文艺复兴三杰研究论文
浅析文艺复兴艺术三杰的风格.
浅析文艺复兴“三杰”的艺术风格欧洲文艺复兴时期美术在外国美术史中所占的地位是非常重要的。
文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化思想发展中的一个时期，正是这个时期，欧洲的各大国家日益强大，宗教思想和行为也都发生了变化。
其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。
文艺复兴三杰就是其中的代表人物，他们各有所长，在不同的时候占据了不同的地位。
达芬奇简直是一位“万能天才”，他的画作博大精深、富于哲理，擅长人物内心世界的刻画，人物感情细腻入微；米开朗基罗称得上是“全能的美术”家，其作品雄浑豪放、宏伟强劲，充满奋进的激情，绘画也具有雕塑感，被誉为“市民英雄的创造者”；拉斐尔的画作秀美、典雅、和谐，形象完美，艺术史称他为“画圣”。
达芬奇总结了15世纪艺术家的研究成果，在绘画构图、明暗、透视、色彩等方面都有所建树。
尤其是他创立的明暗法，宪全抛弃了15世纪用呆板的轮廓线勾画形象的方法，而采用明暗烘托，让形象从明暗的背景中浮现出来，增加了画面的生动感和空间感。
他研究大气与色彩的关系，发明了“薄雾法”（即空气透视法，让远景沐浴在淡蓝的空气中，绘画的透视关系变得更正确更完善。
代表作《蒙娜·丽萨》那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
达芬奇在美术理论方面也有许多卓越的见解。
人们从他遗留的大量手稿笔记中整理《绘画论》，这本书集中体现了他的美学思想。
书中提出著名的“镜子说，认为绘画优于其他任何艺术，因为它包容了世间的一切，画家的心就象镜子一样能真实地反映这个世界，把普遍的自然变为第二自然。
达芬奇在刻画前景人物、特别是围观的群众时，色调幽暗，让形象从阴影中闪出，一反15世纪绘画明晰透露的特点，力求幽微含蓄，在艺术手法上形成他独创的烟雾状色调。
达芬奇精通人体解剖学、透视学，造型精准，画面色彩多成中性色，画风凝重。
达芬奇的素描手稿极具研究价值．他一生完成的作品不多。
但几乎件件都是不朽的名作。
文艺复兴“美术三杰”的单身现象与艺术表现研究
～ 达 、 ·芬 奇
认 识、理 解 的每 件有价值 的事情 的微 观考察 ，将 可 以清晰 地展现 出
（一）达 ·芬奇 的童年 回忆与精神分析
在流动 的历史 中是如何 产生 了“达 ·芬奇 ”这一知识概 念。
列 奥 纳 多 ·达 ·芬 奇 被 同 时 代 的 人 称 之 为 意 大 利 文 艺 复 兴 时 期 在弗 洛伊 德对达 ·芬 奇童年记忆所做 的精神 分析研究 中，达 ·芬
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过于 详 细证 明了一 次 ）。秃 鹫在埃及 象形 文字代 表母 亲 ，只有雌 的 己 当作 小 基 督 ，因 此 此 处 的康 乃 馨 、圣母 、圣 婴 构 成 了一 个 意 涵 丰 富
则象征 自行繁殖 （借 风受精 ），秃鹫 的孩 子意味着有母 无 父（达 ·芬奇 的 象 征 结 构 。
既 能 够 反 映 出 “压 抑 ”的 性 本 能 意 识 ，同 时又 在 艺 术 刨 作 中 得 到 “升 身上似乎显得 不合情理 ，但正如弗洛伊 德所言 ：‘‘使辉 煌黯然 失色 ，
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把 崇 高 拖 入 泥 潭 ，并 不 是 研 究 的 目 的。”然 而 通 过 对 杰 出人 物 可 以被
