意大利音乐中心时期下歌剧发展
17世纪到20世纪西方歌剧的发展
引言在17世纪到20世纪，西方歌剧经历了多个时期的发展，从最初的意大利歌剧到后来的德国和法国歌剧，不断演变和丰富。
在本文中，我们将从历史、文化和音乐等多个角度来探讨这一主题，以期对西方歌剧的发展有一个全面的理解。
一、17世纪：意大利歌剧的诞生和发展1. 奠基：意大利歌剧的诞生17世纪初，意大利的新威尼斯剧院为歌剧提供了舞台，莫札特的《多妮朵利嘉儿》等作品拉开了歌剧创作的序幕。
意大利歌剧以激情、表演和旋律为特点，为后世歌剧的发展奠定了基础。
2. 发展：巴洛克时期的意大利歌剧在巴洛克时期，意大利歌剧得到了进一步的发展和完善，著名作曲家普契尼的《里戈莱托》等作品在此时期涌现，对歌剧的形式和结构产生了深远的影响。
此时期的歌剧注重音乐和舞台效果的结合，呈现出极致的艺术表现力。
二、18世纪：法国和德国歌剧的崛起1. 法国歌剧的独特魅力18世纪，法国歌剧开始崭露头角，以其优雅的舞台设计和丰富的剧情著称。
作曲家朗基耶等人的作品，使法国歌剧逐渐成为欧洲歌剧界的一颗耀眼明珠。
2. 德国歌剧的探索与创新与法国歌剧相比，德国歌剧在18世纪进行了更为深刻的探索与创新。
莫扎特和韦伯等作曲家的作品，为德国歌剧注入了更多的戏剧性和音乐性，将歌剧推向了新的高度。
三、19世纪：浪漫主义时期的歌剧繁荣1. 情感表达的浪漫主义歌剧19世纪，浪漫主义时期的歌剧充满了浓郁的情感和戏剧性，作曲家梅耶贝尔等人的作品，将歌剧的音乐和剧情进一步结合，呈现出更为细腻和深刻的艺术表现。
2. 意大利歌剧的复兴：威尔第和普契尼在19世纪，意大利歌剧经历了一次复兴，威尔第的《茶花女》和普契尼的《图兰朵》等作品，使意大利歌剧再次在国际舞台上占据了重要地位。
其悠扬的旋律和深刻的戏剧性吸引了无数观众的目光。
四、20世纪：现代主义的歌剧创作1. 探索新领域：20世纪现代主义歌剧20世纪，现代主义歌剧开始在欧洲和美国等地兴起。
其作品的题材更加多元化，音乐风格更加大胆前卫，对传统歌剧形式进行了颠覆和重新诠释。
西方歌剧发展史研究
西方歌剧发展史研究西方歌剧是一种源远流长的艺术形式，随着时间的推移，其发展历程也别具一格。
从意大利的歌剧时期开始，到现代音乐剧的兴起，西方歌剧经历了数百年的演变和发展。
本文将探讨西方歌剧发展史，并对其重要阶段进行分析。
1. 意大利歌剧时期歌剧的历史起源可以追溯到文艺复兴时期的意大利。
在16世纪，科米迪亚德拉特雷剧院开始表演一些有音乐伴奏的小型剧目，随后，这些小剧目逐渐演变成了较为完整的歌剧作品。
意大利歌剧时期的代表人物为蒙特威尔第，他的作品包括《茶花女》、《修道院与女妖》等经典之作，这些歌剧作品的主题多取材于古希腊神话传说和意大利文学。
2. 德国歌剧时期18世纪，歌剧艺术开始向德国传播。
德国作曲家格卢克和莫扎特开创了德国歌剧时期，他们的作品注重情感体验，在表现人物内心的描写上更具深度。
此外，德国歌剧中的可塑性更强，更具有现代性。
3. 法国歌剧时期19世纪中叶，法国歌剧时期开始兴盛。
这一时期的歌剧作品在音乐上更为浪漫主义，旋律优美，情感热烈。
同时，法国歌剧也被赋予了更多的政治和社会意义。
巴黎歌剧院成为了法国歌剧的代表性舞台，瓦格纳的作品《尼伯龙根的指环》在这里首演，受到了观众的热烈欢迎。
4. 现代音乐剧时期20世纪，随着音乐和爵士乐的发展，音乐剧开始进化成为新的艺术形式。
