古典油画
浅析俄罗斯古典油画的特点
浅析俄罗斯古典油画的特点
俄罗斯古典油画是指18世纪至19世纪初期，在俄罗斯苏维埃社会主义共和国（现为俄罗斯联邦）兴起的艺术流派，它受到欧洲古典主义和新古典主义的影响，同时也融合了俄罗斯本土的传统和文化元素。
俄罗斯古典油画在画面构图、色彩运用、题材内容等方面都有其独特的特点，下面将对俄罗斯古典油画的特点做一些浅析。
在画面构图上，俄罗斯古典油画通常采用对称、平衡的构图方式，明确的主次关系和层次感是其构图特点之一。
例如在人物画中，常常采用对称的构图，人物的身姿和动作都十分优美和规整，画面布局上追求一种完美的和谐和对称。
而在风景画中，也同样注重构图的平衡与对称，使整幅画面显得庄重而平衡。
在色彩运用上，俄罗斯古典油画注重色彩的推崇和运用，追求色彩的鲜艳和对比。
尤其是在人物画中，色彩的运用往往比较明快、饱满，用色十分丰富，以突出人物的个性和气质，同时也突显出情感的高亢与热烈。
而在风景画中，色彩的运用往往比较深沉，富有浓厚的情感，通过色彩的变化来表现出不同的气氛和情绪，从而使整幅画面更具表现力和感染力。
在题材内容上，俄罗斯古典油画的题材广泛，包括人物、风景、历史、神话等多种类型，但都体现了丰富的人文情感和深厚的文化底蕴。
在人物画中，常常表现出英雄豪杰、劳动人民、宗教题材等，以及对人物内心世界的深入探索。
在风景画中，常常表现出俄罗斯特有的大地风光和辽阔的自然景色，以及对自然天地的敬畏和赞美。
在历史和神话题材中，常常表现出对俄罗斯历史文化和民族传统的传承和弘扬，以及对古代神话传说的诠释和再现。
古典油画人物赏析
1、技法变革：凡艾克《阿尔诺芬妮夫妇像》 2、人文主义：达芬奇《蒙娜丽莎》 3、时代精神：拉斐尔《西斯廷圣母》
二、中国人物油画古典风简介
1、靳尚谊《塔吉特新娘》《女青年歌手》 2、罗中立《父亲》
杨·凡艾克《阿尔诺芬妮夫妇像》
扬·凡·艾克（Jan Van Eyck又译扬·凡·爱克） (1385年-1441年)， 尼德兰画家，是早期尼德兰画派最伟 大的画家之一，也是十五世纪北欧后哥德式绘画的创始， 尼德兰文艺复兴美术的奠基者，油画形成时期的关键性人 物，因其对油画艺术技巧的纵深发展做出了独特的贡献， 被誉为“油画之父”。
拉斐尔】《西斯廷圣母》
拉斐尔·桑西（1483 —1520），Raffaello Santi全名Raffaello Sanzio da Urbino，常称为拉斐尔（Raphael），意大利著名画家，也是“文艺复兴后 三杰”中最年轻的一位，代表了文艺复兴时期艺术家从事理想美的事业所能 达到的巅峰。他的性情平和、文雅，创作了大量的圣母像，他的作品充分体 现了安宁、协调、和谐、对称以及完《蒙娜丽莎》
列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇 （意大利文原名：Leonardo di ser Piero da Vinci，1452年4月15日—1519年5月2日，享年67岁），意大利学者、艺 术家。 欧洲文艺复兴时期的天才科学家、发明家、画家。现代学者称他为“文艺复 兴时期最完美的代表”，是人类历史上绝无仅有的全才，他最大的成就是绘 画，他的杰作《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》、《岩间圣母》等作品，体现 了他精湛的艺术造诣。他认为自然中最美的研究对象是人体，人体是大自然 的奇妙之作品，画家应以人为绘画对象的核心
浅析古典主义油画的现实意义
浅析古典主义油画的现实意义【摘要】古典主义油画作为西方绘画史上重要的流派之一，深受各个时期艺术家的喜爱和推崇。
本文从古典主义油画的起源和风格特点入手，分析了它在现实社会中的重要意义。
古典主义油画通过对现实的再现，使观众能够感受到艺术家对世界的观察和表达。