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文 艺 复 兴 “美 杰 ”的 单 身 现 艺术 表现 研 究
术 象乏
在 西 方 艺 术 史 的 叙 述 传 统 中 ，文 艺 复 兴 “美术 三 杰 ”通 常 被 认ቤተ መጻሕፍቲ ባይዱ为 “我一生从 未完成 一项工作。”达 ·芬奇的绘画在今 天得 以保 存 ，可他
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文艺复兴三杰——大学论文
文艺复兴三杰——大学论文文艺复兴三杰艺术鉴赏了解文艺复兴三杰的和他们的作品，首先要知道他们当时所处的时代背景，文艺复兴是怎样产生的和文艺复兴又是怎样的一个时代。
文艺复兴是14世纪至16世纪欧洲新兴资产阶级的思想、文化运动,是欧洲历史上一次重大的新文化运动，是人类历史上一个百花齐放的光辉时代。
其中心主要在意大利。
因为当时的意大利开始走向资本主义。
生产方式取得了重大的变化，工场手工业的规模逐渐扩大，随之的是生产技术的不断进步。
当时富裕的工场主转变成了新兴的资产阶级，价值观和思想文化取得了重大的变化。
这就与当时的封建制度主要是天主教产生了巨大的摩擦，所以他们找到了古希腊、古罗马时期盛极一时的古典自然科学、哲学、文学、艺术等做为思想武器。
在新兴资产阶级的倡导下，掀起了从文化到社会各个领域的变革活动。
“文艺复兴”就此诞生。
文艺复兴的中心思想是人文主义，主张以人为本，肯定人的价值，提倡个性与人权，提倡科学，反对神权和封建迷信。
接下来分别讲述文艺复兴三杰，用他们著名的艺术作品讲述他们各自不同的艺术风格与特点，进一步了解文艺复兴时期的三位艺术大师。
达.芬奇是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的艺术大师，他拥有永无至尽的探索精神，他把艺术和科学、理智和情感、形体和精神融合在一起，表现出了人文主义思想和现实主义，把艺术推向了另一个高度。
达.芬奇一生留下许多为世人惊叹的艺术作品，包括《蒙那丽莎》、《最后的晚餐》、《耶稣的洗礼》、《博士来拜》、《岩间圣母》、《母与子》等。
达.芬奇的艺术语言是运用明暗创造平面形象的立体感。
他曾说过：“绘画的最大奇迹，就是使平的画面呈现出凹凸感。
”他使用球体受光变化的原第1页共5页理，首创明暗转移法，即在形象上由明到暗过渡是连续的，没有截然的分界。
他最著名的作品《蒙那丽莎》就是这中画法的典范之作。
在《蒙那丽莎》这幅画中，人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深，淋漓尽致地发挥了达.芬奇奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。
比较分析文艺复兴三杰的艺术特征
比较分析文艺复兴三杰的艺术特征比较分析文艺复兴三杰的艺术特征文艺复兴是14世纪至16世纪欧洲新兴资产阶级的思想、文化上一次重大的新文化运动，是人类历史上一个百花齐放、硕果累累、群星争艳、人才济济的光辉时代。
文艺复兴时期诞生了一大批的文化和艺术巨匠，他们在各自的领域都取得了令世人瞩目的成就。
艺术领域的主要代表人物达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等，其中又以他们的艺术成就最高对后世影响最深从而被誉为文艺复兴三杰。
一、达芬奇莱昂那多·达·芬奇(1452-1519)作为文艺复兴时期最卓越的代表人物,他的成就和贡献是多方面的。
