山水画的发展历程

中国山水画的发展历程中国山水画,源远流长;表现了丰富多彩的自然风光,体现了中国人的美意识;中国大百科全书美术卷将山水画分类为：青绿山水金碧山水、水墨山水墨笔山水、浅绛山水淡着色山水、小青绿山水和没骨山水;从山水画的萌芽期魏晋南北朝始至隋唐五代日渐成熟,直至两宋形成了繁荣的景象,到元代达到了高潮,随着明清商品经济的发展,山水画走向了没落;魏晋南北朝时期,中国社会“仕隐分工”,形成了隐士阶层,隐士们厌烦世事纷繁,回归自然,深入山水,通过自然山水以“畅神”“澄怀观道”,追求“天人无际”、“天人合一”;使山水画成为独立的画科,宗炳起了巨大的作用;宗炳的画山水序以及王微的叙画作为山水画初期的山水画理论,是难能可贵的;在魏晋南北朝时已逐渐从人物画中分离出来,形成独立的画料,到唐代已完全成熟;山水画,是吸收自然之精华,天地之精华,所以阴阳、晦冥、晴雨、寒暑、朝昏、昼夜有无穷的妙趣;从六朝到唐山水画家虽然很多,但他们的笔法,位置却很古拙;从隋朝就开始出现山水画,山水画强调“平远”、“高远”和“深远”,运用散点透视法,平远如同“漫步在山阴道上”,边走边看,焦点不断变换,可以画出非常长的长卷,括进江山万里；高远如同乘降落伞从山顶缓慢下降,焦点也在变换,从山顶画到山脚,可以画出立轴长卷；深远则运用远近山的形状深淡对比,画出立体,山谷深邃的效果;从古代起,中国的山水画的特点是必须有人或建筑出现在画上,这幅画才显出生气；日本古代虽然也是学习中国画的技法,但日本的风景画始终没有人或动物出现,显示的是宁静的气氛；从唐朝开始,中国的山水画开始分为南、北两派,北派的创始人是唐代画家李思训,他发明的大斧劈皴法,画中重用色彩,浓墨点苔上也用鲜亮的石青敷色,非常适合表现北方阳光灿烂、峭壁高耸的山峰;宋代的画家张择端、李唐、马远、夏圭等继承了他的风格,形成一种派别;南派以被评作“诗中有画,画中有诗”的着名诗人王维为滥觞,运用披麻皴和宋代画家米芾发明的雨点皴或叫米点皴,多用墨色少用颜色表现蒙蒙细雨中的江南丘陵,后来发展到只用墨的水墨山水,王蒙、倪瓒等画家发展形成了南派风格;元代山水画趋向写意,以虚带实,侧重笔墨神韵,开创新风；明清及近代,续有发展,亦出新貌;表现上讲究经营位置和表达意境;传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式;从明代后期到清朝时,山水画陷入了形式主义的格式套路,画家不再观察自然,从临摹古画技巧入手,随意摆布画中构图,虽然明、清时期出现许多花鸟画和人物画的大师,但山水画的发展停滞不前,芥子园画传更将山水画变成一种八股;直到近代,山水画又重新发展,新一代大师如黄宾虹、李可染、张大千、傅抱石、关山月等人吸收西方绘画理论,深入观察自然,创造自己的风格,使山水画重新注入生气,将山水画发展到一个新阶段;尤其是傅抱石和关山月为人民大会堂合作的江山如此多娇开创了国画巨幅山水的先河;现代又出现许多表现新的题材的年轻山水画家,用国画技法描绘黄土高原、西北大漠、西藏雪山、热带雨林,甚至境外各国的风景;山水画出现一个全新的局面;中国古代山水画的审美特征中国古代山水画也有它自己的艺术传统;这首先表现在：要求创造情景交融的意境;为此,要求山水画家“外师造化,中得心源”,读万卷书,行万里路,不满足于对自然景物的客观描绘,要求画家把对自然景物的认识与感受,与被描绘的客观对象很好地结合起来,达到情与景有机地融合在一起;在这种融合中,表现出一种十分鲜明的、可给人以启示和想象的自然景象,同时又包含着耐人寻味的意蕴;当然,延续了近千年的中国古代山水画,在意境的创造上有一个演变的过程;在唐代有王维、李思训等山水画家,后世称为“南北宗”；再以中国古代山水画的高峰时期——宋、元的山水画来说,大体经历了北宋、南宋和元代三个阶段,这三个阶段的山水画呈现出彼此不同的面貌和意境;北宋特别是前期的山水画,虽然在所描绘的自然景物中包含着画家对这些景物的感