古典主义油画也记录了人类历史的重要时刻和人物，成为珍贵的历史资料。
在文化传承方面，古典主义油画承载着丰富的文化内涵，对后世艺术家和观众有着重要的启发和影响。
古典主义油画在现实生活中扮演着不可或缺的角色，对人类文化的传承和发展起着重要的推动作用。
【关键词】古典主义油画、现实意义、再现、人类历史、文化传承、起源、风格特点、记录、总结1. 引言1.1 古典主义油画的起源古典主义油画起源于欧洲文艺复兴时期，是受到古希腊和罗马文化的启发而产生的艺术风格。
在这个时期，艺术家们开始重新审视古典时代的艺术和文学作品，强调理性、秩序和对称性。
古典主义油画的起源可以追溯到16世纪意大利艺术家拉斐尔的作品，他在其作品中运用了古典时代的理念，创造出了优雅、和谐的艺术风格。
古典主义油画的起源还可以追溯到17世纪荷兰和法国的巴洛克艺术家，他们对古典主义理念进行了进一步的发展和演绎。
这一时期的艺术作品强调对人体结构和自然景观的准确描绘，同时还注重情感表达和戏剧性的呈现。
1.2 古典主义油画的风格特点古典主义油画的风格特点主要表现为对人物形象的理想化和理性化，注重对于光影效果的精细表现，以及对于古代文学和历史题材的偏爱。
在古典主义油画中，人物形象通常被描绘成具有完美身材和面容的英雄或女神，展现出高贵、威严和神秘的气质。
而对于光影效果的处理则是古典主义油画的一大特点，艺术家们通过精细的阴影和明暗的对比，为画面增添了立体感和现实感。
古典主义油画还经常表现古代文学和历史题材，包括希腊神话、罗马史诗、圣经故事等等。
艺术家们常常通过这些古代题材来探讨人类的价值观、信仰和命运，使作品充满了历史的深厚内涵和文化的底蕴。
浅析古典主义油画的现实意义
浅析古典主义油画的现实意义1. 引言1.1 古典主义油画的起源古典主义油画的起源可以追溯到文艺复兴时期的意大利。
在文艺复兴时期，人们开始重视古代希腊和罗马艺术的审美标准，强调理性、秩序和对称之美。
古典主义油画在这个时期逐渐成为主流艺术风格，其作品往往具有清晰的线条、明亮的色彩和优雅的构图。
艺术家们通过对古代文化的研究和借鉴，创作出了许多具有永恒美感的作品，成为后世艺术家们的灵感源泉。
古典主义油画的起源可以说是一种对古代文明的致敬和传承，同时也体现了人类对美的追求和探索。
在古典主义油画的影响下，许多艺术家都受到启发，创作出了许多不朽的经典作品，为后世艺术史留下了宝贵的遗产。
古典主义油画的起源不仅是一种艺术风格的发展，更是对人类文明和历史的尊重和传承。
1.2 古典主义油画的特点古典主义油画是一种风格严谨、技巧娴熟的绘画风格，其特点主要包括以下几个方面：1. 理性与秩序：古典主义油画强调逻辑思维和秩序性，作品通常具有严谨的构图和明确的主题，体现出艺术家对现实世界的理性思考和表达。
2. 审美标准化：古典主义油画追求完美与经典，注重艺术作品的审美标准与规范，力求达到最高的艺术表现力，使观众在审美上得到满足和启发。
3. 细腻的表现技巧：古典主义油画擅长运用透视、光影、色彩等技巧，通过精细的描绘和处理，使画面更加生动、立体和逼真，增强作品的艺术感染力和吸引力。
4. 古典主题和历史性: 古典主义油画常常选择古典主题或历史场景作为创作对象，借助历史和传统的元素来表达对人类文明和价值观的思考和反思，使作品具有深厚的文化内涵和历史意义。
古典主义油画以其独特的审美追求和表现技巧，对艺术家的创作和现实生活都产生了重要的影响与意义。
2. 正文2.1 艺术对现实的反映通过古典主义油画作品对现实的反映，人们可以更加深入地了解历史、文化和社会。
艺术家们通过作品展示的现实主题和情感，使观者能够感受到历史的沧桑和文化的积淀，从而增强对传统文化的认知和理解。
浅析古典主义油画的现实意义
浅析古典主义油画的现实意义古典主义油画是西方艺术史上的一个重要流派，兴起于17世纪意大利，并在欧洲乃至全世界范围内得到了广泛的发展和影响。
