芭蕾舞教程：欧美芭蕾艺术赏析
芭蕾舞赏析.pptx
仙女(La Sylphide)
Natalia sia Volochkova 第二幕
吉賽儿(Giselle)
Natalia Makarova和 Mikhail Baryshnikov
第一幕
Svetlana Lukina 第二幕
Gelsey Kirkland和 Mikhail Baryshnikov
• 与传统芭蕾相比，现代芭蕾舞蹈技术的突 破、服装的突破、表现内容的突破、个性 化的表演都成为它变化的体现。
芭蕾的动作特点和审美特征
动作特点：足尖跳舞
审美特征：形式美、内容美
审美标准——“三长一小一个高，二十 公分顶重要，开、绷、直、立爹妈给， 轻、准、美、稳师傅教。”形象地说明 先天的“条件”与后天的“能力”和 “技术”。
形式美 最高审美要求 轻、准、稳、美
名作欣赏
《天鹅湖》
《天鹅湖》剧情介绍
主人公： 王子齐格弗里德 白天鹅奥杰塔公主 黑天鹅 山魔
《天鹅湖》著名片段赏析
四小天鹅舞 双人舞 黑天鹅32个挥鞭转
舞剧《天鹅湖》的成功点：
1、创造性地把舞蹈作为主要表现手段，赋予人 们超凡的想象力。音乐优美，引人入胜。 2、创造性地进行了交响舞剧的处理。 3、创造性的设计出象征白天鹅的“主体动作”
芭蕾舞的基本动作：
基本脚位
第一位置 平行位置
第二位置
基本脚位
第四位置
第三位置
第五位置
謝謝！
第二幕
《葛蓓莉娅》
俄罗斯古典芭蕾
• 俄国民主革命运动和现实主义文学革命的胜利，先进的文艺 美学思想促进了俄国文学艺术的发展。
• 俄国沙皇的大力提倡。 • 法国芭蕾舞大师狄德罗、俄国芭蕾舞大师伊凡诺夫、表演艺
欧洲舞蹈艺术芭蕾与现代舞的精彩
欧洲舞蹈艺术芭蕾与现代舞的精彩欧洲舞蹈艺术：芭蕾与现代舞的精彩舞蹈艺术在欧洲有着悠久而辉煌的历史，其中芭蕾与现代舞作为两个主要的舞蹈形式，在舞台上创造了无数的艺术奇迹。
本文将重点探讨欧洲舞蹈艺术中的芭蕾和现代舞，并展现它们的精彩之处。
第一章：芭蕾舞的魅力芭蕾舞作为一种古老而典雅的舞蹈形式，源自意大利文艺复兴时期，并在法国得到最终发展与完善。
它以优雅的身姿、精湛的技巧以及严格的训练而闻名于世。
在芭蕾舞的表演中，舞者通过精确而优美的动作，向观众展示了舞蹈的极致美感。
舞者的姿势、韵律和表情都需要经过反复的琢磨和训练，从而达到舞蹈的极致境界。
芭蕾舞剧更是芭蕾舞艺术的最高形式。
它通过讲述故事、情感的表达以及音乐的配合，给观众带来了视觉与听觉上的双重享受。
许多经典芭蕾舞剧，如《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》等，迄今仍为全球观众所热爱和推崇。
在欧洲许多著名的芭蕾舞团，如俄罗斯的玛丽insky剧院、法国的巴黎歌剧院和英国的英国皇家芭蕾舞团等，每年都会上演一系列精彩的芭蕾舞剧，吸引了来自世界各地的观众。
第二章：现代舞的创新之道相较于古典的芭蕾舞，现代舞注重表达舞者内心世界的情感和思想。
它的创新与解放，使得舞者能够不再受限于死板的舞蹈规则，而是能够自由地展示自己的独特风采。
现代舞以抽象的动作、细腻的肢体语言和舞台艺术性的布景为特点，引领着欧洲舞蹈艺术的潮流。
舞者们通过各种形式和主题的创新舞蹈作品，表达着对社会问题、人际关系以及个体情感的思考。