受和理想,但更主要的还是以客观地描写自然物为主,如北宋最着名的山水画家范宽、郭熙和王希孟的作品就鲜明地体现了这一点;现存的范宽最重要的代表作溪山行旅图,描写北方雄伟的高山峻岭,一座巍峨的山峰几乎占满了大半个画面,给人以“高山仰止”之感;整个画面笔墨浓重粗壮,通幅无一败笔,于沉雄之中见精微;郭熙的代表作早春图,描写北方早春时节清晨的景色,着重表现自然界不同季节的不同特征;王希孟的千里江山图长卷,成功地运用中国山水画“咫尺千里”的表现手法,以浓重的色彩,宏大的气势,描绘了祖国山河的辽阔和壮美,抒发了画家对大好河山的热爱;南宋的山水画与北宋的山水画有显着的不同,突出表现在迫求诗的意境;现存的许多南宋山水画作品的标题就很富有诗意,如深堂琴趣、风雨归舟、秋山远眺、秋江暝泊、寒江独钓、长桥卧波、烟江欲雨等等;南宋着名山水画家马远的寒江独钓图就很有代表性;画家以大胆的艺术概括,把与作品所要创造的意境无关的可有可无的景物一律删除,只画了一叶扁舟漂浮在水面上,一个渔翁独自在船上垂钓,除寥寥几笔画出几道水波外,画面上出现大片的空白;表面看这些空白都是虚的,而实际上并非空白,而是虚中有实,这“实”既代表水——一片汪泽,也代表天;正是这种水天一色,无边无际,空旷渺漠的境界,更突出了江面的辽阔和寒意萧索的气氛和渔翁寒江独钓的情景;这种根据创造意境的需要在画面上留出大片空白的艺术手法,正是中国画在构图上的一个重要特点;它也是画面形象的组成部分,因为既是创造意境的需要,又是增强画面形式美的一种手段;因此,中国古代画家把这种运用空白的艺术手法称之为“计白当黑”;以马远为代表的南宋山水画,尽管题材、场景、画面小得多了,但由于极力追求诗的意境,善于进行大胆的艺术概括,运用以少胜多的艺术手法,作品的意境更为浓厚、鲜明,显示了中华民族美学传统的重要特色;到了元代,山水画在意境的创造上更强调主观抒发与个人风格的创造;正如元代着名画家倪瓒所说的：“仆之所谓画者,不过逸笔草草,不求形似,聊以自娱耳;”他的六君子图便是如此;画家描写江南秋天景色,但重点是画松、柏、樟、楠、槐、榆六棵树,并称它们为“六君子”;正如元代另一着名画家黄公望在此画的题诗中点明的“居然相对六君子,正直特立无偏颇”,显然是借景抒情;同时,全画气象萧疏,近乎荒凉,用笔简洁疏放,突出地表现了倪瓒独特的艺术风格;同是元代着名画家王蒙的山水画则又是另一种风格;如青卞隐居图描写浙江吴兴县北卞山的自然景色,整个画面茂密苍郁,气势雄伟,与倪瓒的山水画形成了鲜明的对比;这就是元代山水画在努力创造情景交融的意境的同时,更强调艺术个性的反映;其次,中国古代山水画在空间的处理上,与人物画一样,具有自己鲜明的特色;西方传统的风景画是以透视学的原理去处理自然景物的空间关系,而中国的山水画则采用“以大观小”、“小中见大”的手法,即把山水画家自己看作是一个巨人,面对自然,如作盆景观;这样,千里江山也可以尽收眼底,或用长卷的形式加以表现,如前面谈到的北宋画家王希孟的长达11米多的青绿山水长卷千里江山图；或以中国画特有的高远、平远、深远的构图方法,画繁复的崇山峻岭,如前面谈到的北宋画家范宽的溪山行旅图、郭熙的早春图,以及元代画家王蒙的青卞隐居图,其空间处理突出地体现了中国山水画独特的构图方法;中国古代山水画创造的这种独特的处理空间关系的艺术手法,既体现了中国画家独特的观察自然的方法,同时也蕴含着中国民族的审美胸襟,体现了中国人的自然观;此外,中国山水画在长期的发展中,为了更好地表现各种树石的特点,根据各种山石不同的地质结构和树木表皮状态,加以概括而形成了许多行之有效的表现程式,如表现山石的皴法就有披麻皴、折带皴、斧劈皴、雨点皴、卷云皴、荷叶皴等十多种;在这些表现程式的应用上,反对照搬,主张灵活运用,所以不断有所发展;在山水画的笔墨技法上,也较人物画、花鸟画更为丰富多变;如笔法中包括上述的山石多种皴法和点苔法等；墨法中湿者为“染”,干者有“擦”,趁湿相化为“破墨”,以干