日本动画制作流程揭秘.
怎么制作动漫视频
如今，动画制作不仅局限于acg行业，很多企业都会选择制作mg动画来强化自己的企业形象，更甚者，也有公司选择投身都动漫行业来强化自己的品牌形象，比如江小白高粱酒，制作了《我是江小白》这样的国漫佳品。
当然，不只是江小白，以前也有这样的先例，比如海尔也有经典之作《海尔兄弟》，其实不管mg动画也好，动漫acg也好，制作流程都大同小异，我们一起探究下动画的制作流程。
总所周知，日本的动画制作行业在现在可以说是在世界前列，他们已经做到了流水线式的生产动画，动画也是非常有保证的。
这两年日本的动画数量越来越多，还诞生了很多经典作品。
那么，日本的动画产业是怎么样的一个制作流程的呢？传统动画的制作过程可以分为总体规划、设计制作、具体创作和拍摄制作四个阶段，每一阶段又有若干个步骤，一般分为以下几个阶段：1、总体设计阶段（1）剧本创作任何影片生产的第一步都是创作剧本，但动画片的剧本与真人表演的故事片剧本有很大不同。
一般影片中的对话，对演员的表演是很重要的，而在动画影片中则应尽可能避免复杂的对话。
在这里最重要的是用画面动作表现内容，最好的动画是通过滑稽的动作取得的，其中没有对话，而是由视觉创作激发人们的想象。
剧本的选题很重要，它决定着作品的思想水平与社会意义的深度，在选择何种写作方式、表现手法、造型风格、表达一种什么感觉等等都要在定下选题之后才能明确。
因此我们要注重选题的工作，思路清晰结构明确。
（2）画面与分镜头台本根据剧本，导演要绘制出类似连环画的故事草图（分镜头画面台本），将剧本描述的动作表现出来。
分镜头台本有若干片段组成，每一片段由系列场景组成，一个场景一般被限定在某一地点和一组人物内，而场景又可以分为一系列被视为图片单位的镜头，由此构造出一部动画片的整体结构。
分镜头台本在绘制各个镜头时，作为其内容的动作、对白的时间、摄影指示、画面连接等都要有相应的说明。
一般30分钟的动画剧本，将要绘制约800个左右镜头的画面分镜头台本。
日本动画片制作过程
、策划、制作经费、动画前期一:脚本、动画前期二:导演的工作、动画前期三：分镜图和副导的工作、动画前期四：人物设计和人物设计师的工作、动画前期五：机械造型设计和背景设计的工作、动画前期六：色彩设计及色彩指定的工作、动画中期一：构图,原画和原画指导、动画中期二：动画师、动画中期三：着色上色人员、动画中期四：特效及特效人员、动画中期五：摄影及摄影效果、动画后期一：剪接、动画后期二:音响：配音及声优、动画后期三:音响：音乐，效果音及合成、试映,宣传,行销第一回：制前作业第一步的前一步普通在进行所谓的动画制作之前，常有一段为时不短(或有点痛苦)的「制前作业」(英文日文:准备段阶)。
制前作业是指要开始制作的准备工作.但是制前的前面呢?制前的前面是「策划」(日文:策划段阶)「策划」又分为两种。
第一种是在每一年度的策划会议里，动画公司的老板(英文, , 日文:社长, 策划)或有点伟大有点发言权的制作人看到一本颇有趣又出名的漫画或小说，觉得拍成动画应该会蛮赚钱的，于是就打电话给代理那本被相中的漫画或小说的代理商问问看是否拍成动画的权利已卖出,如果没有那就开始进行「有时长有时短有时痛苦有时快乐」的权利交涉。
如果您在动画的片头一开始看到「原作」这两个字大都是属于这类型。
另外一种是动画公司旗下的导演(英文,日文:监督)或动画家们觉得自己天马行空胡思乱想不画画不按时交稿作白日梦的结果拍成动画应该颇有趣的就自己开始写策划书然后交给老板过目。
幸运的，策划通过的话，就由老板或制作人四处奔波找金主...啊，不是，赞助商来一起响应伟大的策划。
如果您在动画的片头看到「原案」二字大都是属于这类型。
交涉成功或策划通过后让我们先谈原案企划通过的状况下动画公司的下一步骤。