在古典主义油画中，艺术家们以严谨的构图、精湛的技艺和深刻的主题表现力，表达了对人性、信仰和美的追求，呈现出了对现实生活的深刻思考和艺术创作的独特魅力。
古典主义油画的现实意义不仅在于其对艺术表达的重要贡献，更在于其对当代社会和人文精神的启示和影响。
古典主义油画对艺术表达的重要贡献体现在其严谨的构图和精湛的技艺上。
古典主义油画强调对人物形象、事物结构、光影效果等细节的精准描绘和构图的精致安排。
这种精湛的技艺和严谨的态度为后世绘画技艺的发展和提高提供了重要的借鉴和启示。
古典主义油画所体现出的对形式美的追求和对细节的极致追求，激发了后世绘画家对真实世界的表现力和艺术创造力，为油画艺术的发展开辟了新的道路。
古典主义油画对当代社会和人文精神的启示和影响体现在其对人性、信仰和美的追求上。
古典主义油画所塑造的人物形象和表现的主题多是关于人的生活、信仰、梦想和追求，以及对美的追求和对真善美的追求。
古典主义油画所表现的人性情感、道德伦理和美的追求，对当代社会和人文精神具有重要的启示和影响。
在当代社会，人们在生活中面临着各种各样的社会、文化和伦理问题，古典主义油画所表现的人性、信仰和美的追求，对我们弘扬人文精神、传承文化传统、推动社会发展具有重要的借鉴和启示意义。
古典主义油画的现实意义还体现在其对现实生活的深刻思考和艺术创作的独特魅力上。
古典主义油画所表现的主题和情感多是关于人的生活、信仰、梦想和追求，以及对美的追求和对真善美的追求。
古典主义油画所呈现的人物形象多是优雅端庄、丰腴健美，充满着韵律感和美感。
古典主义油画所塑造的人物形象和表现的主题，展现出了对生活、对信仰和对美的追求，彰显出了对当代现实生活的深刻思考和当代艺术创作的独特魅力。
古典主义油画所具有的优美的形式和深刻的内涵，为我们提供了对艺术创作的重要启示和对现实生活的深刻反思。
浅析古典主义油画的现实意义
浅析古典主义油画的现实意义古典主义油画是欧洲17-18世纪的一种艺术风格，它以古典主义的审美观念为指导，通过精湛的绘画技巧和对人物、历史等主题的表现，传达出一种崇高和优雅的艺术情感。
古典主义油画在艺术史上占据着重要的地位，不仅反映了当时社会文化和政治环境的特征，更具有深刻的现实意义。
古典主义油画通过对人物、历史等主题的表现，传达出一种崇高和优雅的艺术情感。
古典主义强调人的理性和理性的审美，注重对理想化的形态和结构的追求，因此在古典主义油画中，人物形象往往具有英俊的外貌和优雅的姿态，呈现出一种高尚的气质和崇高的品质。
尼古拉斯·普桑的《拉奥孔与塞克斯图斯》和雅克-路易·大卫的《奥拉托里厄斯之死》等作品，都通过对历史题材的表现，传达了古典主义所倡导的高尚道德和英雄气概。
这种崇高和优雅的艺术情感不仅体现了古典主义艺术家对人性的理想化追求，更深刻地反映了当时社会对高尚品质和美好生活的向往，具有重要的现实意义。
古典主义油画反映了当时社会文化和政治环境的特征。
在17-18世纪的欧洲，古典主义成为了当时社会的主流艺术风格，它对艺术家的绘画技巧和审美观念提出了较高的要求，因此古典主义油画成为了当时社会文化艺术的重要组成部分，代表了当时社会文化环境的特征。
雅克-路易·大卫的《权力的呼唤》就是一幅典型的古典主义油画，它通过对历史题材的表现，反映了法国大革命时期的政治氛围和社会动荡，具有明显的时代特征。
古典主义油画不仅是艺术家对现实世界的一种表达方式，更是当时社会文化和政治环境的一种反映，所以具有较强的现实意义。
古典主义油画所传达的崇高和优雅的艺术情感，不仅提醒我们要追求高尚的品质和美好的生活，更启发我们在当代社会中追求精神境界的升华和人文关怀的表达。
在当代社会，我们常常面对着各种物质的诱惑和现实的压力，而古典主义油画所传达的那种崇高和优雅的艺术情感，正好可以提醒我们要在日常生活中去追求精神层面的升华，珍惜和追求高尚品质的生活方式，以及发扬人性的美好品质。
论古典油画的色彩语言特征