1452年4月15日达·芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个小镇———芬奇镇。
达·芬奇比之文艺复兴时期中的任何一人,有更多、更广的幻想。
他把艺术和科学、理智和情感、形体和精神熔于一炉,继承和发扬了前人的人文主义思想和现实主义表现手法,把艺术推进到一个前所未有的高度。
恩格斯称他是巨人中的巨人。
达·芬奇的艺术作品不仅像镜子似的反映事物,而且还以思考来指导创作,从自然界中观察和选择美的部分加以表现。
他是一位天才，他一面热心于艺术创作和理论研究，研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题，另一方面他也同时研究自然科学，为了真实感人的艺术形象，他广泛地研究与绘画有关的光学、数学、地质学、生物学等多种学科。
他的艺术实践和科学探索精神对后世产生了重大而深远的影响，他是人类智慧的象征，他的逝世是对全世界的一个伤害。
达芬奇在刻画前景人物、特别是围观的群众时，色调幽暗，让形象从阴影中闪出，一反15 世纪绘画明晰透露的特点，力求幽微含蓄，在艺术手法上形成他独创的烟雾状色调。
达芬奇精通人体解剖学、透视学，造型精准，画面色彩多成中性色，画风凝重。
达芬奇的素描手稿极具研究价值，他一生完成的作品不多，但几乎件件都是不朽的名作。
他的作品中多体现出智慧、深邃、严谨的气息。
结合作品论述意大利文艺复兴三杰的主要艺术特色和艺术成就
结合作品论述意大利文艺复兴三杰的主要艺术特色和艺术成就达芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔被称为意大利文艺复兴时期的“美术三杰”。
达芬奇：达芬奇的画充满了科学的精神和这里思考，画面构图完整、形象端庄，细微的光线变化和忠于自然的艺术特点，要求绘画要表达光、空间、地质和人物的内心世界。
如《岩间圣母》，人物位置处在一个标准的等腰三角形之中，使画面拥有严谨、稳定的构图，自然风光的描绘栩栩如生，光线的运用更是达到了达芬奇绘画作品的巅峰；《最后的晚餐》中对于多个人物的位置关系处理成为“多样统一”这一艺术美学原则无与伦比的范例；而《蒙娜丽莎》中对人物的心理刻画，更是后人津津乐道的话题。
达芬奇的画以自尊和高贵的人性提升着人们战胜中世纪的信心，他的艺术实践和艺术理论都是人类文化史上最珍贵的遗产。
米开朗琪罗：米开朗琪罗的作品中倾注了满腔悲剧性的激情，倾诉了原始的宗教感情，以及对真理的公正和生活的渴望。
如《最后的审判》，是他对人生的总结，也是对历史的裁判，以《圣经》的名义痛斥虚伪之徒；在天顶壁画《创世纪》中，他尽情地歌颂心中的英雄，表现着对祖国命运的忧心，对人的信心，作品的成就是他个人艺术的胜利，也是人文主义在教会最高的圣殿里征服神性的胜利。
在他的艺术里，人文主义得到了全面鲜明的表达，因为米开朗琪罗有意无意地流露出人文主义思想的核心，即人的主动性与积极作用以及人建功立业的能力，所以米开朗琪罗的艺术几乎成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。
拉斐尔：拉斐尔的画面上始终洋溢着明净的色彩，柔和的光线和宁静幽雅的节奏感，色彩上继承了佩鲁吉诺金黄梦幻般的喜悦，和谐秀美，构图静雅平衡，继承古典传统，具有古典意义，在他的艺术里可以看到从希腊盛期到新古典主义所追求的完整、和谐、庄重、优美、清晰的脉络。
《西斯廷圣母》是拉斐尔最具人道主义魅力的作品，圣母的形象端庄优雅，充分表现了女性的美，她强压着将儿子送往人间受苦的悲痛，有着尘世间每一个母亲的慈爱和尊严，而不再是高高在上的神，这样的世俗风情在他的多幅中都得到了充分的体现，如《椅中圣母》，就充满了市民的世俗精神，所以拉斐尔笔下的圣母之所以美，是因为她们就是人间最美的母亲。