动画公司基本上都没有独立制作动画作品(不管是或)的经费,因此动画公司想要作原案作品时最重要的是提出企划给赞助商(*)看他们有没有兴趣投资。
如果赞助商对动画公司提出的新作品企划没兴趣或认为此商品(*)没有市场价值,那么那企划不会再见天日。
日本动漫制作流程
常常可以见到分镜图师和副导为同一人物。理由很简单。因为图面的设计人(分镜图师)通常是最了解每一个镜头需要的效果和声优演技来衬托出作品魅力的人。所以分镜图师大多兼副导的工作。
副导演基本上分担导演的重担。不管是集数较少的OVA系列或是26集的电视动画系列,导演一个人要顾全所有的制作细节是不可能的事。因此每一部动画系列都设了副导的位子来管理每一集的动画制作。而导演多半负责重要的第一集及最后一集。副导的工作内容除了不负责制前的脚本,设计稿和制后的宣传活动之外,基本和导演相同。但由于导演是整个作品的总指挥,因此在副导负责每一集的制作之前,副导所画的分镜图还是要经过导演的同意后才能正式分派工作给原画师进行制作。
第五回:制前作业二:导演的工作(*1)
导演是整个动画制作群的领队。日本动画业界里没有一定的基准来评断做导演的资格。目前出名的导演们成为导演的过程都不相同,有些是从电影业界转行,有些是从动画师做起,也有些是脚本作家兼导演,也有些是一开始就从事导演工作。大致上来说.动画初期时代的导演大部分是从制作管理(*2)参予动画制作多年后升格做导演或电影业转行开始。但随着时代的迁移,目前大部分的动画导演都是由动画师开始做起。做导演的魅力在于可以自己决定作品的方向。但是由于导演决定一切,工作繁忙且作品的成败大任也在于导演身上。因此并不是每个参予动画制作的人最终目标在于做导演。而有心想要成为导演的人不管从什么工作开始,只要有心,成为导演并不是困难的事。
一般的动画公司都没有专属脚本作家,大部分是请自由身分作家(这些作家们有的是作 SOHO族,有的是和几位志同道合的作家成立工作室,如有名的Studio Orphy)来写稿。不雇用专属作家的原因是因为脚本并不是一年到头都需要的部门。所以只要在有需要的时候和脚本作家签项目契约即可。不过少数历史比较悠久的传统动画制作公司里仍然有专属脚本作家部门。
新海诚动画制作技术及流程试分析
新海诚动画制作技术及流程试分析新海诚是日本著名的动画导演和制作人，他以其独特的风格和细腻的情感描写而获得了广泛的赞誉和认可。
他的动画作品在技术和流程上有着一些独特的创新，下面我们将对新海诚动画制作技术及流程进行试分析。
首先，在技术方面，新海诚采用了混合动画的制作方法。
混合动画是一种结合了传统手绘动画和数字动画的方法，新海诚将这两种不同的技术相结合，创造出了独特的画面效果。
他使用传统的手绘技术来制作人物和背景，然后使用数字技术来添加一些特效和细节，使得画面更加具有层次感和真实感。
这种混合动画的制作方法，既保留了传统动画的魅力，又能够利用数字技术的优势，使画面更加精细和生动。
其次，在流程方面，新海诚注重细节和美感的表达。
他会亲自参与动画的每一个环节，从剧本创作、人物设计、背景绘制到动画制作等都会亲自操刀。
他要求每个环节都要做到精益求精，力求达到自己的要求和期待。
他会与团队成员密切合作，进行反复的讨论和修改，以确保每个细节都能够表达出自己的意图和情感。
这种对细节的关注和追求完美的精神使得他的作品在技术和艺术上都具有高度的水准和价值。
此外，新海诚在剧本创作和故事结构上也有一些独特的方法和思路。
他善于创造出真实的人物形象和情感，他的故事往往涉及到一些普遍的人类情感和命题，如爱、亲情、友情、成长等。
他通过细腻而真实的人物刻画和情感描写，使观众能够共情并思考这些问题。
