文化创意论文：文学创新对艺术教导的作用
文化创新议论文
文化创新议论文文化创新——创造性的力量近几年，文化创新已成为社会发展中的热点话题。
文化创新不仅可以促进文化产业的发展，也可以对整个社会带来积极的影响。
然而，什么是文化创新？为什么文化创新如此重要？本文将探讨这些问题，并论述文化创新对社会发展的意义。
首先，文化创新是指通过创造性的方式，推动文化领域的发展和变革。
传统的文化，虽然在维护社会稳定和团结方面发挥着重要的作用，但也存在着僵化和保守的问题。
通过引入创新元素，使文化更加活跃和具有吸引力，有助于激发人们的创造潜能，推动社会的进步和发展。
其次，文化创新对社会发展具有重要意义。
首先，文化创新可以促进文化产业的发展。
文化产业是现代经济的重要组成部分，包括电影、音乐、文学、艺术等领域。
文化创新可以推动文化产业的创新，创造更多的就业机会，提高经济效益。
其次，文化创新可以丰富人们的精神生活。
现代社会快节奏的生活，人们往往感到压力和焦虑。
文化创新可以为人们提供一个放松心灵、增加乐趣的空间，满足人们的精神需求。
再次，文化创新可以促进国际间的文化交流。
各国文化的交流和融合有助于增进国际间的理解和友谊，推动世界和平与发展。
然而，文化创新并非易事。
文化是民族和个人长期以来形成的，具有深厚的历史和传统。
文化创新需要打破传统观念的束缚，引入新的理念和思维方式。
同时，文化创新需要有创造性的人才和良好的创新环境。
政府和社会应该积极推动文化创新，为创新者提供更多的支持和机会。
综上所述，文化创新是推动社会发展和进步的重要力量。
通过文化创新，我们可以激发人们的创造潜能，推动文化产业的发展，丰富人们的精神生活，促进国际文化交流。
虽然文化创新面临许多困难和挑战，但只要我们付出努力，相信文化创新必将成为社会发展中的一股强大的动力。
艺术与文学的结合
艺术与文学的结合在人类文明的历史长河中，艺术与文学一直以来都扮演着重要的角色。
两者互相渗透、相互借鉴，在各个时期和文化中形成了独特而丰富的结合关系。
艺术与文学的结合不仅丰富了人们的审美体验，也为社会发展和个体心灵带来了深远的影响。
首先，艺术与文学的结合在历史长河中产生了众多经典之作。
众所周知，文学作品往往借助笔墨描绘人物、事件和场景，通过文字的力量激发读者的思考和感受。
然而，艺术形式的引入为文学作品注入了更加丰富的内涵和表达方式。
例如，文艺复兴时期的名画《蒙娜丽莎》成为了列奥纳多·达·芬奇诗意和心灵表达的载体，将艺术与文学有机地结合在一起，使得作品更加深入人心。
类似的例子还有很多，例如莎士比亚的戏剧作品借助舞台表演和音乐的配合，使得人物形象更加饱满立体，故事情节更加动人。
其次，艺术与文学的结合也在推动着创新和变革。
当不同的艺术形式和文学形式相互融合时，新的艺术风格和文学流派就会应运而生。
这种创新与变革的力量推动着文化的发展和进步。
例如，20世纪初期，达达主义运动在欧洲艺术界掀起了一股风潮。
通过结合文学与视觉艺术，达达主义推翻了传统的艺术规则与文学结构，为现代主义的崛起铺平了道路。
类似的例子还有象征主义和超现实主义等艺术派别，它们的出现与发展离不开与文学的结合。
艺术与文学的结合也深刻地影响着社会。
艺术和文学作品往往承载了历史的记忆和思想的传递。
通过表现艺术家和作家自身对现实的思考和观察，艺术与文学之结合成为了一种反映社会问题的媒介。
例如，德国画家卡夫卡通过其小说作品《城堡》，揭示了权力对个体的消解，呈现了当时社会的压抑和局限。
这种透过艺术与文学对社会进行批判的方式不仅开辟了思想的空间，也为人们带来了对社会的思考和反思。
最后，艺术与文学的结合在促进个体的内心世界的培养和拓展中发挥着重要作用。
人们常常通过欣赏艺术作品和阅读文学作品来寻找情感的共鸣和心灵的抚慰。
艺术作品通过独特的表现方式激发了人们的感情，而文学作品通过文字的力量引导人们深入思考和体味。