欧洲的现代舞团，如德国的蓝天舞团、瑞士的巴黎贝古舞团和荷兰的尼德兰舞团等，以独特的风格和创意受到了全球范围内的赞誉。
它们通过舞蹈作品，反映社会的多元化和变革，不断推动着现代舞在艺术上的创新。
第三章：芭蕾与现代舞的交织与融合虽然芭蕾舞和现代舞在风格和形式上有所不同，但在欧洲舞蹈艺术的发展中，它们并不是相互独立的存在。
实际上，芭蕾和现代舞之间有着紧密的联系和相互影响。
现代舞在某种程度上是对传统芭蕾舞的一种解构与反叛，但同时也在创新中吸收了芭蕾的技巧和美感。
舞蹈鉴赏之芭蕾
舞蹈鉴赏之芭蕾芭蕾舞是一种经典的舞蹈形式，它以优雅、协调和技巧而闻名于世。
作为一名观众，了解如何鉴赏芭蕾舞是非常重要的。
在本文中，我们将探讨舞蹈鉴赏之芭蕾舞，从历史背景、基本动作、音乐配合以及表演技巧等方面来理解和欣赏这门艺术。
一、历史背景芭蕾舞起源于15世纪的意大利，并在法国得到进一步发展。
最早的芭蕾舞剧目是以宫廷舞台为背景的，后来逐渐发展成为一个独立的艺术领域。
在18世纪末和19世纪初，芭蕾舞开始在欧洲各地以及美国广受欢迎，并逐渐形成了现代芭蕾舞的基本特点。
二、基本动作芭蕾舞的基本动作和姿势是舞者通过长期专业训练所掌握的。
其中，脚尖舞是芭蕾舞最具代表性的动作之一。
舞者通过在脚尖站立和跳跃，展现出优雅、轻盈的形象。
除此之外，扩展动作、转体、跳跃和平衡等技巧也是芭蕾舞的重要组成部分。
三、音乐配合芭蕾舞与音乐密不可分，舞者需要与音乐节奏紧密配合。
音乐的节拍和旋律对于舞者的动作和表情起到重要的引导作用。
舞者通过对音乐节奏的感知，展现出舞蹈的魅力和节奏感。
因此，在鉴赏芭蕾舞时，我们也应该重视对音乐的理解和欣赏。
四、表演技巧芭蕾舞的表演技巧是舞者表达情感的重要手段。
除了优雅的动作和灵活的身体外，舞者还需要具备丰富的表演能力，如面部表情、手势和姿态等。
通过这些技巧，舞者能够将故事情节和情感状态传达给观众，使观众更好地融入舞蹈的世界。
五、名作推荐在芭蕾舞的历史长河中，有一些经典作品具有特殊的地位。
例如《天鹅湖》、《胡桃夹子》、《睡美人》等都是不可错过的佳作。
这些作品融合了精湛的舞蹈技巧、优美的音乐和富有戏剧性的情节，给观众带来了视听的双重享受。
六、结尾语总结起来，芭蕾舞是一门令人着迷的艺术形式。
通过了解其历史背景、基本动作、音乐配合以及表演技巧，我们能够更好地欣赏和理解这门艺术。
在观赏芭蕾舞时，我们应该用心感受舞者的表演，与他们一同沉浸在舞蹈的世界中。
只有这样，我们才能真正领略到芭蕾舞给我们带来的视觉盛宴和艺术享受。
西方舞蹈艺术赏析
芭蕾舞剧《天鹅湖》浅析摘要四幕古典芭蕾舞剧《天鹅湖》以其独特的艺术魅力流传于世，在其诞生的一百多年中，世界各国的编导和演员们用自己的思维方式和情感体验演绎着这部经久不衰、常演常新的人间珍品。
世人也因此在一次次的感悟着不同艺术家对同一主题的诠释、或心潮澎湃、或心旷神怡⋯⋯关键词：时代背景不同的编排形式个人情感跨越正文艺术作为上层建筑，其作品的生发受到多种因素的影响。
1 9世纪下半叶的俄国，其政治、经济、文化的发展为西欧芭蕾舞在这块土地上的发展、成熟、繁荣提供了充分的养料和广阔的空间。
沙皇政府的改良政策，对于当时正处于窘境的欧洲舞蹈而言，移民东进俄罗斯势在必行。
