她一生。
在草间弥生看来，“地球也不过是百万个圆点中的一个”，而圆点就像细胞、分子一样构成整个世界，“圆点是来自宇宙的信号”。
因此，在艺术创作中，她刻意用这些圆点来改变物体固有的形式，在有限的空间里营造出无限延伸的视觉迷幻效果。
从马匹到人体，从衣服到云朵，从猫咪到混凝土，草间弥生的圆点遍布世间万物。
“波点拥有太阳的形状，这是世界和生活力量的象征；它也有着月亮的形状，这意味着宁静。
圆形、柔软、色彩斑斓、无知无觉、不可捉摸，波点成了一种运动。
波点是通往无限的方式”。
因为作品常常充斥着各种各样的圆点，而且几十年来一直不断重复，草间弥生被冠以“圆点女王”的名号，而这些圆点也几乎成了她的“注册商标”和留给世人最深的印记。
草间弥生·波点南瓜
作品欣赏
以本节课南瓜为主
关于南瓜
2.绘画构思
教学目标
绘画反思
波点艺术也是形式主义的一种 形式
1.通过视频和图片让孩子
主义的作品不需要太多的社会经验 直接 运用直觉和联想 像欣赏音乐一样去感受
们了解当代大师“草间弥 它的节奏和韵律以及形式带来的感受 这
4.范画分解
4.用记号笔画出中间部 分的南瓜，沿着分层线 中间大两边小依次画圆。 再用记号笔画出右上部 分的南瓜，沿着分层线 中间大两边小依次画圆。
4.范画分解
5.用白色油画棒在黑卡 上画线条。
4.范画分解
6.用双面胶将南瓜粘在 黑卡上，完成。
4.范画分解
其它范画
谢谢聆听
生”的生平及创作源泉。 主要看孩子的思维活动 。 孩子们本节课
2.让孩子们感受大师创作 虽然没有很清楚的记住“草间弥生”的
的“点艺术”给人的震撼 名字 但是都非常积极的参与了点的绘画
孩子们可以更深刻认识点
作品中大小点的规律掌握的很好 ，孩子 们在主体物外形比例和造型的把控需要
并对点有了新的认识和欣 老师协助调整 孩子们继续加油哦期待更
40 年前，亚洲女子草间弥生成为纽约前卫艺术的先锋人物， 影响力堪与波普艺术领袖安迪沃霍尔匹敌。30 多年前，她 回到东京，住进精神疗养院，销声匿迹。1993 年，她独自 代表日本参加威尼斯双年展，重出江湖，确立了自己在国际 艺术的地位。
国际上对草间弥生作品之认定——涵盖五十年来的水彩、拼 贴、绘画、雕塑、环境艺术及活动——是最近几年当代艺术 史上的事情。在长期被认为是精神异常的放逐者之后，草间 弥生现在被视为日本现存最伟大的艺术家。
基于符号视角学视域看草间弥生作品的艺术性
基于符号视角学视域看草间弥生作品的艺术性作者：***来源：《收藏与投资》2023年第12期摘要：本文通过符号学理论对草间弥生作品的圆点符号进行分析，探索她的人生经历来发掘圆点符号的来源。
她童年的经历对于她的艺术创作产生了很大的影响，这些都集中反映在她的作品之中，她通过艺术来表达自己对世界的热爱。
她因为圆点符号而闻名于世界，抽象的符号和醒目的颜色也让她成为时尚的宠儿。
因此，本文将从她的作品出发来分析作品背后的内在寓意。
关键词：符号学；圆点符号；草间弥生草间弥生作为当代艺术家，因其作品充满圆点符号而闻名于世，也被称为“波点女王”，圆点符号贯穿于她的作品中，从她画的第一张画开始就伴随至今。
她通过圆点符号的创作来表达自己对于这个世界的看法。
在她的世界里，圆点符号不仅是一个图形，还是来自宇宙和自然的信号。
因此，本文笔者将从符号学理论的视角对草间弥生的作品进行探析，去感受草间弥生的独特世界。
现代语言学家之父索绪尔曾经提出，语言学为符号学提供了基本模式，并提出符号的两种特性—“能指”和“所指”。
其中，“能指”指的是外在的表达形式以及客观的事物，“所指”指的是概念的、主观的内部世界，是文化信息的传播中介。
索绪尔曾多次强调符号的任意性，同一所指当人们在面对同一事物时会有不同的心理。
比如草间弥生的著名作品《波点南瓜》，可以作为一种非常重要的精神食粮，可以作为一种优美的艺术品，还可以作为圆点符号的一种象征。
与索绪尔二分法不同的是皮尔斯符号学的三分法，他用三元观点阐释了符号的传播过程。
皮尔斯将第一类命名为单一的符号、质的符号和法则的符号；第二类命名为图像、索引和象征；第三类命名为表位、命题符号和论证。
他强调“解释”即符号的含义，他在《皮尔斯：论符号》一书中提道：“符号的解释项就是符号所传达的所有事物，也即必须通过间接经验才能获得的与其对象相熟悉的那些东西。
”以草间弥生为代表的新型符号学研究者对符号进行了重新定义，草间弥生在《圆点女王，草间弥生》自传中提出：必须丧失自我的存在。
草间弥生
对于40多年前曾经让自己大红大紫 的报纸，草间弥生一直都在关注。她每 天都会认真地看报纸，往往是从政治部 分开始，这是保持了几十年的习惯。 “在日本生活很难，除了在精神疗养 院。”多年前的一次采访中，草间弥生 如是说。草间弥生曾经患有精神分裂症， 躺在床上会觉得天花板在旋转，强烈到 感觉眩晕，控制不住自己，接着就会很 沮丧、很焦急。如今，当她独处时，依 然有着相同的困扰。事实上，早在几十 年前，就有人提出，草间弥生是在利用 自己的精神问题炒作。时至今日，人们 对于她的精神状况依然不得而知，唯一 确定的是，她依然住在精神疗养院里。
在精神疗养院里，草间 弥生有一间私人卧室。即便 在深夜，从工作室回来之后， 她仍然可以在这里工作。写 小说，写诗，画设计图或一 些小画。在工作日，她会拨 通经纪人的电话，絮叨地描 述着自己前一天的状况，某 件作品最新的进展，甚至是 自己最喜欢的甜点——她比 较贪恋甜食。即便是精神状 况很好的时候，草间弥生还 是经常会忘记自己说过什么， 或者会重复已经说过的话， 对方已经完全习惯了这种的 方式，以至于通话时间有点 长。
视线所及之处全部是红色的圆点，由于长期的精神疾病，这种圆点幻 觉从小就与她相伴。我想她正是想用这一点来表达她的精神世界，是 一种成长历程的形体化。
无限网-永恒的爱 这幅装置艺术作品是利用灯光、镜子、水面，制造出一个似乎没有边界 的空间，让人有一种迷失在其中的冲击力。对它的第一印象就是无数的 点点星光，眩晕与神秘永远是它给人的视觉感受。传承草间一贯的风格。 我认为这算是她的艺术作品中独树一帜的佳作。
《一亿光年的星尘》 这副作品展现了她创作中招牌的又一「复制」的特色。当然 不可缺少的就是大量的圆点。
与LV的合作
与LV合作的服装系列，草间弥生的专属符号—波尔卡圆点，覆盖了整个 系列
草间弥生：圆点女王的世界
草间弥生：圆点女王的世界作者：By David Pilling来源：《新东方英语》2016年第03期如果你一定要问我从什么时候开始艺术创作的，我可以告诉你，那是在很小很小的时候。
我的一生，我活着的每一个日子，都与艺术相关。
要是人可以有来世，我还想再做艺术家。
无论生与死，艺术对于我来说就是一切。