现代音乐剧包括了音乐、歌曲、舞蹈和剧本，它创新性地将同一场景中的对话和歌曲进行混合，通过舞台表演和视觉效果，将观众引入心灵世界。
5. 当今西方歌剧随着时代的变迁，西方歌剧的演变仍在不断进行。
当今西方歌剧注重艺术表达的多元化，有的作品注重新颖的舞台效果，有的作品强调情感和人性的表现。
例如，《寻梦环游记》是一部现在备受瞩目的现代音乐剧，它通过中国古代神话，表现了现代社会的人性问题。
总之，西方歌剧是一种源远流长的艺术形式，它经历了数百年的发展和演变，从意大利的歌剧时期开始，到现代音乐剧的兴起，不断探索艺术创新。
当今西方歌剧及其代表作品的呈现，为我们提供了更多欣赏艺术、探究文化的机会。
意大利歌剧的发展及特征
意大利歌剧的发展及特征
意大利歌剧从17世纪末期开始发展，以威尼斯为中心地区，成为当时欧洲最受欢迎的音乐形式之一。
在18世纪和19世纪，意大利歌剧的影响力进一步扩大，成为欧洲乃至全球音乐文化的重要部分。
以下是意大利歌剧的主要特征：
1. 旋律美：意大利歌剧以旋律优美、充满感情的唱腔为特点。
演唱时要注意语气和情感的表现，配合唱词的意境。
2. 色彩丰富的配器：歌剧常用的乐器包括弦乐器、管乐器、钢琴和打击乐器等。
配器要准确、精细，以营造各种情境和氛围。
3. 精心编排的情节：歌剧的情节多为爱情、战争、权力斗争等主题，讲述人物之间的关系纷争，精心安排的情节，让观众陷入情节峰回路转的魅力。
4. 多人合唱：歌剧中常会有多人合唱的场景，此时要求演唱者的合唱技巧和协调度都非常高。
5. 声音的艺术：歌剧演唱要求歌唱者有高超的技巧和对声音的把握能力，以表达出人物内心世界，让观众理解和感受到歌词的内涵和情感。
总的来说，意大利歌剧的发展史和特征中体现了其丰富的历史底蕴，以及对音乐、情感和人文的深入探索和表达。
简述从17世纪至20世纪西方歌剧的发展及影响
简述从17世纪至20世纪西方歌剧的发展及影响从17世纪至20世纪，西方歌剧经历了一系列的发展和变革，对音乐、表演艺术以及社会文化产生了深远的影响。
17世纪是西方歌剧的起源阶段。
在这个阶段，意大利的歌剧首先崛起，并逐渐发展成为当时最重要的艺术形式。
意大利歌剧的特点是歌唱技巧的强调，表演方式偏向华丽和戏剧化。
画面感和戏剧冲突在意大利歌剧中得到了充分的表达，并且音乐与剧情的结合更加紧密。
18世纪，随着巴洛克艺术的兴起，西方歌剧也发生了一些变化。
意大利歌剧的形式开始趋向于结构化和规范化，音乐也变得更加复杂和丰富。
巴洛克歌剧强调悲剧和喜剧的对立，开创了音乐戏剧的新领域。
在这一时期，德国的音乐家约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的作品对西方歌剧的发展起到了重要的推动作用。
19世纪初，音乐的浪漫主义开始渗透到西方歌剧中。
浪漫主义的音乐风格注重情感的表达，诗意和神秘感的描绘。
意大利歌剧家范·齐克和德国作曲家理查德·瓦格纳成为这一时期最具影响力的创作人物。
范·齐克创作的歌剧具有激情和剧情冲突，并且以其卓越的音乐才能和歌剧剧本的编写能力而闻名。
瓦格纳的歌剧作品则追求更加完整和统一的艺术形式。
他创造了所谓的“音乐剧场”概念，将音乐、剧本和舞台设计有机地结合在一起。
他的作品突破传统的歌剧形式，融合了史诗般的叙事和哲学思考的内容。
他的作曲风格以其浪漫主义的情感表达和创新的编曲技巧而成为西方音乐史上的重要里程碑。
19世纪末和20世纪初，歌剧进入了现代主义阶段。