在尊崇与重金的感召之下，在欧洲“浪漫芭蕾”大势已去之际，大批的艺术家从法国、意大利、瑞典、丹麦等地云集俄罗斯。
登上俄罗斯艺术的神圣殿堂，将自己对芭蕾舞的挚爱注入这片黑色的土地。
为欧洲文化和俄罗斯本土文化的进一步交流和互相吸收奠定了坚实的基础。
至此。
I 9世纪的芭蕾界诞生了一个新的学派——俄罗斯芭蕾舞学派．它将意大利学派的华丽、法兰西学派的妩媚、丹麦学派的精巧兼收并蓄．并通过俄罗斯民族奔放、浑厚、豪迈的性格表现出来，从而形成了自身典雅、华丽、又富于火热表现激情的独特风格．在世界芭蕾舞中独树一帜。
被人们称作“三大古典芭蕾舞剧”的《睡美人》《天鹅湖》《胡桃夹子》正是在这样的社会大背景下产生的。
它们是俄罗斯古典芭蕾学派的经典之作，也是世界芭蕾史上的奇迹。
来自法兰西的编导马里干斯·彼季帕在俄罗斯六十多年的生活中。
铸造了俄罗斯芭蕾史的第一次辉煌。
由他所创立的“双人羹模式”为刻画人物和展示芭蕾技艺提供了更为广阔空间，吸收性格舞于舞剧，运用大编队的编排手法增强了舞剧的观赏性，同时也极大的丰富了舞剧的表现力。
提倡以编导为中心。
同作曲家、美术界密切合作，共同制造浓重的舞台艺术氛围是彼季帕寻找到的一条整体结构舞剧的新路。
这些开创性的思路和作为也因此使他获得了古典芭蕾之父的尊称．《天鹅湖》第一、三幕的华丽、大气、端庄，正是彼季帕辉煌的地位以及法兰西人所特有的高贵气质带给他的人生体验和由此引发的艺术激情的流露。
西方芭蕾的动作特征及其审美意义
西方芭蕾的动作特征及其审美意义高雪阳摘要：芭蕾是一门科学，系统，规范，优雅，迷人的艺术。
芭蕾舞是一种人体语言艺术，在几百年的发展史中，潜移默化，形成了自己独特的风格。
完美的舞蹈动作在舞蹈中是非常重要的，本文旨在对芭蕾舞种舞蹈运动的特征的分析，说明其舞蹈审美的意义。
“开、绷、直、立、轻、准、稳、美”这是芭蕾舞动作的八个特点和审美标准的高度概括，揭示了它的动作姿势具有由内向外发展，符合几何构图比例的内在特征。
它普遍为人所接受，芭蕾舞中具有雕塑性的造型，有节奏的运动，和谐的舞姿画面，可以带给人们美的愉悦。
通过这些所表现出来的人的生命不息的舞蹈运动，表现出来的芭蕾舞具有强烈的思想感情，了解、掌握它的这些艺术规律，能够帮助我们欣赏和鉴别古典芭蕾艺术，对提高艺术素质和艺术修养有着重要的意义。
关键词：西方芭蕾;动作特征;审美特征舞蹈作为一种表现力很强的形体艺术，不仅是人类传情达意的一种手段，更是书法情感的一种身体语言。
西方芭蕾亦是如此，经过几百年不断的继承和发展形成了一套属于自己的艺术风格及动作特征。
一、艺术风格世界三大艺术之一的芭蕾艺术，在几百年的形成和发展过程中，潜移默化，形成了独具一格的审美特点和艺术魅力。
无论是从舞姿形态、舞蹈技巧，表现手法，以及最后的审美意境的呈现上都别具一格与众不同，具有复杂的结构形式和特定的技巧要求。
因此，芭蕾舞在西方被成为舞蹈艺术皇冠上的明珠，二、动作特征芭蕾舞是一种技艺性很强的表演艺术，除了决不能没有高超精湛的技巧外，还必须要通过舞蹈语言表达芭蕾舞作品中蕴含的审美价值。
所以，在表演中，芭蕾舞演员除了要让人有情不自禁叫绝喝彩的技术技巧，还要将五位转，大跳，立足尖与优美的舞姿和动情的表演相结合，在芭蕾舞的各种技巧中完美地表演除芭蕾舞的审美意境，而一个成熟的芭蕾舞演员在舞台上展现的动作之所以具有审美价值和艺术魅力，是因为体现了“开、绷、直、立、轻、准、稳、美”的高度融合，这正是芭蕾舞的重要表现手段。