此外，他的剧本结构也常常以非线性的方式呈现，通过时空错位和回溯等手法，使得故事更加有趣和引人入胜。
总结起来，新海诚的动画制作技术及流程在技术和艺术上都有着独特的创新和突破。
他的混合动画制作方法和对细节的关注，使得他的作品在画面表现上更加精细和真实。
他的剧本创作和故事结构也充满了独特的想象力和思考，给观众带来了不同寻常的视觉和情感体验。
新海诚不断推动动画制作的边界，通过自己的作品传递出了思考人类情感和价值观的深刻内涵。
日本的动画片的制作过程
下面是他的详细资料
·制前工作
「脚本」
第一个也是最重要的步骤是「脚本」。所有的人物设计,机械设计和美术设计及导演均要照着脚本来构图。因此在不管是什么样的企划,脚本在制作过程中占了相当重要的角色。
负责一部动画作品成败与否是制作人。因此,如果制作人对脚本有意见(不够吸引人..)脚本作家就要修改脚本。当然如果导演对脚本有意见而制作人也赞同导演的意见时,脚本的修改也是必然的。再者,虽然导演不同意初步脚本而制作人认为没有必要修改的话,脚本就不会被修改。
3. F.I./F.O.:人物淡出/淡入画面,镜头焦距的调整。
4. O.L:例如重迭A.B两格用淡出A淡入B(或相反)的手法转换画面
5. 震动效果:拍摄地震,爆发的震动时将每一格画稿小小的移动来拍摄震动效果。
背景设计师比起机械造型来历史相当悠久，早从黑白卡通草创时代开始就有专业的背景设计师。背景设计师基本上要画的「又好、又快、又美」。
[色彩设计及色彩指定的工作]
所有的人物造型及机械造型设计完之后，导演及造型设计师们必须和色彩设计师共同敲定人物的色彩(头发,各场合衣服或机器人外壳的颜色..等等)。色彩设计必须配合整篇作品的色调(背景及作品个性)来设计人物的颜色。色稿敲定之后由色彩指定人员来指定更详细的颜色种类。
目前大多使用计算机软件做摄影合成工作,计算机合成软件有很多种如Adobe AfterEffect, Discreet Inferno, RETAS!pro..等等。
在动画里可见到夕阳照在湖面的点点粼光,天空的星光,回忆镜头的淡出淡入,炸弹爆发时的震动...等都是在这个过程里完成。数字摄影下只要使用滤镜就可以达成许多效果。目前的摄影用词和摄影台时代没有不同只是少了真正的摄影相机而已。
日本动画制作流程
日本动画制作流程(下)动画后期第十四回动画后期一剪接在动画制作公司里加上殊效后或完成上色的影像材料通常会制作成一卷业务用录像带(*2)来交给影视制作公司(*3)使用剪接机材(*4)来制作成一卷按分镜图制作最后放映在电视或戏院之前的原版影片(*5)。
所有的剪辑材料事先由制作管理职员(*6)或其它方法交给影视制作公司,制作管理人另外和导演,副导和影视制作公司约好剪接的时间后进行剪接的工作。
理想的剪接情况为所有须上色及加上特殊效果的镜头都完工使得导演,副导及剪接职员可以按着分镜图进行剪接作业。
可是大部分的上色及殊效制作常无法在剪接作业进行之前完成,所以动画公司常以无上色前的黑白线画稿交给剪接公司。
上色完后再请影视制作公司替换线画稿(*7)。
话说回到剪接工作。
在剪接室(如上图(*8))里,副导(画分镜图的人)看着分镜图给予剪接人员指示。
如:「这里镜头时间剪短一点」、「这个镜头拉长一些」、「这个镜头好象摆在这里不太合适。
放到前面试试看」。
反复的观看和更换调整镜头的剪接作品原版工作往往要花上好几个钟头的时间。
基本上剪接步骤不管要花多少时间都要一次定稿。
原因是,如果影片原版不断的拉长截短地修正意即指录音或配音也要重录很多次不仅花时间也花钱。
剪接工作的重要性在于,不管如何精密的画好分镜图一部动画在没有剪接之前还是看不出来整部作品哪里不对。
而且,就算导演,副导演,动画指导在剪接之前再三检查分镜原稿,仍有疏失。