论古典油画的色彩语言特征古典油画作为绘画艺术的重要形式之一，具有浓厚的时代特征和艺术价值。
在古典油画中，色彩语言是一种重要的表现手段，通过色彩的运用，艺术家能够传达丰富的情感和思想，从而使作品更加生动和深刻。
本文将从古典油画的色彩运用特点、色彩的象征意义和艺术家的个性化色彩表达三个方面来探讨古典油画的色彩语言特征。
一、古典油画的色彩运用特点古典油画的色彩运用以明暗对比和冷暖对比为主要特点。
在古典油画中，艺术家通过对色彩的明暗度和冷暖度进行精心的搭配和运用，使得作品具有鲜明的层次感和视觉冲击力。
在古典油画中，常常运用明暗对比来突出主题或营造氛围，使得画面更加生动和有力量感。
古典油画中的冷暖对比也是一种常见的手法，透过色彩的对比来表现画面中的温度变化和情感变化，使得作品更加具有表现力和感染力。
古典油画的色彩运用特点主要体现在对比的明暗度和冷暖度上，这种对比的运用使得古典油画更加具有深度和韵味。
二、色彩的象征意义古典油画中的色彩不仅仅是一种表现手段，更是一种象征意义。
不同的颜色在古典油画中具有不同的象征意义，艺术家通过对色彩的巧妙运用，使得作品更加丰富和富有内涵。
在古典油画中，红色往往象征着热情和爱情，绿色象征着生命和希望，蓝色象征着冷静和深沉，黄色象征着快乐和明朗，黑色象征着悲伤和绝望，白色象征着纯洁和神圣等等。
通过对这些颜色的应用，艺术家能够更加准确地表达自己的情感和思想，使得作品具有更加深远的内涵和更加广泛的共鸣。
色彩的象征意义是古典油画中的一个重要特征，通过对色彩的巧妙运用，艺术家能够创作出更加充满内涵和情感的作品。
三、艺术家的个性化色彩表达在古典油画中，艺术家的个性化色彩表达是一种重要的表现方式。
每位艺术家都有自己独特的色彩审美和色彩表达方式，通过对色彩的巧妙运用，艺术家能够更好地表达自己的艺术情感和审美追求。
梵高的色彩表现具有鲜明的个性化特征，他善于运用浓烈的色彩来表现内心的激情和情感冲动，使得他的作品充满震撼力和表现力。
古典油画的特点技法步骤
古典油画的特点技法步骤古典油画的特点无论画面大小，都有一种很完美的情境。
众多物象的场景经画家布局，形成秩序、层次分明、有主有次的画面。
主体突出，细节精微，造型与色彩往往呈现出典雅、统一的意趣，给人很悦目的感觉。
大部分画家采用的多层画法，暗部颜色往往用稀薄的颜料多层均匀铺设而成，看上去隐约中有微妙变化，亮部则多厚堆颜料，具有质感和亮感，明暗之间的响亮与深邃，形成深入浅出的节奏与韵味。
古典油画的简介古典油画是油画中最具有贵族气息的一种，它属于纯手工制作，且是少数可由一人独立完成的制作的技艺之一。
古典主义古典主义与学院主义——古典主义是以尊重古希腊、罗马的`审美原则，构图上对称、均衡，气势上庄严、辉煌、崇高向上，技法精湛，刻画深入。
这也是学院主义的奉行的原则。
正如学院派奠基者法契诺所讲“美是所有艺术品的最高目标，它是事物的一种客观性质，由秩序、和谐、比例、规矩所组成”。
其代表作家有拉斐尔、安格尔安格尔被誉为欧洲最后的一位古典主义大师。
古典油画的技法坦培拉是英语 Tempera 的音译，来源于古意大利语，意为“调和”“搅拌”，后泛指一切由水溶性、胶性颜料及结合剂组成的绘画，也常单用于鸡蛋等乳性胶结合剂组成的绘画。
中国有“蛋培拉”“丹培拉”等多种译音。
也有根据使用媒介译作“蛋清胶粉画”“蛋清画”“蛋白画”“蛋彩画”等。
坦培拉并非只使用蛋液，也使用其它材料做媒介，所以音译较为恰当。
纯净蜂蜡(应为白色或淡黄)按体积蜂蜡与松节油1;3.5或1;4溶解成膏状, 把完全干透的油画(洁净)平放好把腊膏放在手掌的球部(小指侧手掌的最根部)轻,匀,揉到画面. 得到的上光可以很好的保护画面但是哑光的,要亮点的可以等干后用绒布抛光. 配制的方法非常的多比如：一个鸡蛋,等体积的油,2份等体积的水,依次装到瓶子里,每次都要充分摇匀,注意次序,否则就会失败.(鸡蛋可以是全蛋也可以是只要蛋黄.)古代欧洲画家们在谙熟和热衷于坦培拉绘画技法的同时，也渐渐发现并意识到了它的不足，主要表现为：颜色之间难于融合晕接以及使用小笔排线过于费力等。