芭蕾舞蹈赏析
芭蕾舞蹈赏析芭蕾舞，无论从形式上还是从剧情上看，都是舞姿、音乐、剧情、布景的一种完美结合。
不过，从17世纪中叶至19世纪，在流动、变化着的舞姿中，芭蕾艺术以其特有的优雅、高贵和美丽，一步一步地向着诗性靠拢。
下面是店铺整理的一些关于芭蕾舞蹈赏析的资料，供你参考。
芭蕾舞蹈赏析一、美在意象：诗语、直觉和精神的形象化“当舞蹈希望成为艺术，也就是说给自己提出了为表达人类内心世界找到最完美的形式之任务时，那么对于它来说，满足我们向任何一种艺术提出的那些要求，就成了必须做到的条件了。
这些要求就是：首先是技巧，再就是感情充沛真挚，把感情表现得清楚，形式美丽，风格完整，有性格。
”芭蕾艺术中这种关于规则的真正概念，是通过舞者的心灵感触来对古典芭蕾的舞姿进行改造后形成的。
技巧和舞姿无论如何完美，皆不能包括尽内心世界丰富的形象。
芭蕾之船开始驶入理想美指引的航向，其中越来越精巧的舞姿只不过是构建这种美的材料，需要受艺术家真正自我和主观情感的直接约束。
芭蕾舞蹈赏析二、童话与诗：现实的艺术与灵魂的艺术芭蕾的诗，首先是写在光怪陆离的童话里的。
当芭蕾艺术家把你带入到那个富有魔力的画景象征世界中时，其神话的想象力，就宛如一条串联珍珠的金线，像太阳金色的光芒，始终伴随着你的脚步。
这种奇异性，有点像朴素和可爱的女孩，能够用一种最自然的方式，道出复杂故事内在的奥秘。
这是芭蕾艺术家惯用的与人交谈的方式，即便她们扮演的仙女们身披着夜间的浓雾，即便离奇的剧情在向人倾诉过多的悲欢离合，天性和自然组成的主题却总是在那里时隐时现。
这种童话组成的可爱世界，让人直接感觉到世界的神秘和伟大，一种诗化了的像雾一样的意境直指人心，用一种最质朴的品质开启你的心扉。
在童话世界里，白色舞裙交相辉映，美丽的仙女抱着浓郁的感情向你走来，生命激烈颤动，却向你透出了美的尊严。
这是芭蕾艺术独特的展示美的方式，其中自有一种色彩，一种因果，一种速度，能够引起你内心深处的强烈震撼。
芭蕾舞剧赏析
芭蕾舞剧赏析1、浪漫主义芭蕾——《吉赛尔》——两幕舞剧——浪漫主义主宰法国文坛的产物剧本：泰·戈蒂埃圣·乔治编导：让·克拉利朱·佩罗音乐：阿·亚当首演：1841年6月28日法国巴黎取材于海涅的《论德意志》中关于维丽丝亡灵的斯拉夫民间传说吉赛尔——由贵妇人到农家女吉赛尔——阿拉贝特女鬼王——米尔塔守林人——汉斯未婚妻——巴季尔达艺术成就——富有传奇性和世俗性的爱情悲剧，是浪漫主义芭蕾的范本;《吉赛尔》的舞步与舞姿已成为考验芭蕾舞女演员功底的试金石，即表演技能和舞蹈技巧的完美结合;打破了单旋律加伴奏的传统，让音乐与舞蹈更紧密结合，运用主旋律反复的方法，开创了芭蕾音乐的优秀典范，为交响芭蕾音乐奠定了基础主题——光明与黑暗爱情与死亡生存与毁灭欣赏《吉赛尔》汇集法兰西风格，被誉为“浪漫芭蕾舞的代表作”、 "芭蕾之冠"的赞美的《吉赛尔》，是浪漫主义芭蕾的顶峰，在世界芭蕾舞坛上，《吉赛尔》的地位大概是任何一出古典芭蕾舞剧都无法超越的。
其凄美的题材洋溢诗意，扣人心弦。