《欧洲文化的形成》文艺复兴三杰：艺术巅峰
《欧洲文化的形成》文艺复兴三杰：艺术巅峰欧洲文化的形成是一个漫长而复杂的过程，其中文艺复兴时期无疑是一个具有决定性意义的阶段。
而在文艺复兴的璀璨星空中，“文艺复兴三杰”——达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔，以他们卓越的艺术成就，登上了艺术的巅峰，对欧洲文化的发展产生了深远且持久的影响。
达芬奇，这位全才型的艺术家，不仅在绘画领域展现出了非凡的天赋，在科学、工程等多个领域也有着令人瞩目的成就。
他的画作《蒙娜丽莎》成为了世界上最著名的绘画之一。
画中那神秘的微笑，至今仍让无数人为之倾倒。
达芬奇对于光影、透视和人体结构的精准把握，使他的绘画具有强烈的立体感和真实感。
他深入研究人体解剖，将这种科学知识融入到艺术创作中，使得人物形象更加生动和逼真。
此外，他的《最后的晚餐》也是不朽的经典之作，通过巧妙的构图和细腻的人物表情，展现出了紧张而又充满戏剧性的一刻。
米开朗基罗则以其雄浑的雕塑作品而闻名于世。
他的雕塑作品《大卫》，展现出了男性的完美体魄和英勇气质，成为了力量与美的象征。
米开朗基罗在雕刻过程中，充分发挥了大理石的材质特点，通过精湛的技艺，将石头赋予了生命。
他的西斯廷教堂天顶壁画同样令人震撼，那宏大的场面、丰富的色彩和生动的人物形象，仿佛在诉说着一个个神圣的故事。
米开朗基罗的艺术作品充满了激情和力量，反映出他对人性和宗教的深刻思考。
拉斐尔是“文艺复兴三杰”中最年轻的一位，但他的艺术成就同样不可小觑。
他的绘画以优美的线条、和谐的色彩和理想化的人物形象为特点，给人以宁静、优雅的美感。
他的代表作《雅典学院》，将古希腊哲学家们聚集一堂，展现出了智慧与和谐的场景。
拉斐尔善于捕捉人物的神态和情感，使画面充满了人文主义的气息。
“文艺复兴三杰”的艺术作品不仅仅是美的展现，更是对人性、自由和人文精神的赞美。
在当时的欧洲，宗教的束缚仍然强大，而他们的作品中所蕴含的对人类自身价值的肯定，无疑是对传统观念的一种挑战。
他们通过艺术的形式，呼吁人们关注现实生活，追求个人的幸福和价值。
意大利文艺复兴时期的艺术三杰
犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。
即使他没有拿着那只钱袋，我们也能通过达?芬奇的绘画方式，辨别出这个罪恶的敌人犹大。
在艺术创作方面，达?芬奇解决了造型艺术三个领域——建筑、雕刻、绘画中的重大问题：
1、解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题；
2、解决了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的问题；
3、解决了当时绘画中两个重要领域——纪念性壁画和祭坛画的问题。
达?芬奇的艺术作品不仅能像镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。壁画《最后的晚餐》《安吉里之战》和肖像画《蒙娜丽莎的微笑》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达?芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。