现代主义歌剧破坏了传统的和声和调式，探索了新的音乐形式和表达方式。
德国作曲家理查德·施特劳斯的作品代表了现代主义歌剧的典范。
他的作品《萨洛梅》和《约翰·肉屠夫》运用了新颖的和声技巧和复杂的音乐结构，以及以探索人性和社会问题为中心的剧情。
此外，20世纪还出现了更加多元化和实验性的歌剧形式，如美国作曲家杜封·亨斯勒的作品《彼得·格林的魔鬼波西米亚》和奥地利作曲家阿诺德·勋伯格的作品《织机》等。
17世纪意大利歌剧发展新
17世纪意大利歌剧发展学院：艺术学院学号：********姓名：***指导教师：***摘要：歌剧，作为一种高雅的艺术表现形式，已经融入了现代文明。
歌剧的兴起首先是在意大利。
意大利歌剧自佛罗伦萨兴起后，迅速发展到罗马、威尼斯、拿波里等各大城市，一直受到广大人民的喜爱。
本文主要对17世纪的意大利歌剧的发展做出浅要的分析。
关键词：意大利歌剧产生发展歌剧诞生于16世纪末到17世纪初的意大利，这种体裁把舞台戏剧与布景、情节和持续的音乐相结合，音乐中包括各种独唱、对白、合唱和器乐演奏。
早期巴洛克歌剧的一个直接的灵感来源是古希腊的戏剧。
在那些戏剧中，合唱和一些抒情段落是需要歌唱的。
人们相信古代音乐具有打动听众情感的力量，因此，也希望以类似的形式为基础来创作当代的音乐。
歌剧的更加直接的来源是幕间剧。
这是在文艺复兴时期的悲剧和喜剧的幕间上演的音乐短剧。
在一些重大的礼仪性的场合上，幕间剧可以变得非常壮观，有合唱、独唱和较大的乐队。
歌剧的诞生是和佛罗伦萨的卡梅拉塔（一个学者和艺术家的小组）的活动分不开的。
这个小组以贵族巴尔迪伯爵为首，从16世纪70年代起常在伯爵家中聚会，其中包括两位重要的早期歌剧的作曲家－雅可布·佩里和朱里奥·卡契尼，还有几位最有影响力的音乐理论家，如文森佐·伽利莱（科学家伽利略的父亲）。
他们在聚会中对音乐的讨论受到一位研究古希腊著作的学者吉罗拉莫·梅伊的信件的很大影响。
梅伊认为古希腊音乐之所以感人，是由于它是以单音旋律为基础的，这种旋律特别能够通过人声的自然表现而传达歌词中的情感。
佛罗伦萨卡梅拉塔成员的理论在佩里和卡契尼的一系列作品中得到了实践。
首先是在1597年，他们都为诗人利努契尼的诗歌《达夫尼》谱写了音乐。
这部作品可能是最早的歌剧，可惜只有一些片断保存下来。
1600年，佩里为利努契尼作词的《优丽迪茜》谱曲，表现希腊神话中的奥菲欧的故事，在佛罗伦萨为梅迪契家族的宫廷婚礼上演出。
浅析意大利歌剧的发展史
目录绪论 (1)一、意大利歌剧的诞生及早期发展 (2)（一）意大利歌剧的诞生 (2)（二）意大利歌剧的早期发展 (2)1. 蒙特威尔第与威尼斯乐派 (2)2. 卡瓦利和切斯蒂 (3)二、意大利歌剧的成熟 (3)（一）斯卡拉蒂与拿波里乐派 (3)（二）喜歌剧的诞生 (3)三、意大利歌剧走下坡路以及20世纪人们重新对他感兴趣 (4)（一）阉人歌手的兴起与意大利歌剧的衰落 (4)（二）意大利歌剧的复兴 (5)1. 罗西尼与意大利歌剧复兴的启航 (5)2. 威尔第与意大利歌剧革新 (5)3. 普契尼与真实主义歌剧 (6)结论 (7)参考文献 (7)浅析意大利歌剧的发展史摘要：歌剧是一种集诗歌、音乐、舞蹈等艺术形式为一体的综合艺术形式，诞生于16世纪的意大利，是文艺复兴过程中人文思想发展的结果。