在布置成森林深处的舞台上如精灵的舞者演绎了这段悲惨的爱情故事：除了它凄美的情节，动人的故事，慨叹少女纯真的爱情之外，剧中演员们高超的舞技，优雅的姿态，美妙的音乐都值得欣赏。
它的舞蹈编导在《吉赛尔》舞剧中创造了两个世界，一个是人间，一个是神幻世界，它的诗情画意，鲜明地由爱情与死亡、生存与毁灭、光明与黑暗两个侧面构成，歌颂了一个主题思想，即真、善、美。
在剧中人物的舞蹈设计上也采用了强烈对比的手法，正面人物吉赛尔跳的是轻盈、流畅、优美、典雅的古典芭蕾舞蹈动作，守林人跳的则是丑陋的民间舞，伯爵在第一幕中主要是哑剧式的舞蹈动作，第二幕采用了古典芭蕾舞动作，准确表达了伯爵的内心情感，加强了爱情悲剧的感染性。
它通过农家姑娘吉赛尔神往爱情，到发现自己被愚弄、欺骗而发疯死去，变成冤魂并泣诉不止的故事，深刻地提示了浪漫主义艺术的典型主题——理想世界与现实生活之间尖锐的冲突和矛盾。
芭蕾舞学习：怎样欣赏芭蕾舞
芭蕾舞学习：怎样欣赏芭蕾舞芭蕾从十五世纪出现在意大利，在300年之内，有了很快的发展，而且它有了特定的审美标准和技术的规范，大家称之为古典芭蕾。
实际上，英语的芭蕾来自于法语的芭蕾，这是这些英文字和法文字，如果广泛的说，芭蕾泛指的是舞蹈和舞蹈剧，凡是用人体的动作和姿态表现故事情节和表现某种情绪的这种舞蹈，都能够称之为芭蕾，那么也是舞剧。
因为现在在中国，我们要跟中国舞剧划分开来，所以我们就把它称之为芭蕾舞剧，实际上这是一个重叠词。
文艺复兴是从十五世纪下半叶开始的，文艺复兴归根到底是为了创新，在文艺复兴的推动下，西欧各国的艺术都有了很大的发展，这个点在芭蕾艺术方面也都完全一样，在这个时候，意大利和法国在芭蕾形成的初期，起了奠基者的作用。
当时意大利最为的是1489年时期的托尔纳，由贵族承办的一个席间芭蕾，就是宴会中间的芭蕾，这是由男女贵族自己装扮成演员做一个歌舞的表演。
出场的时候，配合着宴会的内容，比如说现在上的这个道菜是猪肉，那么他们就跳起这个狩猎舞，如果端鱼的时候，他们就跳起捕鱼舞，随着意大利宫廷的联姻和文化交流，这种宴会也就是席间芭蕾传到了法国，当时这种演出形式盛行一时，其中最为宏伟、推崇的是1581年的《皇后的喜剧芭蕾》，我们现在能够称之为第一部芭蕾，叫《皇后的喜剧芭蕾》，全长5个小时，兼有音乐、杂耍、诗朗诵，是当时在巴黎卢浮宫小托盘宫正厅演出的，舞蹈占了四分之一。
从那个时候起，芭蕾就和喜剧有机地结合在一起。
那么这个演出是当时芭蕾的雏形。
当时，因为有一些人物的形象，又有一些说明书作为佐证，所以被他们称为第一部芭蕾。
然后我讲一下芭蕾继续发展。
芭蕾艺术的真正形成是在路易十四执政的法国宫廷，路易本人长的线条不错，那么他很喜欢跳舞，在他的大力倡导下，芭蕾逐渐兴旺起来了，成为提升君主的威望和显示法国国力的工具，当时称它为巴洛克风格。
然后，当时路易十四下令他的院士们讨论舞步、讨论舞蹈问题，设计和改进舞蹈手段。
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芭蕾舞教程：欧美芭蕾艺术赏析
不同的服饰能说明人们的不同身份。
话剧演员要受服饰的限制和
支配，下意识地扮演各种姿态及动作，舞蹈演员也是如此。
譬如穿上
芭蕾舞裙的紧身上衣会使人觉得女芭蕾舞演员的上身长。
这种感觉有
利于防止产生女芭蕾舞演员的腰部弱不禁风的错觉，女演员因为双腿