画面像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母脚踩云端，神风徐徐送她而来。代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世，身披华贵的教皇圣袍，取下桂冠，虔诚地欢迎圣母驾临人间。圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享着思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。人们忍不住追随小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。圣母的塑造是全画的中心。从天而降的圣母出现在我们的面前，初看丝毫不觉其动，但是当我们注目深视时，仿佛她正向你走来，她年轻美丽的面孔庄重、平和，细看那颤动的双唇，仿佛听到圣母的祝福。
这座建筑物显然是以布拉曼特设计的圣彼得大教堂为范本的，两侧的壁龛里，分别供立着智慧女神雅典娜雕像（在右侧）和音乐之神阿波罗雕像（在左侧 ）。中心透视点的层层拱门，直通遥远的天际，这是一个极其神圣的环境，学者们被对称地、自然而富有节奏地配置台阶两侧，上层台阶的人物排成一列，中心是两位伟大的学者——柏拉图与亚里士多德，他们似乎边进行着激烈的争论，边向观众方向走来。 亚里士多德伸出右手，手掌向下，好像在说明：现实世界才是他的研究课题；柏拉图则右手手指向上，表示一切均源于神灵的启示。这两个对立的手势，表达了他们思想上的原则分歧。其余的人，众星托月，有的在注视，有的正在谛听这两位老人的谈话， 自然地形成几个小组。 现在再介绍上层台阶上的人物：左上方柏拉图的一侧，一个大胡子老人沉浸在思考中，苏格拉底刚转身向旁人阐述伦理学上的论据，自左向右第五人是个青年军人， 名叫阿尔西比亚底斯，他的背后有一个人正在招呼走来的两个青年。右上方亚里士多德的一侧，两个倚在壁龛墙基前的青年，一个在写着，一个在思考，另一个黑袍人物却孤独地站着，这3个人与左面的一组，在动势上是相反的。 台阶下面的左侧，以坐在地上专注地书写着的数学家毕达哥拉斯为中心，一少年在旁给他扶着木牌，牌上写的是“和谐”的数目比例图。在他背后一个老人正在记录毕达哥拉斯的论据数，后面那个伸着脖子、头缠白巾的学者，即是回教学者阿维洛依。 背后稍远，还有一个头戴桂冠，胸靠柱基站立的人，他是语法大师伊壁鸠鲁。在毕达哥拉斯前面站立的那个用手指着书中句子的学者，是修辞家圣诺克利特斯，两人中间 还有一位身穿白色斗篷的金发青年，他面目英俊，表情冷峻，在向观众凝视着，被认为是弗朗西斯柯?德拉?罗斐尔，他是乌尔宾诺未来的大公。 台阶下右侧一组，中心人物是躬着身子、手执圆规在一块黑板上给学生演算的几何学家欧几里德（一说是阿基米德），周围是他的四个学生。这四个人似乎对老师的讲解领悟得不一样。旁边那个身穿古代黄袍、头戴荣誉冠冕、手持天文仪的，是埃及天文学家尔托勒密。在尔托勒密的对面，即是画家拉斐尔的同乡、建筑家布拉曼特（蓄须的老人），而最边上那个头戴白帽的人，正是画家索多玛，上面露出半个脑袋、头戴深色圆形软帽的青年，就是画家拉斐本人。把自己画进历史题材内，是当时画家们喜用的表现方式，只是拉斐尔留给自己的位置太少了点。 画中央的台阶上，躺着一个孤寂的犬儒学派哲学家第欧根尼。这位学者主张除了自然需要之外，其他任何东西，包括社会生活和文化生活都是无足轻重的，所以他平时只穿一身破烂衣服，住在一只木箱里。这个人物在构图上起了填补空白的作用，他 与右侧正往台阶上走去的两个人物相联系，同时又与左下角那个倚靠在石桌前沉思的学者赫拉克里特彼此呼应。赫拉克里特形象孤单，据许多学者考证，认为是拉斐尔参照了米开朗基罗的《创世纪》壁画里的一个预言家圣耶利米的形象的结果。事实上， 这里的许多形象，体格壮健，动作有力，与米开朗基罗的艺术形象颇有联系。更有意思的是，柏拉图的头像正是画家以达?芬奇的头像为范本的，可见拉斐尔对前述这两位大艺术家的崇敬心情。 这幅画的色彩处理也很协调，建筑背景全是乳黄色的大理石结构，人物的衣饰有 红、白、黄、紫、赭等色相交错。透视法的水平是很高的，它不仅增强了画面的空间深远感，连地面的图案，拱顶的几何装饰结构，都精确到可以用数学来计算。