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古典油画古典油画(5张) 600年前起源于欧洲，大公元1th 油画（an oil painting; a painting in oils）是以用快干性的植物油（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。
作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。
画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。
凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。
油画是西洋画的主要画种之一。
人类最早使用的颜料是以水溶性材料为主的。
在早期绘画中自发地以水、树胶或动物胶等天然的物质作为颜料的稀释剂和粘合剂是十分自然的，它们取材方便，使用简单，这在东西方早期绘画中是一致的。
今天的水彩和水粉的颜料等都是水性媒介型的，其表现技法自由、流畅，可产生轻快、透明的效果，也是中国画、日本画等东方绘画的主要材料类型。
古代欧洲的画家们在谙熟和热衷于坦培拉绘画技法的同时，渐渐发现了它的缺陷与不足，比如：颜色之间难以融合晕接，色彩不够柔和光艳，小笔多次排线过于费力，以及在潮湿的气候条件下易发霉和低度抗碰撞能力。
鉴于此，画家们发明了用透明漆上光以保护画面的办法。
而后又有人在坦培拉底层画面上做多层透明色罩染，后称之为上光油画术或釉染法，这便形成了混合技法，一种非坦培拉绘画亦非油画的技法。
达·芬奇的《最后的晚餐》就是油性坦培拉绘画。
达·芬奇对油性颜料进行过多次研究运用，但技术不够成熟，致使许多作品没能留存下来。
油画的发明者是谁？单纯用油做绘画媒剂，在拜占庭时代就有人试验过。
据记载，这种画放在烈日下曝晒数月仍不会干燥。
1200年，僧侣西奥费尔·鲁济罗斯写了有关油画论文《多样化的艺术形式》，在这篇论文中，他介绍了亚麻仁油和阿拉伯树脂的使用方法。
13世纪末在英伦三岛出现过类似油画的绘画。
14世纪末，尼德兰的两位画家凡·爱克兄弟（杨·凡·爱克及其兄胡伯特·凡·爱克）找到了一种简便的用油溶化颜料作画的方法，创作了纯粹的油画。
美术史家虽不能断定凡·爱克兄弟是油画的发明者，但至少他们是在前人试验的基础上找到了一种理想的以油脂为主的绘画媒剂配方。
不少专家认为他们最大的功绩是在油脂中加入了天然树脂，使行笔流畅、媒剂速干。
杨·凡·爱克的《阿尔诺芬尼的婚礼》一画和他最著名的作品《根特祭坛画》（现藏于比利时根特城的圣·巴冯教堂，由23幅画组成。
）被认为是欧洲油画发展史上的重要作品。
凡·爱克兄弟发明的调油技术，据说是用一种“白布鲁日光油”和亚麻仁油混合在一起作画，用它们调和他在坦培拉绘画中使用过的颜料，发现效果很好。
（一些研究者认为，“白布鲁日光油”是精馏松节油，现在我们仍使用松节油稀释油画颜料。
）意大利最早研究并掌握油画技法的画家安东奈洛·达·梅西纳（Antonueuo De Messina 1430-1479）据说是在去尼德兰了解到凡·爱克兄弟的油画技法之后，回到威尼斯传授油画颜料使用方法的，自此油画作为一个独立的画种在欧洲大陆流行开来。
几百年来，经过各代画家的继承和创造，油画得到进一步的发展与完善。
古典油画的发展600年前起源于欧洲，大约15世纪时由荷兰人发明的，油画的前身是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画。