1597年，里努契尼和佩利合作写出了世界上第一部歌剧——《达芙妮》，随后以蒙特威尔第为代表的威尼斯乐派将歌剧艺术带给了欧洲，经斯卡拉蒂的发展，意大利歌剧艺术走向成熟；18世纪末期，因守旧和“形式至上”等原因，意大利歌剧开始衰落，但经意大利歌剧三杰——罗西尼、威尔第以及普契尼为代表的剧作家们的努力创作和革新，意大利歌剧在20世纪重新走向辉煌。
本文考察了意大利歌剧的发展兴衰以及对文艺发展的做出的贡献，试图使人们更好的了解歌剧、欣赏歌剧。
关键词：意大利；歌剧；发展Abstract: Opera is a kind of comprehensive art form contained poetry, music and dance, which is born in Italy in the 16th century, and the result of development of humanistic thought during renaissance. In 1597, Rinuccini and Pelly created “Daphne”—the first opera in the world, and then Venetian School, represented by Monteverdi, took opera to Europe. After Scarlatti’s development, Italian opera drove to maturity; In the end of 18th century, due to the reason of conservatism, formalism and so on, Italian opera sank into a decline. But for the efforts of new dramatist, represented by Rossini, Verdi and Puccini, Italian opera go back to glory. This article investigated the evolution and the contribution of Italian opera to the development of literature and art, and tried to help audiences understanding and enjoying opera.Keywords: Italian; opera; development绪论歌剧起源于巴洛克时期（1066- 1750)，最初是由意大利佛洛伦萨的一群人文主义者为了复兴希腊时期的戏剧传统而创造的音乐形式，歌剧是综合诗歌、音乐和戏剧特点的艺术形式。
歌剧发展历程
歌剧发展历程
歌剧作为一种融合了音乐、舞台表演和剧情的艺术形式，有着悠久的历史。
以下是歌剧发展的简要历程：
文艺复兴时期（14世纪末至17世纪初）：歌剧起源于意大利的威尼斯，最早的歌剧被认为是在意大利的弗洛伦萨诞生的。
这一时期的歌剧以其对话、独白和合唱的混合形式为特征。
巴洛克时期（17世纪末至18世纪中）：歌剧开始在欧洲各地流行起来，成为贵族与上流社会的盛大娱乐活动。
巴洛克时期的歌剧以其华丽的音乐、精心设计的舞台布景和戏剧性的故事情节而闻名。
古典主义时期（18世纪末至19世纪初）：著名作曲家莫扎特和贝多芬等人为歌剧注入了更多的情感和个性化的音乐风格。
同时，歌剧的剧情也更加着重于人性的探索和情感的表达。