文化创新的作用和意义
文化创新的作用和意义1. 文化创新的概念说到文化创新，很多人可能会想，“这是什么高大上的东西呀？”其实，文化创新就像是给传统文化加了点调料，让它更加美味可口。
就像妈妈做饭，有时候她会加点新鲜的配料，让老菜焕然一新。
文化创新也是如此，它是传统与现代、地方与全球之间的碰撞与交融，给我们的文化生活带来新的活力。
1.1 文化创新的表现形式文化创新的表现形式可多了去了，咱们身边随处可见。
比如，年轻人在音乐上玩得特别开，流行的嘻哈、电子乐等等，都是在老祖宗的基础上加了新元素，搞出了新花样。
此外，电影、文学、艺术等领域，也在不断探索新的表现手法。
像是一些新兴的短视频平台，正是把传统故事通过现代化的方式重新讲述，让更多人喜欢。
试想一下，如果没有这些创新，咱们的生活多无趣啊！1.2 文化创新的必要性文化创新绝对不是“可有可无”的选择，而是“不可或缺”的需要。
随着时代的发展，大家的口味和需求也在不断变化。
你想啊，如果咱们一直吃同样的东西，肯定会腻得慌！文化也是如此，创新能让文化适应时代的变迁，吸引更多的人参与其中。
就像老话说的，“不进则退”，在这个快速变化的社会里，只有不断创新，才能保持文化的生命力。
2. 文化创新的积极作用接下来，我们聊聊文化创新给我们带来的好处。
首先，文化创新能推动社会进步。
它不仅仅是简单的表面变化，更是思维方式的革新。
就像是打开了一扇窗，大家的视野一下子就宽广了。
不同的文化背景交汇，思想碰撞，能激发出无数的新想法和新观念。
2.1 促进经济发展其次，文化创新对经济的推动作用也是不容小觑的。
你想想，像是各种文创产品、文化旅游项目，都是文化创新带来的商机。
比如，故宫博物院通过文创产品吸引了无数游客和消费者，既传承了文化，又促进了经济。
这就像是“文化+经济”的完美组合，让人们在享受文化的同时，也能为经济贡献一份力量。
2.2 增强民族自信再者，文化创新还能增强民族自信。
我们都知道，文化是一个民族的灵魂。
文艺创新2000字作文
文艺创新2000字作文创新是文艺发展的生命线，创新也是历史文脉的延伸，应立足传统、遵从正确价值导向，充分考虑并努力引领人民群众审美。
文艺工作者只有时刻抱持这样的自觉意识，才有可能拿出真正创新之作，文艺创新才能真正成为推动社会向前发展的健康力量。
创新是文学艺术发展的巨大动力。
即使是表演艺术各领域保留剧目的传承与重新演出，也同样需要对经典的创造性理解，需要表演者的创造性演绎。
需要厘清的是，不是一切文艺演变都是创新，真正有意义和有价值的创新是深度创新，它建基于三个重要前提。
善用传统积累继承历史文脉文艺创新是否有意义和价值，需看这样的创新行为和结果与文化脉络之间的关系。
那些真正推动文艺发展的创新性艺术活动，都不是突发奇想的向壁虚构，都必然是历史文脉的延展。
人类文明之所以能够实现突破性飞跃，既依赖大量新思想与新技术的涌现，也因为这些新思想与新技术，正是对前人思想结晶与技术发明的丰富、完善和推进。
历代先贤的创造经由新思想与新技术转化成为新的文化资源，进而得到传递。
文学艺术领域更是如此。
历史上那些文学艺术大师，无不对传统拥有深切认识和深刻把握，进而创作出伟大作品。
我们知道京剧大师杨小楼深刻领悟并继承其义父谭鑫培、师傅俞菊笙和父亲杨月楼的艺术，但容易忽视梅兰芳童年时期刻苦学艺、成名后仍敦请名家学习昆曲经典的经历，而这正是梅兰芳日后成为大家的关键。
许多京剧舞台上的名家同样如此，谭元寿、尚长荣、刘长瑜等表演艺术家深厚的传统功底，为同时期京剧演员所赞叹。
即使现代派名家也不例外：以抽象艺术著称的毕加索素描表现出令人惊叹的写实功力，意识流小说《尤利西斯》则反映出乔伊斯对古希腊经典烂熟于心。
可以说，无论哪个民族、时代的文艺家，善用传统积累都是文艺高峰得以出现的重要前提。