浅析文艺复兴三杰的艺术风格
浅析文艺复兴三杰的艺术风格大一学习西方文化概论时，书中所说的那时文艺复兴的共同特点：人性的觉醒、个性的解放和感性之美。
他们的大多作品歌颂了人体的美，主张人体比例是世界上最和谐的比例。
从上了外国美术史纲要，便对文艺复兴时代艺术有了更加清晰的了解，特别对于文艺三杰达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的作品通过老师的讲解和自己查阅《西方文化概论》等书籍，大致了解到了文艺复兴时期三杰的艺术风格，所共有的特点：不仅重视形似，更加重视神似；在肖像画，壁画，纪念画，雕塑三杰皆取得了很高的成就；绘画中布局均称协调，色彩，光线运用适当，也是他们作品特色之一；三杰在对于绘画取势十分的传神，达到炉火纯青的地步，画中自然流露出一股浩然正气，使人观之肃然起敬，画中的意境更是把人物的心态和周围的环境有机的结合表达出来，主观和客观达到高度和谐。
三杰各有独特的艺术风格，给人以不同的艺术体验。
达芬奇的绘画是深沉和智慧并存。
他的人物肖像画画的和真人最为接近,具有鲜明的个人风格：他主张绘画不仅要求形似，而且更要求神似；他在绘画构图、明暗，透视、色彩等方面都有所建树。
要求画像在比例、透视等方面都正确。
他拥有人文主义思想并运用现实主义表现手法，把艺术推进到一个前所未有的高度，有人说他的艺术像镜子一样反映事物，却给人留下无限遐想的余地。
如他代表作《最后的晚餐》这幅表现基督被捕前和门徒最后会餐诀别场面的壁画，他用了巧妙的构图和独具匠心的布局，使画面上的厅堂与生活中的饭厅建筑结构紧密联结在一起，使观者感觉画中的情景似乎就发生在眼前。
在人物布局上，将基督独立于画面中央，其他门徒又单独构成三个三角区，每个三角形又通过门徒们相互关联的手势，指向中心，使得整个画面紧凑又不繁杂，这就是他智慧的最好表现。
门徒们分别表现出惊恐、愤怒、怀疑和慌张的表情，这些细致的描绘，突出了绘画的主题。
综上无不坚定了这幅画的经典与艺术史上的完美。
他的作品表现的是自然界的美，人体的自然之美，所以感觉他的绘画是艺术地再现自然。
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达芬奇，米开朗琪罗，拉斐尔，无疑是他们中杰出的代表，世人称他们为文艺复兴三杰。
列奥纳多·达·芬奇
列奥纳多·达·芬奇，意大利文艺复兴三杰之一，也是
整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表。
他是一位思想深邃，
学识渊博，多才多艺的画家、寓言家、雕塑家、发明家、
哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工
程师和军事工程师。
他是一位天才，他一面热心于艺术创达·芬奇
作和理论研究，研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学，为了真实感人的艺术形象，他广泛地研究与绘画有关的光学、数学、地质学、生物学等多种学科。
他的艺术实践和科学探索精神对后代产生了重大而深远的影响。
《蒙娜丽莎》世界上没有任何一件艺术品能像《蒙娜丽莎》
那样誉满全球，同时引来各式各样的说法和评价。