浪漫主义时期（19世纪中叶至20世纪初）：浪漫主义时期的歌剧作品充满了激情、英雄主义和戏剧性，例如威尔第和普契尼等作曲家的作品广受欢迎。
现代歌剧（20世纪至今）：20世纪以来，歌剧的创作变得更加多样化，包括了不同的音乐风格和主题，同时舞台表演和技术的发展也为歌剧注入了新的活力。
歌剧经历了数百年的发展，从意大利的小型表演到成为世界范围内备受关注的艺术形式，其影响力和魅力仍然持续至今。
希望这份简要的历史能够帮助你更好地了解歌剧的发展轨迹。
如果你对这方面还有其他问题，也欢迎继续探讨。
1。
歌剧的发展史
吴勇辉09401240124 电气本0901歌剧的发展史歌剧是音乐、戏剧、诗歌、舞台美术、舞蹈等交融于一体的综合艺术形式，是高度集中的舞台表演艺术,也是声乐艺术中难度最大,最具艺术魅力的重要艺术形式。
歌剧产生于16世纪末意大利的佛罗伦萨，它是著名的欧洲文艺复兴运动的产物。
1597年,诗人努尼里奇，作曲家佩里卡奇尼等根据神话故事写出了世界上第一部歌剧《达芙内》可惜早已失传，1600年作曲家丁·佩里所写的《犹里狄茜》是西方公认的第一部西洋歌剧，开创了歌剧的新纪元。
到17世纪上半叶（1637年）世界上第一座歌剧院在意大利威尼斯建立,名叫“圣卡西阿诺歌剧院",标志着歌剧已开始走向平民百姓,加之这时的歌剧在创作上的发展与创新、使歌剧从简单的叙述形式改变为戏剧性形式，从而使歌剧向前跨进了一大步。
到17世纪末，音乐发展达到了一个辉煌的时代,产生了几位划时代的大音乐家,其中包括意大利的斯卡拉蒂,法国的拉穆和德国的巴赫与亨德尔.当时在罗马影响最大的斯卡拉蒂,他一生写了115部歌剧，确定了歌剧咏叹调的ABA基本形式，并在A段反复时加上装饰音及华彩段，极大地发展了人声的歌唱艺术,丰富了歌唱的表现力，推动了歌唱技术的提高,但与此同时也带来了只顾炫耀技巧的不良风气，当时歌剧舞台上活跃着阉人歌唱家，人们挑选出一些音色优美的男孩,给他们施行阉割手术，使他们在保存高音音域的同时，保存了男子的力度；另一种不良现象是,剧院为了吸引观众，引进某些与剧情关系不大的奇特情景，豪华的布置或盛大的场面，这样做削弱了歌剧的戏剧性和思想内涵的表达，使歌剧的整体性与艺术性有所下降。
格鲁克是歌剧史上的改革者，他提倡音乐服从戏剧的效果，主张歌剧的戏剧性和音乐性的完美统一，反对故弄玄虚的浮夸做法，主张除掉那些同戏剧和台词无关的装饰音乐。
同时，格鲁克还提倡用本国语言创作，以发展各国歌剧，他的改革使歌剧通向了意大利浪漫主义的道路。
罗西尼是意大利浪漫主义歌剧的先锋,他创作了《塞维利亚的理发师》、《威廉退尔》等杰作，标志着意大利歌剧步入成熟期，与他同样有名望的作曲家有多尼采蒂、贝里尼等,他们作品的特点是演唱者不仅需要有高超的声乐技巧,而且音乐旋律也优美迷人，把歌剧艺术推到一个前所未有的高峰，迄今为止，演唱难度最大的歌剧基本上都出自这三位作曲家之手，人们还常把这一时期的歌剧称为歌剧的美声时期。
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浅谈意大利音乐中心时期下的歌剧发展摘要：16至18世纪的意大利是当时世界的艺术中心，也是歌剧的发源地。
在这段时期内，歌剧艺术经历了无数次的改良与重生，终于在艺术家们的努力下，奠定了现今歌剧格式，更让歌剧成为了音乐史上永远的传承。
歌剧诞生于16世纪的意大利城市佛罗伦萨，它的出现不仅彰显了音乐创作的成熟，也推动了美声唱法的发展，更出现了无数优秀音乐家与流派如蒙特威尔第和拿波里派。