只有深刻理解与把握前人经典基础之上的创新，才是真正推动文艺事业向正确方向前行的内在动力。
文化是一条持续不断且永不停顿的河流，文学艺术必须从传统基石出发，因为人类对文艺的认知与接受，需要心理和情感的积淀。
对文学艺术的创新征文
对文学艺术的创新征文文学艺术的创新征文文学艺术作为人类创造力的表达形式之一，一直以来都扮演着重要的角色。
随着时间的推移和社会的发展，文学艺术也在不断演变和创新。
本文将探讨文学艺术的创新，并分析其对社会和个体的影响。
首先，文学艺术的创新在很大程度上受到时代背景和社会变革的影响。
在不同的历史时期，文学艺术的形式和内容都发生了巨大的变化。
例如，在现代主义运动中，文学家们通过采用流派独特的写作风格和技巧，突破了传统文学的界限，展现了新的审美观念和思维方式。
这种创新不仅推动了文学艺术的发展，也对社会产生了深远的影响。
其次，文学艺术的创新对社会的发展起到了积极的推动作用。
创新的文学作品能够引起社会的关注和思考，激发人们的想象力和创造力。
例如，近年来兴起的网络文学，通过其独特的形式和内容，吸引了大量的读者和创作者。
网络文学的出现不仅满足了人们多样化的阅读需求，也为更多的人提供了展示才华的平台。
这种创新形式的文学艺术不仅使文学更加普及，也为社会的文化发展注入了新的活力。
此外，文学艺术的创新对个体的成长和发展也具有重要意义。
创新的文学作品能够触动人们的内心世界，激发他们对生活的思考和感悟。
通过阅读和创作创新的文学作品，个体可以更好地理解自己和他人，拓宽自己的思维和视野。
文学艺术的创新还能够培养个体的审美情趣和文化素养，提高他们的情感表达和沟通能力。
因此，文学艺术的创新对个体的成长和发展具有重要的积极影响。
总的来说，文学艺术的创新是社会进步和个体成长的重要推动力量。
通过创新，文学艺术能够不断适应时代的需求和变化，为社会和个体带来新的思考和体验。
因此，我们应该鼓励和支持文学艺术的创新，为创作者提供更多的创作空间和机会，让文学艺术在不断创新中绽放出更加耀眼的光芒。
综上所述，文学艺术的创新对社会和个体都具有重要的意义。
通过创新，文学艺术能够不断发展和进步，为社会带来新的思想和观念，为个体提供成长和启迪。
我们应该珍视和推崇文学艺术的创新，为其提供更好的发展环境和条件，让文学艺术在创新中不断繁荣。
创新文化在教育领域的作用
创新文化在教育领域的作用教育一直被视为培养人才、推动社会进步的重要手段，而创新文化则被认为是激发创新力、培养创造性思维的关键。
在当今高度竞争的社会环境中，创新文化在教育领域的作用日益凸显。
本文将探讨创新文化对教育的积极影响，并分析如何利用创新文化来推动教育改革和发展。
一、创新文化激发学生的创新潜能创新文化注重培养个体的创新精神和创造性思维，鼓励学生敢于尝试新思路、新方法，并推崇开放、包容的学习环境。
在这样的文化氛围下，学生能够放开束缚，发挥个性的优势，挖掘自身的潜能。
例如，学生在参与课堂讨论时，可以自由发表观点，勇于表达自己的见解，从而培养了批判性思维和创造性思维。
二、创新文化激发教师的创新能力教师是教育中的重要角色，他们的教学水平和创新能力直接关系到教育质量的提升。
创新文化为教师提供了创造性的工作环境，使他们能够不断尝试新教学方法、新教育技术，并充分发挥个人的智慧和创意。
通过创新文化的引领，教师能够以更加灵活和富有创意的方式传授知识，激发学生的学习兴趣，同时也不断提升自身的教学能力。
三、创新文化促进教育改革和发展教育改革旨在提高教育的质量和效益，而创新文化则为教育改革提供了理论指导和实践支持。
创新文化倡导教育改革的跨学科、综合性和创新性，通过引入新的教育理念和方法，推动教育的质量和效率的提升。
例如，创新文化可以引领学校进行课程改革，设计更加符合学生需求和社会发展需求的课程体系；创新文化也可以促进教育科技的发展，利用先进的技术手段改善教学方式，提升教育服务的品质。