完全裸露且因穿着短裙而增添了妩媚，膝盖和脚也就自然则然地绷紧。
若穿着垂荡的长裙，女演员的线条自然也就变得更加多姿，腰部能够
随意扭动，还可采用更多的屈膝动作。
因为利用了长裙的姿态完美的
飘动而令人产生飘逸的感觉。
由此可见，服饰有意或无意地确实影响
着舞蹈演员的扮相及动作。
膝盖部位不起皱纹的，笔挺的紧身裤能使双腿有一种庄重的，挺
拔的感觉；针织质量良好的，美观的紧身短长衣，高领长袖紧身衣或
衬衫会使舞蹈演员看起来好象已打扮定妥，准备好起舞了。
衣服领子
的形状甚至会使脖子看起来缩短了，或拉长。
例如，马球衫的领子会
使得那些双肩高高的，或宽宽的人显得格外难看，会使得穿这种球衫
的人感到是在从事业余舞蹈活动而心神不定。
裁成圆形的短裙对丰满
的臀部来说也是件灾难性的服装，质量差的褶边应遭到谴责。
最理想
的情况是，没有任何东西损害着舞蹈演员身体的线条，既没选错颜色
也没穿上肥大的袖子或裙子。
理应记住，甚至连腰带束得过紧也会使
横隔膜在腰上端，胯在腰下部凸出，从而损害了躯干的修长感和原来
形状；还要记住，在受训或排练时，不要携带手表、手镯、耳环以及
别的小装饰品，因为这些东西只能起妨碍作用，会令人产生不愉快的
感觉。
我并不提倡只要外表象个舞蹈演员，一切问题就解决了，而仅
仅是想说明，演员的服饰一露面就令人产生“绚丽而不俗，不乱搞标
新立异”的感觉未尝不是个优点。
有些舞蹈演员事先已准备好会碰到很多困难和烦恼，但却怀着不
会顺利通过的情绪实行工作。
有些真的负了伤的或不可避免地负了点
小伤的学生，他们在踝骨上穿着羊毛短统袜子，双臂及腰紧紧地套着
运动衣，他们在踝骨上穿着羊毛短袜子，双臂用腰紧紧地套着运动衣，
“发疼”的咽喉绕着围巾。
结果真象画了一幅杂七杂八的针织品乱堆
在一起的写生图。
这些学生从精神状态来看是病态的，或是自我怜惜，或更象是采取这么一种态度：你们理应替我难过，因为我在上这个课时，肉体极端痛苦，但因我的身体素质刚强而顶下来了。
真的受伤是
应该得到治疗和包扎(以包扎踝骨为例，包扎方法有准确的也有不准确的)。
实行训练时，身体当然应该保持暖和，但绝不应该处于卖弄力气
或效率很差的状态。
有时候这种不得体的穿戴完全因为懒惰的缘故，
造成学生在上课时外表窝窝囊囊，好象是穿着从拍卖行购买来的旧衣
服一亲。
学生如果感觉不敏锐，看不到他们打扮成一个多么滑稽可笑
的形象的话，阻止他们如此装扮的的办法也许是教师在他们童年时代
受训期间内，坚持学生的服饰要整齐划一，严格执行服饰整洁的规章。
这样做，可能会妨碍和限制学生的个性的发展，所以，的方法当然是
早点对他们灌输一些审美观，然后才能够听任学生自己去选择服饰的
颜色和式样，并希望他们不会抛弃先前培养起来的情趣。
紧身衫裤：从我个人来说，我是强烈反对黑色紧身衫裤的，因为
穿上它，就会使腿部的阴影失去了立体感，而教师从这种立体感才能
更好地观察学生的肌肉活动。
很多女演员认为穿上黑色紧身衫裤会使
身体显得苗条，这可说服不了我。
即使真的是这样的话，女学生或女
演员穿着这种颜色的紧身衫裤在教室大镜子里或在舞蹈台上为自己造
型时，因体形不真实也不能从中获得多大的好处。
我认为，是适其道
而反——每天在教室里受训时不因装饰而失去立体感，在舞台演出时
务求造型真实。