我们根据
瓦萨里的记载，可以确定，画中人为佛罗伦萨银行家弗朗斯
柯·捷列·佐贡多的妻子丽莎。
她出生于1479年，达·芬奇为她
画像时间是1503年，正是丽莎24岁的时候。
画中人的主要神情是“微笑”，世人称之为“神秘的微笑”。
银行家佐贡多以丰厚的酬金请达·芬奇为夫人作画。
当夫人出现在画家面前时，她身着华贵的连衣裙，梳着时髦的发式，一绺绺卷发散在双肩，明亮的眼睛闪闪发光，身体显得丰满，两颊绯红，颈项和手臂佩带着名贵珠宝，全身充溢着唯美但奢靡的贵族
气息。
当她用目光注视着这位鼎鼎大名的画家时，一颗能容无限智慧的苏格拉底式的脑袋映入眼帘，面孔下面布满银白色的胡须，看上去像是暂留人间的神，这与她终日见到的粗俗商人大不相同。
一瞬间发自内心的微笑，使她的脸显出夺人的光彩，令人神往，腼腆、调皮，似乎失去的青春又回来了。
模特灵魂深处的奥秘，被观察敏锐的画家一下子抓住了。
“我同意马上着手工作。
”达·芬奇向蒙娜丽莎点了点头。
为了维持丽莎的微笑，画家动用了智慧的脑袋，为她讲了精彩的愉快的故事，还请了各式各样的小丑、琴师、街头艺人为夫人表演，借以唤醒这位消沉、淡漠、昏昏欲睡的少妇。
丽莎坐定以后把一只手放在另一只手上，作出一个少妇的姿态，画家注意到夫人裸露的颈项和丰腴双手，可惜被金银珠宝所占有，画家对丽莎说：“如果夫人不反对的话，我想描绘不加任何装饰的颈项和手臂，这是属于您最纯真的美，请夫人去掉一切象征财富的饰物，让我尽情描绘属于你本人的一切丽质。
”于是丽莎急忙褪掉所有饰物。
我们现在看到的正是一位毫无修饰、情趣天然的少妇。
《岩间圣母》这是达·芬奇的一幅传统宗教题材画作。
画中人物虽然被一团潮湿的空气所包围，但是人体的轮廓在昏暗山岩的衬托下还是能明显地辨析出来，尤其是画家着力描绘的面庞被刻意营造出的神秘气氛所笼罩，人物轻柔、温存、纯真的表情栩栩如生地突显出来。
奇怪形状的悬石从湿漉漉的岩体上垂下，具有植物学准确性的花草从岩缝里穿凿而出，竟然能辨别出鸢尾花、银莲花、紫罗兰和一些蕨类植物。
远处蓝色的天空透过岩体之间的孔洞和夹缝呈现在人们的眼前，年轻的圣母玛利亚以温柔的手搂抱着下跪的幼婴约翰，她的另一只手则向儿子耶稣伸过去，天使乌列面向着观众，把他们引向画中，用手指示着这个场面，一连串手势代表保护、指示、祝福等含义。
这一组动作是按金
字塔的构图原理组建安排的，塔顶是圣母的头，侧边是他伸出的双手，底角是天使和婴儿。
列昂纳多把结构看作打开作品意图的钥匙，这很大程度上形成了文艺复兴盛期的古典主义金字塔式的人物构图。
米开朗基罗·博那罗蒂
米开朗基罗·博那罗蒂(Michelangelo Buonarroti,
1475－1564)，意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕
塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰
的代表。
与拉斐尔和达芬奇并称为文艺复兴后三杰。
《垂死的奴隶》云石雕塑.高229
厘米米开朗基罗创作于1513－1516年，现收藏于法国巴黎卢浮宫 《垂死的奴隶》两眼紧闭，似乎不是在迎接死亡，好象是在
休息。
他那安祥的脸上，没有垂死挣扎的痕迹，也没有因痛
苦而造成的痉挛，却呈现出一种梦幻般的平静和陶醉，仿佛
是一种摆脱了苦难的昏迷。
他左手支撑着头部，右手扶在胸
前，好象刚刚经历过严酷的折磨，精疲力尽，正在进入一种
解脱的状态。
《被缚的奴隶》，云石雕塑 高215厘米 米
开朗基罗创作于1513－1516年，现收藏于法国巴黎卢浮宫 《被缚的奴隶》与<垂死的奴隶>相比明显是另一种风格。