四、创新文化培养学生的终身学习能力随着社会的快速发展与变化，学习已经成为一个终身的过程。
创新文化通过培养学生的创新思维和学习能力，使其具备持续学习的动力和能力。
创新文化注重培养学生的主动性和探索精神，引导他们自主学习和合作学习。
在这样的学习氛围下，学生能够不断寻找问题和解决问题的方法，并适应不同领域的学习需求，具备自主学习和适应未来发展的能力。
文学作品中的艺术创新
文学作品中的艺术创新文学作品是人类创作的一种艺术形式，通过语言来表达思想、情感和体验。
在文学作品中，艺术创新是不可或缺的，它使作品更加生动、有趣，并且能够引发读者的思考和共鸣。
本文将探讨文学作品中的艺术创新，以及它对作品的影响和意义。
首先，文学作品中的艺术创新体现在创作手法上。
作家们常常通过运用不同的叙事方式、结构安排和语言技巧来创新他们的作品。
例如，法国作家马塞尔·普鲁斯特在他的长篇小说《追忆似水年华》中采用了内心独白的叙事方式，以第一人称的视角来描写主人公的内心世界。
这种创新的叙事方式使读者能够深入了解主人公的思想和感受，增强了作品的感染力和可读性。
其次，艺术创新还体现在题材和主题的选择上。
作家们常常选择一些独特或者前所未有的题材和主题来创作他们的作品。
例如，美国作家托尼·莫里森的小说《宠儿》以黑人女性的经历为主题，探讨了种族、性别和身份认同等重要议题。
这种对边缘群体的关注和呈现是文学作品中的一种艺术创新，它使作品更具社会意义和审美价值。
此外，艺术创新还可以体现在文学作品的结构和形式上。
作家们常常尝试使用不同的结构和形式来呈现他们的作品。
例如，哥伦比亚作家加夫列尔·加西亚·马尔克斯的小说《百年孤独》采用了非线性的时间结构和魔幻现实主义的叙事方式，使作品具有了神秘和奇幻的色彩。
这种结构和形式的创新使作品更加引人入胜，读者可以在阅读中体验到一种独特的审美享受。
艺术创新对文学作品的影响是多方面的。
首先，它使作品更加生动有趣。
通过创新的叙事方式、题材和结构，作家们能够打破传统的框架，给作品注入新鲜的活力和魅力，使读者更加愿意投入其中，产生共鸣和情感共振。
其次，艺术创新使作品更具思想深度和艺术价值。
通过创新的手法和主题选择，作家们能够探索和呈现更广泛的人类经验和社会现象，引发读者对人生、社会和文化的反思。
这种思想深度和艺术价值使作品超越了单纯的娱乐功能，成为一种具有思想性和审美性的艺术品。
论创新在文学创作中的应用与表现
论创新在文学创作中的应用与表现文学创作是一门艺术，是人文领域中的经典之一。
随着社会的发展，文学创作也在不断地创新和变革。
其中，创新在文学创作中扮演着重要的角色，推动着文学艺术的发展。
本文将从创新的角度出发，探讨创新在文学创作中的应用与表现。
首先，创新在文学创作中的应用是多方面的。
一种常见的方式是变换表达方式。
比如，在现代文学中，诗歌已经不再限于韵律和格式。
自由诗、无韵诗等多种形式的诗歌被创造出来，丰富了诗歌的表现形式，使诗歌更具有思想性、抒情性和情感性。
此外，随着互联网的普及，微型小说、微型散文等新文体也日益受到人们的欢迎。
这些新文体的创新，既满足了读者的阅读需求，又在一定程度上拓展了小说和散文的表现领域。
其次，创新在文学创作中的表现也是多样的。
创新可以表现在文学的思想性、艺术性和情感性等多个方面。
比如，在思想性方面，文学作品创新的一个重要表现是有新的思想观念和思维模式。
如在二十世纪初期，欧洲文学中出现了各种新思维模式，如超现实主义、表现主义等。
这些思想观念和思维模式对文学的创作产生了深远的影响。
在艺术性方面，创新可以表现在表现手法、修辞手法、描写技法等多个方面。
如在现代诗歌中，出现了抒情派、现代派、后现代派等多个流派，他们都采用了不同的诗歌创作手法，通过创新表现出了诗歌艺术的多样性。