本文将从16世纪的意大利开始，浅讲意大利歌剧的起源，发展及盛世的终焉，力图让读者能对音乐中心时期的意大利歌剧历史有一个基本的轮廓。
关键词：意大利歌剧美声唱法蒙特威尔第拿波里派中图分类号：g633.95 文献标识码：a 文章编号：1673-9795（2013）06（a）-0177-02歌剧是集独白，对话，表演，布景与几乎不间断的音乐于一体的戏剧。
在最初，这种表演形式被称为“drama per musicn（音乐的戏剧）”或“falora in musica（音乐的故事）”，而现在，人们称它为opera（作品），中国则译为“歌剧”。
从名字上看，中国的译名延续了它从前的涵义，而国际上已很难界定歌剧所倾向的重点到底是音乐还是戏剧，所以只好用这种模糊的名字作为它的通用名称。
而事实上，歌剧的侧重点一直在这两者之间摇摆不定，至少从侧面告诉我们，不管音乐或是表演，在歌剧中都是缺一不可。
虽然这种表演形式直到16世纪末才真正出现，但它的源头可以看作是16世纪时下流行的幕间剧，还有说法认为它源于蒙昧时期的西欧宗教剧和田园剧，更有甚者则追溯到古希腊，古罗马时期的诗歌配乐朗诵。
其实，在一个国家的语言与文化达到一定的高度，就会想用一种更加美妙的方法表现自己的文明，那就是音乐加语言。
我国不也在千年前就出现了《诗经》吗？从神权到人治，这是国家的发展轨迹；政治中常说，政治，经济和文化相互影响，相互作用；而与它息息相关的艺术，也渐渐摆脱了“赞颂神灵”的桎梏，转而向高贵的人性顶礼膜拜，歌颂神祇一般咏叹这人间一切美丽与污秽。
一生一世一场戏，这就是歌剧艺术。
1 歌剧的兴起文艺的中心最早出现在意大利并不是偶然。
且不说在14世纪开始的文艺复兴给意大利的人文及艺术带来的风卷残云一般的洗礼，就说16至17世纪欧洲大陆动乱不断，三十年宗教战争让英国、法国、西班牙和德国都出现了不同程度上的民不聊生，特别是德国，每次大战就没辉煌过。
相比之下，意大利的日子就显得怡然的多。
乱世百家论，盛世文艺行。
古人云：仓廪实而知礼节；当国家的经济强盛，国民才会把目光从农业生产集中到高层次的生活内容上，历史的游戏规则总是不尽相同。
当时的意大利正处在繁盛的海外贸易时期，再加上和平的日子，一切也就这样应运而生了。
意大利歌剧产生在16世纪末的意大利城市佛罗伦萨。
当时，有一群热爱艺术的有志青年，经常在一个名为巴迪的文艺爱好者家中聚会，共同探讨科学、文学也艺术的问题。
这便是后世所熟知的“卡梅拉塔（camerata）”社团。
他们多数受到文艺复兴的影响与启发，开始研究古希腊的文明，致力于把古希腊文学与音乐结合，形成一种新的表现形式，从而达到复兴古希腊悲剧的目的。
既然已经确定文学载体为古希腊悲剧，接下来便要在音乐方面做出改革。
我们知道，16世纪是复调音乐的主流时期，这取决于蒙昧时期宗教的主宰地位（宗教音乐所采用的基本上是对位复调音乐）。
而新音乐需要的，是古希腊时期的单旋律音乐，简洁但动人。
佛罗伦萨学者吉罗拉莫·梅曾说：“希腊人的音乐之所以能获得强烈的效果，是因为它由单旋律组成，不论是独唱，带伴奏唱还是合唱。
”多旋律的合唱在那时总是带着空灵而高傲的感觉，像神灵极高处俯瞰人类，而虔诚的信徒却不敢抬头玷污这目光。
这是束缚。
且改革者认为，复调音乐对歌词并不凸显，甚至遮蔽，因此，他们决定向对位复调音乐进行挑战。