——草间弥生（日本艺术家）Yayoi Kusama is 87 years old. But when she is wheeled in， on her blue polka-dotted wheelchair， she looks more like a baby， the sort you might see played by an adult in a British pantomime1）. Her face is large for a Japanese woman and at odds2） with her smallish frame. Apart from her intense， saucer-shaped eyes and the arc of deep red lipstick across her mouth， there is something masculine about her features. She wears a lurid red wig and a dress covered in polka dots. Coiled around her neck is a long red scarf decorated with black squiggles. When she is out of the spotlight， without her splashy red wig and garish outfits， she looks like a nice， grey-haired old lady. It is as if the patterns she has obsessively replicated since childhood have seeped off the canvas and into the three-dimensional world of flesh and blood.Kusama’s story begins in the conservative surroundings of rural Japan in 1929， where she was born in Matsumoto， Nagano prefecture3）， into a family of seedling merchants. One early photo， taken at the age of about 10， shows a serious， rather beautiful girl with short hair，holding an enormous bunch of chrysanthemums4）. So upstanding was her mother’s family， that her father， a philanderer5） who spent much of his time in the company of geisha6）， adopted the Kusama name as his own. At around the time the photograph was taken， Kusama was already producing pencil sketches featuring dots and a net-like motif. Even a portrait of her mother， whom she hated for her strictness and prudish7） values， is covered in dots as though she were suffering from chicken pox. “My parents were a real pain，” she says. “I couldn’t stand it. They were very conservative. My family had been running the business for 100 years. My parents had old customs and morals.”From early childhood Kusama experienced “visual and au ral hallucinations8）.” In her autobiography，she writes of her experience sitting among a bed of violets. “One day， I suddenly looked up to find that each and every violet had its own individual， human-like facial expression，and to my astonishment they we re all talking to me.” On other occasions，“suddenly things would be flashing and glittering all around me. So many different images leaped into my eyes that I was left dazzled and dumbfounded.” Whenever these hallucinations occurred， she would rush home and draw what she had seen.In 1948， after the war had ended， she began a formal course in Kyoto where she was instructed in Nihonga9）， a style of Japanese painting. She hated the rigidities of the master-disciple system where students were supposed to imbibe10） tradition through the sensei11）. “When I think of my life in Kyoto，” she says，“I feel like vomiting.”She began to absorb the influences of cubism and surrealism， gleaned from magazines. In these styles she was almost entirely self-taught. Her artwork started to attract attention in Japan， where she staged several exhibitions. Some time earlier she had discovered a book by Georgia O’Keeffe12） in a second-hand bookshop in Matsumoto. Something connected and she sent O’Keeffe a letter，enclosing several of her watercolours. To her astonishment，O’Keeffe wrote back with words of encouragement. It was the first of several letters the great American artist would send the “lowly Japanese girl.”In spite of O’Keeffe’s warnings that New York would be a tough place for a single Japanese woman，Kusama decided she belonged in the art scene of America’s greatest city. It was difficult to travel in those