在情感性方面，文学作品的创新表现为对新的人类问题的探索，通过情感的体现来影响读者。
比如在21世纪以来，许多文学作品开始关注人工智能、环境污染、性别平等等热门话题，通过情感性的描写，打动读者的心灵。
最后，探索文学作品中的创新也需要注意一些问题。
首先，文学作品中的创新不能单纯追求新颖性，必须兼具思想性、艺术性和情感性。
其次，文学作品中的创新虽然要求与时俱进，但是同时也要尊重传统。
传统是文学创作的基础，是文学创作成长的营养土壤。
再次，文学作品中的创新要符合读者的文化认知，不然创新将是存在危险的，读者参透不了和接受不了的文学创新，只会让读者感到无法理解和疏远。
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文化创意论文：文学创新对艺术教导的作用因为历史原因，我国艺术通识教育长期不受重视，正如丰子恺先生于1940年写的《三十年来艺术教育之回顾》中，对中国现代艺术教育表示的失望：“只有艺术科，三十余年来少有改进。
最初生吞活剥地闯进学堂的课程里，到现在还是机械唐突地夹在学校的各科中。
游离人生，疏远教育；既不重要，又少效用。
今日学校的课程表里添加图画一小时与音乐二小时，犹之中药的药方里添加陈皮两张，甘草三分，可得可失，无关紧要。
”即使中国大学现在已越来越重视通识教育，但是艺术通识教育在广度和力度上比起发达国家相差甚远。
在应试教育下长大的孩子，在中小学教育阶段升学的压力下，艺术教育已严重“先天不足”，大学阶段又“后天失调”，由此导致了大学生艺术修养和创造水平的严重缺乏。
关于通识艺术教育的现状本文以南京财经大学在校学生为对象，展开抽样问卷调查，得出以下结果：（一）缺乏较明确的艺术教育理念和系统课程以南京财经大学为例，通识艺术教育中开设了美学概论、艺术导论、美术鉴赏、中外音乐鉴赏、影视鉴赏、戏剧鉴赏、舞蹈鉴赏、书法、设计艺术鉴赏等课程。
在调查中，学生对当前艺术类通识选修课程设置的满意度仅为20%，60%的同学认为一般，20%不满意。
调查问卷问及“你最后一次上美术课是在什么时候？”，39%的同学回答道：“在上初中或更早时。
”20%的同学甚至都不记得具体时间。
在问及对课程的建议时，一些同学在问卷中写道：“希望学校能切实丰富通识课内容，使学生能学到真东西，而不是流于形式。
”“应该针对不同需要开设更多的学科。
”“希望能开设独立的选修课，所有同学都有机会选择自己感兴趣的一门艺术课程学习。
”“我校对艺术通识教育的重视水准很低，有必要改进。
”“增开此类课，选择有水平的老师，改变上课模式。
”“希望能开设舞蹈方面的课程……”从调查看出，课程多停留在鉴赏层次，涉及的门类不全面，缺乏较明确的目标和课程系统。
究其原因，主要为当前普通高校现有的通识教育模式下，艺术教育发展的空间非常有限。
通识教育的概念，是“让一个国家的所有专业的大学生能有一个共同的知识体系、文化背景。
”它能塑造年轻人强烈的文化归属感，意义巨大。
以美国为例，通识教育的核心是西方的人文经典，“它让美国重新理解到自己在西方文明中的地位，意识到它与自己的历史文明的关系。
”是美国大学生命力的源泉。
如哥伦比亚大学，新生入学后必须先修四门通识教育的“核心课程”：文学人文、艺术人文、音乐人文和现代文明。
艺术人文（ArtHumanities）教学生如何欣赏、思考，并批判性地研讨视觉艺术，将建筑、雕塑、绘画、工艺以及其他形式的作品，放在其形成的历史背景中加以理解，有严格的教学要求和目的。
麻省理工学院自20世纪40年代起，就将正规的艺术课程纳入学科体系，其音乐学科是专业的，学生是非专业的，辅修艺术的。
除了复旦等少数重点高校将艺术教育作为全体本科生的核心通识课程之一，多数高校艺术通选课都是在原有专业课不动的基础上附加，学生忙于选课和完成学分。
这种通识教育的理念和模式直接导致了艺术教育理念的薄弱。