例如:虽然分镜图中看来A镜头后连B镜头起来很有魄力,但是剪接出来后可能效果不如B镜头放在A镜头前好。
或者剪接出来的影片超出规定时间长度时,须在剪接阶段决定将哪个镜头留下或割舍(*9)。
因此剪接在「最后检验」意味上对一部动画作品放映在电视或剧场前的步骤来说很重要。
剪接好的原版大约制成三种影带以便于之后的制后作业,这三种影带(*10)为1,音响作业用影带(*11)2,原版(*12)3,EDL数字资料(编辑资料)(*13)第一种顾名思义是交给音响公司进行之后会解释的配音,音效及合成用的影带。
动漫制作流程详解
动漫制作流程详解动漫（即日本动画）作为一种独特的艺术形式，受到了全球范围内的广泛关注和喜爱。
然而，很少有人真正了解动漫制作的复杂流程。
在本文中，我们将详细介绍动漫制作的整个过程，以便读者能够更好地理解这个行业并欣赏动漫作品背后的辛勤努力。
1. 剧本创作动漫制作的第一步是剧本创作。
这一阶段的目标是确定故事情节、角色设定和剧情发展。
编剧们通常会以文字形式撰写剧本，并通过对话和场景描述来展示故事的发展。
他们需要考虑到观众的喜好、市场需求以及动漫的风格和主题。
2. 分镜脚本一旦剧本完成，接下来就是分镜脚本的制作。
分镜脚本是一种将剧本转化为图像的工具。
它将每个场景分解成一系列的画面，并提供了每个画面的描述和动作指示。
分镜脚本的编写需要考虑到镜头的选择、画面的构图以及角色的动作和表情。
3. 角色设计在分镜脚本完成后，动漫制作团队将开始进行角色设计。
角色设计师根据剧本和分镜脚本中的描述来创造出动漫中的各个角色形象。
他们需要考虑到角色的外貌特征、服装风格和个性特点，以便能够准确地传达角色的形象和情感。
4. 色彩设计色彩设计是动漫制作中非常重要的一环。
色彩设计师根据剧本和角色设计来确定每个场景和角色的色彩搭配。
他们需要考虑到场景的氛围、角色的个性以及整体的视觉效果。
通过合理的色彩运用，可以增强动漫作品的表现力和吸引力。
5. 动画制作动画制作是整个流程中最为复杂和耗时的一部分。
动画师们根据分镜脚本和角色设计来制作动画画面。
他们需要绘制每一帧的关键画面，并通过连续播放这些画面来实现动画的效果。
动画师们还需要注意到角色的动作流畅性、场景的细节以及特效的运用。
6. 配音和音效配音和音效是动漫制作中不可或缺的一部分。
配音演员们根据角色的形象和个性来为动画角色配音，以便能够准确地表达角色的情感和台词。
音效师们则负责为动画中的各种声音效果进行录制和编辑，以增强观众的听觉体验。
7. 后期制作在动画制作完成后，还需要进行后期制作工作。
新海诚动画制作技术及流程试分析
新海诚动画制作技术及流程试分析
新海诚是日本著名动画导演，以他独特的制作技术和风格著称于世。
他的动画作品以优美的画面、细腻的情感和复杂的故事情节而闻名，赢得
了广大观众的喜爱和追捧。
在本文中，我将对新海诚动画的制作技术和流
程进行详细的分析。
首先，新海诚动画制作的基础是绘画。
他注重每个画面的细节和表现力，通过精湛的绘画技巧展现出丰富的色彩、光影和质感，使得动画画面
更加真实感人。
为了达到这样的效果，他的制作团队通常会用大量的时间
来进行绘制和润色。
他们用水彩和油画的技法来表达出每个场景的独特之美，使得观众能够沉浸在一个个绚丽多彩的世界中。
其次，新海诚动画制作的另一个重要技术是摄影。
他善于利用摄影的
角度和镜头运动来增加画面的层次感和视觉冲击力。
在他的作品中，镜头
常常会在不同的角度和距离之间切换，使得观众能够感受到场景的真实感
和立体感。
而且，他还运用了一些特殊的摄影技术，如快速切换和慢动作，来表现出剧情中的紧张和激烈。
这些技术的运用不仅提高了动画的艺术性，还增加了观众的观赏体验。