他如公牛一样健壮的身体呈螺旋形强烈地扭曲着，似乎正在力图挣脱身上的绳索，虽然双臂被反绑着，但全身的肌肉都紧绷着，让人感到那里蕴含着无比强大的反抗力量，相比之下，身上的绳索则显得那么脆弱无力，似乎仅仅成了装饰品。
他的头高昂着，紧闭着嘴唇，
垂死的奴隶
眼睛圆睁着，眼神中流露出反抗的愤怒和坚强不屈的意志。
这两尊奴隶雕像都是用来装饰陵墓的，最早的目的是来象征死者的权威，但在这里却变成了作者自己思想的真实写照。
雕像中的奴隶都被塑造成了渴望自由和解放的强壮青年，都有着年轻而健美的体魄这两尊雕像表现的仿佛不是奴隶，而是两个英勇的斗士，人的尊严达到了完美地体现。
当时米开朗基罗一直被迫为教皇和城市的统治者们服务，而作为一个具有人文主义思想的艺术家，他与他自己作品中的人物一样具有一种被压抑、被束缚而渴望解脱的痛苦，和实现理想的要求。
米开朗基罗不仅为处于动荡的祖国忧心忡忡，同时还苦于摆脱不了为统治者服务的命运——这是文艺复兴时期艺术家们的普遍遭遇。
他的精神空间是窒息的，只能在相对自由的艺术创作中发泄对统治者的不满和寻求精神上的解放。
他曾写到：“……在这样奴隶般和这样寂寞无聊的条件下，在斜路上，在极端的精神疲乏中，我应该雕刻自己神圣的制作……”。
后来由于势态的变更，米开朗基罗的思想变得深沉而苦闷，再也没有创造出类似这两件作品那样充满生命力的雕刻。
《摩西》，云石雕像，高255厘米，米开朗基罗创作于
公元1515－1516年，现位于罗马梵蒂冈圣彼得大教堂。
雕
像中的摩西是一位体格强健的老者，头上长有象征“神”
的一对犄角，身穿薄薄的无袖上衣，红肿的衣褶搭在两膝
间。
他双臂肌肉发达，手上青筋暴露，仿佛积蓄着无穷的
力量。
他一手抚弄着长及腰间的胡须，一手扶着刻有《十诫》的法版，头强烈地向左侧扭动着，威严而冷峻的双眼圆睁着，怒目而视，神情紧张，脸上充满了警觉的敏感。
虽然是在坐着，但整个身体的姿势呈现出
强烈的动感，左脚向后伸出，好象马上要站起来。
虽然怒气冲天，但作为一个以色列人的精神领袖，他又必须尽力克制自己的情绪，所以表现出一种异常复杂的心理状态。
他是一个悲剧性英雄人物的典型形象，仿佛大自然最本质力量的化身，具有震撼人心的力量，其中包含着艺术家对祖国命运的高度关注，和对人的尊严的无上崇敬，是作者人文主义思想的结晶之作，也被西方艺术评论家认为是米开朗基罗最成功的雕像之一。
拉斐尔
拉斐尔,（1483——1520）是意大利杰出的画家，和达·芬
奇、米开朗琪罗并称文艺复兴三杰，也是三杰中最年轻的
一位。
拉斐尔谢世时年仅37岁，但由于他勤勉的创作，给
世人留下了300多幅珍贵的艺术作品。
他的作品博采众家
之长，形成了自己独特的风格，代表了当时人们最崇尚的审美趣味，成为后世古典主义者不可企及的典范。
其代表作有油画《西斯廷圣母》、壁画《雅典学院》等
《圣母的婚礼》这幅画的构图样式、环境和人物配置皆模仿老师的佩鲁基诺画的《基督将天门的钥匙交给彼得》，人物造型除带有老师娴静优雅的风格特征外，开始显露自己独特的柔美风格。
画面取对称式布局，背景是顶天立地的多边形洗礼堂充满天堂。
大量使用水平线、垂直线和半圆形曲线，造成刚中有柔、简洁明快、整体变化和谐的美感。
画家巧妙地运用透视使空间深远。
《雅典学院》。
这幅巨型壁画把古希腊以来的
50多个著名的哲学家和思想家聚于一堂，包括柏拉图、亚里士多德、苏格拉底、毕达哥拉斯等，以此歌颂人类对智慧和真理的追求，赞美人类的创造力。
《西斯廷圣母》是拉斐尔最成功的一幅圣母像，
是他怀着虔诚的心情谱写的一曲圣母赞歌。
画面
采用了稳定的金字塔形构图，人物形象和真人大
小相仿，庄重均衡，画面背景全部用小天使的头
像组成，构思新颖独到。
圣母形象柔美圣洁，表
现了母爱的幸福与伟大。