用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或木板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。
油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。
起源于宗教服务，是宗教的活动的重要组成部分。
成为西方绘画史中的主体绘画方式，现在存世的西方绘画作品主要是油画作品。
绝大部分壁画作品也是用油画颜料和创作方式制作的。
随着时间的发展油画逐渐生活化，其中最著名的就是《蒙娜丽莎》表现的一个普通妇女并广为流传。
19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，油漆等。
发展史油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。
油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。
15世纪的欧洲的文艺复兴运动中，人文主义思想出于对宗教的批判,有着关注社会现实的积极要求,许多著名画家为逐渐摆脱单一的以基督教经典为题材的创作，开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观察和直接描绘，使宗教题材的作品含带明显的现实世俗因素，有的画家完全描绘现实生活的实景。
文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术观念，即不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果，于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。
与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。
人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般准确的比例、形体、结构关系；焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间，画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相同；明暗法使画中的物象统一在一个主要光源发出的光线下，形成由近及远的清晰层次。
人文主义的艺术主题与追求写实的造型观念在其他画种中所以不能完善，是因为工具材料的限制，而油画工具材料性能正适于将二者充分体现出来。
因而，古典油画成为经长期制作的、高度写实的面貌。
古典油画在整体上是油画语言等因素共时综合运用的结果，但不同国家、不同时期的艺术家在此基础上对某一个或几个因素特别注重，形成了不同的风格。
文艺复兴时代的意大利画家比较注重明暗法的运用，画中景物的暗部统一笼罩在阴影中，明暗交界线呈柔和的过渡，造就了画面集中而浑然的效果。
L.达·芬奇的《岩间圣母》是这种风格的代表。
同时期的尼德兰画家则清晰地刻画画中景物各个细部，景物之间是色彩的差别而非明暗的过渡，R.康平的三叶祭坛画《受胎告知》就细致地呈现室内外的所有景物。
意大利的提香是第1个特别注重油画色彩表现力的画家，他在暗底子上作画，并常用明度接近、色相略异的明亮色彩构成富丽堂皇的金黄色调，透明颜料的多次复叠，忽厚忽薄的笔法，又使色彩与形体有机溶合，造就出质感效果。
17世纪是欧洲古典油画迅速发展的时期，不同地区、国家的画家依据自己生活的社会背景、民族气质，在油画语言上进行了不同的深向探索，油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。
油画技法也日臻丰富，并形成了各国、各地区的学派。