总的来说，新海诚动画制作的技术和流程非常复杂和精细。
他注重每
个细节的表现和细致的推敲，力求向观众传达出深刻的情感和思考。
通过
精湛的绘画和摄影技术，他创造了一个个充满魔力和感动的动画世界。
而且，他严谨而细致的制作流程也为他的作品赋予了更加丰富和独特的魅力。
正是因为如此，新海诚的动画作品才能够深深触动人心，成为经典中的经典。
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日本动画制作流程揭秘--动画前期第一回制前作业第一步的前一步普通在进行所谓的动画制作之前，常有一段为时不短(或有点痛苦)的「制前作业」(英文: Pre-Production 日文:准备段阶)。
制前作业是指要开始制作的准备工作.但是制前的前面呢?制前的前面是「策划」(日文:策划段阶)「策划」又分为两种。
第一种是在每一年度的策划会议里，动画公司的老板(英文: boss, excutive producer, 日文:社长, 策划)或有点伟大有点发言权的制作人看到一本颇有趣又出名的漫画或小说，觉得拍成动画应该会蛮赚钱的，于是就打电话给代理那本被相中的漫画或小说的代理商问问看是否拍成动画的权利已卖出,如果没有那就开始进行「有时长有时短有时痛苦有时快乐」的权利交涉。
如果您在动画的片头一开始看到「原作」这两个字大都是属于这类型。
另外一种是动画公司旗下的导演(英文: Director,日文:监督)或动画家们觉得自己天马行空胡思乱想不画画不按时交稿作白日梦的结果拍成动画应该颇有趣的就自己开始写策划书然后交给老板过目。
幸运的，策划通过的话，就由老板或制作人四处奔波找金主...啊，不是，赞助商来一起响应伟大的策划。
如果您在动画的片头看到「原案」二字大都是属于这类型。
交涉成功或策划通过后让我们先谈原案企划通过的状况下动画公司的下一步骤。
动画公司基本上都没有独立制作动画作品(不管是TV或OVA)的经费,因此动画公司想要作原案作品时最重要的是提出企划给赞助商(*1)看他们有没有兴趣投资。
如果赞助商对动画公司提出的新作品企划没兴趣或认为此商品(*2)没有市场价值,那么那企划100%不会再见天日。
相较于原案,原作(*3)的动画企划通常会比较容易通过赞助商那一关。
因为原作基本上已有固定的顾客群(*4),赞助商们比较有心理上的保障而愿意投资将原作改编成动画而由贩卖相关产品来回收投资。
那么企划以什么样的形式提出给赞助商呢?以美国的制作公司来说,他们会先制作Pilot Film。
所谓Pilot Film是指作品的精华短片,那是提出给赞助商说服他们投资时的主要利器。
但是在日本,动画公司通常没有制作Pilot Film的经费往往是以纸张形式的企划书或脚本呈交给赞助商。
因此在制前作业之前可能脚本就已经完成了。
因为越让赞助商了解原案作品的"有趣之处"就越能打动赞助商的心而得到制作经费。
第二回如何计算制作经费理论上的计算程序很简单。
假设某一家影视公司估计一部动画作品(指一部30分钟的DVD)可卖1,000套,再假设一张DVD卖4,000日币,1000套x ¥4000 = ¥4,000,000那4百万日币就是制作经费。
分给各制作部门的经费通通包含在这4百万日币中。
例如我们之后会介绍的动画导演,人物造型设计师,分镜图人员,主镜动画师,基层动画师,音乐设计,色稿人员,编辑人员,包装设计...等等等等。
这样说来,计算经费好象很简单。
但是实际上,如何估计一部动画作品可销售多少套那就要靠影视公司制作人的销售经验,动画导演的知名度,人物造型设计师设计人物的魅力和声优的热门程度。
这些人为因素使得估计制作经费成为一件不是简单的事。