在课程名称、课时分配上，都如同蜻蜓点水，没有较明确中心灵魂和系统的培养目标，艺术鉴赏类课程恰似学生课外的“小甜点”，学生在课堂上绝大多数时间把自己当作一个局外人，很难进入到内心对审美的兴趣和思考的过程，体现不了“通识”教育的实际意义和真正目的。
（二）忽视艺术实践和体验调查显示，90%非艺术专业的同学希望能在业余时间参各种艺术实践。
比如：“希望有更多的机会去操作乐器、参与舞蹈”、“开设与电脑制作相关的设计课程”等等。
学生在艺术实践中表现的成败、好坏并不是最关键的，关键是让他们参与到其中，每个人只有在忘我的情境中，才能放松心灵，从而寻找到艺术给人带来的空灵和诗意。
否则，他们所掌握的永远都仅仅一些浮光掠影的表面知识，而无法进入到内心的体验，无法体会艺术的乐趣。
所以，增强课程的可操作性，给学生适合的实践和体验是急需解决的另一个问题。
对通识艺术教育课程建设的思考（一）真正从制度和管理上实行总体规划丰子恺先生说，“艺术教育是很重大很广泛的一种人的教育”，作为一所现代化的大学，不是开设几门鉴赏课程，请几位老师，一本教材、一间多媒体教室，每周二课时站在讲台上，就能够完成全校20000名学生的艺术教育任务了。
学校的艺术教育改革，应真正从制度和管理上实行总体规划。
自1912年蔡元培先生在中国教育史上第一次提出把美育列入国家教育方针，到朱光潜先生强调美育的根本任务是使人性自由，是“养性怡情”，到丰子恺强调“事事皆可为艺术而人人皆得为艺术家”。
在人心浮躁的今天，我们更理应理解到，艺术教育在大学教育中的核心使命是无可替代的。
即便是哈佛大学这样艺术氛围已非常浓厚的世界名校，仍在持续探索艺术教育在大学中的作用。
例如，2008年12月，哈佛大学艺术特别工作委员会受哈佛历史上第一位女校长安德鲁福斯特委托，出台了历时一年写就的长达63页的《特别工作委员会艺术专题报告》，进一步强调艺术在大学中的崇高地位。
她要求工作委员会就如下问题提出建议：“在管理层面或制度方面，怎样才能更好地支持哈佛的艺术发展？”“需要哪些具体的组织去推动我们的目标？”《报告》首页中写到：“如果我们希望校园内充满了创新与想象力，如果我们要在所有学科领域教育并培养创造性的心灵，如果我们要为21世纪作出贡献，那么，就必须使艺术成为这所大学认知生活的组成部分：因为，与科学、人文一道，艺术——既是体验性的又是实验性的——是无可替代的知识手段。
”在课程学分上，美国大学的通识教育课程在其全部本科课程中占的比例，通常最少不低于五分之一，而我国通选课当前只占本科全部学分的不到十分之一。
例如，清华大学要求学生必须选修13个学分的人文科学与文化艺术类课程，而麻省理工学院要求在二年级时必须修满8门社科、人文、艺术课程，拿到32个学分才能毕业。
我们不可能照搬国外的模式，但应把艺术教育列入通识教育的核心，通过课程体系的调整，使艺术课程既显重要性，也更具操作性。
（二）艺术教育和人文教育交互构成，形成系统性的课程体系和目标当我们重新思考艺术通识课程到底该如何开设，如何教？目的、标准、效果是什么？我们就必须回到通识教育的根本目标上。
通识教育是基于对人与社会本质的理解而提出的一种大学教育思想和培养策略。
甘阳先生写到：“通识教育的根本是追问在任何时代、任何变迁下，最基本、最不会变的东西是什么。
这些最基本的东西能够训练出最基本的思考水平，包括对伦理问题、人生问题的看法等等。
”什么是人与社会最基本的东西呢？理应是我们对“生命本质”的探索，它们包含在千百年来的文学、艺术、哲学和宗教里。
正如宗白华先生在《论文艺的空灵与充实》中写道的：“哲学求真，道德或宗教求善，介乎两者之间表达我们情绪中的深境和实现人格的谐和的是‘美’。
“文艺从它左邻‘宗教’获得深厚热情的灌溉，文学艺术和宗教携手了数千年，世界最伟大的建筑雕塑和音乐多是宗教的。