days. Japanese were restricted in the amount of foreign currency they could take out of the country， and Kusama had to sew bundles of notes into the lining of her clothes. Eventually， she made her way to New York， via Seattle， where she had persuaded one gallery to stage a small exhibition.Her first years in New York， where she was to spend more than 15 years， were financially and psychologically traumatic. Winters in her unheated apartment were so cold she stayed up all night painting. She called it a “living hell.” But it did not lack for excitement. Kusama， a frenetic experimenter， absorbed everything she could. Though she played on13） her exotic qualities as a Japanese woman， often wearing a kimono14）， she became very much an American artist. “America is really the country that raised me， and I owe what I have become to her，” she wr ote. Within a year she was ready to strike out on her own， telling a Japanese magazine，“I am planning to create a revolutionary work that will stun the New York art world.”The revolution came in the form of lace-like paintings that she called “infinity nets.” She filled huge canvases， sometimes more than 30ft-long， with endlessly repeated white loops of paint.Though it must not have looked that way at the time，the “infinity nets” were to become her defining creation.In 1966， heart problems now compounding her psychiatric afflictions， she went uninvited to the Venice Biennale15）. There， dressed in a golden kimono， she filled the lawn outside the Italian pavilion with 1，500 mirrored balls， which she offered for sale for 1，200 lire apiece. The authorities ordered her to stop，deeming it unacceptable to “sell art like hot dogs or ice cream cones.” Andrew Solomon16）， writing in Artforum many years later，said Kusama’s “lust for fame” had to be put into context. Comparing her to Andy Warhol17） he wrote，“It should not be forgotten that she was less readily accepted since she was a woman， and battling for ground in a foreign tongue，and living in a society recovering from aggressive wartime prejudice against Japan.”Around this time， she began to stage “naked happenings18）.” It was perhaps the height of her fame， but a low point in her reputation. Bands of Kusama followers， whom she recruited through newspaper advertisements， would descend on19） a public place such as the New York Stock Exchange. There they would disrobe and cavort20） around to the sound of bongo drums， while Kusama would daub polka dots on their naked bodies. Most of the happenings were quickly curtailed by the police. One of the events took place in the famous New York financial district. Kusama issued a press release in which she suggested， in capital letters naturally， that her aim was to “OBLITERATE WALL STREET MEN WITH POLKA DOTS.” In this， as in many things， she was ahead of her time.By 1973， depressed， broke and facing a media backlash after her five minutes of uber-fame，she returned forlorn to Japan. The reception was hostile. She knew no one and belonged to no Japanese art movement. “It must have been deeply humiliating for her to come back to Japan，” says Morris，the Tate curator. “She had a breakdown. She needed