例如某有名的导演导的动画电影每一部都成为日本电影票房纪录还会在国际影展中得奖,那幺赞助商给他的制作经费就会高出其它作品很多。
制作经费充裕之下他就可以多加镜头的张数,请较有名的声优(或演员)和音乐制作群来提高商品的知名度和宣传效果。
如果是一位没有「业绩」的新人,那幺经费就可能比较少了。
因为影视公司没有比较的基准(新人的业绩)所以对这新企划的投资会比较谨慎。
第三回动画前期一:脚本从左边的分析图来看,我们已大致在前几回说明了制前作业之前几个重要的步骤。
从这一回开始,我们将要开始逐一说明制前作业的流程。
如图可见,第一个也是最重要的步骤是「脚本」。
所有的人物设计(*2),机械设计(*3)和美术设计(*4)及导演均要照着脚本来构图。
因此在不管是什么样的企划,脚本在制作过程中占了相当重要的角色。
我们在第二回中提过脚本可能在企划案阶段就已经完成。
那样的情况下,企划通过后脚本是否再度修正呢? 这要看制作人和导演的意见。
在左边的图中可见到制作人(*5)三个大字。
负责一部动画作品成败与否是制作人。
因此,如果制作人对脚本有意见(不够吸引人..)脚本作家(*6)就要修改脚本。
当然如果导演对脚本有意见而制作人也赞同导演的意见时,脚本的修改也是必然的。
再者,虽然导演不同意初步脚本而制作人认为没有必要修改的话,脚本就不会被修改。
一般的动画公司都没有专属脚本作家,大部分是请自由身分作家(这些作家们有的是作SOHO族,有的是和几位志同道合的作家成立工作室,如有名的Studio Orphy)来写稿。
不雇用专属作家的原因是因为脚本并不是一年到头都需要的部门。
所以只要在有需要的时候和脚本作家签项目契约即可。
不过少数历史比较悠久的传统动画制作公司里仍然有专属脚本作家部门。
脚本的写作并不是一件简单的事。
不同于小说的是所有的人物动作及感情都需要以旁观者的身分详细描述,例如一个角色很生气, 由于每一个人生气的方法不同所以不仅要描述他如何生气也要非常详细地描述他的动作来说明角色的个性和特征(例如:太郎火冒三丈=太郎握紧了拳头,眼睛咪成一条线,额头的汗如何如何的滴下,头上的火如何冒三丈...)。
脚本特殊的写作方式使得一位小说家有时并不能成为好的脚本作家。
而好的脚本作家也不多见。
第四回动画前期二:导演的工作导演是整个动画制作群的领队。
日本动画业界里没有一定的基准来评断做导演的资格。
目前出名的导演们成为导演的过程都不相同,有些是从电影业界转行,有些是从动画师做起,也有些是脚本作家兼导演,也有些是一开始就从事导演工作。
大致上来说.动画初期时代的导演大部分是从制作管理(*2)参予动画制作多年后升格做导演或电影业转行开始。
但随着时代的迁移,目前大部分的动画导演都是由动画师开始做起。
做导演的魅力在于可以自己决定作品的方向。
但是由于导演决定一切,工作繁忙且作品的成败大任也在于导演身上。
因此并不是每个参予动画制作的人最终目标在于做导演。
而有心想要成为导演的人不管从什么工作开始,只要有心,成为导演并不是困难的事。
以下为导演们实际工作的大略内容:1、制前作业:* 和脚本作家及制作人敲定脚本* 分别和人物造型设计师、机械造型设计师、美术设计师开会将各设计案定稿*制作分镜图(*3)(有时是副导演制作)2、制作过程中要和副导演(*4)们谈每一集的制作方向3、制后作业:* 和剪接师编辑影片* 指导声优们及音响导演制作出理想的效果* 影像及音效合成。
4、参予所有的宣传活动第五回动画前期三：分镜图和副导的工作以下为日本的分镜图(欧美多为横向的表格,您可以在美国的Cartoon Network网站中的Studio Tour的「Animation」项目中略知一二)。
分镜图简单的来说是「以图像呈现的脚本」。
画分镜图的时间靠制作日程表的不同而有长有短。