”“文艺从它的右邻‘哲学’获得深隽的人生智慧、宇宙观点，使它能执行‘人生批评’和‘人生启示’的任务。
”“我们对艺术的欣赏是植根于文明、植根于传统、植根于社会多方面的。
”艺术通识教育应首先在“形而上”的层面将艺术发展的思想、历史过程表现给学生，将艺术与文化、历史和社会的发展关联成一个完整的人文知识体系。
它首先不是某种单纯艺术技能技巧的训练，而是文化与思想的传承，培养独立思考的水平。
英国著名艺术史家贡布里希在《艺术发展史》中说：“整个艺术发展史并不是技术熟练水准的发展史，而是观点和要求的变革史。
”在课程设置上，如果将中国文明和外国文明作为通识教育的核心课程，那么可将艺术发展史合理地贯穿其中。
比如，讲到西方文化，就会谈到希腊历史，谈到希腊的文化，就必然涉及到古希腊的艺术。
而讲到中国古代文人画，又必然离不开诗歌，离不开佛家思想、道家思想等等。
在整个课程体系中，哲学、宗教、历史、文学、艺术等课程既是相对独立的，又是完整而又关联的。
课程需要有精心的整体的规划，由不同专业的教师合力承担不同的教学版块，应有严格的教学目标。
如此，在有限的课时内较全面地把艺术和哲学、历史、宗教的相互影响结合起来，强调艺术的文化理念，强调人类文明的发展，力求给学生建立一个较完整的中西方的人文思想体系。
这样，首先能够避免选修课式的泛泛了解，而能真正协助学生比较深入地进入艺术人文领域。
其次，在经济世界化和“文化多元性”的发展态势下，对中西方人文思想脉络的理解将有助于中国年轻一代对本土传统文明理解的回归，从而构建中国社会的“文化自觉和自信”——这是社会创造力的源泉。
（三）构建多层次的艺术课程实践在艺术人文核心课程之外，学校还要给学生提供多层次，多方面的艺术实践课程。
艺术实践和体验是艺术教育中不可缺少的。
美国艺术教育家玛丽埃里克森曾写道：“与其说艺术仅仅一件东西，还不如说艺术是一种活动。
”从图画到音乐，都是我们生活中不可缺少的语言，它是鲜活的，有思想的，是从内心生长出来，有生命力的。
它培养了的审美直觉和想象洞察力，艺术实践课堂是释放心灵、享受个人创造力的地方。
如何兼顾不同层次的需求，营造多方面的艺术环境，是课程设计的重点。
为了避免形式主义和学生混学分的通病，当充分考虑学生的艺术素养的差异，在教学设计上细化：1．可将课程分为初级、中级、高级，小班化教学，满足不同层次的需求。
教师秉承精讲多练，理论联系实际的原则，调动学生的积极性和兴趣。
比如清华大学在艺术实践课程体系中，实行综合性分级教学的课程体系，将因材施教的理念与方法贯穿大学本科在4年课程设计中。
艺教中心设计了基础艺术实践课，综合性分级教学艺术实践课，高级艺术实践课3个层次，分布在不同的艺术门类教学中。
2．为学生提供更加灵活的课程选择。
例如，济南大学在国内首创的短课时通选课。
短课时通选课一般控制在16课时以内，最短的８课时，教学时间短、内容精练，可在1学期内多次开设。
3．课堂教学和课外实践结合，每种艺术社团配备专业教师定期指导，并承认老师一定的工作量。
学生则在艺术团通过艺术表演课程拿到学分。
例如，北京师范大学新生在完成大一的美育基础理论学习之后，二、三年级学生每学期必须参加4次以上课外艺术俱乐部活动才能获得大学美育的2个学分，也才能通过毕业资格审查。
4．课程门类多样化，除了声乐、乐器、舞蹈、书法等传统的课程，还应增加视觉艺术类课程的实践，如网页制作、平面设计、影视制作等。
通常，影视、设计等课程以鉴赏为主，忽略了同学们在现代生活中审美需要的构建。
在网络时代，和大众关系最直接的是设计，人人都受惠于设计，并有可能参与设计。
随着计算机的普及和设计软件的大众化，设计将不但仅为专业人员所掌握，很多著名的设计师并不是学设计出身。
此外，艺术学院的师生要增强与其他院系的互动，在校园中举办更多公开的艺术表演、展览等，使人们在校园中能看到、接触到艺术氛围。