社团成员卡契尼在其著作中引用柏拉图的话：“音乐中语言第一，节奏次之，声音居末”作为理论依据。
这也促使了“新音乐”风格的形成。
“新音乐”风格的出现是歌剧创作的前期准备。
它有两项影响深远的变革：（1）“新音乐”不再遵循复调音乐强调的歌词必须服从音乐的观点，它认为音乐必须服从语言；（2）声乐与器乐相互结合。
尤其是第二次变革，对管弦乐队的出现有着重大影响，是的人声与管弦乐队的发展与完善为歌剧艺术奠定了基础。
戏剧院的出现也对意大利歌剧的普及奠定了基础。
1597年，意大利真正意义上第一部歌剧《达芙妮（dafne）》（已失）在科尔西宫邸演出，那是还没有一座剧院，即便引起再大的轰动，也只是少数人的惊艳。
威尼斯第一座歌剧院于1637年建成。
在首演的佛朗西斯科的《安德罗梅达》成功后，贵族们意识到这是显示自己庞大财力与地位的好方法，便在极短的时间内就修建了12所。
至此，意大利歌剧开始进入蓬勃的创作时代，各种作品层出不穷，且人才辈出。
早期作品除了已经遗失的《达芙妮》，还有三部完整的曲谱流传了下来：佛罗伦萨作曲家佩里及卡契尼各自版本的《尤里狄茜（euridice）》和卡瓦利埃作曲的罗马道德剧《灵魂与躯体》。
后者可谓是罗马歌剧的先驱。
2 蒙特威尔第在17世纪音乐史上，克劳迪奥·蒙特威尔第（1567—1642）占有着举足轻重的地位，是歌剧的鼻祖。
他是第一个使歌剧戏剧化的作曲家，这得益于管弦乐的兴起，可以奏出戏剧的效果。
它的第一部歌剧《奥菲欧（l’orfeo）》获得巨大的成功多由于这一点，还有一个原因就是他对新宣叙调的得心应手，让观众沉入了极悲极喜的戏剧魅力之中。
蒙特威尔第不仅是歌剧的奠基人，也是意大利牧歌的奠基人。
丰富的牧歌音乐修养为他的歌剧创作打下了基础，就连在歌剧的创作中也加入了牧歌的元素，由于当时牧歌是意大利一种流行曲种，这也让更多人对他的歌剧音乐产生共鸣。
3 美声唱法与阉人歌手在17至18世纪的意大利，随着歌剧的发展与剧院的兴建，如卡瓦利、切斯蒂等杰出的作曲家开始服务于供不应求的歌剧行业，更产生了愈来愈多的优秀作品。
由此也产生了一些问题；谁来唱，如何唱？早在15世纪，由于教会禁止妇女进入教堂唱诗班，穷人便把自己多出的孩子送去阉割并由教会挑选漂亮的嗓音后进入教堂代替女人唱歌。
这类阉人歌手有着一副纯净优美的声音，低音若男子般沉静，高音似女子般翩跹；更重要的是，他们有一腔强劲的肺活量，使得他们能在一个音上停留更长的时间却没有杂质。
一把好声能让人趋之若鹜；当阉人歌手首次在正歌剧中惊艳全场后，便开始在这一行业大红大紫，吸引了无数官员贵族的青睐，邀请他们至府邸演唱。
此后，更多的阉人歌手出现在歌剧中替代正常男女歌手演唱，许多名作曲家如蒙特威尔第，莫扎特，亨德尔等都愿意为他们量身打造。
特别是亨德尔，他曾为其“钦点歌手”塞内西诺专门谱写了多部歌剧，如《塞尔斯（serse）》等。
可以说塞内西诺为亨德尔的歌剧事业做出了很大的贡献。
美声唱法也在这一时期得以形成。
美声唱法的意大利文“bel canto”意为“美妙的歌唱”，而这美妙的歌唱指的正是阉人歌手。
17到18世纪是炫技型声乐的巅峰，阉人歌手们在占领乐坛后由于种种原因开始肆无忌惮地攀比起自己的演唱技巧，在咏叹调中加入各种装饰音与华彩段，更有甚者为了突出自己的炫技而自改内容，让观众们只臣服于这争宠般的鏖战中却不那么注重歌剧本身。
声乐得到了长足的发展，音乐也由此开始走下坡路。
19世纪末，意大利宣布阉割男童为不合法后，阉人歌手开始退出历史。