平均26分钟动画的分镜图要花3个星期完成。
分镜图不需要很正确的将人物造型画出来,只要能让之后的工作人员看的懂就可以了。
尽管如此,分镜图师还是需要事先练习每一部作品人物造型和了解作品的特色才让原画师(*3)靠着分镜图正确的画出每一集副导演所需的镜头。
常常可以见到分镜图师和副导为同一人物。
理由很简单。
因为图面的设计人(分镜图师)通常是最了解每一个镜头需要的效果和声优演技来衬托出作品魅力的人。
所以分镜图师大多兼副导的工作。
副导演基本上分担导演的重担。
不管是集数较少的OVA系列或是26集的电视动画系列,导演一个人要顾全所有的制作细节是不可能的事。
因此每一部动画系列都设了副导的位子来管理每一集的动画制作。
而导演多半负责重要的第一集及最后一集。
副导的工作内容除了不负责制前的脚本,设计稿和制后的宣传活动之外,基本和导演相同。
但由于导演是整个作品的总指挥,因此在副导负责每一集的制作之前,副导所画的分镜图还是要经过导演的同意后才能正式分派工作给原画师进行制作。
第六回动画前期四：人物设计和人物设计师的工作动画制作是一个需要密切配合的团体活动。
因此一部好作品除了有好的脚本,经验丰富的导演,当然,具有魅力的人物造型是使作品更吸引人的重要因素。
在本单元的第一回我们曾解说过动画作品有两种-原作及原案。
人物造型的设计也因此而有不同。
将原作漫画改编成动画时,因为人物及服饰已经定型,所以并不需要再多加设计。
可是为什么每一原作动画还是标明了「原作人物设计」及「动画人物设计师」呢? 第一,漫画是静态的作品,因为格数少所以人物的线条及服饰可以复杂来加深作品的美感及印象。
但是制作动画时,如忠于原作人物的线条会使作画的时间加长而延长制作时间(及更多的经费),所以需要将原作人物的线条简化。
第二,漫画人物因为不必着色,所以不必将每一线条连结。
但是动画需要着色,所以必须改良原作人物造型将所有的线条连结以便着色人员(*3)上色。
第三,有一些原作漫画人物造型并不适用于动画作品。
为了制作效率,着色上及动画造型上的理由,原作动画需要另外聘用动画人物设计师。
原案动画的人物设计是比较需要创意及困难的工作。
原案人物的设计案在交给人物设计师设计时都只是文字及导演口头上的指令(*4)。
所以设计师只有靠脚本及自己绘图的能力来凭空设计出能够衬托出作品故事魅力并令人印象深刻的人物。
此外还要考虑到制作效率的问题而不能画出线条太复杂的人物。
因此,就算资深的造型设计师也有可能花一段时间(*5)才能定稿。
制前作业的人物设计完成后的人物设计图(请参考「冥王计划」网站里所列出的人物造型设计)。
将分发给原画师来进行每一个镜头的制图作业。
一个人物的设计图分为三种:服饰设计图,脸部表情设计图及局部装饰设计图。
所有的设计通常分为正面,侧面,背面,及特殊表情(生气,悲伤或微笑等等)以便原画师仿真。
如何成为人物设计师呢?根据AIC的资深设计师们的说法：「很简单啊。
一直练习一直画就可以了!」...嗯...事实上不是那么简单。
同样的一个人物,每一个人画出来的风格都不同,有些吸引人,有些就看来平淡无奇。
实在要如同他们所说的需要一直练习和磨练才能显出不同的风格。
而且光是女性角色或只有动物画的很好并不一定能作为动画人物设计师。
人物设计师的重要条件是要能广泛的画好作品指定的每一种人物,也就是说设计师的绘画能力要很有弹性的能应付每一个作品的要求。
如果能充分应付制作公司的要求,再加上自己设计的原创人物够吸引人,就能成为众所瞩目的动画人物设计师。
人物设计师们需要的工具可以由上的照片看出。
制图桌,铅笔,橡皮擦和一叠白纸是最基本的配备(有点废话...^_^;)。
另外镜子是必需配备,因为人物的动作及部位有时需要看镜子里的自己来素描。