surgery. She had no money. It was burnout.”Kusama checked herself into the Seiwa Hospital for the Mentally Ill and eventually took up permanent residence. In the 1970s and 1980s she drifted into semi-obscurity， though she wrote poetry and fiction that won her a cult following in Japan. Only in 1989，when New York’s Center for International Contemporary Arts staged a retrospective was interest revived in her art. She became more active again， mounting several one-woman shows in the US. In 1993， she went to the Venice Biennale， this time officially， where she produced a mirrored room filled with the pumpkin sculptures that are now central to her repertoire21）. Today， her silver pumpkins fetch around half a million dollars each. Kusama’s revival gained even greater force in 1998 with a major exhibition at the Museum of Modern Art in New York. That was the same location where she had been stopped from staging an unauthorised protest 30 years before. Her career had come full circle.She does not want to be associated with other commercially successful Japanese artists， such as Yoshitomo Nara22） or Takashi Murakami23）. “Such Japanese art is categorised as kawaii culture，” she says. “I have never seen my art as kawaii like that. I don’t want to be seen as a Japanese artist. I just want to be able to explore my art freely in an international context.”These days Kusama’s biggest obsession is her legacy. When she was told about the pric e her silver pumpkins fetched， she nearly cried， not because of the financial gain but because of the recognition such large sums implied. Several times， often unprompted， she mentions the foundation she has established to spread her fame after she is gone. “I am always trying to transmit my own message to as many people as possible，” she says. “My main message is please stop war and live out the brilliance of life. I want to keep my profile as high as possible even after I have died.”草间弥生87岁了。
草间弥生绘画作品元素的表现性分析
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期对于性的畏惧，她通过对触手重复式地排列减小她心中的畏 惧。触手代表草间弥生和外界的接触是小心翼翼的，带有一定 的退缩性。触手象征着草间弥生的内心世界，这和她本人的恋 爱经历有关。草间弥生的作品《重复的视觉，菲勒斯船》是触手 元素表现的代表作。展厅中有一艘船是由生殖器组成的，像是 许多红细胞在人体的血液里前行。这幅画是草间弥生内心世界 和外界的连通，用来消除她对外在世界的恐惧。船上布满了触 手，处在一种漂泊的状态，像是草间弥生徘徊在现实和理想之 间，有一种迷茫的感觉。作品中的触手在常人看来比较露骨，草 间弥生正是通过复制这种让人害怕的东西，填平心中的恐惧。
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作品欣赏
关于南瓜Biblioteka 谢谢观看波点女王—草间弥生
人物简介
草间弥生（1929年3月22日－）被称为日本现存的经典 艺术家，出生于日本长野县松本市，在1956年移居美国纽约 市，并开始展露她占有领导地位的前卫艺术创作，现居住在 日本东京。她曾与当代卓越的艺术家如安迪-沃荷（Andy Warhol）、克勒斯-欧登柏格（Claes Oldenburg）、贾斯培 -琼斯（Jasper Johns）一起联展。 圆点和她的精神病一样，成为艺术家身上最深的印记。
不到10 岁时，草间弥生患有神经性视听障碍，经常出 现幻听、幻视。她所看到的世界，蒙着一个巨大的网，于是 她不停地画画，试着用重复的圆点把自己的幻觉表现出来— —精神疾病与艺术创作几乎伴她一生。 “有一天，我坐在椅子上看着红色桌布上的纹理、花色， 并开始寻找我的周围是不是还有同样的纹理，从窗户、墙壁、 天花板到房间的每一个角落，包括我的身体。在寻找过程中， 感觉自己被逐渐侵蚀、陨灭，时间与空间不停地旋转着，自 我变得微不足道。就在那一刹那间，我意识到这并非只是一 种幻觉，也是现实生活的一种存在，我被这真实的幻觉给吓 坏了，我对红色桌布和上面的纹理产生了强烈的恐惧……我 夺路而逃，台阶却在我脚下散落，我从台阶上摔了下来，手 和脚踝都跌伤了……” 在疗养院附近的工作室里，她完成了包括巨型南瓜在内 的数千件作品。
40 年前，亚洲女子草间弥生成为纽约前卫艺术的先锋人物， 影响力堪与波普艺术领袖安迪沃霍尔匹敌。30 多年前，她 回到东京，住进精神疗养院，销声匿迹。1993 年，她独自 代表日本参加威尼斯双年展，重出江湖，确立了自己在国际 艺术的地位。
国际上对草间弥生作品之认定——涵盖五十年来的水彩、拼 贴、绘画、雕塑、环境艺术及活动——是最近几年当代艺术 史上的事情。在长期被认为是精神异常的放逐者之后，草间 弥生现在被视为日本现存最伟大的艺术家。