再加上声乐教育的发展使正常男女声重新被人们发现优点，声乐大师曼奇尼也把声音分为男高音，男低音，女高音和女低音，代表着正常男女声始终是不可逆主流。
至此，歌剧史上最璀璨却又黯淡的一页终是被无情地翻过。
4 拿波里派18世纪是作为音乐中心的意大利最后的辉煌。
慧极必伤，盛极必衰；这条规则适用于任何领域。
这一时期的正歌剧已经发展到了一个成熟的阶段，在经过卡瓦利埃，蒙特威尔第等人后，主流成为了以a·斯卡拉蒂为首的拿波里派。
其作曲家遍布欧洲重要文化中心——伦敦，圣彼得堡，维也纳等。
在他们的传播下，意大利真正意义上成为了艺术中心，因为许多国家的音乐都带有意大利的影子。
斯卡拉蒂的歌剧继承了威尼斯歌剧的发展路线。
他注重音乐对歌剧的表现力，而非歌词占主导地位，在这种想法驱使下，他率先使用了一条无歌唱的“序曲（overture）”作为歌剧的开端，代替了以往歌剧开头的“序幕（prologue）”，而序幕是带歌词的。
斯卡拉蒂歌剧的音乐目的在于把剧中人物的强烈感情着重表现出来，而不在于描写歌剧的“戏剧性”。
这和歌剧形成的初衷已经相去甚远。
拿波里歌剧的发展，促使了宣叙调与咏叹调的发展。
这一时期出现了两种宣叙调：一种被称为“白语宣叙调”，伴奏只有羽管键琴和一件持续的低音乐器伴奏，接近说白；第二种称“有伴奏宣叙调”，用于配合激烈的戏剧性场面。
而咏叹调则被斯卡拉蒂逐渐用“返始咏叹调”所代替，也就是a-b-a的音乐形式，这是世界公认的最能表达作品整体性的完美形式，不仅在以后的歌剧中频繁出现，就连后世的艺术歌曲也乐此不疲的使用。
斯卡拉蒂的音乐类型很多，但他喜欢在表现某种感情时使用固定一种类型音乐，在被大众所接受后，人们把歌剧咏叹调分为“性格咏叹调，抒情咏叹调，豪装咏叹调，朗诵咏叹调”等。
在后来歌剧艺术衰落时期，这便成为了一种固定模式。
继斯卡拉蒂后，拿波里派又出现了许多作曲家，如波波拉，雷欧，佩格莱希和奇马罗萨等。
他们的歌剧不再以正歌剧为主，渐渐转而创作喜歌剧，毕竟拿波里是喜歌剧的诞生地，无可厚非。
他们的作品中，多数与斯卡拉蒂如出一辙的让音乐的存在感越来越强，有着华丽的舞台和演唱。
我们知道，17至18世纪美声唱法发展得华丽且奢靡，让观众们过分追捧，也使得意大利歌剧在欧洲长盛不衰。
在现在看来，那时的歌剧艺术渐渐成为了浮夸外表下的娱乐附属品，不再是那群满怀梦想的青年的梦。
而戏剧的戏剧性与华丽的外表，又是歌剧难以两相全的。
拿波里派歌剧最突出贡献，就是让音乐在歌剧中占据了主导地位，即使放轻了戏剧性的位置。
5 结语至18世纪，意大利音乐中心的时期已经到了落日的余辉。
在亨德尔，莫扎特等人的努力下，重心渐渐转移到了德国，不过，这些都是以后的事了。
长盛必衰，意大利的歌剧发展经历了一段千秋盛世，给后人留下了无数的瑰宝，真真让人一叹，这终点怎来的这样快，叫人措手不及，仰天叹惜。
历史已经过去，后辈无福重历，只能在白纸黑字的记载中刻画当时的场景，以夸张，以想象；只为这段传奇的历史，能重现盛世的奢华。
歌剧是一种别致的戏剧，它倾尽所有赋予角色浮华的音乐，瑰丽的舞台，刻画了每个人跌宕的一生，却终究看不到自己。
参考文献[1] （英）杰拉尔德·亚伯拉罕，著.简明牛津音乐史[m]，顾犇，译.上海：上海音乐出版社，1999.[2] （德）保罗·贝克，著.西方音乐的历史[m].陈小菊，译.陕西：师范大学出版社，2009.[3] 张洪岛，主编.欧洲音乐史[m]，北京：人民音乐出版社，1983.。