累积为“积墨”等等,可见中国古代山水画也同样形成了自己独特的艺术传统和体系;中国画写意山水画着色方法国画古称丹青,可见中国画非常重视设色;着名国画家谢玉玺告诉我们,古代中国画的设色颜料种类都极为简单,一般是自然的植物色或矿物色;就拿“丹青”二字来说,丹是朱砂朱红色,青是蓝靛青色,朱砂是矿物色,蓝靛是植物色,这两种颜色都是古人绘画常用的颜色;晋书·顾恺之传：“尤善丹青,图写特妙”;杜甫丹青引赠曹将军霸：“丹青不知老将至,富贵于我如浮;”谢玉玺说,“丹青”之名为古人习用,那时并没有“国画”或“中国画”的称谓,因而“丹青”一词在古代泛指绘画艺术;中国画用色方法有以水墨为主,不着色或少着色的水墨法;有多以花青、藤黄、赭石为主的浅绛色轻着色法;这二种方法多用于写意画;再就是称为大着色的重彩法,多用在工笔画上,多以石青、石绿、朱砂、金银等矿物色,一般要多次涂染,厚重而又鲜艳;由于受颜料类别的限制,中国画的“颜色”表现也具有了相应的一些特点;首先,中国画的用色相对来说以黑与白为主色,“黑白分明”对比强烈;比如竹子,本来是绿色的,而传统绘画中所表现的竹子,却是黑色;谢玉玺告诉我们,宋代的苏东坡曾用朱砂画竹,称为“朱竹”,其竹风致潇洒,极有艺术魅力;其次,中国画着色常具有画家的主观色彩,甚至抛弃描绘对象本身的颜色;谢玉玺举例说,比如唐宋的大青绿山水,用大片的石绿、石青画成,用泥金勾勒轮廓,涂染天和水,山间云雾则用白粉堆染,画秋景就用朱砂点出丹枫,画面极有感染力;另外,谢玉玺还告诉我们,古代画家所用颜料,多是自己动手制作,原料很地道,通过研、炼、沉等制作过程,分出深、浅、精、粗,然后选用;古画矿质颜料多,制作精良,虽千年仍不变色,例如国画以及汉墓壁画,至今仍保持鲜艳的色彩; 发展至今,颜料种类也越来越丰富;谢玉玺向记者展示了自己作画用的各种颜料,解释说现在的动物性颜料和化学颜料,动物性颜料有胭脂、牡丹红、鲜明血膘、漂净蛤粉;胭脂画时要用热水调,牡丹红在阳光下褪色很快,胭脂也易变色,蛤粉为不透明颜料,其他为透明颜料;化学颜料有漂净铅粉、锌白、钛白、大红、深红、铬黄等;说起这些来,国画大师谢玉玺真是如数家珍;山水画中以纯墨色来画的,就是水墨画,亦可在水墨的基础上,待墨稿干后,根据画面需要着色;最简便的着色方法是使用浅绛着色法;绛为红色,浅绛山水原是指以淡赭色为主调的传统山水画,后泛指在水墨的基础上浅着色的一种画法;当写生画墨稿完成以后,感到意犹不足,即可在其上着色来丰富画面的效果;写生画对色彩的要求,不强调景物条件色的变化,而以大面积平涂的装饰色为主,注重景物固有色,如树干用赭色,树叶用汁绿,石根用淡赭,石面即涂上墨青或汁绿、花青等;所使用的原料不外乎赭石、花青、藤黄、朱磦、曙红等,且以前三种色最为常用,一般若备上三四种色就够了;着色的方法是,首先要根据画面意境主题表达的需要确定主调,如以赭色为主的则是暖调子,以汁绿、花青为主的是冷调子;在一个主调的统摄下辅以其他色相与之对比呼应,使达到既有对比又统一和谐的艺术效果;切忌在设色中没有一个调子,一块绿一块红,繁琐拼凑,反而把画面效果破坏了;画面色调起决定作用的是墨色,着色的目的是补充墨色的不足,所以着上去的色一般宜薄,水分宜多,掌握好着色的先后顺序;如画树木,先用赭色着树干,再用汁绿着叶子;画峰峦山石,先用赭色着峰、石的阴面,再用汁绿或墨青着阳面,也可根据处理色调的需要,用其他不同的设色方法;着好第二遍色以后,由于着上去的色降低了墨稿中黑白的对比效果,干了后,画面可能会在明度对比上减弱,色调会变灰,这时就需要用笔墨再局部进行皴擦,把精神提出来,接着用颜色局部再加,使层次更深厚;这样反复递加,遍数不拘,直到把画中意境充分表现出来为止;山水画写生的设色方法是很多的,上述的一种是传统设色方法,也可在写生时直接用墨调着色来作画,丰富画面色调的变化;此时色即是墨,墨也是色,色墨混合,其画出来的效果也有异趣;也可在写生中用西洋画的工具材料和方法,