从18世纪开始，油画艺术也同样在社会、文化、科技等多元因素的冲击下，有了翻天覆地、摧枯拉朽的变化。
更多的流派、更多的思维、更丰富的创作、更深刻且影响更广的理论，激扬、解构、反叛，争奇斗艳、百花齐放。
古典油画在整体上是油画语言诸因素共时综合运用的结果，但不同国家、不同时期的艺术家在此基础上对某一个或几个因素特别注重，形成了不同的风格。
文艺复兴时代的意大利画家比较注重明暗法的运用，画中景物的暗部统一笼罩在阴影中，明暗交界线呈柔和的过渡，造就了画面集中而浑然的效果。
l.达·芬奇的《岩间圣母》是这种风格的代表。
同时期的尼德兰画家则清晰地刻画画中景物各个细部，景物之间是色彩的差别而非明暗的过渡，r.康平的三叶祭坛画《受胎告知》就细致地呈现室内外的所有景物。
意大利的提香是第 1个特别注重油画色彩表现力的画家，他在暗底子上作画，并常用明度接近、色相略异的明亮色彩构成富丽堂皇的金黄色调，透明颜料的多次复叠，忽厚忽薄的笔法，又使色彩与形体有机溶合，造就出质感效果。
17世纪是欧洲古典油画迅速发展的时期，不同地区、国家的画家依据自己生活的社会背景、民族气质，在油画语言上进行了不同的深向探索，油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。
油画技法也日臻丰富，并形成了各国、各地区的学派。
17世纪的一部分油画强调了油画的光感，运用色彩冷暖对比、明暗强度对比、厚薄层次对比进行光感的创造，形成画面戏剧性气氛。
意大利画家卡拉瓦乔打破了他之前油画中有序和谐的光感效果，他强化画面上明暗的对比，往往用画面背景平面的大片暗部衬托前景明亮的人物,令人感到画中光线耀眼。
西班牙画家el.格列柯将景物处理成处在斑驳的光影之下，他不是从明暗两大体面，而是从间断错落的明暗分布进行造型，色彩的冷暖也形成间断的连续变化，用笔凝重，色彩层面在挤压中互相渗化，画面给人扑朔迷离的效果，有的甚至充盈着神秘与不安的气氛。
荷兰画家伦勃朗也把画中的光感作为表现人的精神状态的一种手段，他所作大量的人物肖像中，人物都处在大块暗部的笼罩中，唯表现神情的脸、手等重要部分显出鲜明的亮度。
他运用沉着的颜色在暗部多层薄涂，使暗部显得深邃，画亮部则用厚涂和画刀堆色法，造成厚重的体量感。
同时期，笔触的运用也被许多画家侧重探索。
笔触是带有颜料的油画笔在画布上运动的痕迹，早期油画全幅各部分颜料层厚薄比较一致，运笔力度均匀，几乎不显露出笔触。
17世纪的画家注意到笔触的运动受创作时心境和情感律动的驱使，画家在作画时能产生控制笔触动势的情感，笔触的轻、重、缓、急和运动方向不仅使被塑造的形象显出生动感，笔触自身也具有艺术表现力。
佛兰德斯画家p.p.鲁本斯在众多的巨幅作品中运用饱蘸稀薄明亮颜色的大笔涂绘，依照人物的形体运笔，留下自由奔放、多呈曲线的笔触，造成了体态的强烈动势和故事情节的戏剧性冲突。
荷兰画家f.哈尔斯则运用轻快、灵活的笔触描绘肖像，使肖像具有人物神采未消的生动感，与他偏于表现豪迈、乐观的人物相辅相成。
另一个荷兰画家j.维米尔善于用珍珠般细碎的、圆润的笔触描绘处在室内的人物，使画面产生宁静、温暖的气氛。
油画的发展在19世纪有了新的趋向，主要是油画色彩的变革。
英国画家j.康斯特布尔最早直接用油画在室外写生，获得丰富的色彩感受，他在局部用细小笔触并置颜色，使之混合成较鲜明的色块，画面较古典的褐色调子明亮得多。
色彩的补色──色轮两极的颜色在并置时能互相提高明度和强度的原理，是在后来被科学认识的，但康斯特布尔凭借对自然的观察感性地获得了补色原理，并在实践中部分地运用。
他的作品启发了法国画家e.德拉克洛瓦。
德拉克洛瓦以浪漫主义思想支配创作，根据当时的历史事件创作大幅主题画。
他将补色关系更多地运用于创作的色彩表现，运用活跃的笔触，在画面的许多部位形成色彩的对比，增强了色彩的明亮度和华丽感，形成了震动当时画坛的风格。