如水彩、水粉的颜料与国画颜料结合使用,与其他画种的技法特点融合在一起,这些方法,都可以在写生实践中去大胆地尝试,在写生中探素出一套中国画用色的新方法;怎么欣赏山水画,欣赏山水画只止于能否“看懂”,他们的欣赏步骤是：画的是什么画得像不像画家这种造型的寓意是什么如果都回答出来了,便认为这幅字画他们看懂了,如果回答不出来,便认为是看不懂;这种欣赏的方式其实就是线性的思维方式,很片面不深入;用这种方法来欣赏中国山水画,一般来说,工笔山水比较容易看懂,因为他描绘的都比较真实;如果水墨大写意山水画,就很难欣赏了,因为它具体,太抽象;当然,一般人用这种方法欣赏山水画是完全可以理解的,因为画得像,看得明白,才容易引起联想、产生共呜;但是我们必须明白,一幅山水画作品的好坏,却不是以“像”或“不像”来衡量的;就艺术而论,我们衡量一件山水画作品的好坏,或我们欣赏一件山水画作品,首先不在于它像或不像,而在于山水画作品的主题,或者说山水画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪,能否紧紧地抓住观赏者的心弦,能否给人以充分的艺术审美享受,并使人从中获得某种启迪和教育;应该说,这才是一切艺术作品的真正目的;像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身;因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准;那么,画家们是怎样来看画的呢就国画而言,内行人看画一般是看画面的整体气势,用美术术语来说就是先体味其“神韵”,或者“神似”,然后再看它的笔墨趣味,构图、着色、笔力等;最后才看它的造型,即像不像或“形似”;内行人的这种抓“神韵”的欣赏方法当然是抓住了实质,因为“神韵”就是一种高的艺术审美享受,常常是中国画家们的追求达到的目标;当然,一般的人要从画中去体验到一种“神韵”却并不是一件容易的事,那不但需要一定的审美能力、艺术修养,也还需要具备一定的山水画方面的基本知识,特别是通过山水画而训练出来的一种“感觉”;所以要很好地欣赏山水画,还得具备多方面的才能和艺术修养;但是,如果我们从以下几个方面去欣赏山水画作品也许更能理解一些;有人提出,字画鉴赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段,那么从这样三个方面去欣赏山水画作品是很有道理的;审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象,即艺术作品本身,我们可以去感知山水画上画的是什么画得像或是不像,色彩是鲜明的或是灰暗的,线条是流畅的或是笨拙的,表现手法是工笔的或是写意的等等,总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受;第二步,在审美感知的基础上进行审美理解;即在直观感受的基础上,进行理解和思考,把握作品的意味、意义和内涵;这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等,这就需要充分调动我们的思考能力;我们可以一步一步地想下去：这幅山水画作者想要表现什么是通过什么手法来表达的所采用的艺术手段是否恰当能否充分地表达出主题同时,透过作品的画面,猜测作者的心思,是热情地歌颂或是辛辣地讽刺；透过画面的气氛,体验画面的情调：是深沉或是豪放,是乐观或是悲伤;再还可以根据已有的知识结构,结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析;最后山水画的欣赏,还有一个审美创造阶段;就是通过审美的感知和审美的理解后,在对作品审美的基础上进行再创造,通过自己积累的美得体验、文化知识、生活感受等进行丰富的想象、再创造出一个新的意象来;这样你才能真正的欣赏到山水画的美来;。